La demanda, presentada el 6 de marzo de 2026 ante un tribunal federal, alega que Google copió al menos 44 millones de clips y 280.000 horas de música de su propia plataforma YouTube para alimentar el modelo Lyria 3, lanzado el 18 de febrero como el sistema de generación musical por IA «más avanzado» de la compañía. El modelo opera dentro de la aplicación Gemini de Google y permite a los usuarios crear pistas de 30 segundos a partir de indicaciones de texto o imágenes.

De distribuidor a competidor

El argumento central de los demandantes es particularmente relevante para la industria: Google, que a través de YouTube actúa como una de las mayores plataformas de distribución musical del mundo, habría utilizado su posición privilegiada para «pasar de distribuidor a competidor». Los artistas sostienen que la empresa extrajo elementos de audio de los vídeos de YouTube y los introdujo en el conjunto de datos de entrenamiento de Lyria sin pagar a los creadores ni obtener su consentimiento.

La demanda incluye cargos por infracción de derechos de autor sobre grabaciones sonoras y composiciones musicales, eliminación de información de gestión de derechos de autor, elusión de controles de acceso tecnológicos y publicidad engañosa bajo la Ley Lanham. Además, se invocan varias leyes de privacidad y protección al consumidor del estado de Illinois, incluida la Ley de Privacidad de Información Biométrica (BIPA), por la supuesta extracción y almacenamiento de huellas vocales utilizadas para desarrollar el modelo.

Cuarta demanda contra la IA musical

Este caso convierte a Google en el cuarto objetivo legal importante en el ámbito de la IA musical, sumándose a las acciones legales previas contra otras empresas tecnológicas por el uso no autorizado de música protegida para entrenar modelos de inteligencia artificial. Los demandantes argumentan que Google «tuvo todas las oportunidades de entrenar su IA legalmente, pero eligió hacerlo de la manera más barata».

El caso tiene implicaciones significativas para toda la industria musical, especialmente en un momento en que el fraude por streaming vinculado a la IA está en aumento. Según datos recientes de Deezer, la plataforma recibía más de 60.000 pistas generadas por IA cada día durante enero de 2026, y el 85% de las reproducciones de música generada por IA en 2025 fueron fraudulentas.

Para los mercados hispanohablantes, donde la adopción de plataformas digitales crece a un ritmo acelerado, este caso sienta un precedente importante sobre cómo se regularán las herramientas de IA generativa y cómo se protegerán los derechos de los artistas independientes frente a las grandes tecnológicas. La resolución de esta demanda podría definir las reglas del juego para el futuro de la creación musical en la era de la inteligencia artificial.

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El conflicto se originó cuando las grandes discográficas presentaron una demanda el mes pasado, alegando que Suno había infringido sus derechos de autor al utilizar sus grabaciones sin autorización. Suno, por su parte, revela que antes de la demanda estaban en conversaciones con estas compañías para explorar posibles colaboraciones, lo que hace que cuestionen si la acción legal es resultado de «abogados demasiado entusiastas» o una estrategia deliberada para ganar ventaja en las negociaciones comerciales.

En su defensa legal, Suno argumenta que el uso de las grabaciones para entrenar su IA está protegido por el principio de «uso justo» según la ley de derechos de autor de EEUU. La empresa sostiene que hacer copias de obras protegidas como parte de un proceso tecnológico de fondo, invisible para el público, con el fin de crear un producto nuevo y no infractor, es permisible y nunca ha sido considerado ilegal en los 233 años de historia de la ley de derechos de autor en el país.

Además, Suno insiste en que la música generada por su IA no infringe derechos de autor, ya que el modelo aprende de las grabaciones en su conjunto, sin samplear ni adaptar directamente ninguna obra específica. La empresa va más allá y acusa a las grandes discográficas de utilizar los derechos de autor como una herramienta para proteger su cuota de mercado y limitar la competencia, lo que según Suno constituye un mal uso de la ley de propiedad intelectual.

Este caso pone de manifiesto la creciente tensión entre la innovación tecnológica y los derechos de propiedad intelectual establecidos. Por un lado, empresas como Suno argumentan que su tecnología de IA está creando nuevas oportunidades para la creatividad y la expresión musical. Por otro, las discográficas y otros titulares de derechos de autor temen que el uso no autorizado de sus obras para entrenar IA pueda socavar sus modelos de negocio y el valor de sus propiedades intelectuales.

La resolución de este caso podría tener implicaciones de gran alcance no solo para la industria musical, sino para todos los sectores afectados por la IA generativa. Si los tribunales fallan a favor de Suno, podría abrir la puerta a un uso más amplio de contenidos protegidos por derechos de autor para entrenar sistemas de IA sin necesidad de licencias. En cambio, una victoria para las discográficas podría imponer restricciones significativas al desarrollo de la IA en campos creativos.

Este litigio se suma a una serie de casos similares en otras industrias, donde empresas de IA han sido demandadas por utilizar imágenes, textos y otros contenidos protegidos por derechos de autor para entrenar sus modelos. La industria musical, al igual que otras industrias creativas, mantiene que el entrenamiento de IA no puede considerarse uso justo y requiere autorización y compensación.

Mientras Suno se muestra confiado en su victoria final, el resultado del litigio sigue siendo incierto. Lo que está claro es que este caso tendrá un impacto significativo en el futuro de la creación musical y el papel de la IA en las industrias creativas.

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La clave de estos cambios radica en la consolidación de múltiples reclamaciones en una sola notificación. En lugar de inundar la bandeja de entrada de los creadores con correos electrónicos separados para cada reclamación, YouTube ahora incluirá varias reclamaciones en un solo mensaje. Esta mejora no solo simplifica el proceso, sino que también acelera la capacidad de los creadores para abordar y corregir el contenido infractor.

Además, YouTube está promoviendo su plataforma «Creator Music» como una solución integral para los creadores musicales. Este catálogo en constante crecimiento ofrece música de alta calidad que los creadores pueden utilizar sin perder la monetización. El enlace a «Creator Music» estará disponible en las notificaciones de reclamación de derechos de autor, facilitando a los creadores la sustitución del audio infractor y la corrección de problemas.

Dentro de YouTube Studio, los usuarios pueden explorar «Creator Music», accediendo a pistas que van desde aquellas prelicenciadas que permiten a los creadores retener la monetización completa, hasta aquellas elegibles para compartir ingresos con los titulares de derechos. La plataforma permite previsualizar canciones, guardarlas en la biblioteca y proporciona detalles de uso para cada pista, simplificando la comprensión de las restricciones y posibilidades de cada canción.

Para abordar el problema de los infractores reincidentes, YouTube ha implementado un proceso educativo que busca ayudarles a evitar nuevas eliminaciones y prohibiciones. Asimismo, los creadores ahora pueden verificar su contenido mediante un proceso de verificación previa a la publicación, lo que les permite detectar posibles violaciones antes de cargar el contenido.

Aunque se espera que algunos errores persistan y que siempre habrá usuarios que intenten subir contenido infringido de manera deliberada, las mejoras implementadas por YouTube son un paso significativo hacia un sistema más eficiente y justo. Estas actualizaciones no solo benefician a los creadores al ayudarles a evitar posibles violaciones en su contenido, sino que también simplifican el proceso para los titulares de derechos cuando necesitan presentar una reclamación de derechos de autor en la plataforma.

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El hito: $41.5 mil millones en 2022

Por primera vez en la historia, el valor global de los derechos de autor musical ha cruzado la marca de los 40 mil millones de dólares, alcanzando la impresionante cifra de 41.5 mil millones en 2022. Esta cifra es considerablemente superior a los 26.2 mil millones informados por el Informe de Música Global de la IFPI para el mismo año, y representa un crecimiento sólido del 14% con respecto a 2021.

Este notable aumento se puede atribuir al aumento sincronizado del streaming y al renacimiento de las licencias públicas para conciertos y la industria de la hospitalidad. Además, las Organizaciones de Gestión Colectiva desempeñaron un papel fundamental, contribuyendo con recaudaciones que totalizaron 11.4 mil millones de dólares, un tercio más que durante el confinamiento en 2020.

¿Un pico o una tendencia?

La pregunta en la mente de todos es si este resurgimiento liderado por las sociedades de gestión es una fluctuación a corto plazo o una tendencia a largo plazo. Varios factores apuntan a lo segundo. En primer lugar, la corrección postpandémica ha estimulado un renovado apetito por la música en vivo, con estadios y festivales a la cabeza.

En segundo lugar, el crecimiento en las cifras de las sociedades tiende a ser formulado, ya que la inflación se incorpora en las licencias generales, lo que sugiere la posibilidad de una recaudación aún mayor en un mundo de alta inflación. En tercer lugar, los avances en la identificación de contenido, mejores prácticas de licencia y tarifas más altas impulsan el crecimiento digital. Sin embargo, las recaudaciones por actuaciones públicas aún no han vuelto a los niveles previos a la COVID-19.

Ingresos digitales e ingresos físicos

Si bien el crecimiento de los ingresos digitales de los sellos discográficos muestra signos de desaceleración, el resurgimiento de los ingresos físicos es notable, con un aumento en las ventas de CD, especialmente en Asia y Europa. Por ejemplo, el lanzamiento de Utopia del rapero Travis Scott en 2023 presenció un aumento en las ventas de discos de vinilo, destacando la duradera popularidad de los formatos físicos.

La Gran Restauración

Las tasas de cambio de divisas han desempeñado un papel significativo en la configuración del panorama financiero de la industria. El informe de este año subraya el impacto de las fluctuaciones en los tipos de cambio, ya que la cifra principal para 2021 se ha ajustado a la baja en 3 mil millones de dólares debido a las tasas de cambio actualizadas. La eliminación de países específicos de las cifras garantiza la coherencia en la presentación de informes.

Distribución justa de los ingresos

La distribución de los ingresos entre artistas, sellos discográficos, compositores, editoriales y sus sociedades de gestión, ha sido objeto de debate durante mucho tiempo. Este año, las editoriales reclamaron una participación del 37% en la industria de 41.5 mil millones de dólares, marcando un cambio a favor de los editores en comparación con años anteriores. El repunte posterior a la pandemia, el «efecto rezagado» en la licencia de nuevas fuentes de ingresos y la mayor participación en los ingresos por streaming para las editoriales contribuyen a este cambio.

El precio no es el correcto

El precio de los servicios de streaming de música ha permanecido relativamente estable en torno a 9.99 dólares al mes durante casi dos décadas. Sin embargo, cuando se ajusta por inflación, el costo real de la música ha disminuido a 6.48 dólares, a pesar del crecimiento exponencial del catálogo musical. Los planes familiares y estudiantiles han reducido aún más el costo por cuenta individual, planteando preguntas sobre la sostenibilidad de este modelo de precios.

¿La música antigua está matando a la música nueva?

A diferencia de las afirmaciones de que la música antigua está frenando la música nueva, un examen más detenido de los datos revela que la música de esta década y la anterior representa el 80% del consumo de música global. Esto desafía la definición de música «antigua» en una era en la que el consumo posterior ha transformado la forma en que vemos el contenido del catálogo.

¿Estamos fallando al medir el mercado?

Las diferencias en los valores de mercado estimados entre las fuentes oficiales y las consultorías independientes como MiDIA resaltan la posibilidad de subestimar el tamaño real de la industria. Si la metodología de MiDIA es correcta, el valor global de los derechos de autor musical podría estar más cerca de los 45 mil millones de dólares, lo que sugiere la posibilidad de una industria de 50 mil millones de dólares más pronto de lo esperado.

El valor de la industria de los derechos de autor musical ha experimentado un crecimiento significativo, batiendo récords y desafiando a los escépticos. A medida que el streaming y las licencias públicas continúan evolucionando, el futuro de los derechos de autor musical sigue siendo prometedor.

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La primera demanda que alegaba que «Thinking Out Loud» infringía los derechos de autor de «Let’s Get It On» fue presentada por el patrimonio de Ed Townsend, quien coescribió el clásico de Gaye. En esta litigación, el jurado falló a favor de Sheeran hace un par de semanas.

Él y su equipo argumentaron en todo momento que las dos canciones suenan similares porque usan los mismos bloques de construcción musicales, como lo hacen muchas otras canciones pop. Pero los segmentos individuales que aparecen tanto en «Let’s Get It On» como en «Thinking Out Loud» no están protegidos por derechos de autor en aislamiento. Y el jurado estuvo de acuerdo.

Dos años después de que el patrimonio de Townsend presentara su demanda en 2016, una empresa llamada Structured Asset Sales (SAS) también presentó una demanda, puesto que tiene una participación en los derechos de autor de «Let’s Get It On», e hizo prácticamente las mismas afirmaciones que el patrimonio de Townsend.

El equipo de Sheeran instó al juez encargado de la demanda de SAS, Louis Stanton, a desechar el caso mediante una sentencia sumaria utilizando los mismos argumentos que en la batalla legal con el patrimonio de Townsend, es decir, que las dos canciones simplemente comparten bloques de construcción musicales comunes que no están protegidos por derechos de autor en aislamiento.

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La demanda, presentada en un tribunal federal de Nueva Orleans por el compositor Sergio García Fernández, afirma que Jagger y Richards «apropiaron indebidamente» elementos de dos de sus canciones.

Fernández, cuyo nombre artístico es Angelslang, afirma en la demanda que entregó un CD demo a «un miembro cercano de la familia» de Jagger y que «elementos reconocibles y claves protegidos» de dos de sus canciones, «So Sorry» de 2006 y «Seed of God» de 2007, aparecen en «Living in a Ghost Town» de The Rolling Stones, lanzada en 2020.

«El miembro cercano de la familia… confirmó la recepción… al demandante por correo electrónico, y expresó que las obras musicales del demandante y su estilo eran un sonido que The Rolling Stones estarían interesados en usar», escribieron los abogados de Fernández, aunque los registros públicos no incluyeron una copia del correo electrónico del familiar de Jagger.

«Living in a Ghost Town» fue lanzada en el apogeo de los confinamientos por COVID-19 en abril de 2020. Fue el primer material completamente nuevo lanzado por The Rolling Stones desde 2012, alcanzando el número 3 en la lista Billboard Hot Rock & Alternative Songs en mayo de 2020.

Pero la demanda de Fernández alega que la canción fue creada utilizando aspectos clave de sus canciones, que él no autorizó y por los que Jagger y Richards no le pagaron, incluyendo las «melodías vocales, las progresiones de acordes, los patrones de batería, las partes de armónica, las partes de bajo eléctrico, los tempos y otras firmas clave» de «So Sorry», y la «progresión armónica y de acordes y la melodía de «Seed of God».

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“En 2021, los derechos de autor de la música valían 39.600 millones de dólares, considerablemente más que los 25.900 millones de dólares informados en el Informe mundial de música de la IFPI del mismo año, y un 18% más que en 2020”, escribió Page en su análisis, publicado en noviembre pasado.

El streaming representó el 55% de este valor, frente al 52% en 2020. “Las consecuencias posteriores a la pandemia han hecho que las suscripciones de los consumidores y el streaming financiado con publicidad continúen aumentando, mientras que las licencias de empresa a empresa por parte de las sociedades de gestión solo se han recuperado parcialmente”.

En el informe, Page destaca la evolución de la división de ingresos entre discográficas y editoriales provenientes del consumo de música grabada. Su análisis de cifras históricas sugiere que en 2001, el 23% del valor global de la música grabada se repartió a las editoriales y compositores, y que esto aumentó al 45% en 2014.

Saltando al 2021, Page señala que la parte del pastel de las editoriales ha bajado a un 34%. “La respuesta es la recuperación del gasto de los consumidores en música, que tradicionalmente favorece a las discográficas sobre las editorales”, escribe. “Esto se ha acentuado por el impacto adverso de la pandemia en las licencias comerciales, que tradicionalmente favorece a los editoriales sobre las discográficas”.

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El par de ejecutivos de la música desde hace mucho tiempo están respaldados por Carlyle Global Credit, que acordó comprometer $500 millones para la empresa. La asociación se centrará en crear valor para artistas e inversores a través de la gestión cuidadosa de la música”.

Litmus Music es el último participante en un campo lleno de gente. Entre las muchas compañías en este espacio, Universal Music Group, Sony Music Entertainment y Warner Music Group están compitiendo por los derechos editoriales y de grabación de estrellas prominentes, haciendo tratos de alto precio con David Bowie, Bob Dylan, Paul Simon, Bruce Springsteen, Neil Diamond, Aerosmith y Sting. BMG y KKR han comprado los derechos de John Legend y ZZ Top.

Luego está Hipgnosis, que ha llegado a acuerdos con Neil Young, Lindsey Buckingham y Shakira, entre otros, y Primary Wave (Stevie Nicks, Devo y más).

HarbourView Equity Partners se lanzó el año pasado con un respaldo de hasta mil millones de dólares de Apollo Global Management; al igual que Litmus Music, dijo que estaba en la búsqueda de una amplia gama de derechos musicales.

Además, Influence Media Partners lanzó un fondo de 100 millones de dólares el año pasado con el objetivo de comprar «catálogos galardonados de algunas de las creadoras musicales femeninas más influyentes».

BlackRock y Warner Music Group invirtieron $750 millones en Influence Media Partners a principios de este año.

Para competir en este espacio, Forsyth y Dan McCarroll planean aprovechar sus «profundas conexiones con sellos discográficos, empresas de distribución, management y los propios artistas», según el anuncio de Litmus Music.

Forsyth anteriormente ocupó cargos como vicepresidente ejecutivo en Warner Chappell y gerente general de Blue Note, además de trabajar durante una década en operaciones y estrategia en EMI, mientras que McCarroll se desempeñó como presidente de Warner Brothers Records y Capitol Records.

Matt Settle, director gerente de Carlyle Global Credit, dijo en un comunicado que “nuestra asociación con Hank y Dan, dos ejecutivos de gran prestigio en la industria de la música, subraya el valor que vemos en los derechos musicales».

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