Reportando al presidente y CEO de Universal Music UK, David Joseph, Rebecca Allen se hará cargo de EMI Records después de 20 años en Universal Music. Allen ha pasado los últimos tres años como presidenta de Decca, donde ha trabajado estrechamente con artistas como Gregory Porter, Ludovico Einaudi, Imelda May, Isata Kanneh-Mason, Jamie Cullum, The Lumineers, Melody Gardot, Sheku Kanneh-Mason y Andrea Bocelli.

David Joseph indicó: “El historial de Rebecca en Decca habla por sí mismo, pero su serie de éxitos no cuenta la historia completa: simplemente es una líder inspiradora y nadie tiene una mejor comprensión de lo que se necesita para traer artistas y música a nuevas audiencias«

Por su parte Lucien Grainge, CEO de UMG indicó: “Al crecer en Londres, EMI fue la discográfica más emblemática de la música británica. Cuando adquirimos la empresa, nos comprometimos con nuevas inversiones, innovación, creatividad y, por supuesto, liderazgo. No solo hemos cumplido esa promesa, sino que continuamos posicionando a EMI para el futuro«.

Desde los años 70s EMI fue una discográfica a la vanguardia, que luego fundó la subsidiaria Parlophone y firmó a algunos de los artistas más icónicos de los años 90 como Radiohead, Blur y Coldplay. Para el año 2007 la discográfica fue vendida al grupo financiero Terra Firma el cual decidió dividir la compañía en partes y venderla. Al final de la controversia, Universal Music Group acabó como dueña de casi todo el negocio de EMI, a excepción de Parlophone la cual tuvo que ser vendida a Warner Music Group bajo órdenes de los organismos reguladores de la competencia en UK.

Sobre su nombramiento, Allen indicó: «Que me pidan que vuelva a imaginar uno de los sellos discográficos más importantes del Reino Unido es una oportunidad increíble, como lo es la oportunidad de trabajar con algunos de los artistas más grandes e innovadores del mundo. Trabajar con artistas y encontrar y desarrollar el talento del futuro es lo que me impulsa y no puedo esperar para comenzar a construir sobre lo que el brillante equipo de Virgin EMI ya ha logrado».

The post Universal relanza EMI Records en el Reino Unido first appeared on IndustriaMusical.com.

No es el caso de otras plataformas como Apple Music, YouTube Music o Amazon Music (con sus distintas variantes), las cuales forman parte del amplio catálogo de productos que ofrecen gigantes tecnológicos como Apple, Google y Amazon, respectivamente, es decir, el negocio del streaming de música de estas compañías no necesita ser rentable para sobrevivir, pues en estos casos la música es simplemente un vehículo para atraer compradores de teléfonos móviles (Apple), o para atraer usuarios que generen gran cantidad de datos que a su vez serán utilizados para vender publicidad (Google), o simplemente para comprar cualquier cosa (Amazon).

Durante décadas, era suficiente para una banda o artista exitoso lanzar un disco y luego salir de gira para promover las ventas de ese disco y a su vez ganar dinero por la venta de entradas. Pero este modelo está cada vez más obsoleto, debido a las nuevas dinámicas introducidas por la era del streaming y como resultado, ganar dinero solamente por la música se ha convertido en una hazaña titánica que solo pueden alcanzar grandes estrellas que tengan la fama suficiente como para vender grandes giras.

El auge de los festivales también ha introducido grandes cambios en la industria. Mark Mulligan les ha bautizado como «playlists en la vida real» en la que por una sola entrada, un fan puede ver decenas de artistas diferentes en un fin de semana, que seguramente no iría a ver por separado, no solo porque su poder adquisitivo es limitado, sino por la experiencia que representa asistir a un festival. Por otra parte, los festivales no necesariamente reportan grandes ingresos a los artistas, a menos que sea un cabeza de cartel de la talla de una Beyoncé o Kanye West.

Como resultado, está comenzando a aparecer un modelo «freemium» para los artistas, en el que no necesariamente reciben un pago generoso por una presentación en directo, pero pueden utilizar esa visibilidad para construir su marca, y eventualmente vender otros «productos» a sus fans, como merchandise, artículos de vestir, de belleza, coches, etc.

Cuando Microsoft comenzó a preparar la campaña promocional de lanzamiento de Windows 95, la compañía ofreció a R.E.M. millones de dólares para utilizar su tema «It’s The End of The World As We Know It (And I Feel Fine).” La banda rechazó la oferta, abriendo la puerta para que los Rolling Stones aceptaran el acuerdo y su canción «Start Me Up» se escuchó en todas las estaciones de televisión en los EEUU en el verano de 1995.

En aquel entonces, R.E.M. recibió alabanzas por haber mantenido su integridad artística, mientras los Rolling Stones fueron criticados por «haberse vendido», una etiqueta que provocaba pavor entre los músicos del pasado. Pero las cosas han cambiado.

Los artistas más exitosos serán aquellos que funcionen mas o menos como una plataforma de publicidad para su marca, y en un giro de acontecimientos, nadie les dirá que «se han vendido» pues todos entendemos que esta es la única forma hoy día de construir una audiencia y ganarse la vida con la música.

La música pasará a ser, como lo hacen las grandes tecnológicas, uno de los servicios o productos ofrecidos por el artista/marca, que probablemente no sea el más rentable, incluso podría llegar a ser gratuito, pero que servirá de vehículo para ofrecer otras experiencias o iniciativas desarrolladas por el mismo artista, con grandes potenciales de ingresos.

La marca de zapatillas Yeezy de Kanye West, le reporta al menos la misma cantidad de dinero que pudiese ganar con su música, y Rihanna se ha convertido en una de las mujeres más ricas del mundo gracias a sus líneas de productos de belleza Fenty Beauty y de lencería Savage by Fenty.

Si existen dudas de que este modelo funciona, basta con mirar hacia la industria de los video juegos. Casi 250 millones de personas juegan Fornite, y el año pasado Epic Games reportó $3 mil millones en ganancias, a pesar de que el juego es totalmente gratuito y genera ingresos a través de la monetización de mejoras dentro del juego y otras funcionalidades especiales, algo que parecía una locura tan solo unos años atrás.

Fuente: Forbes

The post Lo que los artistas pueden aprender de Apple, Amazon y Google first appeared on IndustriaMusical.com.

«Con este acuerdo de colaboración inicial, tenemos la intención de mejorar la experiencia de los fanáticos para nuestros seguidores a través de contenido musical y materiales audiovisuales innovadores «, dijo en un comunicado el presidente del FC Barcelona, Josep Maria Bartomeau.

La alianza fue sellada en una reunión en el Camp Nou de Barcelona el pasado 4 de agosto, a la que asistieron Bartomeau y el CEO del club, Grascar Grau, junto con el presidente y CEO de Sony Music Latin Iberia, Afo Verde, y José Maria Barbat, presidente de Sony Music Entertainment Iberia.

«Nuestra prestigiosa asociación con la organización del FC Barcelona ofrece a ambas partes una plataforma única para contar historias combinando música y deportes«, indicó Verde.

Según el acuerdo de dos años, el club de fútbol y el sello musical promoverán la creación de experiencias de entretenimiento que combinen dos actividades sobre las cuales los fanáticos del Barça y las personas de todas las edades tienen especial pasión: la música y el deporte.

Esta nueva alianza con Sony Music es parte del objetivo del FC Barcelona de asociarse proactivamente con entidades que comparten sus valores y filosofía. También refuerza la estrategia de establecer alianzas con marcas líderes que permitan al FC Barcelona continuar a la vanguardia de la industria del deporte y el entretenimiento. A través de esta iniciativa, el Barça tendrá la oportunidad de conectarse con sus fanáticos a través de múltiples tipos de experiencias que combinarán estrellas de fútbol y artistas musicales de renombre.

The post FC Barcelona firma alianza con Sony Music para ofrecer experiencias de entretenimiento first appeared on IndustriaMusical.com.

Techstars, una aceleradora con un portafolio de más de 7 mil millones de dólares, puede brindar una visión en cuanto a las nuevas tendencias tecnológicas en la industria. El pasado 18 de Mayo lanzó su programa Techstars Music, en alianza con grandes socios como Warner Music Group y Sony Music Entertainment, en un evento durante el cual la aceleradora presentó sus start-ups musicales.

Creación de Música

Popgun: Asegura tener el primer músico virtual creado por Inteligencia Artificial, el cual aprende de músicos humanos y complementa o mejora las composiciones musicales.

Amper: Un compositor creado por Inteligencia Artificial, intérprete y productor, que crea música por sí solo.

Pacemaker: un DJ virtual que crea remixes tomando como fuente reproducciones de streaming en lugar de archivos digitales. La tecnología permite la creación de los remixes dentro de plataformas como Spotify.

Weav: Considera una canción no como un producto final sino como una base para variaciones de sí misma en cuanto al tempo, energía y estado de ánimo, dependiendo del usuario que la escucha.

Monetización

Jaak: Utiliza tecnología blockchain para identificar el uso y los derechos de las reproducciones. Permite a apps y plataformas identificar quien está reproduciendo una canción y cuando, identificando los múltiples titulares y asignando los pagos correspondientes. Se plantea utilizar inteligencia artificial para obtener analíticas de uso a sus clientes.

Syncspot: Es una plataforma automatizada para la cross-promoción, en la que dos marcas unen fuerzas. Syncspot utiliza inteligencia artificial para emparejar marcas y desarrollar estrategias de promoción. Algunas marcas que la han utilizado son Coachela, Heineken y Unilever.

Pippa: Desarrolló una tecnología que permite a podcasters insertar anuncios personalizados dentro de su podcast. Utilizará inteligencia artificial para hacer búsquedas profundas de audio y personalizar los anuncios en base al contenido del podcast.

The post La Inteligencia Artificial en la Música: 8 Start-Ups a tener en cuenta first appeared on IndustriaMusical.com.

Como resultado de este acuerdo global, Deezer ofrecerá a sus usuarios The Sound of Barça, el canal oficial de música del Club, que incluirá playlists oficiales tanto del FC Barcelona como de diferentes futbolistas del club y otros deportistas, algo muy similar ofrecerá para los fanáticos del Man U.

Deezer, como Partner Musical Oficial del FC Barcelona, proporcionará más de 100 canciones a los fans de la música y el fútbol que representan lo mejor del Club, incluyendo grandes éxitos y canciones catalanas, así como los temas que ayudan a los jugadores a prepararse antes de los partidos. Los usuarios tendrán además acceso a Deezer Flow, una banda sonora personalizada basada en la combinación de un algoritmo único y la labor de los editores de la compañía con un mix personalizado de canciones recomendadas. Además, las playlists oficiales se reproducirán por los altavoces antes y durante los partidos en el Camp Nou, y Deezer aparecerá en las pantallas LED del estadio. Todo esto se espera genere un impulso importante en el brand awareness de la marca a nivel global.

Los suscriptores de Deezer podrán participar en concursos para ganar premios relacionados con el FC Barcelona, mientras que los fans y socios del Barça tendrán la oportunidad de ganar una cuenta Premium de la plataforma de streaming que ofrece acceso ilimitado a su biblioteca de música

Francesco Calvo, Chief Revenue Officer de FC Barcelona, afirma:

“Desde hoy, y gracias a Deezer, el FC Barcelona tiene un nuevo canal para comunicarse con sus seguidores de todo el mundo a través de la música. Todos ellos podrán acceder a The Sound of Barça, el canal musical oficial del Club, y podrán disfrutar de una selección de canciones representativas del FC Barcelona así como de las elegidas por sus deportistas favoritos. El acuerdo con esta plataforma de música en streaming global consolida el proyecto del Club de globalización e innovación”.

Por su parte, Golan Shaked, Director Comercial de Deezer, comenta:

“Estamos encantados de asociarnos con uno de los equipos de fútbol líderes del mundo, el FC Barcelona, como su servicio de música en streaming oficial. Este acuerdo no solo nos permitirá ofrecer a los fans de la música y el fútbol un modo más personal de acceder a contenido exclusivo, sino que les facilitará estar más cerca de uno de los deportes más populares del mundo, el fútbol. Podrán, por ejemplo, crear bandas sonoras personalizadas a través de la función Flow de Deezer, o hacer y compartir playlists de reproducción. Estamos deseosos de ver todo lo que nos depara el futuro.

The post Deezer se convierte en el partner musical oficial del FC Barcelona y del Manchester United first appeared on IndustriaMusical.com.

Este año Billboard ha incluido ejecutivas en el ámbito de la propiedad intelectual, la negociación de contratos, el descubrimiento de talento, discográficas, editoriales, música en vivo, agencias, medios digitales, medios de comunicación, branding, entidades de gestión, abogadas especializadas en la música y ejecutivas en las relaciones públicas

Encabezando este ranking, nos encontramos a Bozoma Saint John, Jefa Global de Marketing de consumo de iTunes/Apple Music. Entre Universal, Warner y Sony han situado 7 ejecutivas en el Top10 y mención especial que las 10 ejectuvivas representan el sector de la música grabada (Discográficas, Editoriales y plataformas de streaming) mientras que han quedado fuera ejecutivas del sector del directo.

1. Bozoma Saint John: Jefa global de marketing de consumo de iTunes/Apple Music
2. Julie Greenwald: Presidenta de Atlantic Records Group (Warner Music Group)
3. Camille Hackney: COO de Atlantic Records Group (Warner Music Group)
4. Michele Antonhy: Vicepresidenta ejecutiva de música grabada en Universal Music Group, quien en 2014 encabezó esta lista.
5. Sara Clemens: COO de Pandora
6. Jody Gerson: Presidenta y CEO de Universal Music Publishing Group, quien en 2014 estuvo en segundo lugar como co-presidenta de de Sony/ATV
7. Wendy Goldstein: VicePresidenta Ejecutiva de Republic Records (Universal Music Group)
8. Celine Joshua: Vicepresidenta Senior de Epic Records (Sony Music Entertainment Group)
9. Sylvia Rhone: Presidenta de Epic Records (Sony Music Entertainment Group)
10. Allison Kaye: Presidenta del departamento de música de SB Projects

Dentro del Top100 de las ejecutivas más poderosas sólo encontramos 2 hispanas:

Rocio Guerrero (España), Global Head of Latin Content programming de Spotify. Luego de unirse a Spotify hace seis años, Rocío se encargó personalmente de crear la primera playlist de música latina “Baila Reggaetón”, la cual a la fecha tiene más de 3 millones de seguidores. Rocio también ha sido incluída en el Top de los ejecutiv@s más influyentes latinos del 2016.

María Fernandez (Venezuela), Senior Vp operations/CFO of Latin Iberia de Sony Music Entertainment. Ejecutiva con 18 años de experiencia financiera y operativa desarrolla toda planificación la planificación para los mercados de América Latina, España y Portugal.

The post Las mujeres ejecutivas más poderosas de la industria musical en 2016 first appeared on IndustriaMusical.com.

AEG Live

Entre los festivales que aparecerán en la plataforma están el Stagecoach Country Music Festival en Indio, California, el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Panorama en Nueva York, Hangout Music Festival en Gulf Shores, Alabama y FYF Fest en Los Angeles.

Bajo los términos del acuerdo, Snapchat venderá publicidad alrededor de Live Stories en algunos festivales, lo cual creará oportunidades adicionales para marcas asociadas para alcanzar audiencias a través de anuncios en vídeo intercalados entre los snaps generados por usuarios. Según los nuevos socios, la demanda por los anuncios ha sido bastante alta y ya se han vendido todos los espacios disponibles para el 2016.

Live Stories permite a los snapchatters contribuir sus experiencias individuales en festivales a través de Snaps en foto y en vídeo en una historia colectiva, generada por los usuarios que están presentes en el evento. Un equipo dentro de Snapchat selecciona de entre los miles de Snaps enviados, y los re-empaca en un vídeo corto que puede ser transmitido de forma global hacia dispositivos móviles. Las historias (Stories) cubiertas a la fecha han recibido miles de millones de vistas, de acuerdo al comunicado que acompañará a la noticia del acuerdo. Snapchat también creará «geo-filtros» específicos para cada festival que pueden ser añadidos a los Snaps, los cuales solo están disponibles para los asistentes al evento o personas ubicadas cerca del sitio del festival.

En un comunicado, Andrew Klein, vice presidente senior de AEG Global Partnerships indica que «esta alianza da rienda suelta a la capacidad de los asistentes a conciertos a no solo compartir sus momentos favoritos con la gente dentro del evento, sino con fans de música en todo el mundo».

Un reporte publicado por eMarketer, proyecta que Snapchat sobrepasará tanto a Twitter y a Pinterest en número de usuarios este año, alcanzando 58.6 millones en los EEUU.

The post AEG Live y Snapchat se unen para crear «Live Stories» first appeared on IndustriaMusical.com.

Si hablamos de negocio, el mundo de la música en vivo y específicamente el de los festivales, es uno de los que mayor cantidad de dinero está generando para el sector. En lo últimos 20 años ha habido una consolidación de macro festivales en todos los grandes mercados de la música. México no podía se la excepción y por ello hace 16 años nace el que es a día de hoy es una de las mayores referencias de la música en vivo en Latinoamérica, el Vive Latino. Para hablar y conocer mejor cómo se trabaja la coordinación, el marketing y el branding hemos entrado en contacto con Andrés Sánchez promotor del festival, quien también estará presenta en la actual edición de BIME PRO.

IM: Tras analizar su fan page en Facebook encontramos que entorno al 95% de sus fans están radicados en México. Aunque esto no quiere decir que el festival no sea conocido más allá de sus fronteras, sin embargo, desde este punto de vista cómo afrontan la internacionalización, al menos en el área digital. ¿Es o no es estratégico para fortalecer vuestra marca? ¿Y cómo el digital se vincula o se retroalimenta con el offline?

AS: No hemos promovido una campaña que busque llegar a la audiencia internacional, nuestros esfuerzos  se han concentrado en amplificar nuestro alcance al público local.

La forma que tenemos en digital de generar comunidad fuera de nuestras fronteras es a través de los grupos internacionales que se presentan en el festival, atrayendo a su fanpage a los seguidores naturales de estas bandas, destacando su participación en el evento.

El festival es reconocido en otras latitudes y se ha posicionado como un destino musical atractivo en donde confluyen los sonidos latinos e internacionales. Nuestras redes son el medio de difusión oficial del festival, que generan un espacio de comunicación y vinculación. Es un espacio para la memoria y documentación de lo que sucede en las distintas ediciones, preservando imágenes y documentos (reseñas y contenidos) que dan muestra de lo sucedido en cada uno de esos años.

[colored_box color=»blue»]«a las marcas patrocinadoras se les hace “un traje a la medida” «[/colored_box]

IM: ¿Qué peso ha tenido para ustedes el desarrollo de la marca Vive Latino a lo largo de estas 16 ediciones? ¿Y cómo ha evolucionado el trabajo de branding y su relación con las marcas en lo últimos años?

AS: Con el paso de los años, el Vive se ha convertido en una marca gracias al público. Es común encontrar en los conciertos a jóvenes portando la camiseta de alguna edición del festival. Por nuestra parte, hemos publicado un libro, una revista, así como varios discos e infinidad de artículos promocionales. Por su parte, los medios, lo han convertido en un referente.

El festival tiene una apertura amplia en todos los aspectos (musical, social, económico y comercial) por lo que a las marcas patrocinadoras se les hace “un traje a la medida”, esto quiere decir que nos explican sus necesidades y objetivos. Nosotros trabajamos y desarrollamos el proyecto, el cual se les cotiza y se realiza, respetando la ideología del festival.

IM: En una entrevista decías que el elemento más característico y del que te sientes más orgulloso es que a diferencia de otros festivales, la primera vez que vas, lo sientes tuyo ¿Cuáles crees que son las mejores herramientas que tienen hoy en día los festivales para comunicar sus valores? ¿Y cuál es su mayor fortaleza como festival y evento cultura?

AS: Cada vez lo compruebo. En otros países me comenta la gente del medio musical, que tuvieron la oportunidad de asistir al evento (medios, artistas, managers), que su experiencia fue inolvidable. Al igual que en otros festivales ven a bandas, activaciones culturales y gastronómicas, pero la buena vibra que les da el estar aquí no la sienten en otro lugar, con solo una visita se hacen adictos al Vive.

De parte de la organización tenemos la obligación de mantener los más altos índices de calidad artística, en la producción, logística y seguridad. También el compromiso de ofrecer a los nuevos y/o recurrentes asistentes experiencias únicas en cada edición. La fortaleza radica en la experiencia y la capacidad de cada uno de los que operamos el festival. Desde su especialidad, cada quien es el mejor en su ramo.

[colored_box color=»blue»]«No estamos cerrados a una posible exportación, pero no es una prioridad.» [/colored_box]

IM: Hablando del valor de la marca de un festival y su exportación, en 2007 incursionaron en Chile, hoy en día festivales como Lollapalooza se han reproducido por la región, ¿Crees que aún tiene sentido y es viable, para ustedes probar nuevos territorios?

AS: Aparte de Chile, también se realizaron un par de ediciones en Guadalajara, pero el festival es “chilango” (nombre popular para los habitantes de la Ciudad de México), a donde asiste público de todo el país y de lugares muy lejanos. Su ubicación, clima y ambiente lo hacen único.

No estamos cerrados a una posible exportación, pero no es una prioridad.

IM: ¿16 ediciones se dice rápido, pero son muchos años, cuál es tu mayor aprendizaje a los largo de tantos Vive Latino?

AS: Aprendimos de la mano con el público; desde canalizar la energía y los recursos económicos, hasta la planeación artística y tratar de cubrir al máximo las necesidades de los asistentes, las marcas, las autoridades y los artistas.

[colored_box color=»blue»]«Vive Latino es “un animal que cambia”, se adapta y busca un equilibrio en las propuestas musicales»[/colored_box]

IM: A lo largo de los años el festival ha vivido evoluciones en su forma de programar los escenarios, la música electrónica se fue y volvió. Así como también han ido figurando mayor cantidad de estrellas anglo. En base a esto ¿Cómo equilibrar este efecto de la globalización sin perder la esencia del festival?

AS: Vive Latino es “un animal que cambia”, se adapta y busca un equilibrio en las propuestas musicales. Probamos escenarios, si no funcionan se van; Otros llegan para quedarse. Todas las expresiones artísticas tienen cabida: cine, libros, teatro y danza, pintura, escultura, etc. Y en cuanto a géneros musicales, manteniendo la base del rock en español, puedes encontrar cumbia, murga, regional, y en otros idiomas como el ruso o japonés, y donde lo más importante es sentir más que entender.

[colored_box color=»blue»]«Afortunadamente la música latina tiene acceso a los escenarios más importantes de todo el mundo»[/colored_box]

IM: Por último ¿Cómo evalúas el estado de la música latina y el rock en español? Lo que vemos es que se han abierto nuevos festivales en Estados Unidos, se ha fortalecido la red de festivales latinoamericanos en el continente ¿Cómo lo ves desde tu perspectiva y cómo ves los lazos y puentes de desarrollo con España y Europa?

AS: Afortunadamente la música latina tiene acceso a los escenarios más importantes de todo el mundo. La propuesta latinoamericana es vasta, aunado a la profesionalización de los grupos emergentes, los mercados de música y los festivales internacionales son los objetivos alcanzados por muchas bandas de la región.

La presencia de la escena española en México y en América Latina, en general, siempre ha estado vigente. Desde antes del Vive Latino, ya teníamos programación de artistas y grupos de la Madre Patria. Del resto de Europa, es poca la relación, musicalmente hablando, con nuestro país.

The post Andrés Sánchez, de Vive Latino: «A las marcas se les hace “un traje a la medida”» first appeared on IndustriaMusical.com.