Una vez dicho esto, lo que te puedo garantizar es que todos los artistas que llegan al éxito y se mantienen, tienen algo en común, la inteligencia. Si eres artista o músico no quiere decir que si no tienes éxito no seas inteligente, claro que existen otros factores en juego, pero para lograrlo y tener éxito además de talento debes poseer un buen grado de inteligencia). No basta con tener solo talento artístico, la industria de la música es algo mucho más complejo que requiere multidisciplinariedad o la capacidad para entender que hace falta un equipo y que hace falta estar abiertos a escuchar lo que tenga que decir cada uno de esos elementos del equipo. A continuación, ilustraré algunos de los errores más frecuentes que nos encontramos en el día a día (tanto en la agencia como en las distribuidoras), que a mi modo de ver, merman las posibilidades de los artistas de dar un salto en sus carreras:

Querer hacerlo todo ellos solos, por no ceder un % de sus ingresos: Estimado artista, entiende que el 100% de 400€ son 400€, pero el 65% de 10.000 son €6.500 ¿qué prefieres? esto que aquí es solo un ejemplo que ilustra la diferencia entre sumar a las personas o empresas correctas al equipo o no hacerlo. Y eso va o se palpa desde un manager profesional versus tu herma@, o una distribuidora digital que te pida un % a cambio de marketing, versus una DYI donde pagas y te quedas el 100% de los ingresos. Sí lo sé hay casos en los que carreras artísticas han sido bien llevadas por algún familiar (aunque malas historias hay muchas) y también hay algunos que desde una distribuidora do it yourself han conquistado el mercado como Chance The Rapper, pero sabemos que no es la norma. Entonces quizás debas pensar bien a quién puedes sumar a tu proyecto para que te haga crecer y hacer así el pastel más grande.

Entender la importancia del timing: Que tú hayas estado en el estudio con un tema ya más de un año o incluso solo tres días, grabando, produciendo, mezclando y masterizando, no implica que haya que sacarlo al día siguiente de tenerlo listo. Las cosas requieren y toman su tiempo, por ejemplo, para las plataformas de distribución digital un mínimo de 2 o 3 semanas para poder presentar correctamente el track a las plataformas de streaming. La diferencia entre trabajarlo con tiempo puede ser del cielo a la tierra. Te lo puedo asegurar en primera persona con proyectos que hemos manejado directamente, quizás el más claro de ellos, el del propio Nil Moliner donde de manera asertiva se dejó aconsejar y en lugar de sacar todo su material el pasado mes de septiembre (2017), fuimos espaciando la salida de su EP ‘Hijos de la Tierra’ hasta desde la independencia llegar a ser portada de Pop con Ñ (la playlist de Pop español más importante en Spotify España) en diciembre, 3 meses más tarde.

Leer los contratos: Aunque parezca mentira, no se imaginan la cantidad de artistas que se les habla de contratos que ya han firmado y ni se los han leído y mucho menos se han asesorado por un abogado. Por se empático, entiendo que nadie o casi nadie se lee los términos y condiciones que rondan por internet o incluso los de nuestros propios bancos, aquellos que cuentan con cientos de páginas. No quiere decir que esto esté bien,  no lo justifica, pero supongo se trata de optimizar nuestro tiempo, sin embargo, cuando tu carrera y futuro depende de las próximas 6 o 12 páginas de tu próximo contrato discográfico, de booking o de distribución, creo que ameritan ser leídas y tener asesoría ¿no?

Saber escuchar consejos: No tienen idea cuántas veces hemos tenido reuniones con proyectos que piden asesoramiento, se les brinda el asesoramiento, se justifican las acciones a seguir y aún así en muchos casos obvian los consejos y toman decisiones propias poco sustentadas, logrando así una décima parte del impacto potencial. Lo peor del caso es que luego en algunos se quejan de no haber alcanzado resultados. Me pregunto qué hubiese pasado si Nil hubiese obviado el consejo y hubiese sacado todo su material de golpe en septiembre sin llegar a ser presentado correctamente en plataformas como Spotify. Nil tiene mucho talento y quizás de igual forma hubiese logrado buenos resultados, quién sabe nunca lo sabremos, pero de seguro hubiese jugado con las probabilidades en contra. Lo que sí sabemos es que jugar con las probabilidades a nuestro favor ayudó muchísimo al proyecto.

Entender que se trata de un juego de probabilidades: Como he dicho anteriormente no es que piense que nosotros tenemos una varita mágica del éxito, pero sí tenemos claro que éste es un juego de probabilidades y hay que jugarla a favor. A Spotify se suben diariamente entre 20 mil y 24 mil canciones, y por ende necesitan la información de un lanzamiento con un mínimo de 7 días para revisar bien editorialmente los contenidos y considerarlos para sus playlists. Si luego de saber esta información tú vas y los quieres entregar 3 días antes y no te llamas J Balvin o Drake, pues lamentablemente has puesto las probabilidades de éxito aún más en tu contra. Si llega el viernes y no estas en Novedades Viernes o en otra playlist, lo siento mucho, pero no te quejes. Se te explicaron las reglas del juego y pensaste que coordinarlo con la salida del video en YouTube era más importante (uno de tantos ejemplos) que conseguir a lo mejor 10K streams el día de salida y entrar en el radar de los editores, pues bien por ti.

Por no hacerlo muy largo, en esta ocasión lo dejamos hasta aquí, pero creo que el punto quedó claro y espero poder ayudar con ello, aunque antes de despedirme quiero añadir que entiendo me he centrado con ejemplos en el streaming, pero es importante entender que una carrera artística no puede depender de estar solo en playlists, se deben trabajar todos los aspectos de ella y enfrentarse al público en la tarima es quizás el elemento más importante de todos, así que ánimos y a por ello!

Por último, me encantaría conocer sus opiniones tanto si estas del lado del profesional del sector como si lo estas del lado artístico o creativo.

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La semana pasada vimos la primera parte sobre los festivales y conciertos ante la prensa, ya que unos precisan de la prensa para darse a conocer y otros, necesitan responder a la demanda de sus audiencias de información interesante, útil y de valor añadido.

¿Cuáles son las claves para comunicar tu evento para que destaque entre la multitud? Estos son los otros 10 consejos prácticos, para adaptar la estrategia de marketing y comunicación de su festival a un entorno nuevo y con unas reglas totalmente distintas.

11. Maneja con inteligencia la relación con los periodistas

Prueba a ponerte en la piel de tus interlocutores. Tú aspiras a que tu concierto aparezca en la mayor cantidad de medios posibles. Ellos, en cambio, necesitan valor añadido y ser los primeros para adelantarse a la competencia. Sé consciente de todas las herramientas que tienes en tu mano (notas de prensa, ruedas de prensa, visitas privadas, off the record, filtraciones, exclusivas) y mézclalas con estrategia y generosidad.

12. Alíate con departamentos de prensa oficiales

Que tu festival se lleve bien con la Administración es vital. No sólo evitará que te suspendan la licencia de celebración en vísperas de la apertura. Además, te permitirá crear sinergias valiosísimas con sus oficinas de comunicación. Ellos pueden llegar donde tú no llegas y portan el peso y la credibilidad de una institución pública. Proponles envíos las notas de prensa al mismo tiempo y hacer ruedas de prensa conjuntas.

13. Busca partnerships con medios clave

Identifica a los medios clave para llegar a tu público y proponles ser tu emisora, o revista oficial. Posiblemente, ellos ya estaban ahí antes que tú, así que sé humilde al abordarles y ofréceles valor añadido para su marca. Tienes por explorar todo un mundo de intercambios de imagen, creación conjunta de contenidos, acciones de prescripción y modalidades de cooperación que dispararán tu visibilidad.

14. Gestiona las crisis con transparencia y diligencia

Asúmelo: en tu festival van a ocurrir imprevistos, cancelaciones y/o incidentes. Mantén la calma y ten a tu equipo preparado para responder, tanto en los medios como en las redes sociales. Haz frente al marrón con honestidad y con un mensaje coherente, positivo y humilde. Ten designado a un portavoz hábil, que será el encargado de dar la cara ante cámaras y micrófonos.

15. Sé generoso pero selectivo con las acreditaciones

Si tu festival es nuevo, irás detrás de los medios suplicándoles que asistan. Si es un evento asentado, te abrasarán durante meses a solicitudes de pases de prensa. Márcate de antemano una cifra de periodistas a los que deseas invitar y establece criterios claros para conceder las acreditaciones: importancia del medio, publicaciones previas, asistentes por medio, plazo para publicar la crónica, acceso a backstage y escenarios…

16. Habilita una zona exclusiva para la prensa

Mima a los periodistas y bríndales las comodidades necesarias para trabajar y divertirse. Al mismo tiempo, exígeles una profesionalidad a la altura de la ocasión. Ubícalos apartados del mogollón en una zona céntrica del festival, con wifi, electricidad, taquillas, vigilancia, buenas condiciones de sonido, mesas de trabajo y catering.

17. Filtra y facilita las entrevistas

Tu festival concede a los medios la oportunidad inédita de estar in situ con artistas de primera fila. Guarda un equilibrio sensato entre ayudarles en su trabajo y no convertirte en el agente de prensa personal de tu cabeza de cartel. Si no pones límites, puedes perderte en una maraña de solicitudes de entrevistas a su manager, su booker, su agencia de PR… Prioriza las peticiones de los medios más importantes y aquellas que más visibilicen a tu evento.

18. Estate preparado para la televisión

Con la tele, todo pasa en un visto y no visto. Deciden ir a cubrir tu jornada de apertura y en una hora tienes a una enorme unidad móvil en tu puerta y a un periodista con prisa por grabar y marcharse. ¡No pierdas la oportunidad! Ten lista una vía de acceso, acreditaciones para el vehículo, aparcamiento y a tu portavoz en perfecto estado de revista para las cámaras.

19. Piensa en el horario de los medios

Los festivales suelen celebrarse de noche. Si quieres llegar a tiempo al telediario de la noche o el cierre de los periódicos, ten en consideración sus tiempos de trabajo. Cada día deberías adelantar una selección de fotos y un balance de la jornada antes de que anochezca. A menudo tendrás que aventurar datos: ¡no te pilles los dedos hablando de una actuación que luego acabará cancelándose!

20. No exageres (mucho) las cifras de asistencia

Recuerda siempre que te diriges a periodistas: un público crítico, quizás más veterano que tú, y con un sexto sentido para identificar trolas. Dentro de los límites del sentido común, redondear ligeramente al alza es una práctica habitual y normalmente inofensiva. Si te pasas de listo, puedes echar a perder meses de trabajo. Por no hablar de que te pueden investigar por sobrepasar tu aforo…

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¿Cuáles son las claves para comunicar tu evento para que destaque entre la multitud?

Estos son los primeros 10 consejos prácticos, de 20, para adaptar la estrategia de marketing y comunicación de su festival a un entorno nuevo y con unas reglas totalmente distintas.

1. Crea un relato cultural convincente y ambicioso

Trabaja a fondo la descripción de la identidad del festival, su visión cultural y qué papel desea jugar en el panorama musical, sea cual sea su nicho. No estás promocionando una fiesta divertida, sino comunicando los objetivos de una institución musical que aspira a ser líder y faro de tendencias. Que ese peso específico impregne todas tus comunicaciones.

2. Describe el festival como una experiencia

La música en directo es hoy en día parte indivisible de un producto experiencial. No todo el público acudirá a tu evento por su sofisticado perfil cultural. Muchos buscan, sencillamente, bailar, viajar y conocer gente. Junto con tu discurso cultural, subraya la oferta de ocio, naturaleza, tecnología y relaciones sociales que brinda tu festival.

3. Sincroniza prensa y redes sociales

La prensa ya no es el principal canal para divulgar las novedades, sino tu página oficial de Facebook, el centro neurálgico de tu comunidad de fans. Sin embargo, seguimos necesitando (¡y mucho!) a los medios. Por eso, no pospongas la comunicación a los periodistas. Si les informas horas después de difundir tus anuncios en las redes sociales, te castigarán marginando o ignorando tus noticias. Redes sociales y notas de prensa, ¡siempre al mismo tiempo!

4. Elabora historias diferenciadas para distintos medios

Esto te va a llevar mucho trabajo, pero los resultados te lo compensarán. De tu festival, a la gaceta local le importa la cesión de los terrenos; al diario regional, la afluencia de público; a la prensa nacional, el regreso a los escenarios de una vieja gloria; a la internacional, que se celebra junto al mar y hace sol; y a la especializada, tu cartel artístico… Da a cada uno lo que necesita para convertir tu festival en su noticia.

5. Subraya los beneficios del festival para su entorno

Conceptos como creación de empleo, proyección de imagen, atracción turística o diversificación económica quizás no estén en el centro de tu proyecto cultural, pero son claves para ganarte el favor de la prensa local y regional. Crea historias veraces en torno a estos aspectos, y difúndelas. Te ayudará también a granjearte el apoyo de instituciones y los colectivos vecinales y sectoriales.

6. No te limites a confirmar nuevos artistas

Los artistas de tu próxima edición y sus biografías son impresionantes, pero una estrategia basada exclusivamente en difundir los sucesivos avances de tu cartel es plana y aburrida. Montar un festival es una aventura apasionante. ¿Por qué no la cuentas? Revela los entresijos: tus planes, las dificultades a las que te enfrentas, los cambios de dirección… No temas mostrarte humano.

7. Proporciona datos sobre la producción

A menudo, nos defrauda el escaso impacto en la prensa cuando informamos acerca de nuevos artistas confirmados. ¿Has probado en contar otra cosa? Te sorprenderá el éxito que obtendrás revelando detalles que pueden parecer insignificantes sobre producción o logística: el tamaño de tu recinto, la forma de tus escenarios, el número de cabezas móviles, los metros cuadrados de pantallas LEDs, el número de habitaciones de hotel reservadas…

8. Informa, no promociones

¡Tatúate este principio! Una nota de prensa no es un folleto, ni un publirreportaje, ni un post en Facebook. Limítate a informar usando un lenguaje detallado y aséptico. Sé hábil entrelazando ideas y datos para resultar sugerente y evocador, pero sin abusar de los adjetivos, sin caer en tópicos, ni recurrir a lemas comerciales: los periodistas los odian. Menciona muy sucintamente a tus patrocinadores, y sólo si son relevantes en tu relato.

9. Aporta información útil para el usuario

En los días o semanas previas a la fecha del evento, ya has vendido suficientemente las excelencias de tu festival. Aparca ese capítulo y céntrate en la información de tráfico, aparcamiento, alojamiento, transporte público, consejos prácticos… Da datos precisos y coordínate con ayuntamientos y policías municipales para ser certero.

10. Genera y distribuye contenido multimedia

En un panorama de medios muy diversos y soportes transmedia, no pienses sólo en texto. Los contenidos que distribuyas deben incluir, en la medida de lo posible, texto, hipertexto (links), declaraciones, audios, música, playlists, fotos, infografías y vídeos (HD y optimizados para redes sociales).

Puedes la segunda parte de este artículo aquí

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¿Cuáles son las claves para sobrevivir en este nuevo mundo digital? Estos son los otros 10 consejos prácticos, para adaptar la estrategia de marketing y comunicación de su sello musical a un entorno nuevo y con unas reglas totalmente distintas.

11. Esmérate con el diseño gráfico: la música nueva entra por los ojos

El poder de la imagen para vender música no es algo nuevo. Algunas colecciones de viejos vinilos son una genuina galería de arte. Aunque hoy día los lienzos no son tan grandes, la importancia de lo visual se ha multiplicado. Una dirección de arte cuidada, original  e inspiradora a la hora de confeccionar de tus portadas y promos te va a situar un peldaño por encima. Quizás lo hagas tan bien que el siguiente paso surja de forma natural: lanzar tu propia línea de ropa.

12. Saca partido a los nuevos formatos de vídeos eficaces y baratos

El videoclip oficial para TV es un proyecto audiovisual complejo que no todos los sellos pueden costear. Sin embargo, en las redes sociales la exigencia de calidad es menor, y ha surgido toda una nueva tipología de vídeos para el entorno digital, mucho más baratos y con un asombroso potencial viral: teaser videos, lyric videos, tour videos 100% amateur (tomados artesanalmente con una GoPro), making of de una sesión de estudio, vídeos de crowdsourcing, montados a base de escenas enviadas por los fans…

13. Lanza ediciones limitadas en CD o vinilo para tus mayores fans

Aunque tu estrategia sea 100% digital, puedes seguir contando con el disco en formato físico para satisfacer a tus fans más acérrimos. Aquí te la juegas con la exclusividad y el acabado de lujo. Seguro que cientos de tus seguidores pagarían con gusto un dinero extra por tener un ejemplar para coleccionistas. Y tienes la certeza de que ésos van a ser tus prescriptores más fieles.

14. Satura Google con vídeos, artículos y contenido sobre tu disco

La primera página de resultados de Google es el termómetro que mide el éxito de tu estrategia de distribución y comunicación de un lanzamiento. Tu trabajo es llenar esta página con, al menos, una entrada acerca del disco en Wikipedia, tres o cuatro entrevistas o artículos escritos, dos o tres vídeos (el videoclip oficial y entrevistas para TV) y los enlaces de compra del álbum o single en iTunes.

15. Agrega links de escucha y descarga en tus posts, tweets y artículos

¡Convierte la atención en tráfico relevante y ventas! Durante la campaña de lanzamiento, cualquier comunicación (posts en Facebook, tweets, fotos en Instagram, vídeos en YouTube, notas de prensa…) debe ir acompañada de llamadas a la acción y enlaces a las plataformas de streaming o tiendas online. Usa URLs acortadas para no ser escandaloso y utiliza soluciones para marketing musical como Linkfire o la gratuita smartURL.

16. Respeta el papel de las radios musicales

En los últimos años, YouTube se ha erigido en un serio competidor, pero hay que reconocer que la radio musical sigue siendo aún hoy el mayor fabricante de hits. Para que tu canción sea un éxito, necesitas a las emisoras especializadas en tu estilo musical. Conócelas, mantenlas al tanto de tus novedades y reserva una porción de tu presupuesto de marketing para acuerdos publicitarios.

17. Busca la complicidad de las webs especializadas

Si te mueves en un nicho musical muy concreto y no comercial, salir entrevistado en El País o en TVE puede ser halagador, pero irrelevante. Podrás sacar pecho en tus redes sociales, pero poco más: normalmente tus públicos están ahí. Es más eficaz que tengas presencia en webs y revistas especializadas. Además de las notas de prensa regulares, ofréceles premieres de tus nuevas canciones, contenidos exclusivos, invitaciones a eventos, acuerdos de patrocinio…

18. Mantén actualizada una base de datos de influencers sociales

La labor tradicional de relaciones públicas ahora es más compleja y diversa. La relación con los periodistas, aunque a menudo complicada, se rige por normas claras y suele imperar la profesionalidad. En el mundo 2.0, decenas de youtubers, tuiteros o instagramers pueden ser tan influyentes como aquéllos, y tratarles te va a resultar más caótico: son impredecibles, no se cortan a la hora de atacar tu trabajo y no siempre responden al teléfono. Tenlos localizados, dales un trato especial y aprende a aguantarles

19. Planifica fácilmente estrategias regionales diversas

Hay decenas de distribuidores digitales de música (TuneCore, Cd Baby, ReverbNation, Creanauta, Zimbalan, La Cúpula Music, Label Works, Believe Digital…) que te ofrecen soluciones sencillas para poner tu música a la venta a escala mundial en todas las plataformas existentes. En función de tu planificación de marketing o el entorno de derechos de autor en el que te muevas, podrás diseñar fácilmente estrategias o calendarios distintos en cada país o continente. Aprovéchalo para adaptarte a cada realidad geográfica.

20. Mientras dure esta lacra, usa la piratería a tu favor

La piratería se ha reducido desde que la industria se ha puesto las pilas y ofrece una amplia gama de formatos de consumo musical a bajo precio y con alto valor añadido. Sin embargo, sigue haciendo un daño enorme a los creadores. Hasta que se erradique totalmente, estás obligado a usarla a tu favor. La distribución ilegal funciona como una perfecta máquina de marketing y puede lanzar tu música a enormes mercados. Si eso no te reporta digital alguno, aprovecha al menos esa popularidad para potenciar tus actuaciones en directo o tus colaboraciones con marcas.

Ibai Cereijo, director de la agencia Woo Media, estará presente en el Primavera Pro (Evento profesional del Primavera Sound) impartiendo la charla «Lanzamientos discográficos ayer y hoy: Cómo el mundo digital lo ha cambiado todo» 

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Los artistas se relacionan directamente con sus fans, la música en directo está en auge y los nuevos modos de consumo (multipantalla, por búsquedas o afinidad sonora, en formatos sync a través de TV, publicidad, cines o videojuegos) han dibujado un ecosistema totalmente nuevo. Quienes no se adaptan languidecen entre proclamas nostálgicas o ya han desaparecido. ¿Cuáles son las claves para sobrevivir en este nuevo mundo digital?

Estos son los primeros 10 consejos prácticos, de 20, para adaptar la estrategia de marketing y comunicación de su sello musical a un entorno nuevo y con unas reglas totalmente distintas.

1. Atrévete a competir de igual a igual con los sellos grandes

La distribución digital ha reducido la brecha entre grandes discográficas y sellos modestos. Tienen mayor presupuesto publicitario y know-how, pero su ventaja principal en el mundo analógico, las amplias redes de distribución física hasta alcanzar la última tienda de discos de barrio, ha perdido valor. Ahora usan herramientas similares a las tuyas para poner sus discos en todas las plataformas y compiten por la atención de los usuarios en los mismos campos de batalla que tú: Facebook, YouTube, Spotify…

2. Los discos van y vienen, pero el artista permanece: céntrate en él

La venta de música grabada ha dejado de ser la principal fuente de ingresos de la música. Antes, cada nuevo disco era el epicentro de la vida de un artista. Ahora, ha pasado a ser un instrumento publicitario y un reclamo mediático para alimentar el verdadero negocio: giras, conciertos y colaboraciones con marcas. Por eso, pon al artista en el eje de tu relato promocional y ofrece algo más que cháchara sobre su disco: historias, cotilleos, fotos, eventos inolvidables…

3. No pongas la fecha de lanzamiento en el centro de tu estrategia

Con el disco físico, coordinar la promoción y la logística era el nudo gordiano del negocio. Para cuando la música empezaba a sonar en la radio y llegaban las primeras entrevistas en TV, el disco tenía que estar colocado en el expositor de miles o millones de puntos de venta… ¡Un rompecabezas! Como eco de aquella época, muchos sellos continúan dando hoy un protagonismo exagerado a la fecha de lanzamiento. Antes tenía sentido para dar tiempo, pero ahora… ¡Qué más da! ¡Sólo cuesta un clic!

4. Haz disponible la música, aunque sea en formatos gratuitos

El usuario digital desea una experiencia de consumo integral. Si lee un artículo tu nuevo disco, no va a entender que no pueda escucharlo en Spotify o YouTube. La promoción debe realizarse con la música disponible para evitar experiencias de usuario frustrantes. Si tú no se la ofreces, ya lo hará otro con su nuevo álbum. En suma, ¡no demores la salida al mercado de tus lanzamientos con campañas de pre-lanzamiento interminables! Y ofrece previews de tus nuevos singles fácilmente localizables en Google, con la opción de reservar o pre-ordenar en la tienda online.

5. Cuida de los metadatos, la base de la descubribilidad

Los metadatos son unas etiquetas invisibles que describen tu música y ayudan a las plataformas digitales a ubicarla en su categoría más adecuada en función de su género, estilo, país y afinidad sonora. Es esencial que describas tus temas como el público espera hallarlos, no como a ti te gustaría. Los sistemas de recomendación automática, ese apartado que suele indicar Artistas similares o Más canciones parecidas, pueden abrirte la puerta a millones de nuevos oyentes.

6. Asegúrate de que tu nuevo disco pueda competir con tus anteriores

En las nuevas plataformas de compra (iTunes, Google Play, Amazon MP3, Beatport…) y los servicios de streaming (Spotify, Deezer, Apple Music…) el usuario tiene casi todo el catálogo de música comercial de la historia a un solo clic. Cuando entre en tu página de artista, le va a ser tan fácil escoger tu nuevo álbum como el anterior, disponible unos centímetros más abajo con un simple scroll. Si has tenido un enorme hit en el pasado, corres el riesgo de que tus fans sigan regresando a él. Tu nueva música tiene que ser tan buena que compita con la del resto de artistas… ¡Y con tu discografía anterior!

7. Asume que el 50% de las escuchas llegarán por búsquedas, playlists o géneros

En una lógica de escucha lineal, un álbum constituía un viaje completo a lo largo de 12 ó 14 temas, con su inicio, su desarrollo y su desenlace. Hoy día, no puedes esperar que tu público reproduzca tu disco de principio a fin. Quizás nunca lo haga y se pierda las la aventura sonora que le propones. Tienes que construir tu LP de forma distinta porque va a ser escuchado de forma no secuencial.

8. Busca canales de sincronización en TV, cine, publicidad y videojuegos

¿Cuántas veces has conocido un tema a través de un anuncio de TV antes de que se convirtiese en un número uno en la radio? La sincronización musical es un campo en auge desde que la venta convencional de música ha decaído. Además, te permite alcanzar a audiencias muy heterogéneas y a consumidores irregulares de música a las que nunca pensaste llegar.

9. Regala canciones, remixes o tributos a temas clásicos

Combinar artículos de pago con regalos gratuitos es una de las claves del éxito en el nuevo entorno digital. Al entrar en el estudio, asume que no sólo compones y produces para vender, sino también para alimentar mediante obsequios la relación con tus fans y tu estrategia de prensa. ¿Por qué no producir un cover como homenaje póstumo a David Bowie o a Prince? Estos audios, distribuidos a través de SoundCloud o YouTube, a menudo se viralizan y obtienen más impacto que tu single de pago.

10. Sorprende con lanzamientos inesperados o colaboraciones insólitas

No seas previsible. La estrategia tradicional de lanzar un disco cada dos años con tres singles fuertes para la radio se ha quedado obsoleta en la sociedad de la inmediatez y Twitter. Hoy en día, si no lanzas nueva música en tres meses, el mercado tenderá a pensar que te has muerto, o retirado. Aprovecha tus periodos valle entre grandes proyectos discográficos para sorprender con propuestas diferentes, incursiones en nuevos géneros, temas sorpresa o featurings alejados del guión.

Puedes la segunda parte de este artículo aquí

Ibai Cereijo, director de la agencia Woo Media, estará presente en el Primavera Pro (Evento profesional del Primavera Sound) impartiendo la charla «Lanzamientos discográficos ayer y hoy: Cómo el mundo digital lo ha cambiado todo» 

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La siguiente entrevista con Fernando Giaccardi, manager de Enrique Iglesias es la primera de una serie de entrevistas de muy alto nivel que nos presentará desde Los Ángeles, California, nuestro colaborador Enrique Márquez (Greenlight Management).

IM: ¿Cómo comenzaste  en la industria y que te motivó a ser Manager?

Estudié Comunicaciones en el Tecnológico de Monterrey con actividades relacionadas con el entretenimiento, y luego, gracias a que mi padre trabajaba en Televisa, conseguí una oportunidad para comenzar a trabajar en una especie de Agencia de Publicidad interna de Televisa, donde realizaba principalmente actividades de marketing para las estaciones de radio. Luego trabajé en un área en la que se llevaban a cabo eventos conjuntos con las compañías discográficas, es decir, hacíamos eventos con artistas, entregábamos premios de música mexicana y varias actividades de ese tipo. Seguidamente trabajé directamente en la discográfica, siendo esta el área en la que trabajé más tiempo para Televisa, ocupé las posiciones de Product Manager y Sub Director de Marketing antes de que me trasladara, primero a las oficinas de Miami, y posteriormente a la de Los Ángeles, donde trabaje en la parte de Marketing y Promoción, allí me encargaba prácticamente de todo el mercado Norteamericano.

Mi motivación para ser Manager nace gracias al contacto frecuente que tenía con los representantes de los distintos artistas, donde la mayoría de ellos, principalmente los Managers de artistas no mexicanos, se quejaban de las cosas que según ellos no estábamos haciendo para promover a su artista. Me frustraba que ninguno de ellos venía a conversar sobre el plan que tenía para su artista o sobre posibles ideas, metas y objetivos de carrera. En realidad yo no busqué activamente pasarme a la parte de Management, pero cuando Enrique se cambio de la discográfica de Televisa a otra, él fue quien me comentó que su nuevo equipo de Management estaba buscando a alguien que conociera el mercado latino, así que él mismo les pidió que me llamaran para que fuese yo esa persona. Yo acepté principalmente por la muy buena relación que había formado con Enrique.

IM: ¿Qué busca un Manager a la hora de fichar a un nuevo artista y qué tipo de acuerdos se están manejando actualmente en la industria?

Bueno, no quiero ser negativo, pero actualmente es algo muy complicado. Antes era más fácil porque las compañías discográficas gastaban más dinero y ahora pareciera que ya no tienen tanto presupuesto. Es un tema que se ve todos los días en los reportes por servicios de distribución que pagan o dejan de cubrir. Al no haber tanto dinero disponible, los riesgos que se toman son mucho más modestos. Antes era mucho más frecuente que el Manager, o hasta el mismo artista, consiguiera que una discográfica pusiera dinero y apostara por él, ya que las empresas podían darse ese lujo.

Sin embargo, ahora los presupuestos para desarrollar nuevos artistas prácticamente no existen. Evidentemente si un artista es bueno, encontrará siempre la forma de salir a la luz. Si me preguntas, ¿Fernando, que buscas en un artista nuevo a la hora de firmar con el? Pues la letra de sus canciones, la música y si el artista es quien compone su propia música… al final del día lo más importante es la música, sea quien sea el que la escriba, pero es ideal que sea el paquete completo, como lo es Enrique, que él mismo compone sus canciones, canta, es guapo, trabaja mucho, y es un poco de todo, ¿no?.

En cuanto a los tipos de acuerdos, las disqueras quieren tener acuerdos de 360º, puesto que si hay poco dinero para invertir y ellos son los que lo tienen que hacer, obviamente querrán llevarse una parte del pastel para poder recuperar su inversión. Lo que haría un buen Manager si ve que su artista tiene potencial de llegar muy lejos, es asegurarse que el acuerdo NO sea de 360º, pues siempre es preferible que al final el artista se lleve lo máximo posible. El Manager, antes que nada, siempre tiene que ver en primer lugar por su artista. Con esto no quiero decir que no se compartan cosas con las disqueras o con terceras partes, lo importante es que todos ganen, pero siempre cuidando las proporciones, porque al final, el talento es lo que tiene el valor.

IM ¿Hacia dónde piensas que se moverá la industria en los próximos 5 años?

Es complicado saberlo. Hace no mucho, Enrique le preguntó a Lucian Grainge, presidente de Universal Music y el personaje más poderoso actualmente en lo que respecta al Music Business, cual sería el futuro sobre lo que está ocurriendo con las descargas, YouTube, el streaming…Tras unas carcajadas, Lucian le contestó que él no lo sabía, que lo mas gracioso era que todo el mundo pensaba que él tenía la respuesta, pero el problema es que hace  5 años no existía Spotify, unos años más atrás no existía Pandora, y hace apenas 15 años, todas las ventas de música eran a través de CDs, entonces es muy difícil predecir el futuro cuando el cambio constante es lo único seguro.

Definitivamente lo digital no va a desaparecer y el trabajo seguirá estando en tratar de entender cómo monetizarlo. No quiere decir que cada persona que escuche una canción en Spotify tenga que pagar una fortuna, pero sí debe haber un ajuste en la forma de hacer negocios. El público, y las masas, deben entender que es demasiado poco lo que se está generando y esto esta afectando al resto de la cadena en términos de presupuesto, no solo a los artistas, pero también a cientos de personas involucradas en cada canción, lo que en consecuencia reduce las oportunidades para los artistas nuevos. Yo creo que en 5 años seguiremos trabajando con lo digital, ojalá con mejores pagos, y fortaleciendo cada vez más la relación del artista con sus fans. Las redes sociales definitivamente han hecho esta conexión mucho más fácil y creo que esto es algo que en 5 años se va a profundizar.

IM ¿Qué factores le han hecho llegar tan lejos a Enrique Iglesias?

Una vez me preguntaron eso y yo respondí haciendo una analogía de cuando vas a jugar un videojuego de coches. Uno comienza fijándose en las diferentes características y tratando de hacer una combinación para escoger el coche perfecto (velocidad, maniobra, frenado, etc.) En el caso de un artista pop, la apariencia física, el talento para cantar, y el carisma, son atributos muy importantes, que en el caso de Enrique, los tiene a un alto nivel. Si a eso le añades que es muy trabajador, respetuoso, que escribe sus propias canciones y no está sentado esperando a que alguien le traiga una propuesta, terminas con una muy buena combinación. Lo que lo ha hecho triunfar es que tiene todas las características a nivel artístico y es mega trabajador, responsable, negociante, cariñoso, humilde y tiene mucha ética profesional.

IM ¿Cómo ves el impacto de la influencia Latina en el mercado hispanoparlante dentro de los Estados Unidos y la industria musical?

Indiscutiblemente lo que está sucediendo ahora va a seguir creciendo, es algo que no se puede detener. La población latina es la de mayor crecimiento, tienen una alta motivación al consumo y las firmas se dan cuenta de esto. Lo han hecho tarde, pero finalmente se han dado cuenta de que existe este sector de mercado y que cuenta con mucho potencial. Esto ha ocurrido en principio por la influencia de la cultura hip-hop, la cual ha posicionado ciertas marcas como identificativos de esta cultura (como marcas de zapatos) y claro, al destinar presupuesto, las ventas comenzaron a incrementarse sustancialmente.  Ese movimiento ya se estabilizó y ahora las compañías fijaron sus ojos en nuevos sectores para poder seguir creciendo y por ende se han fijado en los latinos. Hoy en día contamos con programas televisivos, campañas publicitarias, productos específicos, etc., dirigidos al mercado latino. Los latinos van a seguir creciendo, no hay ninguna otra población minoritaria que esté creciendo a su ritmo, y esto no va a detenerse en el corto plazo.

El festival, “L Festival: The Biggest Latin Music Festival in The US” que organizó Universal el pasado mes de octubre, costó mucho trabajo, como sucede en cualquier festival al comienzo, pero creo que fue un muy buen trabajo y estoy seguro que seguirá creciendo durante los próximos años.

Anteriormente cuando ibas a una empresa a negociar, el presupuesto para cualquier propuesta latina era de 200 pesos, por dar un ejemplo, y ahora es de 2 mil pesos, es decir, el crecimiento ha sido impresionante y mi visión, es que el sector se va a ir especializando y profesionalizando a nivel de festivales y a nivel de la industria. Creo que es importante para los artistas latinos profesionalizarse mucho más a nivel de Music Business, no tanto los artistas, sino sus equipos de trabajo, profesionalizar mucho más el producto, los videos, la imagen, las producciones, etc.  porque se están abriendo muchas puertas, pero debemos estar al nivel para poder competir y no quedarnos cortos.

IM ¿Será un factor clave el rol de la música latina en Estados Unidos?

¡Definitivamente! Yo creo es un tema de identidad, no por el hecho de que el mercado latino ya no sea nicho, sino que se integre con el principal. El público latino no va a dejar de escuchar su propia música, es una cuestión cultural. Seguirá habiendo crossover donde haya música hispana aunque sea en inglés. Las canciones que hace Enrique o Pitbull, o que hacen artistas de origen hispano y con sabor latino, aunque sean en inglés, siguen siendo una cuestión cultural. Yo dudo que dejen de venir personas latinas a este país, se ha comprobado que aún en segundas y terceras generaciones, todavía se escuchan esos artistas tradicionales, esa música propia de la cultura. Yo creo que si sabemos aprovechar las oportunidades y nos seguimos profesionalizando como industria latina, no solo vamos a seguir atrayendo a las nuevas generaciones de latinos, sino también incluir a otras razas.

Si la música es buena, porqué no pensar como latinos que queremos hacer un festival donde vengan negros, blancos, latinos, orientales, etc., no solo preocuparse por mantener a las segundas generaciones de latinos. Hay que mantenerlos y crecer más allá de esos límites.

IM ¿Algún evento interesante que te haya marcado en tu trayectoria en la industria musical?

Yo trabajaba para la compañía en Miami cuando Enrique sacó su tercer álbum en español. Fuimos a su casa en Miami para que nos tocara las canciones nuevas y cuando llegamos no tenía los demos. El presidente de la compañía casi se vuelve loco, pero Enrique nos dijo; “no se preocupen, les voy a tocar las canciones.” Entonces pasamos a su habitación, la cual era muy pequeña, y estábamos allí todos apretados. Estaba Rafael Pérez Botija, que había trabajado con él en todas las canciones, un piano, un micrófono, y en su cama, estaban las letras de las canciones. Enrique nos cantó el disco entero, es decir, ¡tuvimos un concierto privado de canciones inéditas de Enrique Iglesias en su habitación! Fue un momento que me hubiese gustado filmar.

Otra anécdota me ocurrió con Marco Antonio Solís, del cual soy fan y amigo. Un día, cuando yo trabajaba en la discográfica, vino a una junta con los ejecutivos de la compañía a quejarse. Poco después se dio cuenta de que su manager le había mal informado y que su queja no tenía razón de ser. Entonces comenzamos a charlar y a tomar cerveza. Pidió que le trajeran una guitarra porque quería cantarnos una canción nueva. Estaba allí Guillermo Santiso, que era el presidente de la compañía (Fonovisa), y se pusieron a charlar de cuando se conocieron por primera vez, cuando las carreras de ambos apenas estaban comenzando. A partir de ese momento empezaron a contarnos a todos los que estábamos allí todo sobre sus carreras, desde el primer sencillo de Marco con Los Bukies, hasta ese día. Santiso contaba las anécdotas año por año y Marco iba cantando las canciones. Así que fue un concierto privado de todos los éxitos de Marco Antonio Solís, cantados por él en la guitarra, en un cuarto con diez personas. Fue algo espectacular.

Y el tercer momento fue cuando me tocó darle la vuelta al mundo en 100 horas con los Backstreet Boys. Yo tuve mucho que ver con esta acción que consistió en llevarles a dar la vuelta al mundo en 100 horas para promover el lanzamiento de uno de sus discos,  lo que se convirtió en una de las campañas de lanzamiento más grande en la historia de un álbum. Yo estaba allí como parte del equipo encargado y fue simplemente espectacular.

IM ¿Qué consejo le puedes dar a alguien que quiera hacer carrera en la industria de la música?

Tengo un amigo que dice que entre más trabajo, más suerte tengo. Trabajar mucho, tener sentido común y las oportunidades se te presentarán. Todo el mundo dice esto, pero lo que yo quiero decir es trabajar hasta el último detalle, que no pueda venir nadie a poner al lado tuyo algo que sea mejor. Así seas un becario, y te encargas de gestionar los correos y las cartas, entrégalas de la mejor forma posible: puedes simplemente entregarlas, o que mejor, entregarlas todas mirando hacia el mismo lado. Esos son los detalles a los que me refiero. Haz las cosas de manera en que te sientas orgulloso y que tú sepas que nadie más pudo haberlo hecho mejor que tú, sin importar lo que estés haciendo. Inevitablemente alguien se va a dar cuenta de esto, y esa persona va a querer que formes parte de su equipo. Yo lo digo por experiencia porque donde yo empecé, alguien se dio cuenta de que yo era bueno y me pasaron a otra área, y allí sucedió de nuevo, y esto era porque así yo no durmiera, nunca iba a entregar una presentación mal hecha, ni poner datos incompletos porque no me dio tiempo de encontrar la información. Ese sería mi mejor consejo.

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El siguiente artículo nos llega cortesía de ticketscript

Mucho se ha hablado en los últimos tiempos sobre Big Data; un término que tanto puede darte sarpullidos, como asustar al más valiente. Pero eh, “dont’ believe the hype!”. Conocer a tu público potencial y saber el retorno de la inversión en campañas online y offline (cartelería, anuncios…) ahora es posible y mucho más fácil de lo que parece. En ticketscript nos encanta todo lo que tenga que ver con análisis de audiencias, y tenemos un lado geek que no dudamos en mostrar. Nuestra plataforma permite la sincronización con Google Analytics, para poder ofrecer a los promotores informes aún más completos sobre su público.

Este es el A B C del análisis de datos que necesitas para aplicarlo a tus eventos, a tu sala de conciertos, a los lectores de tu revista o a cualquier público en general.

– Sumérgete en la información
Hay un montón de información “ahí fuera”, y es fácil agobiarse. Sólo tienes que centrarte en la información que es útil para ti, y no la que es simplemente interesante. ¿Qué quiere decir eso?
Datos Útiles son aquellos sobre los que tú puedes incidir o tomar cierta acción: geolocalización, info del usuario…

Por contra, los Datos Interesantes pero inútiles para tu causa, son informaciones como el tamaño de la pantalla de la persona que se conecta, que no afecta para nada a tus ratios de conversión.

¿Cuántos de vosotros tenéis perfiles en Facebook? ¿Y Twitter? ¿Usáis Google como buscador? ¿Y sus campañas de keywords? ¡Estáis con un pie dentro del mundo de los datos! !Empecemos con Google Analytics en este primer artículo. Aunque lo que vamos a contar se aplica a cualquier pack de analytics que escojáis.

Ahora que ya sabes dónde está la información, ¿qué vas a analizar primero?

1. La Fuente / Origen:

¿Quieres saber de dónde viene el tráfico de tu web/perfil? Usa este sencillo informe de Google Analytics (Source) para saber de dónde provienen tus visitantes. Siempre y cuando sean páginas etiquetadas y no, por ejemplo, estén usando una extensión de incógnito.
Es interesante porque:

● Conocerás otros intereses de tu público, y así poder usarlo para hacer anuncios más interesantes, intercambios de espacios con otras webs…
● Si tienes un media partner, por ejemplo, ¿cómo sabrás si es el adecuado? Ahora podrás comprobar las ratios de conversión.
● Descubrirás nuevas fuentes de tráfico que quizá ignorabas y así tendrás nuevos aliados en tus campaña

2. Dispositivos:

Sin querer sonar como MadMax, estamos en la Era-Post PC, Googlegeddon; donde el tráfico en Internet desde móvil ya supera al del ordenador de mesa.

Gracias a este report (Devices en Google Analytics) podremos saber si nuestros ratios de conversión son superiores en móvil que en PC, y pensar así campañas específicas de marketing móvil. ¿Tienes público turista que se conecta vía móvil o tablet cuando pillan el wifi del hotel? ¿O por el contrario tus seguidores te visitan desde su ordenador de escritorio? Según la respuesta, deberás adaptar tu campaña de comunicación y marketing.

Sin embargo, sabiendo que España es el país líder en penetración de smartphones en Europa, y como puedes comprobar en nuestra última Ticketscript Talks, el uso del móvil es cada vez mayor, así que es hora de deslizar tu dedo a la derecha y decir ¡sí! al mobile marketing. Una nueva tendencia que va más allá de tener banners y contenido responsive.

3. Localización:

¿Cuántas veces has hecho una pegada de carteles sin saber si realmente funcionan? ¿Cuántos flyers habrás repartido que habrán terminado en la papelera? Hay una manera de saber si todas esas campañas offline son efectivas y cuál es el retorno de la inversión (ROI).

Usa el informe de Location en Google Analytics y conoce al detalle las zonas, ciudades y regiones de dónde viene tu público o compradores. Es interesante saber de dónde vienen, pero más aún es saber de dónde NO vienen. Imagina que la mayoría provienen de una ciudad en la que no haces publicidad de calle, y en cambio estás invirtiendo una millonada en otra zona cuya conversión es bajísima. Con toda esta información ya no inviertes el presupuesto a ciegas.

Es clave entender estos tres parámetros, ya que nos dan tanta información sobre tu público en unos sencillos pasos. Si activas estos informes, tendrás datos que harán que tus decisiones se basen en datos empíricos y no en tu intuición. Porque en un mercado cada vez más saturado de competidores de todo tipo, necesitas afilar tus campañas y apelar directamente a tu público y acercarte a tu audiencia potencial.

Conocer la fuente, el dispositivo y la localización te brinda la oportunidad de optimizar tu sitio web y la experiencia del usuario en tableta y móvil. Tanto si eres un promotor, periodista, tienes una sala de conciertos, un booker o dedicado al mundo de la promo, seguro que te interesa conocer quién es tu público real y dónde está tu audiencia potencial. Ahora, ve y descubre, Joven Padawan.

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Miércoles: Sync Summit

El pasado miércoles se dio cita un importante grupo de music supervisors en las instalaciones la Antigua Fábrica Damm para asistir al Sync Summit, la jornada dedicada a las sincronizaciones que dio al Future Music Forum. Aunque son muchos los profesionales los que nos leen, quiero solo recordar que las sincronizaciones son la combinación de audio y vídeo para crear una nueva pieza (cine, publicidad, documentales etc).

Actualmente las sincronizaciones representan el 2% del negocio y con la caída de las ventas físicas y las descargas, representan una importante fuente de ingresos para los artistas y compositores que logran entrar en ese mundo.  

La jornada dio apertura con una charla, muy bien moderada por Mark Frieser, entre dos veteranos de la talla de Jonathan McHugh CEO de Song Stew Entertainment y Jonathan Platt Managing Partner J2 Media/Music Without Prejudice que compartieron consejos de cómo abordar a los music supervisor y cómo funciona el negocio. En líneas generales los music supervisor no son figuras muy públicas y es posible que dichas empresas no nos suenen, pero han estado encargadas de musicalizar decenas de proyectos como Austin Power, la franquicia de las películas Saw, Rush Hour entre otras.

Entre las claves compartidas señalaron que lo importante no es de dónde es la banda o el artista, sino su sonido, “no se trata de dónde eres, sino de dónde suenas, aunque el lenguaje si es importante” comentó uno de ellos. Por su parte Platt aseguró que el streaming es una importante fuente de descubrimiento y no solo ello, recalcó la importancia de crear una historia alrededor de la música y tener muy bien cuidados sus canales en las redes sociales.

Una ayuda importante para los music supervisors es el utilizar el “Sound Like” o suena como, así lo comentó McHugh, ya que a veces se necesita por ejemplo una canción de Kings of Leon la cual es muy costosa o no se logran los derecho y se necesitan alternativas.

Los covers son una gran forma de ser descubiertos, un buen cover en el momento preciso puede cambiar la historia de un proyecto musical. En la misma línea de grandes oportunidades, así describieron a las sincronizaciones, pues aunque en algunos casos no son grandes cifras de dinero, la exposición que ofrecen a cambio lo puede compensar, esto fue algo en que ambos coincidieron.

En cuanto a la función de descubrir nuevo talentos, ambos volvieron a coincidir que es algo que les gusta hacer y que es parte del negocio. Sin embargo, por mucho que eso les guste, reconocieron el impacto de las redes sociales tiene mucho peso hoy en día “los artistas reciben grandes cheques y queremos ver o nos piden, cómo los artistas impulsarán la película con sus fans” dijo así McHough

Hoy en día los editores no pueden ser solo editores, deben saber mover a sus compositores y autores en el mundo digital. Así como los músicos no deben destinar toda su inversión en hacer música, deben dejar también presupuesto para el marketing, estas son algunas de las aportaciones hechas por los “Jons”.

En un segundo panel enfocado en el papel y el trabajo de los music supervisor se recalcó la importancia de hacer el trabajo de investigación sobre los derechos de las canciones a licenciar. Allí Platt recalcó que la figura del music supervisor no puede confiar en que un artista le diga que no hay samples, se debe investigar, conocer el negocio y tener buen oído, porque de lo contrario pueden haber grandes demandas. A esto se sumó Nuno Saraiva de Portugal Music Consulting, “Hay que ser transparentes y decir si hay samples, preferimos trabajar sin samples y todo ese material se descarta”.

Compartiendo algunas facetas del oficio Platt añadió que a veces es mejor cerrar el acuerdo con la canción más costosa primero, ya que eso le pone los pies en la tierra al resto y les marca una guía. Y no dejó de lado la importancia de tener contactos e ir a comer con gente, mantener relaciones públicas y demás, ya que en parte es una de las razones por las que se contrata a un music supervisor, su importante agenda de contactos.

Didier Lord jefe global de música para Ubisoft expuso en una sesión a modo individual la importante relación entre música y videojuegos. Ubisoft es una empresa líder en el sector y desarrolla juegos en los que la música juega un papel fundamental como es el caso de Just Dance, de tal manera que invierten dinero para licenciar grandes hits.

Abordando la temática presupuestaria, Lord comentó que dependerá del juego, y la importancia que tenga la música en el proyecto. En el caso de Just Dance es máxima, pero en otros no tanto y en función de ello se destina el presupuesto. Aunque comentó que la música siempre cuenta con un presupuesto pequeño del marketing global de las campañas, afirmó que las empresas de videojuego como Ubisoft cuentan con presupuesto de desarrollo muy similar a los de las bandas sonoras de Hollywood, que superan fácilmente los $100k.

Al preguntarle sobre su proyección de inversión o asignación de presupuesto para música, Lord señaló que ello dependerá del número de videojuegos, “pero sí, definitivamente veo que nuestros presupuesto o inversión en música crecerá en el futuro, en los próximos cinco años” dijo así el Jefe de Música en Ubisoft.

En el ámbito latino, la jornada contó con la presencia de Daniel Salcedo fundador Muuseme Music Integration para valorar la unión entre marcas y música. Para Salcedo quien trabaja desde hace cinco en campañas con los Latin Grammys presentando a nuevo talentos de la mano de McDonalds, las marcas juegan un papel importante. Aunque junto a Saraiva y el resto de panelistas coincidieron en la importancia de tener claro los valores de los artistas y las marcas antes de afrontar una relación.

Salcedo destacó en sus inicios la necesidades de tener artistas alternativos e independientes latinos para ofrecer a proyectos, ya que anteriormente al buscar lincencias siempre se le ofrecian a las marcas los mismos talentos mainstream, Shakira, Ricky Martin, por ellodesarrollo su propio catálogo.

Entrando más en materia hispana en los Estados Unidos Salcedo destacó que el mercado que más crece ahora mismo es la segunda generación de latinos en los Estados Unidos y si se desean lanzar campañas en Miami, Texas, Los Ángeles deben tener por obligación un elemento latino. En todas las esferas la cultura latina está influenciando la tradición americana e incluso ahora hay comerciales directamente en español. Resaltó la universalidad de la música latina y destacó la campaña a nivel nacional en los Estados Unidos entre la  banda chilena Astro y Bloomingdale.

Women in Music: 

El primer panel estuvo compuesto en su mayoría por profesionales de la industria representando el lado corporativo y tecnológico más que el artístico o de producción. Un tema de base que fue discutido fue el hecho de que la diversidad en el área tecnológica es clave para poder ver una representación femenina más amplia, y esto es algo que simplemente al momento no sucede debido a que no se estimula en la mujeres jóvenes el interés por estudiar programación.

Otro de los temas importantes que se tocó fue la necesidad de incluir este tipo de discusiones de género dentro del programa central del evento y no como una sesión aparte, y que para poder lograr un cambio de percepción del rol de la mujer dentro de cualquier corporación o industria, es necesario trabajar de la mano con los hombres quienes son los que toman las decisiones y hacerles partícipes dentro de la conversación.

En el segundo panel, se discutió un poco más sobre el lado artístico, y se habló de iniciativas que se están llevando a cabo en ciudades como Berlín, en donde se está realizando un estudio para conocer cuántas mujeres trabajan actualmente en la industria y en qué roles exactamente.

Uno de los temas importantes fue el de la representación femenina en los carteles de festivales, y se discutió la idea de que aquellos cabezas de cartel que deseen hacer un cambio en este sentido podrían dejar de lado un pequeño porcentaje de su caché para que los programadores pudiesen incluir artistas y bandas con más representación femenina dentro de los festivales importantes. Esto sería un paso adelante para resolver el problema de que no existen suficientes «ejemplos a seguir» femeninos en la industria, salvo en contadas excepciones, lo cual tendría un impacto en la audiencia, en la prensa y en la industria en general.

Reseña de Woman in Music por Julia Hernández 

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