Sound IDs y la pérdida de ingresos para los artistas

Los Sound IDs son identificadores de audio que TikTok utiliza para rastrear las canciones dentro de la plataforma y calcular los pagos de regalías. Sin embargo, muchos de estos identificadores están mal atribuidos o manipulados por los usuarios, lo que impide que los artistas reciban los pagos que les corresponden.

Algunos ejemplos recientes han revelado que:

• Existen Sound IDs con cientos de miles de creaciones que no están acreditadas correctamente al artista original.
• TikTok ha comenzado a pagar regalías en función de las vistas, lo que hace que los videos virales sean aún más valiosos en términos de ingresos.
• El proceso para reclamar un Sound ID es complejo y limitado, lo que dificulta que los titulares de derechos corrijan errores y recuperen sus ingresos.

Ejemplos de atribución incorrecta en Sound IDs

La plataforma PEX realizó un análisis en el que se evidencia que el problema se manifiesta de distintas formas. Por ejemplo, se identificó un Sound ID que usa una versión editada de «16 Carriages» de Beyoncé. Este audio fue subido por un usuario llamado «JAYBeatz» y ha sido utilizado en más de 97,000 videos. Como resultado, Beyoncé no recibe ningún ingreso por estas reproducciones.

Situaciones similares ocurren con:

• Una versión acelerada de «Stick Season» de Noah Kahan, subida por una usuaria llamada Sara, que ha sido utilizada en 142,000 videos.
• Una versión acelerada de «OMG» de NewJeans, atribuida a un usuario anónimo con un emoji en su nombre, utilizada en 187,000 videos.

Estos casos ponen en evidencia la falta de control sobre la atribución de Sound IDs en TikTok y cómo esto afecta directamente los ingresos de los artistas.

Videos virales con millones de vistas y atribución errónea

Con el nuevo modelo de pagos basado en vistas, los errores en la atribución de Sound IDs generan aún mayores pérdidas. Algunos ejemplos incluyen:

• Un video con 21 millones de vistas que usa «Not Like Us» de Kendrick Lamar, pero cuyo Sound ID está vinculado a «snowfall» de los usuarios «Øneheart» y «discord.gg/parazit». Este video, según las tarifas de TikTok ($20 por cada millón de vistas), representa al menos $420 que no llegan al artista original. Puede parecer una suma irrisoria, pero cuando se acumulan miles de instancias en las que esto sucede, las cantidades se acumulan rápidamente.
• Un video con 3.8 millones de vistas que usa la versión acelerada de «OMG» de NewJeans sin atribuir crédito a la banda.
• Otro video con 2.5 millones de vistas con la misma problemática.

Cuando se suman miles de estos casos, las pérdidas para los artistas se vuelven significativas. Además, los usuarios que suben estas versiones manipuladas terminan recibiendo pagos que no les corresponden.

Sound IDs que los titulares de derechos no pueden reclamar

Incluso cuando los titulares de derechos identifican usos no autorizados de su música, muchas veces no pueden reclamar esos Sound IDs debido a las restricciones de TikTok. Actualmente, la plataforma permite que solo un titular de derechos reclame un Sound ID por video, lo que genera problemas cuando:

1. Un Sound ID está vinculado erróneamente a otro contenido.
2. Múltiples titulares de derechos deberían ser acreditados en un mismo Sound ID.
3. Un usuario manipula el audio para evitar la detección de derechos de autor.

Algunas opciones que los artistas tienen para solucionar esto incluyen:

• Emitir una notificación de eliminación DMCA para que se retire el video.
• Reportar el problema directamente a TikTok con la esperanza de que se corrijan las reglas de atribución.
• Contactar al creador del video o al usuario que subió el Sound ID para tratar de resolver la situación.

Ejemplos de videos virales con Sound IDs mal atribuidos incluyen:

• Un video con 10 millones de vistas que usa «Meet the Grahams» de Kendrick Lamar, pero el Sound ID está vinculado a «Redrum» de 21 Savage.
• Un video con 7.6 millones de vistas donde el Sound ID muestra «Masterpiece» de Rak-Su, aunque la música real es «Not Like Us» de Kendrick Lamar.
• Dos videos con canciones de Beyoncé que suman más de 6.5 millones de vistas sin que la artista reciba crédito ni ingresos.

Por otro lado, existen casos en los que los usuarios bajan el volumen de los tracks de la biblioteca de TikTok y añaden audio adicional para evitar reclamos de copyright o para hacer trendjacking.

¿Hacia dónde va TikTok en materia de derechos de autor?

El modelo de pagos basado en vistas de TikTok podría beneficiar a los artistas si la atribución de Sound IDs fuera precisa y justa. Sin embargo, la realidad actual muestra que muchos creadores están perdiendo ingresos debido a errores en la plataforma y al abuso de los usuarios que suben versiones alteradas de las canciones.

Para mejorar la situación, TikTok debería:

1. Implementar mejores tecnologías de detección de audio para evitar manipulaciones.
2. Permitir que múltiples titulares de derechos reclamen un mismo Sound ID cuando corresponda.
3. Agilizar el proceso de reclamación para que los artistas puedan corregir errores rápidamente.

A medida que la plataforma sigue evolucionando, la industria musical debe mantenerse alerta para garantizar que los artistas reciban lo que les corresponde. La lucha contra el fraude musical en TikTok apenas comienza.

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En la era del streaming, los ingresos de un compositor provienen principalmente de las regalías editoriales, que son considerablemente más bajas que las que reciben los artistas y sellos discográficos por los derechos de máster. En promedio, el sello puede obtener entre tres y diez veces más que el compositor. Esto crea una desigualdad que afecta directamente a los compositores, quienes ven su participación económica reducida a pesar de que sus canciones puedan ser populares.

Para tener un cotexto, los ingresos editoriales globales en 2023 alcanzaron un total de $9.03 mil millones por primera vez, lo que representó un 10.9% de aumento con respecto a 2022. Esto en comparación con los $28.6 mil millones de ingresos que reportó la industria discográfica el mismo año, da cuenta de la disparidad entre ambas ramas del negocio musical.

Esta situación es aún más complicada porque, en muchos casos, los artistas exigen una parte de las regalías editoriales, incluso si no han contribuido directamente a la composición de la canción. Además, las sesiones de composición, que solían ser más íntimas, ahora incluyen un mayor número de personas, lo que hace que los ingresos se deban dividir entre más participantes. Este conjunto de circunstancias hace que los ingresos de los compositores sean cada vez más limitados, obligándolos a luchar por escribir los éxitos principales de cada álbum si desean vivir de su arte.

Las iniciativas de los sellos independientes

Históricamente, los compositores no han recibido regalías de los másters, ya que tradicionalmente no han sido considerados parte del proceso de grabación, como sí lo son los artistas y los productores. Sin embargo, dada la precaria situación financiera de los compositores, muchos sellos independientes han comenzado a reconocer el valor crucial que aportan los compositores y han decidido ofrecerles puntos de máster para mejorar su compensación.

Facet Records, The Other Songs, Nvak Collective y Good Boy Records han implementado sistemas de puntos de máster que otorgan a los compositores una pequeña fracción de las ganancias generadas por la grabación. Este modelo de «puntos» significa que los compositores pueden recibir una parte de los ingresos netos de la grabación, tal como lo hacen los productores o los artistas.

Por ejemplo, The Other Songs ofrece cuatro puntos a los compositores en cada grabación, divididos entre los escritores que participan en la canción. En 2021, Nvak Collective también comenzó a dar el 4% de las ganancias netas de sus másters a los compositores, lo cual representa un avance en la industria. Estas iniciativas buscan ofrecer a los compositores ingresos adicionales más allá de las regalías editoriales, con la esperanza de equilibrar la balanza entre los ingresos del máster y los del compositor.

Este movimiento, si bien es una medida temporal para paliar la crisis, tiene un impacto importante en la estabilidad económica de los compositores. Según Jaime Zeluck-Hindlin, fundadora de Nonstop Management, muchos compositores con suficiente influencia logran negociar medio punto o un punto en un máster. Sin embargo, aún no se considera una norma en la industria, y solo aquellos con carreras consolidadas pueden exigir estos puntos con mayor seguridad.

La posición de los sellos grandes frente a las nuevas prácticas

Aunque algunos sellos independientes están dispuestos a implementar sistemas de puntos para los compositores, las grandes discográficas aún se muestran renuentes a adoptar estas prácticas. Los sellos grandes, en especial los que cotizan en bolsa, están más enfocados en maximizar los beneficios y son más conservadores al introducir cambios en sus estructuras de compensación. Sin embargo, algunos expertos de la industria, como Justin Tranter de Facet Records, están optimistas de que el éxito de los sellos independientes en esta área podría presionar a las grandes discográficas para que sigan el mismo camino.

Tranter destaca que existen otras medidas para hacer que los sellos sean más amigables para los compositores, como proporcionar viáticos, almuerzos gratuitos o transporte para las sesiones de grabación. Estos beneficios adicionales no solo mejorarían la experiencia de los compositores, sino que también representarían un compromiso tangible con su bienestar.

La necesidad de una reforma estructural en el modelo de streaming

El modelo de streaming, aunque conveniente para los consumidores y rentable para los sellos, ha generado una estructura de ingresos que no refleja adecuadamente el trabajo de los compositores. Las regalías editoriales son limitadas y, en gran parte, están reguladas por el gobierno en Estados Unidos, lo que dificulta realizar ajustes significativos en la distribución de ingresos. Según un informe de la Alianza Europea de Compositores y Escritores de Canciones (ECSA), en 2021, solo un 13.2% de los ingresos generados por streaming fue destinado a los compositores, mientras que los sellos recibieron el 58.6%.

La ECSA ha propuesto una serie de reformas, como honorarios por tiempo trabajado, puntos de máster y compensaciones por gastos, para brindar a los compositores una mayor participación en los ingresos generados por su trabajo. Este tipo de cambios ayudaría a restaurar la estabilidad financiera de los compositores y permitiría que sigan desarrollando sus carreras en un entorno más justo.

Otras iniciativas de apoyo a los compositores

La desigualdad en la compensación ha llevado al lanzamiento de campañas como #PaySongwriters en el Reino Unido, que busca crear conciencia sobre las dificultades que enfrentan los compositores y presionar para que los sellos adopten prácticas de compensación más justas. En otros países, como Alemania y Dinamarca, las organizaciones de compositores han iniciado diálogos con managers y sellos para fortalecer las relaciones con los intermediarios y mejorar las condiciones de negociación de los compositores.

Estas campañas reflejan un reconocimiento colectivo de la necesidad de cambiar el modelo de compensación actual. Para muchos, ofrecer puntos de máster a los compositores es solo una medida provisional que no soluciona el problema subyacente, pero representa un avance hacia una industria musical más equitativa y sostenible.

Algunos artistas independientes también han comenzado a contribuir a la causa de los compositores, cediendo una parte de sus propias regalías para mejorar la compensación de sus colaboradores. Artistas como Austin Burke  Troy Cartwright han compartido porcentajes significativos de sus ingresos de streaming con los compositores de sus canciones, lo que no solo ayuda económicamente a los compositores, sino que también establece un estándar de respeto y apoyo en la industria.

Estos movimientos, aunque aislados, podrían sentar un precedente importante. Si más artistas y productores independientes siguen este ejemplo, podría generarse una presión hacia las grandes discográficas para que reconsideren sus políticas de compensación y adopten prácticas que valoren mejor el trabajo de los compositores.

Hacia un nuevo modelo de compensación para los compositores

La situación actual de los compositores en la industria del streaming plantea preguntas urgentes sobre la equidad en la compensación y el valor del trabajo creativo. Aunque los puntos de máster y las iniciativas de artistas independientes ofrecen soluciones temporales, la industria necesita una reforma estructural que garantice una compensación justa para todos los involucrados en el proceso creativo de la música.

El trabajo de los compositores es fundamental para el éxito de la industria musical, y su labor debe ser valorada y compensada de manera adecuada. Sin composiciones no existen las grabaciones, entonces ¿por qué se valora una mucho más que la otra?

A medida que más sellos y artistas adopten políticas que incluyan a los compositores en los ingresos de los másters, se avanza hacia un modelo que honra el esfuerzo y la creatividad de quienes dan vida a las canciones.

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Cada acuerdo tiene sus propias implicaciones financieras, obligaciones legales y restricciones creativas, por lo que firmar el contrato adecuado puede moldear significativamente la trayectoria de la carrera de un músico. Este artículo explora los principales tipos de contratos discográficos en la industria musical actual, ofreciendo ideas sobre cómo funcionan y a qué deben prestar atención los músicos.

1. Contrato Discográfico Tradicional

El contrato discográfico tradicional, es lo que la mayoría de los músicos aspirantes imaginan cuando piensan en firmar con una compañía discográfica. Este contrato generalmente involucra a una de las tres grandes discográficas: Universal Music Group, Sony Music o Warner Music Group, que ofrecen un adelanto sustancial al artista a cambio de los derechos de sus grabaciones (a menudo referidos como los «masters»).

Características Clave:

• Adelanto: El artista recibe una suma global por adelantado, que en la práctica se asemeja mucho a un préstamo que debe ser recuperado con futuros ingresos antes de que el artista comience a ver regalías.
• Recuperación: La discográfica recupera el adelanto y otros costos (por ejemplo, gastos de grabación, marketing, promoción) antes de que el artista gane regalías.
• Regalías: El artista recibe un porcentaje de los ingresos por ventas de álbumes, reproducciones y otros usos de su música, pero solo después de que la discográfica haya recuperado sus costos. Las tasas estándar de regalías para contratos con grandes discográficas suelen estar entre el 10% y el 20%.
• Control Creativo: Las grandes discográficas suelen tener un control significativo sobre la dirección artística del proyecto, incluyendo la elección de productores, el lanzamiento de sencillos y las estrategias de marketing.

Pros: Las grandes discográficas tienen vastos recursos para la promoción, distribución y alcance internacional.
Contras: El artista puede tener un control creativo limitado, y el proceso de recuperación puede significar que toma mucho tiempo ver ingresos más allá del adelanto inicial.

2. Contrato 360

Bajo este acuerdo, la discográfica no solo toma una parte de las ventas y reproducciones de la música del artista, sino también un porcentaje de otros flujos de ingresos, como giras, merchandising y patrocinios.

Características Clave:

• Flujos de Ingresos: La discográfica toma una parte de los ingresos del artista provenientes de fuentes no musicales, incluyendo conciertos, asociaciones de marca y mercancías.
• Adelanto y Recuperación: Al igual que en los contratos tradicionales, el artista recibe un adelanto y debe recuperarlo antes de ganar regalías.
• Inversión Amplia: Debido a que la discográfica tiene un interés en todos los aspectos de la carrera del artista, puede estar más motivada para invertir en su éxito a largo plazo.

Pros: Más apoyo financiero y recursos de la discográfica en diferentes áreas de la carrera del artista.
Contras: El artista puede ceder una porción considerable de sus ganancias no musicales, y aún existe el desafío de recuperar costos antes de ver ganancias.

3. Contrato con Sello Independiente

Los sellos discográficos independientes operan de manera similar a las grandes discográficas, pero suelen ofrecer contratos más flexibles y permitir una mayor libertad artística. Estos sellos suelen ser más pequeños, con menos recursos que las grandes discográficas, pero a menudo se especializan en géneros de nicho y tienen audiencias leales.

Características Clave:

• Adelanto: Los adelantos de los sellos independientes suelen ser menores que los ofrecidos por las grandes discográficas, pero pueden ofrecer mejores divisiones de regalías.
• Control Creativo: Los artistas a menudo retienen un mayor control creativo sobre sus proyectos.
• Regalías: Los sellos independientes pueden ofrecer mejores tasas de regalías que las grandes discográficas, a veces en el rango del 30% al 50%, dependiendo del acuerdo.

Pros: Los artistas mantienen más control sobre su trabajo, y los sellos indies suelen priorizar la integridad artística sobre el atractivo comercial masivo.
Contras: Los sellos independientes tienen menos recursos para marketing y distribución global, lo que puede limitar el alcance comercial del artista.

4. Contrato de Servicios para Artistas (Label Services)

Los contratos de servicios para artistas, también conocidos como contratos de label services, permiten a los músicos retener la propiedad de sus masters mientras subcontratan servicios específicos como marketing, distribución y promoción a un sello o una empresa externa. Este acuerdo ofrece flexibilidad para los artistas que quieren mantener el control sobre su música mientras se benefician de servicios profesionales.

Características Clave:

• Propiedad: El artista retiene la propiedad de sus masters, dándole más control sobre cómo se usa su música en el futuro.
• División de Ingresos: El sello o proveedor de servicios recibe una tarifa o porcentaje de los ingresos por los servicios que brindan, pero esto suele ser más favorable que las divisiones de regalías tradicionales.
• Control: Los artistas mantienen el control sobre su música y decisiones comerciales.

Pros: Mantener la propiedad de los masters es una gran ventaja, y los artistas pueden elegir los servicios que necesitan.
Contras: Los costos iniciales pueden ser más altos para el artista, y el éxito depende más de las habilidades empresariales del mismo.

5. Contrato de Distribución

Un contrato de distribución se centra únicamente en llevar la música de un artista al público, ya sea digital o físicamente. En este tipo de acuerdo, el artista retiene el control completo sobre el proceso creativo y simplemente se asocia con un sello o empresa de distribución para manejar la logística del lanzamiento de la música.

Características Clave:

• Propiedad y Control: El artista retiene la propiedad de sus masters y el control total sobre su música.
• Tarifa de Distribución: El distribuidor toma un porcentaje de las ventas (generalmente entre el 15% y el 25%) por sus servicios, pero no reclama la propiedad de la música.
• Sin Adelanto: Normalmente, los contratos de distribución no incluyen un adelanto financiero.

Pros: El artista mantiene el control creativo y la propiedad de su música mientras aprovecha la red del distribuidor para los lanzamientos.
Contras: No hay apoyo financiero por adelantado, y el artista asume los costos de grabación y promoción.

Algunas distribuidoras ofrecen servcios adicionales de marketing y de administración de regalías, algunas incluso ofrecen adelantos modestos cuando creen en el potencial comercial de un artista. En nuestra Guía básica de Distribución Digital para artistas independientes detallamos los servicios que ofrecen las distribuidoras más conocidas actualmente.

6. Contrato de Licencia

Un contrato de licencia implica que el artista concede a una discográfica o empresa externa el derecho de explotar su música por un período determinado, generalmente en un territorio específico. Este tipo de acuerdo es común para los artistas que desean retener la propiedad de sus masters pero necesitan ayuda con la distribución o el marketing en una región particular. Por ejemplo, este es el contrato que firmó Taylor Swift con Universal luego de su controvertida salida de Big Machine Records.

Características Clave:

• Propiedad: El artista retiene la propiedad de las grabaciones maestras.
• División de Ingresos: La discográfica toma un porcentaje de los ingresos a cambio de sus esfuerzos de promoción o distribución en un territorio específico.
• Límite de Tiempo: El contrato generalmente dura un período fijo, después del cual los derechos vuelven al artista.

Pros: Los artistas retienen el control a largo plazo de su música y se benefician de la experiencia regional.
Contras: La motivación de la discográfica puede ser limitada, ya que no son propietarios de los masters.

 7. Contrato de Producción

En un contrato de producción, un productor o una empresa de producción firma a un artista con la intención de desarrollar su sonido y asegurar un contrato discográfico más grande con una discográfica. En estos acuerdos, el productor generalmente posee las grabaciones maestras, pero la empresa de producción trabaja para que el artista firme con una discográfica importante o independiente.

Características Clave:

• Propiedad de los Masters: El productor o la empresa de producción generalmente posee los masters.
• Adelanto:A veces, la empresa de producción proporciona un adelanto al artista.
• Regalías: El artista generalmente gana un porcentaje de los ingresos, aunque puede estar dividido entre la empresa de producción y el artista.

Pros: Los artistas obtienen acceso a producción de alta calidad y las conexiones de la industria del productor.
Contras: El artista puede perder la propiedad de sus grabaciones, y estos contratos pueden ser financieramente desventajosos si no están estructurados cuidadosamente.

Elegir el contrato discográfico adecuado depende de las metas del artista, su situación financiera y su nivel de independencia. Los contratos tradicionales con grandes discográficas ofrecen vastos recursos, pero a menudo a expensas del control creativo y el potencial de ingresos a largo plazo.

Existen muchos casos en los que las ventas de un artista no son suficientes para recuperar el adelanto proporcionado por la discográfica, lo que ha resultado en que el artista nunca recibe pagos por regalías, algo por lo que recientemente Limp Bizkit, una de las bandas más exitosas de los 2000s, está demandando a Universal Music Group.

Los acuerdos independientes, de distribución y de servicios para artistas ofrecen más autonomía, pero requieren que los artistas asuman un papel más emprendedor. Cada tipo de contrato tiene sus pros y contras, y la clave para cualquier artista es comprender completamente las implicaciones del acuerdo que firman. Consultar con un abogado especializado en la industria musical es esencial para navegar estos acuerdos y proteger los intereses del artista.

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El reto de construir un servicio de streaming de música bajo demanda sostenible es monumental. El panorama está lleno de proyectos fallidos que no lograron mantenerse a flote. Desde plataformas como Rdio, Guvera y Turntable.fm hasta gigantes corporativos como el Music Unlimited de Sony y el Zune de Microsoft, muchos han intentado entrar en el mercado sin éxito. Incluso Xiami, respaldado por el gigante chino Alibaba, cerró sus puertas en 2021 después de 12 años de operación.

Las limitaciones de un servicio bajo demanda

El declive de TikTok Music no solo fue un problema de diseño o marketing, sino que también estuvo profundamente influenciado por las limitaciones estructurales que enfrenta cualquier servicio de streaming de música bajo demanda. A diferencia de TikTok, que surgió como un disruptor con una experiencia de usuario única, TikTok Music se encontraba atrapado en las mismas reglas y regulaciones que cualquier otro servicio de streaming, especialmente en lo que respecta a las licencias musicales.

TikTok revolucionó la forma en que las personas descubren y consumen música, presentando clips cortos que capturaban la atención de los usuarios de manera rápida y efectiva. Sin embargo, trasladar ese éxito al ámbito del streaming fue un desafío insuperable. Como explica Mark Mulligan de MIDiA Research, TikTok Music, aunque tenía un potencial enorme para ser algo completamente nuevo, terminó siendo un clon de otros servicios, como Spotify o Apple Music, debido a las limitaciones de las licencias.

Mulligan describe el servicio de streaming de música bajo demanda como un producto funcional, algo necesario pero que no genera una conexión emocional con los usuarios. Mientras que TikTok construye comunidades y genera lealtad entre sus usuarios, TikTok Music, al parecerse demasiado a sus competidores, no logró diferenciarse de manera significativa.

Competencia feroz y el dominio de Spotify

Uno de los mayores desafíos para TikTok Music fue la competencia en un mercado donde los principales jugadores, como Spotify, Apple Music, Google y Amazon, ya tienen una gran cuota de mercado. Spotify, con una capitalización de mercado de 76 mil millones de dólares, sigue siendo el líder indiscutible en este sector, y su éxito ha sido respaldado por años de inversión en tecnología, experiencia de usuario y contenido, como podcasts y audiolibros. Además, aparte de Spotify, estas plataformas cuentan con la ventaja de ser parte de ecosistemas más amplios que incluyen hardware y otros servicios que mejoran la experiencia del usuario.

El caso de TikTok Music también destaca un problema común en la industria del streaming de música: la falta de diferenciación en los catálogos. A diferencia de los servicios de streaming de video, donde cada plataforma puede tener contenido exclusivo, en la música, las plataformas globales comparten, en su mayoría, los mismos catálogos. Esto significa que la competencia entre servicios de música se basa en la experiencia del usuario y no en el contenido ofrecido.

Vickie Nauman, fundadora de CrossBorderWorks, señala que crear una experiencia de usuario diferenciada en el ámbito de la música bajo demanda es increíblemente difícil. No solo se trata de ofrecer una interfaz intuitiva y personalizada, sino de gestionar la tecnología detrás de millones de canciones. Esta complejidad tecnológica, sumada a la dificultad de cambiar los hábitos de los consumidores, representó un obstáculo significativo para TikTok Music.

¿A quién beneficiará el cierre de TikTok Music?

Un reciente informe del Deutsche Bank aporta una visión más detallada del impacto que tendrá el cierre de TikTok Music, y cómo sus competidores, especialmente Spotify, se beneficiarán de esta salida. Según el análisis del banco, TikTok Music acumuló entre 2 y 2.5 millones de suscriptores en los cinco mercados donde estaba disponible: Brasil, México, Australia, Indonesia y Singapur. Ahora que la plataforma se retira de estos países, el banco estima que Spotify podría absorber una parte significativa de estos suscriptores desplazados.

De acuerdo con los analistas de Deutsche Bank, liderados por Benjamin Black, Spotify podría ganar aproximadamente 1.3 millones de suscriptores pagos netos como resultado del cierre de TikTok Music. Esta cifra se basa en una estimación proporcional de la cuota de mercado de Spotify en esos cinco mercados, lo que sugiere que la mayoría de los usuarios de TikTok Music podrían migrar a plataformas más consolidadas como Spotify. Además, el informe destaca que, con un competidor menos en el mercado, Spotify podría experimentar una reducción en la presión promocional, lo que beneficiaría sus márgenes en estos países.

Otro aspecto importante que menciona el informe del Deutsche Bank es que la falta de un nivel gratuito con anuncios en TikTok Music contribuyó a su fracaso. A diferencia de Spotify, que cuenta con un plan gratuito que actúa como un embudo para convertir usuarios en suscriptores pagos, TikTok Music se lanzó únicamente como un servicio premium. Esto limitó su capacidad para atraer nuevos usuarios, especialmente en mercados donde la mayoría de los consumidores están acostumbrados a probar un servicio antes de pagar por él.

El informe también destaca que, aunque había rumores sobre la posible expansión de TikTok Music a mercados más maduros como Estados Unidos, Reino Unido o Alemania, este cierre pone fin a esa posibilidad. Los analistas de Deutsche Bank argumentan que la salida de TikTok Music de estos cinco mercados es un desarrollo positivo para Spotify, ya que elimina la amenaza de un nuevo competidor que podría haber presionado a la empresa en términos de precios y cuota de mercado.

El desafío de cambiar los hábitos de consumo

Uno de los mayores errores que cometió ByteDance fue suponer que los usuarios de TikTok migrarían de manera natural a TikTok Music. Sin embargo, la realidad es que convencer a los consumidores de adoptar un nuevo servicio de streaming es una tarea muy difícil. Incluso gigantes como Apple, que ofrece pruebas gratuitas de Apple Music a los nuevos propietarios de iPhone, han tenido dificultades para convertir a todos sus usuarios en suscriptores.

La situación es aún más complicada en un mercado donde los consumidores ya pagan por varios servicios de suscripción. En Estados Unidos, por ejemplo, los usuarios pagan por un promedio de 2.3 servicios de música bajo demanda, según un estudio de MusicWatch. Añadir un nuevo servicio de suscripción a esta mezcla, especialmente cuando no ofrece una ventaja significativa en términos de contenido o experiencia de usuario, es una tarea ardua.

Russ Crupnick, director de MusicWatch, señala que cuando encuestaron a los usuarios estadounidenses de TikTok sobre su interés en un servicio de streaming separado, la respuesta fue sorprendentemente tibia. Esto subraya el hecho de que, aunque TikTok ha sido muy exitoso en captar la atención de los usuarios con contenido breve y atractivo, ese éxito no necesariamente se traduce en una mayor adopción de un servicio de música bajo demanda.

Lecciones para el futuro del streaming de música

El cierre de TikTok Music no solo refleja las dificultades inherentes a lanzar un nuevo servicio de música bajo demanda, sino también el estado actual del mercado global del streaming. Según los expertos, el número de plataformas globales de streaming puede haber alcanzado un estado estable, lo que significa que es poco probable que veamos nuevos entrantes importantes en los próximos años. El mercado se ha consolidado en torno a un pequeño grupo de actores que tienen tanto los recursos como la capacidad de licenciar grandes catálogos musicales.

Al final, Bytedance no necesita un servicio de streaming. La compañía puede seguir centrando sus esfuerzos en la plataforma principal de TikTok, que ya es un ecosistema autosuficiente donde los usuarios no solo consumen contenido, sino que también lo crean. En este sentido, Mulligan sugiere que, en los próximos años, la mayor parte de la actividad musical podría ocurrir dentro de TikTok, lo que reduciría aún más la necesidad de un servicio de música bajo demanda independiente.

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El estudio analizó las reproducciones de 317 artistas, representando un total de más de 25.3 mil millones de reproducciones en Spotify. Los artistas estudiados se dividen en cuatro grupos: emergentes, en desarrollo, consolidados y estrellas, que el reporte define como sigue:

• Artistas emergentes: Los artistas emergentes tienen menos de 1000 seguidores en Spotify, con un máximo de unas pocas decenas de miles de oyentes.
• Artistas en desarrollo: Los artistas en esta categoría tienen una pequeña comunidad de al menos 1000 seguidores en Spotify y varias decenas de miles de oyentes únicos. A menudo, tienen una pista que se destaca sobre las demás, contribuyendo significativamente al consumo total en su perfil.
• Artistas consolidados: En este grupo, los artistas tienen una comunidad bien establecida con más de 10,000 seguidores y más de 100,000 oyentes únicos en Spotify. Generalmente, tienen varios sencillos que han tenido un buen rendimiento.
• Estrellas: Esta categoría incluye a los principales artistas de su género musical. Tienen un mínimo de varios cientos de miles de seguidores y más de un millón de oyentes únicos.

A continuación, presentamos resumen de los principales hallazgos:

1. Crecimiento del streaming musical y dominio de Spotify

El streaming de música ha crecido exponencialmente desde su lanzamiento, con los ingresos del mercado global de la música aumentando de 13.6 mil millones de dólares en 2015 a 28.6 mil millones de dólares en 2023 (según cifras de la IFPI), y el streaming representa más del 67,3% de este mercado. Spotify, como líder del mercado, controla el 31% del consumo de streaming, superando con creces a competidores como Apple Music y Amazon Music.

2. Tipos de listas de reproducción y comportamiento de escucha

El informe clasifica el consumo de música en dos tipos principales: escucha activa (intencional, dirigida por el usuario) y escucha programada (guiada por algoritmos). Mientras que la escucha activa representa el 60.7% de las reproducciones, la escucha programada constituye el 34.3%. La escucha programada, especialmente a través de listas de reproducción algorítmicas, desempeña un papel crucial en el descubrimiento de música y la generación de reproducciones.

Las listas de reproducción algorítmicas de Spotify, como Radios, Daily Mix, Discover Weekly y Release Radar, ofrecen experiencias personalizadas, generando más del 18% de las reproducciones totales. Solo las Radios representan un significativo 36% de toda la escucha programada, mientras que Daily Mix y otras listas algorítmicas representan el 25%.

3. Impacto de los algoritmos en la distribución de las reproducciones

Desde 2015, las listas de reproducción algorítmicas han crecido en influencia, ahora responsables de más del 21% de las reproducciones. El impacto financiero de estas listas también es considerable, con estimaciones que sugieren que generan entre 858 millones y 1.16 mil millones de dólares en ingresos para Spotify. La creciente importancia de estas listas destaca su papel central en el consumo musical moderno.

4. Diferencias por género musical

La influencia del algoritmo de Spotify no es uniforme en todos los géneros musicales. El Pop y la Música Electrónica son los más favorecidos, con las listas de reproducción algorítmicas generando un mayor porcentaje de reproducciones para estos géneros. En contraste, el Afropop y el Rap tienen una menor exposición a estas listas.

5. Estatus del Artista y Representación en Listas de Reproducción

El informe enfatiza que el estatus de un artista influye significativamente en la distribución de sus reproducciones. Los artistas emergentes tienden a tener una mayor proporción de escuchas programadas (alrededor del 60%), mientras que los artistas consolidados reciben más escuchas activas (64%). Los artistas establecidos y en desarrollo se benefician más de los algoritmos de recomendación de Spotify, especialmente a través de las Radios, ya que estas listas mejoran su visibilidad.

El algoritmo de recomendación de Spotify es fundamental para su éxito como líder del mercado. A medida que las listas de reproducción algorítmicas superan a las editoriales en cuanto a influencia, optimizar las recomendaciones y dominar el sistema de referencia de Spotify se ha vuelto crucial para los artistas, especialmente aquellos que están en las primeras etapas de sus carreras. El informe sugiere que el descubrimiento impulsado por algoritmos continuará moldeando la industria musical en el futuro.

El informe arroja luz sobre cómo los algoritmos de Spotify no solo moldean el comportamiento de los usuarios, sino que también impactan en el mercado musical en general, especialmente para los artistas que buscan visibilidad y crecimiento en un panorama cada vez más competitivo.

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Encargado por la Copyright Initiative, el estudio fue dirigido por dos destacados académicos: el Prof. Dr. Tim W. Dornis de la Universidad de Hannover y el Prof. Dr. Sebastian Stober de la Universidad de Magdeburgo. Esta colaboración, la primera de su escala, combina experiencia tanto en tecnología como en derecho, proporcionando un análisis exhaustivo de los procesos involucrados en el entrenamiento de modelos de IA generativa y las implicaciones legales en torno al uso de material protegido por derechos de autor.

El estudio aborda un tema crítico en el panorama actual de la IA: el uso de obras con derechos de autor para el entrenamiento modelos de IA generativa, que pueden crear nuevos textos, imágenes, música y videos. Aunque esta tecnología avanza rápidamente, permitiendo que la IA produzca creaciones que rivalizan con las obras hechas por humanos, los datos utilizados para entrenar estos modelos a menudo incluyen grandes cantidades de contenido protegido por derechos de autor. Esta dependencia ha generado debates legales en curso, ya que el entrenamiento de IA implica copiar y reproducir dicho material, acciones que podrían infringir los derechos de autor.

Uno de los hallazgos clave del estudio es que el entrenamiento de los modelos de IA generativa, como los modelos de lenguaje a gran escala (LLM) y los modelos de difusión latente, no equivale a la minería de textos y datos (TDM, por sus siglas en inglés), un proceso protegido por la ley europea bajo la Directiva DSM de 2019. Según el Prof. Dornis, “el entrenamiento de tales modelos no es un caso de minería de textos y datos. Es un caso de infracción de derechos de autor, y no se aplica ninguna excepción bajo la ley de derechos de autor alemana y europea». Esta afirmación desafía una defensa común utilizada por los desarrolladores de IA, que a menudo invocan las excepciones de TDM para justificar su uso de obras protegidas en el entrenamiento. El estudio argumenta que estas excepciones están mal aplicadas en este contexto, ya que las tecnologías involucradas son fundamentalmente diferentes.

El Prof. Stober amplió el aspecto técnico, explicando que los modelos de IA generativa pueden memorizar y reproducir partes de sus datos de entrenamiento. Esto significa que, con las indicaciones adecuadas, los usuarios finales podrían generar contenido que replique directamente el material original protegido por derechos de autor. Esta capacidad complica aún más el estatus legal de la IA generativa, ya que plantea la cuestión de si estas reproducciones constituyen una infracción de los derechos de autor.

Los hallazgos del estudio han atraído la atención de los legisladores, incluido Axel Voss, miembro del Parlamento Europeo y anfitrión del evento. Voss expresó su gratitud a los autores, subrayando la importancia de su trabajo: “El estudio no solo demuestra que el entrenamiento de los modelos de IA generativa no está cubierto por la minería de textos y datos, sino que también proporciona indicaciones y sugerencias importantes para un mejor equilibrio entre la protección de la creatividad humana y la promoción de la innovación en IA”. El estudio sugiere que el marco regulador actual es inadecuado para las realidades de la tecnología de IA y llama a los legisladores a replantear cómo deben aplicarse las leyes de derechos de autor en este nuevo contexto.

Otros actores clave, como Hanna Möllers, asesora legal de la Federación Europea de Periodistas (EFJ), y Katharina Uppenbrink, directora ejecutiva de la Iniciativa Urheberrecht, coincidieron en estas preocupaciones. Möllers calificó los hallazgos como «explosivos», afirmando que el estudio revela un robo a gran escala de propiedad intelectual. Uppenbrink destacó que la reproducción de obras protegidas por modelos de IA podría infringir el derecho de poner contenido a disposición del público en la Unión Europea.

El estudio también ha generado discusiones sobre la posibilidad de nuevos mercados de licencias. Matthias Hornschuh, compositor y portavoz de la Copyright Initiative, señaló que, mientras la IA generativa se basa en contenido creativo preexistente, actualmente no fluye ninguna remuneración hacia los creadores originales. Esto crea un desequilibrio en el que la IA, alimentada por obras creadas por humanos, está en condiciones de competir con y posiblemente reemplazar a las industrias de las que depende. Hornschuh sugirió que el estudio proporciona una base necesaria para recalibrar los enfoques legales hacia la IA, garantizando que la creatividad humana esté adecuadamente protegida.

Principales hallazgos del estudio:

1. Relevancia de los derechos de autor en el entrenamiento de IA: El estudio explica que el entrenamiento de modelos de IA generativa implica varias acciones que son relevantes para la ley de derechos de autor según el artículo 16, párrafo 1 de la Ley de Derechos de Autor de Alemania (UrhG). Estas acciones incluyen la recopilación, preparación y almacenamiento de obras protegidas para fines de entrenamiento. Además, el propio proceso de entrenamiento, ya sea durante el preentrenamiento o el ajuste fino, constituye una forma de reproducción de las obras dentro del modelo de IA. Aunque no se implementa un mecanismo de almacenamiento explícito, los modelos actuales, como los LLMs, pueden memorizar los datos de entrenamiento hasta cierto punto.
2. Reproducción y transformación: Una vez que los modelos de IA generativa están implementados, los usuarios pueden reproducir o transformar las obras protegidas por derechos de autor que se utilizaron durante el proceso de entrenamiento. Por ejemplo, cuando los usuarios interactúan con sistemas como ChatGPT, el sistema puede generar resultados basados en los materiales con derechos de autor con los que fue entrenado. La disponibilidad de estos sistemas de IA, incluyendo la posibilidad de descargarlos, constituye una divulgación pública de materiales protegidos por derechos de autor según los §§ 15 Abs. 2 Nr. 2, 19a UrhG.
3. Límites legales y excepciones a los derechos de autor: El estudio critica el marco legal existente, que solo tiene en cuenta excepciones a los derechos de autor en escenarios limitados y prácticamente irrelevantes. En particular, las excepciones para el Text and Data Mining (TDM), que se establecieron para permitir la extracción automática de información de grandes conjuntos de datos, no se aplican al entrenamiento de modelos de IA generativa. Estos modelos, a diferencia del TDM tradicional, procesan no solo datos semánticos (contenido informativo) sino también la estructura creativa y sintáctica de las obras protegidas por derechos de autor, lo que complica aún más la situación legal.

   El estudio destaca que las acciones de copia relacionadas con la recopilación, preparación y almacenamiento de datos de entrenamiento no se encuentran dentro de las excepciones de derechos de autor para reproducciones temporales (artículo 44a UrhG, artículo 5(1) de la Directiva InfoSoc).

4. Divulgación pública e interacción del usuario: Cuando los sistemas de IA generativa se ponen a disposición de los usuarios, especialmente a través de interfaces públicas como sitios web o descargas, potencialmente divulgan obras protegidas por derechos de autor que fueron integradas durante la fase de entrenamiento. Esto puede interpretarse como una difusión pública del contenido protegido dentro del modelo, lo que genera preocupaciones sobre el cumplimiento de la ley de derechos de autor.
5. Desafíos para definir las violaciones de derechos de autor: El estudio plantea un problema fundamental en cuanto a la categorización de los procesos de entrenamiento de IA. Desafía la noción legal común de que los modelos de IA simplemente usan las obras como puntos de datos en lugar de tratarlas como obras artísticas o creativas. Esta interpretación a menudo lleva a la suposición de que analizar estas obras para el entrenamiento del modelo no constituye una violación de derechos de autor, algo que el estudio cuestiona.

   Los autores argumentan que las tecnologías actuales de IA generativa no distinguen entre el contenido semántico (por ejemplo, ideas) y el contenido sintáctico (por ejemplo, la expresión creativa), lo que significa que también se utilizan los elementos creativos del material protegido durante el entrenamiento. Esto diferencia el entrenamiento de IA del TDM convencional, que se centra principalmente en extraer información fáctica no protegida.

6. Protecciones insuficientes de los derechos de autor: El estudio concluye que la protección legal ofrecida por la ley de derechos de autor actual es insuficiente para cubrir los desafíos únicos que plantean los modelos de IA generativa. Con la creciente prevalencia del contenido generado por IA, es probable que la demanda de obras creativas humanas disminuya, ya que los sistemas de IA ocupan cada vez más este rol. Este cambio requiere una reconsideración del valor económico de la creatividad humana y la protección de los derechos de los creadores frente a las tecnologías de IA en avance.

   Los autores piden un marco legal más sólido que pueda abordar adecuadamente los problemas de reproducción y divulgación pública inherentes al entrenamiento de IA. Sugieren que, sin regulaciones más claras y adaptaciones a la ley de derechos de autor, los modelos de IA continuarán desafiando las nociones tradicionales de los derechos de propiedad intelectual.

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Un escenario a medida para una artista icónica

La configuración única de la residencia de Adele en Múnich fue algo nunca antes visto en el mundo de la música. Los conciertos se realizaron en un estadio construido específicamente en los terrenos de la feria Neue Messe de Múnich, diseñado exclusivamente para albergar su residencia de 10 fechas. El recinto, con capacidad para más de 73,000 asistentes por noche, fue un anfiteatro temporal con la magnitud y grandeza de un estadio. Se ensambló en solo cuatro meses, y tras el último espectáculo el 31 de agosto de 2024, fue desmantelado, dejando un legado como la arena temporal más grande jamás construida para un solo artista.

Este no fue un lugar estándar adaptado para una actuación, sino una estructura hecha a medida específicamente pensando en Adele. El estadio contaba con elementos de producción de última generación, incluido una pantalla LED colosal de 220 metros de ancho, la más grande de su tipo hasta la fecha. Marek Lieberberg, director general de Live Nation Alemania, comparó el escenario con el antiguo Coliseo romano, una analogía apropiada para un lugar que buscaba ser tan monumental como la artista que albergaba. El mánager de Adele, Jonathan Dickins, fue contactado con el concepto por Klaus Leutgeb, el promotor austríaco detrás del proyecto. Inicialmente, Adele no tenía planes de actuar en Europa durante el verano, pero esta oportunidad única resultó demasiado atractiva para rechazar.

Creando «El Mundo de Adele»

La residencia de Múnich fue mucho más que solo conciertos; fue toda una experiencia construida en torno a la personalidad de Adele. Apodado «El Mundo de Adele», el recinto del concierto contaba con varias atracciones, incluido un jardín de cerveza bávaro y un pub inspirado en The Good Ship, un pequeño local en Kilburn, Londres, donde Adele había actuado en sus primeros días. Para los fans, esto fue más que una oportunidad para ver a su ídolo en vivo: fue un evento inmersivo donde podían explorar el mundo de Adele en un ambiente similar a una feria. Los terrenos también ofrecían una amplia gama de alimentos y mercancías, reforzando la idea de que la residencia de Adele en Múnich no era solo una serie de espectáculos, sino un evento en toda regla que combinaba música, cultura y participación de los fans.

Con 750,000 personas asistiendo a lo largo de 10 espectáculos, la residencia de Adele rompió récords tanto de asistencia como de ingresos, aportando aproximadamente 540 millones de euros a la economía de Múnich. Esta cifra superó con creces los récords anteriores, incluidos los establecidos por Coldplay durante su residencia en Buenos Aires en 2022. El principal funcionario económico de Múnich, Clemens Baumgärtner, calificó la residencia como un triunfo económico para la ciudad, destacando su impacto en los negocios locales y el turismo.

El costo ambiental de un estadio temporal

Si bien la residencia fue un éxito rotundo en términos artísticos y económicos, también planteó preguntas importantes sobre la sostenibilidad. La decisión de construir un estadio temporal desde cero, con una enorme pantalla LED e infraestructura para 73,000 asistentes, generó preocupaciones sobre la huella ambiental de tales eventos. Los expertos estiman que una gran parte de las emisiones de carbono de los conciertos proviene de los viajes de los fans, especialmente para eventos como este.

Reconociendo esto, Live Nation Alemania implementó varias medidas para mitigar el impacto ecológico. Por ejemplo, se incluyeron pases de transporte público con las entradas, alentando a los asistentes a viajar en tren en lugar de en coche, lo que ayudó a reducir las emisiones. Además, una parte significativa de la estructura del estadio, hasta el 95%, se fabricó con materiales reutilizables, asegurando que gran parte del recinto pudiera reutilizarse en futuros eventos.

No obstante, el impacto climático de los viajes de los fans, quienes recorrieron largas distancias para asistir a los conciertos, sigue siendo una preocupación. Muchos fans vinieron de rincones lejanos del mundo, incluidos Washington, DC, y Manila, para ver a Adele. El periodista Jan Stremmel, del Süddeutsche Zeitung de Múnich, comentó sobre esta creciente tendencia de fans que viajan por todo el mundo para asistir a conciertos únicos en la vida, subrayando el costo ambiental asociado con estos viajes.

Una nueva era para las residencias de conciertos

La residencia de Adele en Múnich es un ejemplo impactante de la naturaleza cambiante de las residencias de conciertos, particularmente en Europa, donde eventos de tal magnitud aún son relativamente raros en comparación con Estados Unidos. Tradicionalmente, las residencias han sido una especialidad de Las Vegas, con artistas como Britney Spears, Céline Dion y Billy Joel encabezando espectáculos en lugares fijos. Sin embargo, la residencia de Adele en Múnich representa un cambio hacia hacer de Europa un destino más prominente para este tipo de compromisos de conciertos a largo plazo.

Lo que hace única la residencia de Adele es la escala y personalización del evento. Sus actuaciones fueron adaptadas al entorno específico del estadio temporal, una hazaña que habría sido imposible replicar en una gira tradicional. La enorme pantalla LED y el escenario íntimo permitieron una experiencia inmersiva que acercó a Adele a sus fans. Esta atención al detalle aseguró que sus conciertos en Múnich fueran más que simples actuaciones: fueron eventos artísticos completamente realizados.

La experiencia de los Fans y las controversias sobre las entradas

La residencia no estuvo exenta de controversias, particularmente en lo que respecta al precio y la disponibilidad de las entradas. Aunque la mayoría de las entradas se agotaron con mucha antelación, Live Nation Alemania introdujo entradas “Lucky Dip” cerca de las fechas de los conciertos, ofreciendo grandes descuentos en comparación con los precios originales. Por solo 35 euros, los fans podían comprar una entrada, aunque no sabrían la ubicación de su asiento hasta el día del espectáculo.

Algunos compradores tempranos de entradas, que habían pagado significativamente más por asegurar sus lugares, expresaron su frustración por los descuentos de última hora. Sin embargo, expertos de la industria musical, incluido Jason Lipshutz de Billboard, defendieron la medida, señalando que llenar un recinto tan grande siempre es un desafío, incluso para una artista de la talla de Adele. Las entradas con descuento ayudaron a garantizar una sala llena cada noche, lo que contribuyó al éxito general del espectáculo.

El futuro de Adele y un «Gran Descanso»

Uno de los anuncios más importantes en torno a la residencia de Adele en Múnich fue su declaración de que se tomaría un «gran descanso» de la música tras la conclusión de su residencia en Las Vegas a finales de 2024. Después de años de giras, grabaciones y actuaciones, Adele insinuó que se apartaría del foco para centrarse en otros proyectos creativos.

En entrevistas promocionando los shows de Múnich, Adele admitió que sus niveles de energía estaban bajos tras un año actuando casi todos los fines de semana en Las Vegas. Aunque no descartó futuros proyectos, dejó claro que sus planes inmediatos no incluyen nueva música ni giras. Este hiato, combinado con la naturaleza única de su residencia en Múnich, añade a la sensación de que estos conciertos fueron una oportunidad especial, quizá irrepetible, para que los fans experimenten a Adele en vivo.

Un momento definitorio en la historia de los conciertos

La residencia de Adele en Múnich fue más que una serie de conciertos: fue un fenómeno cultural que empujó los límites de lo que puede ser una actuación en vivo. Desde el estadio hecho a medida hasta el inmersivo «Mundo de Adele», el evento redefinió el concepto de una residencia de conciertos en Europa y estableció nuevos estándares para futuras experiencias musicales en vivo.

En un momento en que los artistas exploran nuevas formas de conectar con su audiencia, los espectáculos de Adele en Múnich se erigen como un testimonio del poder de crear entornos únicos e inmersivos para los fans. Ya sea por el impulso económico a la ciudad anfitriona o por la innovación artística de las actuaciones, la residencia de Adele en Múnich será recordada como un hito en el panorama en evolución de la música en vivo.

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 ¿Qué son los Masters?

Las grabaciones maestras, a menudo simplemente denominadas «masters», son las grabaciones originales de sonido de una canción. En la era digital actual, estas son las versiones de tu música que se lanzan en plataformas de streaming como Spotify, Apple Music y Tidal. Históricamente, el término «master» se refería a la cinta maestra o fuente de audio utilizada para producir discos de vinilo, casetes y CDs para su distribución.

Para entender mejor el concepto, piensa en las grabaciones maestras como los negativos en fotografía. Así como los negativos fotográficos se utilizan para producir copias, las grabaciones maestras son la fuente a partir de la cual se realizan todas las copias de una canción.

Derechos editoriales vs. Derechos de master

Es importante no confundir los derechos editoriales con los derechos de master. Aunque ambos son esenciales en la industria musical, se refieren a aspectos completamente diferentes de una canción Los derechos editoriales pertenecen a la composición de la canción—la música y la letra; y los derechos del master se relacionan con la grabación específica de sonido de la canción.

Esta distinción es crítica cuando se trata de propiedad, pagos de regalías y asuntos legales en la industria musical.

La importancia de ser dueño de los masters

Poseer tus grabaciones maestras te da un control significativo sobre tu música y sus potenciales fuentes de ingresos. Los beneficios clave que tiene ser dueño de los masters son:

1. Recaudación de Regalías: Tienes el derecho legal de cobrar regalías por tus grabaciones.
2. Control de Licencias: Puedes licenciar tu música grabada para su uso en películas, programas de TV, anuncios y otros medios.
3. Derechos de Uso: Tienes control sobre dónde y cómo se utilizan tus grabaciones.
4. Beneficios Financieros: Recibes el monto total de las regalías por el uso de tus masters, en lugar de un pequeño porcentaje, como es el caso cuando los masters son propiedad de un tercero.

¿Quién debe ser dueño de los masters?

Históricamente, los sellos discográficos han jugado un papel crucial en la carrera de un artista al proporcionar apoyo financiero para la grabación, distribución y promoción. Sin embargo, estos beneficios a menudo vienen con un costo significativo para el artista.

Los artistas típicamente ceden sus derechos de master al sello, a menudo a perpetuidad, o por una considerable cantidad de años, aún después del fallecimiento del artista, y a menudo reciben solo un pequeño porcentaje (alrededor del 15%) de las regalías, mientras que el sello se queda con la mayor parte (alrededor del 85%).

Sin embargo el artista no comienza a recibir ese porcentaje de immediato. El adelanto entregado por el sello y los costos adicionales deben ser recuperados a través de las ventas de música, streams y licencias antes de que el artista comience a recibir su parte completa de las regalías. En algunos casos, y sobretodo antes de la era digital, los sellos incluían gastos adicionales que reducian aún más las ganancias del artista, como fiestas promocionales, tarifas de empaquetado e incluso tarifas obsoletas de «roturas» de la era del vinilo y del CD. Existen artistas que han dicho públicamente que nunca recibieron pagos de regalías aún habiendo vendido millones de discos, pues todo el dinero ingresado de esas ventas fue retenido por el sello para cubrir todos los gastos mencionados.

El advenimiento de las plataformas de música digital ha alterado significativamente la dinámica de poder en la industria musical. Los artistas ahora tienen más opciones para promover y distribuir su música de forma independiente, reduciendo su dependencia de los sellos discográficos tradicionales. Este cambio ha empoderado a los artistas para negociar mejores acuerdos o mantener el control sobre sus grabaciones maestras.

Artistas pioneros en el cambio de paradigma

Varios casos de alto perfil han llevado el tema de la propiedad de grabaciones maestras al centro de atención:

Prince:

Prince tuvo una relación notoriamente complicada con las discográficas, particularmente con Warner Music Group, con la que estuvo asociado durante gran parte de su carrera. Prince sentía que, como creador, debía tener control total sobre su obra, incluyendo los derechos de las grabaciones. En 1993, Prince cambió su nombre a un símbolo impronunciable para publicar música que no fuese propiedad de Warner y también como una forma de protesta contra lo que él consideraba la explotación por parte de la discográfica.

Taylor Swift

La batalla pública de Taylor Swift por sus grabaciones maestras muestra las posibles consecuencias de no poseer tus masters. Cuando su antiguo sello discográfico, Big Machine, fue vendido a Scooter Braun (un manager musical con quien Swift ha tenido conflictos), Braun obtuvo el control sobre todo el catálogo anterior de Swift. En respuesta, Swift decidió volver a grabar sus primeros seis álbumes de estudio, creando nuevos masters que ella posee completamente y puede licenciar como lo desee. Su nuevo contrato con Universal estipula que ella mantiene la propiedad de sus masters y la compañía le provee la distribución y apoyo promocional.

Kanye West

La cruzada de Kanye West para recuperar sus masters también ha atraído una atención mediática significativa. West criticó públicamente a Universal Music Group por su control sobre sus primeros seis álbumes e incluso compartió sus contratos de grabación originales en las redes sociales. Estos contratos revelaron adelantos multimillonarios a cambio de que el sello poseyera sus masters «en todo el mundo y a perpetuidad». La lucha de West resalta la dificultad que enfrentan los artistas para comprar sus masters una vez que los han cedido.

El camino a seguir

Para los artistas emergentes, la lección es clara: poseer tus grabaciones maestras es una inversión crucial en tu futuro. Los artistas mantienen el control sobre cómo se usa y distribuye su música, recibe una mayor parte de las regalías generadas por su música, y a medida que su carrera crece, también lo hace el valor de los masters.

Aunque para un artista nuevo pueda ser complicado arrancar su carrera sin el apoyo de una discográfica, cada vez existen más opciones en las que no necesariamente es obligatorio ceder el 100% de los derechos de las grabaciones por décadas y décadas. Educarse sobre cómo funcionan estos acuerdos es el primer paso para construir no solo una carrera exitosa, sino un negocio sólido como artista.

La industria musical ha experimentado cambios significativos en los últimos años, en gran parte debido al auge de las plataformas digitales y los servicios de streaming. Estos cambios han creado nuevas oportunidades para que los artistas mantengan el control sobre su trabajo, incluyendo sus grabaciones maestras.

Aunque los sellos discográficos tradicionales aún ofrecen recursos valiosos y experiencia, los artistas ahora tienen más influencia para negociar términos favorables o elegir caminos alternativos hacia el éxito. Al comprender la importancia de la propiedad de las grabaciones maestras y las posibles implicaciones a largo plazo de sus decisiones, los artistas pueden posicionarse mejor para carreras sostenibles en la industria musical.

A medida que la industria continúa evolucionando, es probable que veamos más artistas priorizando la propiedad de sus masters, ya sea a través de una cuidadosa negociación con los sellos o eligiendo permanecer independientes. Este cambio hacia el empoderamiento y la propiedad del artista no solo es beneficioso para los músicos individuales, sino que tiene el potencial de remodelar todo el panorama de la industria musical, creando un entorno más equitativo y amigable para los artistas en las generaciones venideras.

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