Desde vloggers, gamers a expertos en maquillaje, producir vídeos patrocinados y trabajar con marcas ha sido una importante fuente de ingresos, dentro de la cual YouTube no tenía participación alguna, hasta ahora.

FameBit es una plataforma de influencer marketing que se especializa en establecer alianzas entre marcas y estrellas del vídeo online, que ha logrado producir más de 25 mil vídeos y más de 2 mil millones de minutos vistos en los últimos tres años.

«Creemos que la relación de Google con marcas y la relación de YouTube con sus creadores, combinadas con la tecnología y experticia de FameBit, ayudará a incrementar el número de oportunidades para contenido patrocinado disponibles, trayendo incluso más ingresos a la comunidad de YouTubers» así lo indicó Ariel Bardin, VP de Desarrollo de Producto de YouTube.

Por el momento YouTube insiste en que los creadores tendrán siempre la última palabra con respecto a su forma de trabajr con marcas, es decir, no será obligatorio trabajar con FameBit y por consiguiente tener que compartir los ingresos de estas alianzas con YouTube. Está por verse si en la práctica podrán co-existir ambas formas de establecer alianzas con marcas para los creadores.

Con esta adquisición YouTube deja clara su posición de que está listo para tomar un mayor rol en incrementar el gasto de los anunciantes en su plataforma, mas allá de los anuncios tradicionales.

Para la industria de la música esta adquisición representa sin dudas una oportunidad para que los creadores de música en YouTube encuentren marcas con las cuales establecer alianzas apropiadas, pero definitivamente es un camino dirigido a artistas independientes, pues las grandes discográficas ya tienen mecanismos establecidos para trabajar con marcas en distintos tipos de contenido online.

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La primera campaña de la compañía fue realizada con Ariana Grande para el lanzamiento de su sencillo «Side by Side», cuyo videoclip fue estrenado exclusivamente en la página web de la firma de ropa y estuvo disponible únicamente allí por 24 horas. El videoclip mostraba una gran cantidad de productos de la nueva línea deportiva de GUESS y los usuarios podían comprar los atuendos de Ariana en una sección dedicada de la página. Se espera que campañas similares sean lanzadas con otros artistas en el futuro.

La nueva compañía estará liderada por Paul Marciano, co-fundador y CCO de GUESS? Inc., y se enfocará en artistas emergentes para colaboraciones. Según un comunicado de prensa Marciano indicó tener la confianza de que esta particular alianza entre música y moda atraerá atención a nuevos artistas y lanzará sus carreras de la misma forma en que las icónicas campañas de publicidad de GUESS lo han hecho con modelos como Claudia Schiffer, Kate Upton y Gigi Hadid.

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El nuevo producto de Rdio se llama «Promoted Music Experiences» y va destinado a todas aquellas marcas que buscan publicidad nativa en vez de los clásicos banners o anuncios de audio.

Promoted Music Experiences consiste en una estación, un perfil y un feed, donde la marca puede exponer mediante todas estas características su relación con la música.

• Branded Stations: Curaduría para crear una estación con canciones que ejemplifican la personalidad de una marca. Estas estaciones estarán disponibles tanto en el servicio gratuito y como de pago.
• Branded Profiles: Los socios de publicidad tendrán la posibilidad de personalizar sus propios perfiles de marca para mostrar contenido destacado. También estarán disponibles tanto en el servicio gratuito y como de pago
• Branded Home Stories: Es un feed con información de empresa que se integrará en el home, se mostrará tanto información comercial o corporativa como recomendaciones musicale. Esta característica sólo aparecerá para  los oyentes en el servicio con publicidad gratuita.

Jared Heiman, director de Alianzas Global de Publicidad para Rdio, dijo a la publicación Adweek. «Nadie está ofreciendo los tres componentes en un sólo paquete de anuncios.» y añadió «Esta es una manera en la que nosotros permitimos a los anunciantes profundizar en nuestro catálogo.»

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La inversión de Honda Stage de 53 millones de dólares, contaba con siete aliados para amplificar las experiencias de marca de Honda en festivales (los escenarios principales en el Founders’ el Governors Ball, C3′s Austin City Limits, y el Live Nation’s Music Midtown en Atlanta), en móviles (las apps de Revolt TV que transmiten desde Hollywood), en el sector del directo con el Honda Civic Tour y conciertos exclusivos con Live Nation, y por último en radio con Clear Channel, y en web con YouTube y VEVO.

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Honda Stage espera obtener al finalizar el proyecto 2.000 millones de impresiones entre los distintos contenidos multimedia pero los inicios no están siendo los esperados. Desde su lanzamiento el 11 de junio hasta ahora, Honda Stage con sus 27 vídeos subidos ha generado 240.000 impactos, una cifra algo decepcionante así como el hecho de ocultar el número de suscriptores en su canal.

Sus mejores resultados por ahora son con la alianza de Vevo, los 3 vídeos en el canal de Vevo de Sam Smith bajo el formato «Honda Stage at the iHeart Radio Theater» le han reportado 2 millones de impactos.

Tom Peyton, Vicepresidente Asistente de Marketing de Honda ha comentado que el programa necesita tiempo para crecer; de hecho, un representante de Clear Channel dijo que el contenido de vídeo Honda aún no se ha distribuido a través de la red de sitios web de la compañía de radio, donde hay 245 millones de oyentes mensuales.

Alison Provost, directora general de la web de análisis de vídeo, Touchstorm, comentó al Wall Street Journal sobre esta campaña que «Honda debe entender que aunque hay un apetito insaciable de música en YouTube, el medio está lleno de ella. Esto significa que va a ser muy importante que Honda cree contenido realmente original» y añadió que «Honda necesita comercializar su canal. Esto implica algo más que la compra de anuncios de YouTube, debe actuar como un editor que se preocupan realmente por el crecimiento de una audiencia de YouTube «.

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Algunos podrían pensar que es algo lógico de parte de la NFL exigir un pago por permitir a un artista presentarse en una de las plataforma de promoción más poderosas y rentables para la industria de la música. Este año, el medio tiempo del Super Bowl tuvo una audiencia de 115.3 milliones de espectadores,  más que la audiencia total del evento deportivo en sí, que fue de 112 millones, Billboard considera el medio tiempo del Super Bowl como la plataforma de promoción más importante para un artista, Beyoncé y Bruno Mars incrementaron sus ventas luego de presentarse en 2013 y 2014 respectivamente, aparte de haber anunciado sus giras justo luego de la transmisión, de las cuales vendieron más del 90% de boletería.

Tradicionalmente, los actos que llegan a presentarse en el Super Bowl son de artistas que ya se encuentran en el tope de sus carreras, y presentarse en esta plataforma es una validación de ese hecho. No se pone en duda el potencial de promoción del Super Bowl, pero tampoco es realista atribuirle todo el éxito de una gira de un artista tan mainstream como Bruno Mars o Beyoncé. Al momento en que este espacio se pone a la venta y el público conocer qué artistas han pagado, se desvirtúa el potencial de promoción y la mística alrededor de los artistas que se presentan allí.

Una plataforma de promoción tan importante es sin duda una oportunidad de gran valor para un artista nuevo, sin embargo el estigma de tener que pagar, puede generar rechazo entre grandes artistas, ya que los haría lucir desesperados. Por ejemplo, si se conociera que Beyoncé ha pagado por cantar en el medio tiempo del Super Bowl, se perdería gran parte de su atractivo, ya que éste se construye desde la premisa de que es una de las artistas mejor pagadas.

Tomando en cuenta que las marcas pagan alrededor de $4 millones por colocar comerciales de 30 segundos durante la transmisión del Super Bowl, no pareciera algo descabellado pensar que los músicos pudiesen pagar por aparecer en un show en el que otros ya pagan millones de dólares, sin embargo, una de las razones por la que los espacios de publicidad son tan caros, es precisamente la popularidad del show de medio tiempo. Pero si los artistas más grandes no están dispuestos a pagar, el show de medio tiempo ya no tendría tanto atractivo y tendrían que bajar los precios de la publicidad.

«Obviamente es un gran boom de publicidad tocar en el Super Bowl», india David T. Viecelli, agente de Arcade Fire, Mumford & Sons y St Vincent. «Pero espero que todos los manden a volar». El manager de John Legend y John Mayer, Troy Carter: «No creo que ningún artista en su sano juicio esté dispuesto a ceder parte de sus ingresos por una gira o parte de sus ventas para tocar en el Super Bowl, si la NFL quiere cobrar a los artistas por presentarse, yo produciría un medio tiempo alternativo en otro canal de televisión. Imagina un show con Lady Gaga, Beyoncé y Rihanna. Estoy seguro que les robaríamos toda la audiencia»

Un escenario muy posible es que grandes marcas estén dispuestas a patrocinar a un artista que quiera aparecer en el Super Bowl, con lo cual se convertiría entonces en la plataforma más potente de branded content musical en la historia. En este caso lo delicado estaría en la curaduría de este contenido a presentarse, ya que puede ser un arma de doble filo tanto para el artista como para la marca. Sin embargo una estrategia bien trazada, sobre todo que parta desde un vínculo verdadero entre los valores de un artista y una marca, con elementos transmedia online y offline, podría resultar ser bastante exitosa.

Queda por verse lo que decidirán los artistas.

Fuente: The Altlantic, Rolling Stone.

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Esta nueva dirección obedece a los crecientes retos que enfrenta el fabricante para alcanzar a su audiencia de mayor valor, jóvenes entre 20 y 35 años, cuyo consumo de contenido ha migrado a sus teléfonos móviles y quienes cada día más se saltan los anuncios de TV.

La compañía se ha asociado con siete aliados para amplificar las experiencias de marca de Honda en festivales (los escenarios principales en el Founders’ el Governors Ball, C3’s Austin City Limits, y el Live Nation’s Music Midtown en Atlanta), en móviles (las apps de Revolt TV para Android y iOS que transmiten desde Hollywood), en el sector del directo con el Honda Civic Tour y conciertos exclusivos con Live Nation, y por último en radio con Clear Channel, y en web con YouTube y VEVO.

En total, Honda estima que alcanzará más de un millón de personas a nivel presencial con más de 200 eventos, y unos 2000 millones de impresiones entre los distintos contenidos multimedia que producirá. El gasto total se estima en más de $53 millones.

«Es una gran jugada para nosotros, porque es un gasto considerable y mucho más grande que el coste de unos pocos eventos», así lo indica Tom Peyton, Vice Presidente Asociado de Publicidad en Honda. «Con esto nos estamos metiendo de lleno dentro del negocio del marketing de contenidos. Poner anuncios en la TV ya no funciona como antes, y al final del día los millennials y la música son un gran punto de enfoque para nosotros. Nos gusta la emoción que tiene la música».

La marca producirá una serie de conciertos íntimos y exclusivos a ser transmitidos una vez al mes desde el iHeart Radio Theater en Los Angeles en alianza con la emisora Clear Channel, «Es realmente una alianza entre las marcas en lugar de un lanzamiento de un coche, vamos incluir distintos elementos a lo largo del tiempo» así lo indicó Glen Glenday, VP de Clear Channel.

Por otro lado, Honda y Live Nation se asociarán para producir una serie de conciertos a la medida, que serán distribuidos luego por VEVO y por los canales digitales de Live Nation. Russell Walach, presidente de patrocinios de Live Nation: «Es la primera vez que vemos una marca de automóviles voltearse a mirar a la música desde una perspectiva holística, desde contenido en directo hasta la conjugación de aliados que al juntarse se complementan. Es realmente un compromiso estratégico a largo plazo».

Esta estrategia de Honda es otro ejemplo más de las diferentes vías que tienen las marcas para acercarse a su público a través del contenido de mayor valor, que es sin duda la música. 

Fuente: Billboard

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Os dejamos un breve resumen con lo más interesante de cada uno de los paneles que se dieron en el “Social Music Jam”

Big Data

La primera ponencia trató sobre el Big Data de la mano Alex Loscos (CEO de BMAT), que hizo una exposición general sobre qué es realmente el Big Data y las repercusiones que tiene sobre la música. Como bien resumió Alex, el Big Data es el poder manejar grandes volúmenes de datos, a muy alta velocidad y de varias fuentes y formas de estructurarla (las 3 V’s). Uno de los usos más prácticos que ofrece el big data en la industria musical es en la mejora de la gestión de los derechos de autor. Estas tecnologías permiten recopilar información de cualquier medio de comunicación que use una canción determinada. Gracias a empresas como BMAT en la recaudación de 2012 se repartieron 5 veces más en derechos de autor en una determinada entidad de gestión de la cual no reveló el nombre.

Streaming Audio vs Streaming Video

Fue uno de los paneles más interesantes de la jornada con Leo Nascimento (MD de Deezer España/Portugal), Cristina Delgado (Manager de Youtube España) y Jordi Finazzi (Director de negocio digital de Música para PRISA). Sólo empezar el panel todos los ponentes coincidieron en que el streaming audio y el de video son compatibles porque responden a necesidades diferentes de consumo, de target, de tipo de dispositivo usado, etc.

Deezer y Youtube destacaron el cambio de tendencia a un consumo más móvil. Como dato interesante, al día se visualizan 4 billones de videos en Youtube, el 25% vía móvil.

El ecosistema de la música digital “La luz al final del tunel”

Esta ponencia sirvió para analizar el sector de la música digital a nivel mundial y de España con los ponentes Simone Bosé (Presidente de EMI España/Portugal), Leo Nascimento de (MD de Deezer España/Portugal) e Ismael Comas (Country Manager de Believe Digital España/Portugal). Cada uno desde el punto de vista de su negocio explicó cómo adaptarse a la revolución digital. Una conclusión compartida por los 3 ponentes fue que la implantación de modelos y sistemas digitales en la industria musical sí llevarán a este resurgimiento de la industria, a esta luz al final del túnel, pero eso sí hay que trabajar más para que los nuevos modelos lleguen a más gente, se trata de una economía de volumen  A nivel español por las diferentes peculiaridades del país este resurgimiento parece que será más tardío que en otros países.

Crowdfunding en España

El crowdfunding se está convirtiendo en una de las vías más fiables para lanzar la carrera de un músico y quién mejor para explicar la situación actual en España que Borja Prieto (Director España y LATAM de My Major Company) y de Jonas Sala (Cofundador de Verkami). Destacaron que este sistema de financiación no sólo había proporcionado una nueva herramienta para los músicos, sino que también había cambiado los hábitos de consumo de los fans. También mencionaron que aunque estas plataformas también financian otro tipo de proyectos culturales, los musicales son los máximos triunfadores. 

Música y publicidad

Era un panel imprescindible si contamos el auge que está teniendo el branded content, con Javier Pérez (Style Brand Manager de Adidas), Markus Rogozinski de la agencia Agent 4 Music (Representan al grupo Che Sudaka) y con Enric Enrich (Abogado y fundador de Copyrait), abordaron cómo marcas y músicos consiguen trabajar juntos. Enric Enrich hizo una introducción explicando toda la parte legal de realizar este tipo de acciones y seguidamente Javier Pérez habló de cómo Adidas suele trabaja su estrategia con los músicos. Sobretodo destacaron la importancia de que ambas partes se sientan cómodas desde un primer momento y que por parte de la marca no haya una imposición muy agresiva de la imagen sobre el artista.

Contenido de marcas en móviles

Siguiendo con la línea de la ponencia anterior, ésta se especializó en los contenidos de marcas en los móviles. Como ponentes estaban Bernardo Campillo (Responsable de producto de Onthesport), Marco Cuevas (Fundador y CEO de Layers.com) y Luis J. Álvarez (Cofundador y CEO de Hiveplay). Realmente la música es un factor muy decisivo en la toma de decisiones de los consumidores, como dato interesante el 56% de las personas eligen entrar o quedarse en una tienda en función de la música que esté sonando. También es un elemento muy importante en la experiencia de compra de los usuarios, un buen hilo musical puede hacernos sentir mucho más cómodos. Por último destacaron el gran trabajo creativo y de análisis que hay detrás de cada estrategia realizada para cada marca.

Nuevas plataformas locales de música digital

En la última ponencia se presentaron dos proyectos de startups incubados en la aceleradora de Wayra. En primer lugar se presentó la app “Audiosnaps” de la mano de su Co-fundador Marc Sallent, una aplicación que permite capturar el momento a través fotos y a la vez graba 5 segundos de audio para después poderlo compartir a través de las redes sociales. Actualmente sólo se puede pedir por mail la invitación a la versión beta en http://www.audiosnaps.com/.

Seguidamente fue el turno de “Hiveplay” presentado por su Co-fundador Luis J. Álvarez, una aplicación destinada a ser la nueva gramola o rockola digital. Los usuarios pueden escoger mediante un sistema de votación la canción que sonará en el lugar en el que están. Podéis tener más información en http://www.hiveplay.com/.

Para concluir  queremos agradecer la iniciativa de FMF de seguir apostando por Barcelona como una ciudad con mucho potencial para figurar en el mapa de las grandes conferencias a nivel mundial dentro del negocio de la música y sin duda el Social Music Jam forma parte de ese ciclo de actividades que todos los miembros del sector no deben dejar pasar.

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