Para ganar efectivamente participación de mercado como artista o sello independiente, es crucial entender verdaderamente tu música (o la de tu artista si eres manager) y tu audiencia objetivo. Necesitas identificar a quiénes les interesaría escuchar tu música y encontrar formas de compartirla con ellos. Comprender tu música y cómo resuena con tu audiencia es clave para destacar en un mercado saturado.

Para artistas e individuos creativos, puede parecer extraño pensar en oyentes y fans en términos de un concepto de negocios competitivo, como «participación de mercado». Sin embargo, adoptar esta perspectiva es el único enfoque intencional para ir más allá de simplemente subir tu música a las plataformas y depender de la suerte para atraer oyentes.

Recuerda que construir una estrategia de marketing musical resistente al futuro comienza no con un conjunto de herramientas, sino con una mentalidad: un conjunto fundamental de principios para abordar el marketing y la participación de los fans, permitiendo a los artistas y sus equipos ser reflexivos, ágiles y flexibles.

Palabra Clave: Atención

El problema con la atención en la industria musical actual radica en la retención del oyente. Aunque hay diversas razones para emplear métodos alternativos para atraer y retener una base de fans, despreciar la importancia de plataformas como Spotify en tu estrategia de distribución es probablemente poco sabio.

Actualmente, Spotify tiene una biblioteca de más de 100 millones de canciones y agrega alrededor de 120,000 canciones diariamente. En un mercado donde los oyentes tienen acceso a una amplia variedad de música, el desafío para artistas independientes y sellos no se trata solo de visibilidad, sino también de crear una impresión duradera en la mente de los oyentes.

Simplemente ganar seguidores en plataformas de proveedores de servicios digitales (DSP), aunque no sea una tarea fácil, a menudo no logra dejar una impresión duradera en oyentes no familiares. Por lo tanto, es crucial priorizar la construcción de familiaridad como un componente clave de tu estrategia.

El consumo de música no se trata solo de escuchar; también se trata de descubrir. La emoción de descubrir algo nuevo y lo que está actualmente en tendencia, junto con la tecnología que amplifica este comportamiento, ha llevado a muchos artistas a adoptar una estrategia de «cantidad». Buscan lanzar la mayor cantidad posible de contenido para mantener una presencia en la mente de los oyentes potenciales.

Plataformas como TikTok y Snapchat le inyectan gasolina a esta realidad. Como resultado, crear una canción atemporal se vuelve más desafiante porque las generaciones más jóvenes no desarrollan relaciones a largo plazo con las canciones.

En cambio, priorizan descubrir rápidamente el próximo hit. Los fans cambian frecuentemente entre nuevas ofertas en lugar de comprometerse con artistas con los que han formado conexiones especiales.

Sin embargo, aún hay esperanza cuando consideramos cómo las personas se conectan con los influencers. Plataformas como Patreon demuestran la efectividad de las plataformas de retención de fans para ayudar a los verdaderos fans a navegar a través del ruido y encontrar fácilmente a los creadores con los que sienten una conexión especial.

Con la avalancha de nueva música lanzada diariamente, la batalla por la atención es feroz. Tu participación en el mercado se determina por lo efectivamente que puedes destacar entre el ruido y mantener la atención de tu audiencia. Esto requiere no solo producir música, sino también crear un ecosistema alrededor de tu marca que mantenga a los oyentes regresando, también conocido como retención del oyente.

Superar la saturación del mercado musical

La saturación dificulta que las voces individuales se destaquen. Superar esto comienza identificando tu propuesta única de venta, que es un término aplicado a productor o servicios, pero en este contexto significa entender lo que diferencia a tu música y tu persona artística, colectivamente conocidos como tu «marca». Involucra crear una narrativa convincente y auténtica alrededor de tu marca, una que resuene con los oyentes a nivel personal.

Sin embargo, nada de esto es posible hasta que hayas aprovechado completamente la fuente de tu expresión artística única y perfeccionado la forma en que utilizas la música para representar estrechamente esa fuente. En un mundo donde estamos cada vez más inmersos en realidades digitales y colaboramos con la inteligencia artificial para automatizar varios aspectos de nuestras vidas, el valor de los elementos humanos se vuelve aún más significativo. Si esta teoría es válida, nuestra expresión individual y única jugará un papel crucial en alcanzar el éxito.

Sin embargo, también es importante reconocer la importancia de la imaginación y la ficción. Como seres humanos, estamos inherentemente fascinados por la maravilla y el enigma. Estas herramientas nos permiten crear una persona artística que no necesariamente necesita divulgar toda nuestra historia personal.

Huella musical distintiva

Tener un sonido identificable de inmediato por los fans ayuda a destacar entre la saturación. Sin embargo, hay un equilibrio delicado entre presentar un sonido relevante para los gustos de una audiencia amplia y aportar algo único y personal a la música. Algunos artistas confían demasiado en un sonido probado y comprobado y no se destacan porque suenan como si estuvieran imitando a otro artista. Por otro lado, algunos artistas crean música que es demasiado diferente del sonido comercialmente exitoso que atrae a un grupo demográfico específico, lo que los hace sonar aficionados y como si aún no hubieran descubierto su sonido profesional.

Un artista debe desarrollar su sonido de una manera que tome cuidadosamente sus aspectos únicos e innovadores y los equilibre con estilos de producción y sonidos relevantes y esperados por su audiencia objetivo. Esto es difícil para un artista lograrlo solo, y es útil trabajar con productores de música externos o expertos de la industria que comprendan su audiencia objetivo para construir un producto comercial más allá de su arte.

Visualmente memorable

Los elementos visuales fuertes que complementan tu música pueden hacerte memorable y compartible. Sin embargo, muchos artistas en la industria musical tienden a centrarse en aspectos menos importantes como fotos en redes sociales, logotipos y diseño de álbumes. Aunque estas cosas son importantes, su significado radica en cómo representan tu persona artística.

Hay dos tipos de artistas:

1. El artista extrovertido que ama estar frente a una cámara.
2. El artista introvertido que evita las cámaras. Para la mayoría de los artistas, la introversión disminuye en el escenario, y pueden sentirse seguros detrás de su «presencia en el escenario» o «acto en el escenario».

Sin embargo, en la era digital, hay un nuevo tipo de artista «invisible» que no tiene presencia en línea o en el escenario pero aún logra construir un considerable seguimiento e ingresos.

Cuando se trata de artistas introvertidos que no se sienten cómodos compartiéndose detrás de su música, lo primero que se debe considerar es si están trabajando en los géneros correctos para ser aceptados como artistas sin rostro. Actualmente, este enfoque funciona principalmente para ciertos géneros electrónicos. Solo el tiempo dirá si esto cambiará. Si no tienes confianza en tu paquete de marca y en cómo atraer y comprometer a los fanáticos, no recomendaría intentar ser el primero en tu género. A menudo, los artistas tendrán que superar su introversión y aprender a tener más confianza con su audiencia. Aquí es donde a menudo entran en juego las personas artísticas místicas y fantásticas.

Contenido dirigido a tu audiencia

Crear contenido adaptado a los intereses de tu audiencia prevista puede ser más efectivo para captar la atención que lanzar una red amplia. En otras palabras, es importante dejar de escribir/grabar contenido genérico sin saber a quién te estás dirigiendo.

Simplemente publicar «chicos, escuchen mi nuevo lanzamiento» no es suficiente. Necesitas contar historias a través de tu contenido que resuenen con las personas que probablemente disfruten tu música. Así es como atraes a seguidores interesados, y un porcentaje de ellos puede convertirse en fans.

Construir una red de músicos colegas dentro de tu escena musical o género puede darte una ventaja cada vez que lanzas nueva música, especialmente si también apoyas su trabajo. Por lo tanto, es beneficioso enfocarse en plataformas como SoundCloud, Audius, YouTube y Bandcamp, donde puedes seguir y apoyar a otros artistas que pueden devolver el apoyo. Tener 100 oyentes adicionales de músicos colegas en tu género o escena puede marcar una gran diferencia en términos de estatus social y exposición algorítmica. Esto también puede atraer la atención de editores que pueden ayudar a presentar tu música a nuevas audiencias.

Los servicios de sellos y promoción musical ahora ofrecen apoyo a artistas independientes de maneras que no estaban disponibles en la industria musical tradicional. Trabajar con las personas adecuadas puede ser más beneficioso que intentar manejar tareas de negocios musicales por tu cuenta. Tu enfoque principal debe estar en tu creatividad artística.

Mercado masivo vs. Mercado de nicho

Como artista independiente en desarrollo, es importante entender tu mercado de nicho. Esto implica considerar varios factores, como:

1. Grupo de personas que es más probable que resuene con la historia que estás contando (edad, ubicación, género, etc.).
2. Grupo de personas para el sonido que produces (no tiene sentido tratar de atraer a Gen Z con música anticuada, y viceversa).
3. Grados de separación de tu base de fans actual (o círculo interno si aún no tienes una base de fanáticos), como «un amigo de un amigo».
4. Personas que disfrutan de ciertas películas, programas de televisión u otros medios culturales.
5. Personas que tienen gustos musicales similares a los que te inspiran, y cuya música se puede comparar con la tuya.

El mercado masivo puede parecer atractivo debido a sus grandes números, pero también es donde la competencia es más intensa. Por otro lado, los mercados de nicho ofrecen la oportunidad de destacar y convertirse en una figura prominente en una comunidad más pequeña. Al dirigirte a un segmento específico, puedes enfocar tus esfuerzos y cultivar superfans, un grupo central de oyentes que se convertirán en defensores de tu marca.

Fans vs Oyentes

¿Qué distingue a un fan de un oyente? Una diferencia clara es que los fans respaldan financieramente al artista, mientras que los oyentes son más pasivos en su participación. Los fans también promocionan activamente a sus artistas favoritos y comparten su música a otros a quienes creen que les gustará su música.

El fandom va más allá de simplemente disfrutar de la música; implica que los oyentes inviertan personalmente en el éxito del artista. Los fans pueden proporcionar una fuente más confiable de ingresos y marketing boca a boca que cualquier otra estrategia promocional.

En última instancia, nuestros esfuerzos para ganar «participación en el mercado» deberían traducirse en un aumento notable de fans genuinos. Convertir oyentes en fanáticos es la mejor manera de garantizar una retención a largo plazo del oyente.

Una forma en que artistas independientes y sellos pueden desafiar a las grandes discográficas es centrándose en obtener una parte de la atención en canales y plataformas independientes, como SoundCloud, Audius, YouTube y Bandcamp.

Aunque estos canales a veces pueden ser menos lucrativos y el seguimiento puede ser un crecimiento lento, obtener seguidores en estas plataformas brinda una representación real de fans altamente comprometidos, que a menudo gastan dinero en sus artistas.

La participación en el mercado en la industria musical se trata principalmente de capturar y retener la atención de los oyentes en un mundo lleno de distracciones. Implica una combinación de tácticas, que incluyen una producción musical excepcional, marketing estratégico y el fomento de conexiones sólidas con tu audiencia. Para lograrlo, es crucial entender la dinámica de la atención, emplear estrategias dirigidas para superar la saturación del mercado y seleccionar el enfoque de mercado adecuado. Al hacerlo, puedes cultivar una base de fans que no solo escucha tu música, sino que también la apoya y la promociona activamente.

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Republic Records, que pertenece a Universal, tuvo un cuarto trimestre al rojo vivo, liderado por «Midnights» de Taylor Swift, el álbum número 2 de 2022 a pesar de que solo se lanzó en octubre, para ubicarse en el puesto número 1 entre los sellos discográficos actuales en cuanto a cuota de mercado para la totalidad de 2022, llegando al 10,38%. Eso la convierte en la única discográfica individual que supera los dos dígitos en la clasificación final del año.

Y UMG mantuvo una ventaja de dos dígitos en la cuota de mercado general sobre Sony, que ocupa el segundo lugar, con una ventaja del 37,54% al 26,87 % a pesar de las ganancias de este último a lo largo del año.

La participación de mercado general de Sony creció un 0,76 % año tras año, hasta un 26,87 % en 2022 desde un 26,11 % en 2021, lo que marca un gran avance para el grupo musical. Esa ganancia se debió en gran parte a expensas de Universal Music Group, que cayó un 0,66% año tras año, del 38,20% en 2021 al 37,54% a fines de 2022.

Mientras tanto, la participación de mercado de Warner Music Group creció del 16,06% en 2021 al 19,05%. en 2022, aunque esa no es una comparación de manzanas con manzanas; este año, el distribuidor ADA, propiedad de Warner, que distribuye docenas de sellos independientes, se incluyó en la participación de mercado de WMG, agregando un 2,96% a su total y representando casi todo el aumento de la cuota de Warner.

Ese cambio también explica la caída proporcional del sector independiente, que cayó del 19,63% en 2021 al 16,54% en 2022. En la cuota de mercado actual, Universal cayó más de un 4%, del 37,89% en 2021 al 33,57% en 2022, y los otros tres principales jugadores recuperaron esa holgura, encabezados por Sony, que se disparó significativamente casi 3 puntos porcentuales hasta el 26,99% en 2022. 

Warner, incluso teniendo en cuenta el 3,32 % de participación actual agregado por ADA, también aumentó, del 14,42% en 2021 al 18,30% en 2022 (un aumento del 0,56 % más allá del aumento de ADA), mientras que el sector indie pasó del 23,50% el año pasado al 21,14% en 2022, lo que supone un aumento interanual del 0,96% si se tiene en cuenta la pérdida de los sellos distribuidos por ADA. Sin embargo, Universal aumentó su porcentaje de catálogo del 38,33% en 2021 al 38,94% en 2022, mientras que los otros tres cayeron ligeramente.

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Estos datos se desprenden del estudio desarrollado por Midia Research. Este aumento supone un crecimiento del 7% respecto 2015. La clave de este crecimiento los encontramos, obviamente, en los ingresos del streaming que llegaron a 5.400$ millones, creciendo un 57% respecto 2015. Los suscriptores a los servicios de streaming crecieron en 38 millones respecto 2015, con Spotify representando el 43% de los 106.3 millones de suscriptores en todo el mundo.

Mark Mulligan, de MiDIA, comentó acerca de estos números: «La industria de la música grabada cambió de marcha en 2016 y los ingresos parecen estar en una trayectoria ascendente en los próximos años.» pero en este sentido apunta: «Sin embargo, el streaming tendrá que trabajar más duro para compensar el impacto de las disminuciones del formato como ilustra el descenso del 18% de los ingresos de descarga en 2016. Si el streaming puede superar la caída de descargas y los ingresos de CD, entonces los buenos han llegado«.

Como se publicó en el anterior informe, las tres principales discográficas generaron colectivamente 11.000 millones de dólares de ingresos brutos el año pasado, mientras que el sector independiente ingresó 5.100$ millones.

(NOTA de Midia Research): Los números del sector independiente reflejan la participación según la distribución en lugar de la propiedad de los derechos de autor. Por lo que con el próximo informe de mercado de WIN se obtendrá una imagen más clara de la verdadera contribución global del sector independiente

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El trabajo llevado a cabo por Mark Mulligan, de Midia Research, ha sido el de rastrear los reportes financieros tanto de sellos discográficos como de editores a lo largo del 2016, además de incorporar datos del sector independiente como WIN. Esto, junto con los informes de los órganos de comercio de los países y el de las entidades de gestión ha dado lugar a este interesante informe.

Del informe se desprende que 2016 fue un gran año para el negocio global de música grabada, con sellos discográficos y editores que reportaron un crecimiento casi total. Como era de esperar, el streaming fue el motor del crecimiento, aumentando su participación en los ingresos de las discográficas del 23% en 2015 al 34% en 2016.

Universal Music Group:

Universal Music Group es el grupo musical líder en el mundo y ese status se mantuvo firme en 2016. La cuota global de música de Universal Music alcanzó un 28,9%, muy por delante de su rival Sony Music, que tenía una participación de 22,4%.

A pesar de registrar UMG un crecimiento del 2,4% en facturación, su cuota global cayó ligeramente del 30,2% que tenía en 2015. Al igual que con todas los demás sellos, UMG tuvo un gran año de streaming en 2016, viendo aumento de los ingresos en un 56%

Respecto la cuota de mercado de Universal Music Publishing fue en gran medida plana en 16.7% para 2016.

Warner Music Group:

Warner Music obtuvo el mejor rendimiento en términos de moneda local, aumentando sus ingresos en un 11% y su cuota mundial de música grabada pasó del 16,8% en 2015 al 17,4% en 2016

Respecto al streaming, Warner perdió un poco de terreno, viendo su cuota de mercado caer de 19,3% (en 2015) a 18,4% a pesar de registrar un impresionante 51% de crecimiento anual en los ingresos de streaming.

Warner/Chappell tuvo un buen 2016, creciendo sus ingresos un 9% año con año y aumentando su cuota de mercado de 9,6% en 2015 a 10% en 2016.

Sony Music Group:

Sony Music registró un crecimiento del 13% en dólares en 2016, el más alto de todas las majors, aumentando su cuota de mercado de música grabada de 21,3% en 2015 a 22,4% en 2016.

Los ingresos de streaming subieron un 41,8% en términos en moneda local y un 57% en dólares en 2016, mientras que la cuota de mercado de streaming fue plana.

Los ingresos de Sony Music Publishing (incluyendo Sony / ATV) cayeron un 1%, lo que resultó en que su participación en el mercado global cayera de 24,3% en 2015 a 23% en 2016.

Independientes:

Las etiquetas independientes registraron un incremento del 6% en sus ingresos de música grabada en 2016, pero eso no fue suficiente para evitar que su cuota de mercado caiga ligeramente del 31,6% en 2015 al 31,3% en 2016.

En el lado editorial, los independientes (incluyendo los gustos de Kobalt y BMG) tuvieron un año 2016 fuerte, viendo los ingresos crecer un 6% y la cuota de mercado creció del 49.4% en 2015 al 50.1% en 2016.

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Discográficas

Universal Music Group sigue un año más como la discográfica líder del mercado pese a que perdió cuota en 2015, pasando de un 34,1% en 2014 a un 33,5% en 2015 en el combinado entre físico y digital. Tanto en digital como en físico perdió en ambas respectivamente.

Sony Music experimentó un ligero aumento de su parte siendo la segunda mayor compañía de música, con una cuota de mercado prácticamente sin cambios a 2014, con un 22,6% en 2015. Warner Music Group, la más pequeña de las 3 majors, fue la que experimentó el mayor aumento consiguiendo en 2015 un 16,3% de la cuota, frente los 15,7% en 2014.

Las independientes, con una cuota mayor que Sony y Warner, obtuvieron también un ligero aumento con una cota de mercado para 2015 del 26,8%. Uno de los puntos más significativos es que este aumento fue sólo en el mercado físico, aumentando en un 0,02% su cuota de mercado.

Editoriales

Sony/ATV sigue siendo el líder en el sector editorial con un 28,3% de la cuota de mercado, también para el líder el 2015 fue un año de un pequeña pérdida ya que en 2014 el 29,5%. Sony/ATV tomó el primer lugar en 2013 tras la compra de EMI Music Publishing y para 2016, si se confirma la compra del 50% restante que no controla Sony/ATV a Jackson State, veremos como queda su participación si se ve obligada a vender algunos de sus catálogos.

Universal Music Publishing Group fue el segundo mayor editor de música en 2015 con una participación del 23,1%. De los tres grandes editoriales, UMPG fue el único en registrar un aumento de la cuota. El tercero fue Warner Chappell que bajó en 2015 hasta el 12,4%.

Quien tuvo la mayor crecida fue el sector independiente que pasó del 35% en 2014, a tener en 2015 una cuota del 36,2%. Esta crecida del 1,2% fue gracias a las fuertes inversiones realizadas por parte de BMG y Kobalt en mercados asiáticos e hispanos, tanto en España como en Latinoamérica.

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El negocio digital de la música representa casi 60% del total frente a negocios como el cine que muy por detrás contaba en 2012 con una cuota digital del 21%, siendo el cine a la vez el contenido más pirateado en lugares como Reino Unido. Estos datos sólo crecerán a partir cada año y como vemos en el primer semestre de ventas en Estados Unidos, el negocio digital sigue en aumento.  Sin duda todas las industrias deben enfocarse en el desarrollo de nuevos modelos digitales sostenibles.

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De acuerdo a los números arrojados a mitad de año por  Billboard SoundScan en base a datos del reporte de A2IM, las discográficas independientes logran un récord en la cuota de mercado, con el 34.4% en base a la propiedad de los master  y no su distribución, en artistas indies grandes suele  recaer en las majors, como ya lo adelantábamos hace una semana en base al reporte Nielsen. Esto representa un crecimiento de los 32.9% que tenían a mitad del años pasado.   El top de artistas independientes de este año es el siguiente:

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En el primer trimestre, las ventas de canciones se redujeron un 1,34% cayendo de 361 millones hasta los  356,5 m. En el segundo trimestre la disminución fue más del doble,  con una caída del 3.3%  por un total de 325,7 millones de unidades este año en comparación con los 336,7 millones en el segundo trimestre de 2012.

A mediados de año, 51 canciones han superado el 1 millón de unidades. 13 de ellas con dos millones de unidades o más, lideradas por las 5,6 millones de unidades logradas por Macklemore & Ryan Lewis «Thrift Shop» (con Wanz).

El año pasado, 2 canciones lograron la hazaña de vender más de cinco millones de unidades – «Somebody That I Used To Know” de Gotye (con Kimbra) y Fun. con «We Are Young» (junto a Janelle Monae). Un total de 47 títulos alcanzaron la marca de 1 millón de unidades, de los cuales 13 superaron la marca del 1 millón.

Hasta el momento, «Experience 20/20» de Justin Timberlake es el álbum más vendido del año con 2,04 millones. Es de hecho, el único en superar el millón de ventas, seguido por  Bruno Mars «Unorthodox Jukebox» con 985.000 unidades. El año pasado, sólo un álbum había superado el 1 millón de unidades – «21» de Adele, que había vendido 3,7 millones de unidades.

El lado positivo es que  en la mitad del año 15 álbumes han superado las 500.000 unidades, en comparación con el año pasado, cuando sólo 11 álbumes habían logrado esa hazaña. Sin embargo el total de unidades contadas por SoundScan es de 825,9 millones de unidades una caída del 2,9% a desde los 850,2 millones de unidades monitoreadas el año pasado.

Volviendo al descenso en la venta de pista, se puede atribuir a una disminución de 20 millones de unidades en las ventas por catálogo, que se redujeron a 366,7 millones de unidades desde los 386,9 millones de unidades de mediados del 2012. Mientras tanto, las ventas de canciones actuales crecieron levemente un 1.44% hasta los 315,5 millones desde los 311 millones de unidades del año pasado.

Si el descenso hubiese sido en las ventas de canciones actuales, podríamos llegar a pensar en que el streaming estaba afectando las ventas. Pero con la caída de las ventas por catálogo, lo más probable es que la disminución se deba a la creciente popularidad de la función “completa mi álbum” que ofrecen algunas tiendas de digitales, y por otra parte se lo podemos atribuir a la revisión de precios de las ventas de catálogo que pasaron de 0.69$ centavos de dólar, el precio que se le aplico a las canciones de catálogo cuando iTunes lanzó en el 2009 los precios variables, ahora hasta los 0.99 $ y 1,29 $.

Las ventas de discos siguen disminuyendo, el formato experimentó una disminución del 5,6%  a 142 millones de unidades, frente a los 150,5 millones de unidades cosechado a mediados de 2012.

Al igual que con las pistas, el descenso se aceleró en el segundo trimestre cuando las ventas de álbumes cayeron 6,4%, frente al descenso del 4,9% a finales del primer trimestre. Las ventas de álbum digitales desaceleraron en el segundo trimestre con un leve aumento de 1,9% lo que representa 28,3 millones desde las 27,8 millones de unidades del período correspondiente al año pasado. Pero si contamos los datos de todo el año hasta la fecha, las ventas de álbumes digitales han aumentado 6,3% en el 2013, hasta 60,8 millones de unidades desde los 57,2 millones de unidades durante la primera mitad de 2012.

Universal Music Group lidera el sector con una cuota de mercado del 37,6% en la venta de álbumes más el equivalente de canciones a álbumes, por lo que 10 pistas equivalen un álbum. Lo que representa un aumento del  7%  del 30,1% que se había publicado el año pasado antes de que se completara la adquisición de la mayoría de los activos de EMI.

Sony Music Group viene fuerte en segundo lugar en la cuota de mercado con un 29,6%, un crecimiento del 28,9% que registró en el primer semestre del año pasado.

El Grupo Warner Music registró una ganancia de cuota de mercado, con un crecimiento del 20,2% respecto al 18,4% que tenía en el primer semestre de 2012. Sin embargo, WMG debería beneficiarse de los activos de Parlophone que adquirió recientemente, pero que aún no le contabilizan pues se completó la venta después de la primera mitad del año.

Las independientes, por su parte, terminaron un descenso de 0.6% ahora con el 12,1% frente al 12,7%, pero eso es sólo si se cuenta la cuota de mercado en base a la distribución propia. Si se cuenta la cuota de mercado tomando en cuenta los activos de los sellos, es una imagen completamente diferente, ya que las indies  representan el 30% de la cuota de mercado.

Yéndonos a evaluar el sector de venta minorista, las cadenas y grandes tiendas vemos que los  comerciantes han sufrido una caída de 17,3%  en sus ventas desde los 23.3 millones de unidades hasta 19,3 millones de unidades. Las cadenas de tiendas por departamento con descuento lo hicieron un poco peor con una disminución de 17,4% vendiendo 36 millones de unidades frente a las 43,6 millones de unidades del año pasado.

En lo que corresponde a las ventas en tiendas independientes también disminuyeron con una caída de 10,7%  hasta las 9,4 millones de unidades. Y, por supuesto, el e-commerce (digital o físico) continúan ganando cuota de mercado. Las descargas experimentaron un aumento del 6,3%, mientras que las ventas por correo y en conciertos experimentaron un aumento del 5,7% subiendo hasta las 15,2 millones de unidades desde las 14,4 millones de unidades del primer semestre de 2012.

Fuente: Billboard

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