JASCO, cuyo nombre completo es «Joint Audio and Symbolic Conditioning for Temporally Controlled Text-to-Music Generation» (Condicionamiento Conjunto de Audio y Símbolos para Generación de Música a partir de Texto Controlada Temporalmente), puede transformar acordes o ritmos en pistas musicales completas. Según Meta, JASCO permite un control significativamente mejor y más versátil sobre la música generada, en comparación con otras herramientas de IA disponibles en el mercado.

Para demostrar las capacidades de JASCO, Meta ha publicado una serie de clips musicales en su blog. En estos ejemplos, melodías de dominio público se convierten en pistas de diversos géneros. Por ejemplo, el Bolero de Maurice Ravel es transformado en una canción pop de los años 80 y una canción folclórica con acordeón y guitarra acústica. De manera similar, El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky se reinterpreta como una pista tradicional china con guzheng, percusión y flauta de bambú, y también como una pista de R&B con bajo profundo, batería electrónica y trompeta principal.

Meta ha mostrado un compromiso continuo con la apertura y colaboración en el ámbito de la inteligencia artificial. En línea con esta filosofía, ha publicado un artículo de investigación detallando el desarrollo de JASCO y planea lanzar el código de inferencia bajo una licencia MIT, además del modelo preentrenado bajo una licencia Creative Commons. Esta apertura permitirá a otros desarrolladores de IA utilizar y mejorar el modelo para crear sus propias herramientas de música con IA.

La llegada de JASCO sigue a otro hito significativo de Meta en el ámbito de la música generada por IA. Hace un año, la empresa lanzó MusicGen, una herramienta capaz de crear pistas de 12 segundos a partir de indicaciones de texto simples. MusicGen fue entrenado con 20,000 horas de música licenciada por Meta y 390,000 pistas solo de instrumentos de Shutterstock y Pond5. Esta herramienta también permite el uso de melodías como entrada, convirtiéndola en una de las primeras en transformar una melodía en una canción completa.

La presentación de JASCO se produce en un momento de gran actividad en el campo de la música generada por IA. El mismo día, DeepMind, el laboratorio de IA de Google, reveló una nueva herramienta de video a audio (V2A) que puede crear bandas sonoras para videos basándose en indicaciones de texto o en el contenido visual del video. Además, Stability AI lanzó Stable Audio Open, un modelo de código abierto para crear clips de audio de hasta 47 segundos, permitiendo a los usuarios ajustar el producto con sus propios datos de audio.

Estas innovaciones destacan el rápido avance y la competencia en el campo de la música generada por IA. Sin embargo, también han surgido preocupaciones en la industria musical sobre el uso de música con derechos de autor para entrenar estas herramientas sin autorización. Empresas como Udio y Suno, que crean pistas enteras a partir de indicaciones de texto, ya han sido demandadas oficialmente por las compañías discográficas más importantes en los EEUU, representadas por la RIAA.

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Este ambicioso proyecto estará liderado por el Profesor Dr. Jochen Hartmann, fundador del GenAI Lab en la TUM School of Management, conocido por su experiencia en la intersección del marketing digital y el aprendizaje automático. El primer proyecto se concentrará en la implementación de la inteligencia artificial para gestionar la creciente complejidad de activos digitales necesarios para campañas de marketing musical, que en ocasiones superan los 700 elementos para un solo proyecto.

La iniciativa abordará diversos aspectos, desde artes para lanzamientos en servicios de streaming hasta banners, materiales publicitarios y contenido para redes sociales. El Profesor Dr. Hartmann, un pionero global en la investigación aplicada de inteligencia artificial generativa, expresó su entusiasmo por la colaboración al afirmar que la meta principal es demostrar cómo la inteligencia artificial generativa puede mejorar la eficiencia y efectividad creativa del contenido de marketing multimodal.

La asociación va más allá de la mera colaboración académica. BMG está patrocinando una posición de doctorado de dos años en la Cátedra de Marketing Digital de la TUM, fortaleciendo la investigación innovadora y la excelencia académica en este campo emergente. Thomas Coesfeld, CEO de BMG, destacó la importancia de la colaboración al afirmar que «el impacto de GenAI en la industria musical será transformador, donde la destreza humana está en el corazón de todo».

Este paso audaz hacia la integración de la inteligencia artificial en la industria musical no solo busca mejorar la eficiencia, sino también reimaginar el proceso creativo en su totalidad. Johannes von Schwarzkopf, SVP de Desarrollo Corporativo en BMG, señaló que la inteligencia artificial ofrece una oportunidad sin precedentes para cambiar la forma en que comercializamos y experimentamos la música a nivel mundial.

La iniciativa también refleja el compromiso continuo de BMG con el desarrollo de la inteligencia artificial. La compañía ya ha implementado tecnologías de IA en funciones de sincronización y regalías. Además, en 2021, sorprendió al mundo al lanzar una versión completada por IA de la décima sinfonía inacabada de Beethoven.

El Profesor Dr. Gunther Friedl, Decano de la TUM School of Management, concluyó destacando la importancia de esta asociación corporativa, subrayando el compromiso de la universidad con el intercambio dinámico entre el mundo académico y corporativo. La colaboración con instituciones de renombre y líderes de la industria como BMG posiciona a la universidad en la vanguardia de la innovación.

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Una investigación reciente de Youth Music ha arrojado luz sobre la conexión entre la composición de canciones, la autoexpresión y el bienestar emocional de los jóvenes. En un momento en que los servicios de salud mental se enfrentan a desafíos abrumadores y los recortes de fondos amenazan la educación y los servicios juveniles, la música se presenta como un refugio para procesar emociones y construir puentes de conexión en medio de la adversidad.

La Terapia Musical en Acción

El informe de Autoexpresión de Youth Music reveló que el 93% de los encuestados consideran que escuchar, leer o escribir letras es una herramienta terapéutica frecuente. Este hallazgo respalda la noción de que la música y la escritura de letras desempeñan un papel crucial en el procesamiento de emociones difíciles y en la reducción de sentimientos de aislamiento.

Los testimonios de jóvenes artistas como Rightkeysonly, B!TEZ y Erin James ofrecen una visión íntima de cómo la escritura de letras sirve como un medio para explorar experiencias personales, procesar emociones y compartir autenticidad con otros. Rightkeysonly describe la escritura de letras como un espacio para ser completamente auténtico, mientras que B!TEZ la considera una forma de lenguaje amoroso hacia uno mismo y de expresión.

El Poder Terapéutico de la Creación Musical

La profesora Nicola Dibben, experta en ciencia y psicología de la música en la Universidad de Sheffield, destaca las funciones psicológicas de la música, como la capacidad de revivir estados de ánimo, conectar con recuerdos y establecer vínculos con otras personas. La música, y en particular la composición de canciones, se presenta como un medio efectivo para que los jóvenes se autorregulen emocionalmente.

La experiencia de «flow», descrita por el psicólogo Mihalyi Csikszentmihalyi, donde uno se sumerge totalmente en una actividad, se revela como un estado positivo y poderoso para el florecimiento humano. La creación musical, según la profesora Dibben, puede ser totalmente absorbente, proporcionando una distracción valiosa de pensamientos desagradables.

Construcción de Vínculos a Través de la Música

La música no solo actúa como una terapia individual, sino que también construye puentes entre personas y comunidades. La investigación de Youth Music indica que los jóvenes encuentran en la música una herramienta para reducir sentimientos de aislamiento. La escritura colaborativa de letras se destaca como una forma de unir a los jóvenes creativos, permitiéndoles intercambiar ideas y explorar temas emocionales en un entorno grupal.

El impacto de la música en la construcción de vínculos comunitarios se ilustra a través de proyectos como Music Fusion, que trabaja con jóvenes enfrentando circunstancias desafiantes. Jinx Prowse, CEO de la organización, describe la música como catártica y terapéutica, proporcionando una liberación y traducción del trauma de los jóvenes. La escritura de letras se convierte así en una forma de terapia alternativa cuando los recursos de salud mental son insuficientes.

Censura en la Música y las Letras

A pesar de los beneficios evidentes de la música como terapia, la relación complicada entre la música, las letras y la censura plantea desafíos significativos. La investigación de la Universidad de Manchester destaca cómo la música rap, en particular, se ha utilizado como evidencia en procedimientos judiciales, lo que puede perpetuar estereotipos raciales y socavar el valor creativo y terapéutico de la música.

La campaña «Art Not Evidence» busca detener la criminalización de la música rap y drill, reconociendo la importancia de proteger la expresión creativa y cambiar las percepciones hacia ciertos géneros. Los artistas, como el rapero TL, expresan la percepción negativa hacia el drill, señalando cómo la sociedad a menudo juzga el contenido en función del género musical.

La música y la escritura de letras emergen como poderosas formas de terapia para los jóvenes en tiempos de crisis. A través de la autoexpresión creativa, los jóvenes encuentran un medio para procesar emociones, construir vínculos y resistir a la adversidad.

Los jóvenes necesitan más inversión, cuidado y apoyo en el desarrollo de su expresión creativa e identidades sociales. La música y las letras no solo ofrecen consuelo individual, sino que también construyen puentes hacia la comprensión colectiva y la resistencia compartida. En un mundo que a menudo desafía la voz de los jóvenes, la música se presenta como un medio para no solo ser escuchados, sino también para sanar y conectar.

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Una amplia coalición anunció el lanzamiento de la Campaña de las Artes Humanas para asegurar que las tecnologías de inteligencia artificial se desarrollen y utilicen de manera que apoyen la cultura y el arte creado por humanos, y no de formas que les reemplacen o erosionen.

Con más de 40 miembros, incluyendo la RIAA, la NMPA, la Academia de Grabación, y expertos en políticas que representan a creadores y titulares de derechos individuales de todo el espectro de los esfuerzos creativos, la Campaña de las Artes Humanas está posicionada para ser una voz líder en el debate en rápido desarrollo sobre los costos y beneficios de diferentes formas de inteligencia artificial.

El grupo delineó principios que abogan por las mejores prácticas de IA, haciendo hincapié en el respeto por los artistas, su trabajo y sus personajes; transparencia; y el cumplimiento de la ley existente, incluidos el derecho de autor y la propiedad intelectual. La campaña insta a los partidarios a firmar una petición para avanzar en estos principios fundamentales.

El lanzamiento se anunció durante SXSW en Austin en un evento que contó con la participación del actor de voz y prolífico compositor Dan Navarro, la cantautora nominada al GRAMMY Jessy Wilson y la profesora de UT Austin y experta en tecnología inmersiva Erin Reilly, moderada por Rob Levine, el director editorial adjunto de Billboard.

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Cada Challenge contará con artistas musicales establecidos, personas influyentes y marcas como «anfitriones» que brindan contenido seleccionado para ser utilizado en la creación de música original o remixes por parte de los concursantes.

La participación es gratuita y se anima a los concursantes a compartir sus creaciones con familiares, amigos y redes. El objetivo: obtener tantos votos como sea posible para sus pistas.

“Estamos fomentando un nuevo sentido de co-creación y propiedad comunitaria, para apoyar lo que muchos en la Creator Economy están tratando de hacer por su cuenta. La experiencia les dará a todos ese pequeño empujón adicional para inspirar, si son los anfitriones, o para impulsarse a sí mismos a mejorar su juego, si envían una pista”, explica Daniel Rowland, productor galardonado y director de estrategia y asociación de LANDR. “El aspecto comunitario abrirá nuevas conexiones y nuevas formas de hacer y compartir música juntos”.

Los finalistas se determinarán exclusivamente a través de la votación de los fanáticos, y el anfitrión se reserva el derecho de elegir entre 1 y 20 ganadores de esa lista.

El público que vote también tendrá una participación en el resultado, ya que hasta 100 votantes de las pistas ganadoras recibirán el 10 % de propiedad cuando las canciónes se publiquen, y el resto irá al anfitrión y concursantes ganadores.

“Vemos esto como una nueva adición a otros enfoques de participación y promoción de los fanáticos”, señala Rowland. “Los artistas o las marcas pueden lanzar un Challenge para celebrar un nuevo lanzamiento o para involucrar a los fanáticos en un remix u otro proyecto o campaña creativa. Los fanáticos pueden encontrar una nueva forma de involucrarse con la música que aman actuando como A&R para la comunidad creativa. Le da un giro diferente a la relación artista-fanático que fomentará la creatividad y las conexiones significativas”.

El desafío inicial será presentado por LXGEND, un productor, compositor, artista y educador en línea con una comunidad de fanáticos devotos, seguido pronto por Austin Millz y Social House.

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Una estrategia gracias al feedback de los usuarios de TikTok 

En el último año, competidores, como Youtube e Instagram, lanzaron formatos competidores de TikTok que, como TikTok lo hizo anteriormente, limitan a los usuarios a clips ultracortos -a menudo son clips en bucle-. No está de más recordar que Youtube, en sus inicios, contaba con una duración entre 4 y 5 minutos para sus vídeos.

«Los creadores ya están bien instruidos en entrelazar historias de varias partes en TikTok -todos conocemos la frase: me gusta y seguir para la siguiente parte-, pero a menudo recibimos feedback de los creadores que les encantaría tener un poco más de tiempo para traer sus demostraciones de cocina, elaborados tutoriales de belleza, lecciones educativas o cortos de comedia”, escribió Drew Kirchhoff, gerente de producción de TikTok, en una publicación oficial sobre el cambio.

3 minutos en TikTok para usuarios selectos

Los usuarios que sean elegibles para comenzar a subir vídeos de TikTok más largos, recibirán una notificación en la aplicación. Kirchhoff dice que la función está disponible para creadores selectos y se implementará a nivel mundial en las próximas semanas. No sería de extrañar que tanto Reels como YouTube Shorts anuncien un cambio de formato similar en las próximas semanas también, dado que hasta el momento ha sido TikTok quien ha estado marcando la pauta en cuanto al mercado de aplicaciones de vídeo corto se refiere.

«Con todas las formas en que nuestra comunidad ha redefinido la expresión en menos de 60 segundos, estamos emocionados de ver cómo las personas continúan entreteniendo e inspirando con unos segundos más -un mundo de posibilidades creativas-«, escribe Kirchhoff en el blog oficial de TikTok.

TikTok sin prohibiciones

La plataforma TikTok ya no enfrenta ningún tipo de prohibición por parte del gobierno de los Estados Unidos.  El mes pasado, la administración Biden revocó oficialmente las órdenes ejecutivas que prohibía a TikTok, por motivos de seguridad nacional, de la administración Trump. En cambio, el presidente Biden ordenó al Departamento de Comercio de Estados Unidos que investigue las aplicaciones con vínculos con adversarios extranjeros que podrían representar un riesgo para la privacidad o la seguridad nacional de Estados Unidos.

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La edición de este año se abrirá el miércoles 17 de julio con una conversación entre Robert del Naja, la cara pública e ideólogo de Massive Attack y Andrew Melchior, director técnico de la banda de Bristol y colaborador de artistas como Björk o David Bowie.

Otros notables creadores de experiencias en esta edición son el estudio interdisciplinario teamLab, que están reinventando la experiencia de la exposición con sus entornos multisensoriales proyectados. El colectivo artístico inmersivo Marshmallow Laser Feast, o Jessica Brillhart, fundadora de Vrai Pictures, que presentará, por primera vez en Europa, «Traverse«, una plataforma sin precedentes de «audio espacializado» (sonido distribuido en el espacio) que permite la creación de composiciones musicales a través de las cuales el usuario podrá caminar. Timoni West, director de Experience Research en Unity, el motor gráfico tridimensional para videojuegos, AR y VR, que ya está cambiando industrias como el cine y la arquitectura, dará una clase magistral sobre computación espacial.

La escena creativa nacional estará representada por productores como Nomada Studio, autores del videojuego GRIS (que también se puede experimentar en formato de concierto en el festival), ganador de un Premio Annie, el Oscar por películas de animación, y CANADA, la compañía de Barcelona que se ha convertido en una de las casas de producción más importantes del mundo para videos musicales y anuncios. En Sónar + D, CANADA supervisará una película animada creada colectivamente en la que todos los asistentes a Sónar podrán participar.

La inteligencia artificial como herramienta para la creación artística será otro de los temas principales explorados en el congreso. Esto será abordado por artistas y tecnólogos como Holly Herndon y sus colaboradores Mat Dryhurst y Jules LaPlace, quienes compartirán el proceso de gestación de ‘Spawn‘, el asistente de AI con el que han compuesto su nuevo y aclamado álbum «Proto». O Daito Manabe, quien presentará su innovadora colaboración con el neurocientífico Yukiyasu Kamitani de la Universidad de Kyoto, empleando Machine Learning para recrear las imágenes producidas por nuestro cerebro, visualizando nuestra actividad neuronal.

Para su 7ª edición, Sónar + D se reinventa, con la creación de nuevos formatos. El espacio de exposición será reformateado como SonarHub, con el objetivo de presentar todas las fases de concepción, creación y comercialización de un proyecto. Otra novedad para 2019 es la incorporación del auditorio Sónar + D by SEAT, un espacio en forma de ágora con un extenso programa de clases magistrales en el que compartir conocimientos especializados y herramientas que inspiran a los asistentes en su futuro profesional. Además, el congreso se ha asociado con 4YFN para organizar Startup Hub y con la UPC a través del programa de créditos dirigido a la comunidad educativa.

El programa completo de eventos, talleres y participantes está disponible en www.sonarplusd.com.

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MEP Sabine Verheyen, Coordinador para el grupo del PPE en la Comisión de Cultura del Parlamento comentó: «Este Plan de Acción presenta formas muy prácticas para impulsar la creatividad a través de los actores más pequeños y ofrecer un único mercado digital y dinámico construido sobre la diversidad.»

Uno de los capítulos de la nueva política industrial de Europa habría una serie de medidas para impulsar las PYME incluyendo las compañías de música independientes, que hoy en día representan el 80% del empleo y el 80% de la inversión en nueva música en Europa.

IMPALA también pide a la UE a replantearse cómo los ciudadanos, los artistas y las empresas se relacionan online. Las «reglas de combate online» son importantes en el mundo de la música con los informes que emergieron la semana pasada de que YouTube continúa con los mismos abusos que llevaron a IMPALA a presentar una denuncia a la Comisión Europea el año pasado.

El plan de acción tiene una postura sólida y pide a la UE  reforzar los derechos de autor como un derecho fundamental, un liberador de la creatividad que impulsa el mercado digital. También se subrayó la importancia de detener el abuso de la denominada exención «puerto seguro», así como a no transferir derechos de los creadores aquellas organizaciones que abogan por derechos de autor más débiles.

Helen Smith, Presidente Ejecutivo de IMPALA comentó: «Una política industrial para la cultura es un pre-requisito para la economía digital de Europa. Esto implica el refuerzo de los derechos de autor y la aclaración de lo que los operadores como YouTube pueden y no pueden hacer. La implantación exitosa de un mercado digital único implica también una serie de otras medidas como la promoción de la diversidad de una forma medible y la elaboración de una nueva competencia reglamentaria, marco social y fiscal para los actores más pequeños «.

Michel Lambot, Co-Fundador y Co-Presidente de [PIAS], uno de los sellos independientes de Europa, y miembro del consejo de IMPALA, dijo: «Un entorno de licencias saludable es fundamental. Abogamos por la UE para eliminar las distorsiones del mercado digital. Debe quedar claro que el termino «puerto seguro» no es lugar para esconderse en Europa si está ejecutando un servicio de música. Juntemos eso con una política industrial seria que impulse a los actores más pequeños, genere mayor inversión, proporcione una mayor exposición para todos los artistas, y luego, por supuesto, cuantificar los resultados. Esto es lo que nuestro Plan de Acción propone «.

Una de las diez áreas marcadas en los puntos de acción, incluyen el crecimiento de la inversión a través de medidas tales como créditos fiscales, las nuevas normas de contabilidad y códigos estadísticos revisados. Luego del análisis radial europeo que demostró cómo las majors dominan con casi el 95% de la programación top, IMPALA también pide a la Comisión Europea aumentar la diversidad en las radios europeas, así otros medios offline y online.

Los 10 puntos del Plan de Acción Digital:

1. Reforzar los derechos que impulsan el mercado digital y aumentar el capital de derechos de autor de Europa
2. Dar a los ciudadanos la mejor infraestructura digital en el mundo
3. Mejorar el pluralismo y la diversidad online, así como offline
4. Revisar las «reglas de engagement» online
5. Aumentar el crecimiento «intermedio» (el generado por PYME’s) de Europa por mejorar las condiciones para los actores más pequeños
6. Abordar con eficacia sitios web que están infringiendo estructuralmente
7. Aumento de la inversión a través de un nuevo enfoque a la cultura financiera
8. Presentación de una mayor equidad en la tributación
9. Mapeando cómo funciona la creatividad y la medición de los sectores
10. Colocar a la Cultura y la diversidad en el centro de trabajo internacional de Europa

Helen Smith concluyó: «El objetivo de nuestro Plan de Acción Digital es inspirar a los tomadores de decisiones, asegurar la posición de Europa como potencia mundial, y volver a comprometer a Europa con sus creadores y ciudadanos. Nuestro objetivo es establecer nuevos estándares para que Europa sea el mejor lugar en el mundo para los artistas, creadores y para los amantes de la cultura «.

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