Artículo escrito por David Loscos, Director y Fundador de IMB International Music Business School.

¿Qué es lo que hace que la industria musical de un determinado país sea globalmente competitiva?; o expresado desde el punto de vista de la demanda, ¿qué factores determinan que los consumidores de música alrededor del mundo muestren una preferencia por las propuestas que surgen de determinados países y no de otros?, ¿Es una casualidad que EEUU, Reino Unido, Canadá, Australia, los Países Nórdicos, Francia, Alemania, tengan industrias musicales exportadoras?

De acuerdo con el conjunto de la investigación académica, la ventaja competitiva de una industria en un país se explica por varios factores: la innovación, los recursos, las competencias, la demanda local, los costes de producción, la especialización, etc. El mundo académico ha hecho mayor hincapié en un aspecto u otro en función de la visión del autor, pero lo que cabe resaltar es que una formación de calidad transversal, dinámica, continua y basada en la asimilación de competencias claves y conocimiento de la industria, se considera esencial para que una organización pueda alcanzar un nivel óptimo de competitividad internacional.

En junio del 2016 se presentó el informe de AB Music Working Group sobre la realidad y las necesidades del sector de la música en Europa. El documento es el resultado de cuatro sesiones de trabajo temáticas encargadas por la Comisión Europea a un grupo de representantes europeos de todos los modelos de negocio musicales. Una de estas sesiones estuvo centrada específicamente en el ámbito de la formación del talento creativo. En él se dice: “Education and Training is by far the most recurring theme found in the participant’s contributions. The need to improve the sector’s capacity by providing education and information tools in order to share the knowledge that is necessary to succeed in a complex and still very fragmented European market is widely recognised.”

Tradicionalmente se ha asumido que para que la formación fuera efectiva en el empeño de alcanzar una mayor competitividad era suficiente que los profesionales adquirieran una formación en aquellas áreas de actividad relacionadas con su rol en la cadena de valor. Pero no que esta formación tenía que ser multidisciplinar. Dicho de otro modo, hoy en día, el creador no sólo necesita formarse en los aspectos relacionados con la creación y la interpretación, sino también en adquirir unos conocimientos relacionados con la consiguiente gestión y explotación de su obra. Del mismo modo los editores, los productores, los managers necesitan conocer más allá de su modelo de negocio. Así lo cita el mismo informe: “The music sector is fragmented and highly sophisticated. Professionals from the publishing, the recording or the live side of the industry are too often ignorant of one another’s business models and challenges. In a converging industry, it is crucial that these gaps are filled in order to enable a generation of entrepreneurs to make the most out of any revenue stream.”

Aquellos países que llevan años desarrollando programas de formación para incrementar la competitividad de la industria musical local son casualmente los que hasta ahora mejor desempeño internacional han mostrado. Lo importante no es quien promueve esta formación (puede ser el Estado, el sector educativo privado, o las mismas empresas a nivel interno), cada país tiene su fórmula en función de su marco cultural, sino que, en la línea de lo que apunta el informe de AB Music Working Group, se asuma que resulta imprescindible.

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La comisión Europea ha abierto una directiva sobre el mercado único digital europeo para regular y definir las obligaciones y responsabilidades que tendrían o deberían tener las plataformas digitales con distribución de contenidos. “Pero sobre todo aquellas plataformas que tienen relación con sus usuarios que suben sus propios contenidos gratuitamente y sin ningún tipo de control alguno”, afirma Loscos. Estamos hablando de plataformas como YouTube o SoundCloud. De hecho, en la comisión antes mencionada, está negociando hasta qué punto se responsabilizan estas plataformas de los contenidos que se suben en sus respectivos portales. “Se tiene que negociar si tal y como está redactado se aprueba y pasa a ser de aplicación obligatoria a todos los estados miembros de la Unión Europea, o se hacen modificaciones hasta dejar el texto descafeinado”. El recorrido conlleva que la comisión europea escribe una propuesta directiva, la envía al parlamento Europeo y este lo debate, lo discute y lo resuelve.

¿Y porqué todo este revuelo?

Por una parte, los autores quieren más transparencia con el que pasa con su música y con lo que se hace con ella. También más transparencia con el reparto de los derechos de autor y que estos estén protegidos y regulados.

Por otra parte, la industria cultural también quiere que se regule su contenido artístico. Quiere que se establezca un marco legal de protección más sólido del que pueda haber en cualquier país del mundo. “Y seguramente esto sería un intensivo potencial porqué las industrias creativas encuentren aquí un lugar donde expandirse. Si creen que las reglas son mejores, más justas, están mejor definidas y de alguna manera la explotación de sus contenidos está bien establecida, puede ser un enorme punto de encuentro y de atracción para ellas. Se transformaría en un mercado muy atractivo”.

“Sino protegemos el valor principal de la cadena (el creativo) es imposible que haya una industria justa y sólida. Europa no crecerá por fabricar más barato que China. Europa crecerá por ser capaz de crear contenido, de innovar y de generar riqueza en un entorno regulado y honesto”, concluye Loscos.

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Obviamente, el streaming fue en todo momento el objeto de análisis, haciendo una breve introducción de la evolución del streaming en los últimos 5 años para dar paso a análisis de la situación actual (incluyendo problemáticas actuales y posibles soluciones al respecto) y finalizando con su visión de hacia dónde tiene que caminar los modelos actuales de streaming.

De todo lo comentado por Mark lo más importante que planteó es que si bien es cierto, y es innegable, el impulso que está dando el streaming como modelo de negocio y de consumo en la industria discográfica, si sigue habiendo un único modelo 9,99€ con todas las canciones del mundo, el streaming encontrará rápidamente un techo de suscriptores, pues no todos quieren 30 millones de canciones. Mark considera que el próximo paso de estos servicios debe ser el que ya aplican las plataformas de vídeo bajo demanda, diversas tarifas en función del catálogo que uno quiere. Un ejemplo sería que en vez de pagar 9,99€ por 30 millones de canciones, un usuarios pague 3,99$ sólo por escuchar el catálogo de Metal.

Siguiendo con el streaming, Mark afirmó que la industria discográfica, volverá a obtener una facturación similar a 1999, y muy probablemente sea superada siempre y cuando puede ofrecer a los fans de la música ofertas de valor en base a las necesidades de cada tipo de fan.

De Mark Mulligan, pasamos sin pausa a la siguiente ponencia que fue dada por Jeff Price, Fundador de Tunecore (recién adquirida pro Believe Digital) y actualmente fundador y CEO de Audiam.

Jeff despertó a toda la audiencia con un discurso intenso, con su ponencia quiso poner de manifiesto la problemática actual respecto el pago de los derechos mecánicos en los servicios de streaming en los Estados Unidos. Jeff no se quedó corto y acusó directamente a los servicios de streaming de no poner todos los esfuerzos necesarios en hacer una identificación correcta (y posterior distribución) de los derechos editoriales.

En ese momento, lo que estaba siendo un ponencia unidireccional, pasó a convertirse en un acalorado debate tras ser replicado por parte de la audiencia en el que señalaron que el complejo sistema de “publishing” norteamericano dificulta la propia repartición de dichos derechos.

Jeff no se arrugó y siguió defendiendo su postura hasta que sin tapujo alguno decidió compartir con la audiencia, y para sorpresa de todos, datos de Spotify USA (como vemos en las 2 fotografías siguientes)

Los datos, aun siendo de principios de 2014, son significativos dada la confidencialidad de estos. Destaca la facturación mensual de Spotify USA con 24$ millones, la media de suscriptores que gira entorno los 2,5 millones así como el número de play mensuales que oscila en los 2.000 millones. Como último dato importante, es muy significativo el dato de «Dinero no pagado o pagado equívocamente» en la que podemos ver una cifra de 212.000 dólares mensuales y que crece en los siguientes meses.

La ponencia de Jeff finalizó dando paso a un break en el que toda la audiencia siguió hablando sobre la problemática de los derechos mecánicos y el streaming.

¿Puede aprender algo la industria de la música acerca la industria de los videojuegos móvil? Interesante panel en el que estaban Leo Nascimento, director de Deezer España, y Jan Wedekind, Senior Business Performance Director de King (empresa creadora de Candy Crush) y en el que se puso sobre la mesa los diferentes modelos de negocio exitosos dentro de la industria de los mobile games, y ver como éstos podían ser, o no, aplicados a la industria de la música digital.

En conclusión y en palabras de Leo Nascimento: «Lo más atractivo es que los ingresos en los videojuegos móvil no tienen techo, un jugador puede ir comprando y comprando dentro del mismo juego. En cambio en la industria de la música tenemos una tarifa 9,99$ y ese es el techo de gasto de nuestro consumidor en streaming» y añade «Bien es cierto, que hay que tener en cuenta que la industria de la música trabaja con licencias, y eso dificulta mucho el poder implementar modelos de negocio similares a los de los videojuegos móvil.»

El streaming volvió a ser el centro de atención con la mesa redonda moderada por David Loscos, y en la que fueron participes Olly Barnes, de Rdio y Maarten Van Wijck, de Musicxip/La Cupula Music. La intención del panel era poner de manifiesto los servicios freemium vs premium, que están aportando como modelo de consumo y negocio, y hacia donde evoluciona.

La realidad es que tenemos una industria divida, ‘big players’ como Apple o Universal con un firme convencimiento de que hay que liquidar los servicios freemium y ‘big players’ como Youtube o Spotify firmes defensores de tener una capa freemium en los modelos de música en streaming. Entre las posibles soluciones se abordó lo que propone Mark Mulligan y que comentábamos al principio, está que las plataformas de música de streaming segmenten mejor las audiencias y puedan ofrecer un acceso limitado a contenidos mucho más relevantes a un precio significativamente menor.

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Artículo escrito por David Loscos, Director académico del Postgrado en Gestión del Negocio Global de la Música del UPF-IDEC (Universidad Pompeu Fabra) y que moderará el debate sobre la música en streaming que se celebrará en el marco del Future Music Forum

El pasado agosto, la Comisión Europea concluyó sin éxito una investigación en busca de posibles ‘acuerdos ilícitos’ entre Apple y las principales compañías discográficas para dejar de licenciar sus catálogos a servicios gratuitos de música en streaming.

Los motivos de esta investigación se encontraban en el lanzamiento del servicio Apple Music que, desde el pasado junio, ofrece el mismo volumen de canciones que Spotify, pero únicamente bajo la modalidad de suscripción de pago. Aunque no se han encontrado pruebas fehacientes, la investigación no puede darse por definitivamente finalizada.

Apple, como muchos de los principales agentes en la industria de la música, no cree en la viabilidad del modelo freemium. Pero la novedad no es esa, sino que también son cada vez más los usuarios que se muestran insatisfechos con la obligatoriedad de ceder datos personales a cambio de poder disfrutar gratis de su música. De acuerdo con los resultados de un reciente estudio llevado a cabo por la Universidad de Pensylvania, el usuario acepta registrarse y dar sus datos para poder disfrutar de los servicios por resignación y no por satisfacción.

Así que, si por un lado tenemos una industria que, representada por sus artistas y productores, se distancia o directamente rechaza el modelo freemium. Y por otro, unos usuarios ávidos de recibir propuestas que mejoren su experiencia. La conclusión es que los retos a los que se enfrentan los servicios gratuitos de música en streaming son enormes.

Mark Mulligan, que también estará presente en la 6a edición del Future Music Forum, es un firme defensor del «niche marketing» que propone que las compañías de música en streaming segmenten mejor las audiencias en función de sus preferencias, con el fin de poder ofrecerles un acceso acotado a unos contenidos mucho más relevantes a un precio significativamente menor.

Quizás ese sea el camino.

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Artículo escrito por David Loscos (Director académico del Postgrado en Gestión del Negocio Global de la Música del UPF-IDEC (Universidad Pompeu Fabra)

A lo largo de los años la tecnología ha ido desafiando muchos de los axiomas propios de la producción y el consumo musical. Desde el uso de sintetizadores en los años 70 a la reciente incorporación de hologramas en los conciertos en directo, se han ido superando muchas creencias relacionadas con la autenticidad de la música. Pero existen todavía fronteras importantes por cruzar, y dos de ellas están siendo ya desafiadas por tecnologías desarrolladas en Voctro Labs.

Esta start-up especializada en síntesis de voz (creada por investigadores del Music Technology Group de la Universitat Pompeu Fabra) está desarrollando un proyecto ambicioso que por un lado permitiría modelizar la voz de un artista fallecido para la generación de nuevo repertorio, y por otro sistematizar el doblaje de canciones a una selección de lenguas objetivo.

Dicho de otra manera, no sólo es tecnológicamente posible poder escuchar la voz de Frank Sinatra interpretando canciones compuestas con posteridad a su muerte, sino que además se podrán generar adaptaciones a distintos idiomas de una versión original sin necesidad de que el artista las tenga que volver a interpretar de nuevo en el estudio. El impacto potencial que estas tecnologías pueden tener en la generación y consumo de contenidos musicales es enorme. Entre otros motivos porque puede suponer la superación definitiva de la barrera lingüística que impide que el mercado de la música sea realmente global.

Posiblemente no sea una herramienta útil para cualquier artista o género, pero lo cierto es que en los últimos años se ha producido una convergencia entre el resultado de humanizar la voz sintetizada y el de tratar con efectos la voz humana en el estudio. La duda es saber si el resultado final de escuchar una voz sintetizada cantar en japonés una canción grabada originalmente en inglés, español o francés será suficientemente orgánico para generar en el consumidor el impacto emocional necesario.

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La semana pasada se llevó a cabo la celebración del 10mo Aniversario del Postrado de Gestión de Empresas de la Industria de la Música del Idec, un programa de carrera desarrollado por su director, David Loscos. Un profesional con experiencia en multinacionales como Sony BMG o la en su momento fundada por Universal Music y Prisa, MuXXIc Latina. Tras esa etapa la relación profesional de David ha girando entorno al desarrollo de nuevos profesionales del sector, por ello hemos querido conocer sus motivaciones y aprendizaje durante estos primeros años llevando a múltiples alumnos al mundo laboral del negocio de la música. 

IM: ¿Qué te impulsó a fundar el Postgrado?  

DL: En 1999 tuve la suerte de poder cursar en Liverpool la primera edición del MBA en Industrias de la Música que se impartió en el mundo, y para mi resultó ser una experiencia tan fantástica como reveladora: alumnos de distintas nacionalidades acudimos a recibir una formación especializada sobre la gestión del negocio de la música porque en nuestros respectivos países de origen no había nada parecido. Lo cierto es que los anglosajones llevaban ya años formando a sus profesionales desde la universidad, por lo que no había ningún motivo para que, con el cambio de siglo, el mundo hispano no dispusiera finalmente de un programa universitario propio.

IM: ¿Cómo ha evolucionado el  postgrado desde sus inicios?

DL: Inicialmente el DGIM (Diploma Gestión de Industria de la Música) tomó el MBA como modelo, pero fue necesario adaptarlo a la realidad de nuestro mercado. La primera edición se lanzó en octubre de 2004 en un momento en el que, a pesar de las adversidades, la industria discográfica aún lideraba el sector; eran los días del «top manta» y de los politonos. Hoy la realidad es radicalmente distinta: las experiencias alrededor del directo, la tecnología musical y los dispositivos móviles son protagonistas. Esta transformación constante ha supuesto que el DGIM se haya tenido que adaptar, edición tras edición, tanto sus contenidos como su profesorado. De hecho, únicamente 8 de los actuales 46 ponentes estaban ya con nosotros en esa primera edición.

 IM: Por allí han pasado alumnos que hoy están detrás de importantes empresas del sector o han sido fundadores de proyectos exitosos. ¿Cuál crees tú que es la clave del postgrado? 

DL: Cada caso es distinto, pero creo que comparten una combinación de factores que podría resumir en tres: una fuerte determinación por querer desarrollar su carrera profesional alrededor de la música, un actitud constantemente curiosa y proactiva, y la inteligencia de haber identificado aquel lugar en el universo de la música en el que poder poner en valor todas sus cualidades, experiencias y conocimientos.

IM: Diez años formando profesionales ¿Qué le depara al futuro del postgrado y cómo debe evolucionar en esta era de cambios?

DL: Este será precisamente el tema de debate de nuestra presentación en el Primavera Pro. La pregunta que debemos hacernos es cuál es la función que van a desarrollar los profesionales que estamos formando: ¿van a dirigir empresas en la industria de la música?, ¿o van a gestionar todo tipo de proyectos con la música de co-protagonista? La música va más allá de su industria, y por eso a partir del año próximo el DGIM va a sufrir un cambio estructural que se ve reflejado en el cambio de denominación que acaba de aprobar esta misma semana la comisión académica del idEC / UPF. A partir de ahora el nombre oficial del DGIM es el de «Postgrado en Gestión del Negocio Global de la Música».

IM: Bajo tu experiencia con (+300) alumnos, profesionales y amantes del sector por tus aulas, cuál crees que es la mejor virtud para desarrollarse en este sector y cuál crees que es el error más común que se comete al tratar de lograrlo en este negocio. 

DL: La mejor virtud tiene que ver con la pasión que, sumada a la combinación de factores a los que hacía referencia antes, suele abrir puertas y despertar interés. Y en cuanto a los errores, diría que el creer que el mundo de la música está en deuda con uno, y el insistir en dirigirse a un interlocutor que no quiere escuchar.

IM: ¿Cómo ves el panorama de la industria musical en España y Latinoamérica?

DL: No quiero ser alarmista, pero, salvo contadas excepciones, no estamos jugando en la liga de los mayores. Ni por supuesto hemos sabido construir un mercado regional/cultural común que permita mejorar nuestra competitividad global. Somos importadores más que exportadores, y nos cuesta desarrollar sinergias. Eso sí, estoy convencido de que lo mejor está por venir. Solo nos falta que un par o tres de artistas asiáticos arrasen en nuestros mercados de manera sostenida para darnos cuenta de la dimensión del problema y ponernos a trabajar de manera coordinada.

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Bajo ese marco y como ex alumno se me pidió junto con otros 6 compañeros (Ami Bondía, Joaquín Fernández, Tòfol Martínez, Marçal Lladò, Inés Guerrero y Pau Corbalán) participar en un pequeño discurso en el cual aportamos nuestra visión sobre la industria, estado actual de la industria, tendencias y retos, todo esto en 3 breves minutos. Así lo hice y hoy quisiera compartirlo por esta vía con ustedes:

Estado actual de la Industria Musical:

• La industria actual se encuentra aún en un in-pass entre la propiedad y el acceso. A pesar de que el 2015 será un gran año para el streaming el in-pass al mainstream no será tan corto por lo que veremos como la industria fonográfica verá sus ingresos en cierta forma estancados, pero tras unos 3 o 5 años saldrá mucho más fortalecida. Los grandes catálogos ampliarán su poder y posición ventajosa en el mercado.
• A nivel local (España) puedo decir que si la situación de país mejora, eso ayudará al sector del entretenimiento, muchos economistas coinciden en que los sueldos volverán a subir a partir del 2017, así que falta cada vez menos para ver un aumento en el consumo de entretenimiento, pero aún hay que seguir buscando nuevas vías y formas de contrarrestar las adversidades. De igual forma, es importante acelerar la adopción y entendimiento de las estrategias del entorno digital y la tecnología

Tendencias:

• Mayor penetración de la tecnología y el social media en eventos del directo. Continuaran las fusiones y el dominio marcas multinacionales del directo con mayor alcance.
• Se mantiene el incremento de las ventas del vinilo y del streaming
• Ajustes de precios en los servicios de música. Creación de nichos de consumo de alta fidelidad con mayores márgenes de beneficio
• Un rol más activo en inversiones controladas de capital de riesgo por parte grandes empresas y artistas.
• La tecnología al servicio de la internacionalización de la música más allá de las barreras culturales y del idioma
• Nuevas oportunidades de monetización e interconexión, mayor entendimiento del consumo y elementos de éxito gracias los grandes bancos de información.
• Nuevas entidades de gestión premium o boutique, más especializadas y ágiles en entornos digitales

Retos:

• Retos para grandes promotores independientes. Encontrar actos que llenen estadios, reestructurar los modelos de negocio entorno redes de festivales, fortalecer el branding, buscar y explotar nuevos nichos y territorios.
• Ganar la confianza de los artistas, poner a disposición de los artistas mayor transparencia de pagos y sistemas de royalties
• Captar la atención y el dinero de los fans, ser trascendentes y relevantes. Recordemos que este año Sam Smith fue el único artista en vender más de un millón de copias en EEUU y Reino Unido.
• Pensar aún más en el desarrollo tecnológico (software y hardware) dentro de la misma industria y no siempre tener que ser liderados por la grandes empresas de Silicon Valley
• Acelerar la conversión al streaming, entender y adaptarse a los nuevos ciclos económicos y de consumo
• No creerse todopoderoso y actuar de manera justa (esto va con las grandes multinacionales tecnológicas y en algunos casos multinacionales del sector, ya que las economías colaborativas operativas no están lejos de ser una realidad).
• Mejorar los sistemas de pagos por royalties digitales, que sea un sistema más justo para las partes, más equitativo entre derechos fonográficos y editoriales. Lo que implica también inversión en tecnología que permita hacer las identificaciones de derechos necesarias para que no haya dinero sin reportar.

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