De menos del 1% al 40% en menos de dos años

En enero de 2024, la música generada por IA representaba menos del 1% de los nuevos lanzamientos semanales en Spotify. En noviembre de 2025, ese porcentaje había superado el 40%. Los investigadores cruzaron metadatos de Spotify con las etiquetas de IA que aplica Deezer en su catálogo —la única plataforma que detecta y etiqueta públicamente este tipo de contenido— e identificaron 40,7 millones de canciones como generadas por IA. La música IA ya ocupa el 5,1% del catálogo total de Spotify, una plataforma con 750 millones de usuarios, y el ritmo de crecimiento sugiere que en 2026 los lanzamientos de IA habrán superado en volumen a los de música humana.

El patrón de crecimiento responde en gran medida a la llegada de generadores comerciales accesibles: Suno y Udio permiten crear canciones completas con letra e instrumentación en menos de un minuto, a un coste inferior a los 0,02 dólares por canción. Con una suscripción anual de 100 dólares en Suno, un usuario puede generar hasta 6.000 canciones. No es casual: Suno captó recientemente 400 millones de dólares y se valora en 5.400 millones, una señal de que la inversión en generadores de música IA a escala industrial sigue acelerándose.

La estrategia dominante entre los productores de slop es la conocida como spray and pray: publicar un volumen masivo de canciones en el mayor número de géneros posibles, confiando en que alguna se convierta en un éxito. El artista IA promedio publica 27 canciones frente a las 13 de un artista humano activo, a una frecuencia cinco veces mayor y con un intervalo de apenas seis días entre lanzamientos, frente a más de 50 días de media en los artistas humanos. El caso extremo detectado: un solo artista IA con más de 60.000 canciones subidas a Spotify. La cobertura de géneros es la señal más clara: mientras los músicos humanos tienden a especializarse en uno o dos géneros, los artistas slop llegan a cubrir hasta 57 géneros distintos, algo que ningún músico real podría dominar con calidad.

Y sin embargo, el 93% de esa música no supera las 1.000 reproducciones, el umbral mínimo de monetización de Spotify. En los cinco primeros meses de 2026, el 92,7% de las canciones IA tuvieron reproducciones negligibles, frente al 67,5% de las canciones humanas. Pero la economía del slop no exige que cada pieza funcione: basta con que una pequeña fracción genere royalties suficientes para cubrir el coste total de la operación, exactamente como funcionan las campañas masivas de correo basura o el fraude farmacéutico online.

Las distribuidoras no detectan nada, y las plataformas tampoco

Para mapear cómo llega la música IA a las plataformas, los investigadores dieron un paso más allá del análisis de datos: generaron sus propias canciones con Suno, Udio y dos modelos de código abierto (DiffRhythm y ACE-Step), crearon perfiles de artista ficticios y las distribuyeron a través de 11 distribuidoras musicales independientes. Los resultados son elocuentes. Cuatro de las cinco distribuidoras que prohíben explícitamente la música generada por IA aprobaron igualmente las canciones y las enviaron a Spotify, Apple Music, Deezer, Amazon Music, YouTube Music y Tidal. Solo dos distribuidoras —Amuse y Landr— identificaron parte del contenido como IA, y de manera incompleta.

Una vez aprobadas por las distribuidoras, las plataformas de streaming no ejercen ningún control adicional efectivo. Spotify, YouTube Music y Tidal aceptaron la totalidad de las canciones. Apple Music y YouTube Music rechazaron únicamente dos canciones cada una, aparentemente por criterios técnicos de calidad sin relación con su origen artificial. La detección sigue siendo el eslabón más débil de toda la cadena.

Los detectores automatizados evaluados tampoco ofrecen la robustez necesaria. El más preciso de los analizados —el de Deezer, basado en transformada de Fourier sobre espectrogramas— alcanza un 99,6% de precisión en condiciones normales. Sin embargo, cuatro técnicas de modificación de audio básicas lograron evadirlo con una tasa de éxito del 100%: comprimir el archivo a MP3, aplicar un cambio de tono, añadir reverberación o reconstruir el audio mediante un autoencoder. El entrenamiento adversarial del clasificador mejora la robustez hasta el 95% aproximadamente, pero no resuelve el problema de fondo. Los investigadores comunicaron sus hallazgos al equipo de Deezer, que respondió que está trabajando en mejorar su sistema.

El panorama contrasta con los esfuerzos puntuales que algunas plataformas han emprendido. Spotify eliminó más de 75 millones de canciones «spam» en 2025 y trabaja en un sistema de etiquetado transparente con 15 distribuidoras. La plataforma también ha apostado por integrar la IA de forma controlada dentro de su ecosistema Premium junto a sellos como UMG, marcando una línea entre el uso creativo legítimo y la generación masiva de slop. Deezer identifica y desmonetiza el contenido fraudulento. Pero el ritmo al que se genera nuevo slop supera con creces la capacidad de respuesta actual.

El estudio también detecta un efecto colateral preocupante en los sistemas de recomendación: el 93% de las canciones IA recomiendan otras canciones IA, mientras que el 84% de las canciones humanas no incluye ninguna canción de IA en sus recomendaciones. El slop está construyendo su propio ecosistema dentro del grafo de recomendaciones de Spotify, amplificando su visibilidad de forma artificial y perjudicando tanto a artistas humanos como a creadores que utilizan IA de manera legítima.

Los investigadores concluyen que la única vía efectiva de contención pasa por actuar en dos frentes simultáneos: mejorar la detección técnica mediante entrenamiento adversarial, y aplicar medidas económicas de disuasión sobre las distribuidoras. Entre las propuestas figuran costes por track escalables según la frecuencia de publicación, tarifas más elevadas para subidas masivas, verificación obligatoria de identidad —hoy solo 3 de las 18 principales distribuidoras la exigen— y cargos por álbum que desincentiven las colecciones de cientos de canciones. Sin estas medidas, la música IA slop tiene todas las condiciones para convertirse en una industria sombra autosostenible, capaz de crecer indefinidamente con tasas de éxito mínimas.

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La tecnología que crea un «ADN musical» para cada obra

El sistema desarrollado por Sureel se basa en tecnología multipatenteada que descompone cada obra en sus elementos constitutivos y rastrea cómo los modelos de IA utilizan esos componentes. La compañía denomina este proceso la creación de un «ADN de IA» para cada trabajo musical. Más allá del rastreo básico, Sureel ofrece un conjunto completo de servicios: trazabilidad de propiedad intelectual, informes de auditoría y cumplimiento normativo, optimización de modelos, inteligencia de negocio relacionada con la IA y una suite de atribución de NIL (nombre, imagen y semejanza). Esta última monitoriza cómo las voces, identidades visuales y estilos interpretativos de los artistas son empleados en el entrenamiento y la generación mediante IA, incluyendo clones de voz, avatares generados artificialmente y replicación de estilos.

El registro de Sureel ya contiene millones de activos musicales y, según WMG, cuenta con la arquitectura necesaria para expandir su sistema de atribución multicapa a los ámbitos del vídeo y la imagen a gran escala. A pesar de la adquisición, Sureel seguirá operando como plataforma independiente al servicio del ecosistema musical y de la IA en su conjunto.

Robert Kyncl, consejero delegado de Warner Music Group, subrayó el valor estratégico de la operación: «La IA representa una gran oportunidad de captación de fans y creación de valor para nuestra industria, al mismo tiempo que hace que la procedencia humana de la música sea más importante que nunca. Incorporar Sureel a WMG refuerza nuestra capacidad de protección, control y monetización, y garantiza que la comunidad creativa mantenga el control de su propiedad intelectual, su nombre, imagen, semejanza y voz.»

El doctor Tamay Aykut, fundador y CEO de Sureel AI —y exprofesor visitante en Stanford—, añadió: «Los titulares de derechos merecen saber cómo la IA interactúa con su trabajo y participar equitativamente en el valor que genera. Sureel fue creado para hacer eso posible, y con el respaldo de WMG podemos cumplir nuestra misión a escala, construyendo un futuro más transparente y justo.»

El historial de Sureel y la estrategia de WMG en IA

La startup no llega a esta adquisición desde la oscuridad. En septiembre de 2025, la sociedad de gestión colectiva sueca STIM designó a Sureel como su «proveedor de atribución preferido» para la que presentó como la primera licencia colectiva de IA para música del mundo. En abril de 2025, Sureel también había sellado un acuerdo con BeatStars para bloquear el acceso de sistemas de IA no autorizados al catálogo de beats y canciones de la plataforma.

La compra de Sureel se enmarca en una estrategia más amplia de Warner Music Group para posicionarse en la intersección entre la industria musical y la inteligencia artificial. En noviembre de 2025, WMG alcanzó un acuerdo de licencia con el generador de música Suno y resolvió el litigio por derechos de autor que mantenía con la empresa. En paralelo, también llegó a un acuerdo con Udio, otro generador de música mediante IA. En abril de 2026, WMG acordó además la compra de Revelator, la plataforma B2B especializada en distribución, gestión de derechos y contabilidad de regalías para sellos independientes.

Con la integración de Sureel, Warner Music Group da un paso más en su esfuerzo por liderar los debates sobre compensación, atribución y control en torno al uso de la música por parte de los sistemas de IA. En un momento en que el sector aún busca marcos regulatorios claros, contar con tecnología propia de rastreo sitúa a WMG en una posición privilegiada para negociar con las grandes plataformas tecnológicas y garantizar que sus artistas reciban una retribución justa cada vez que su obra inspire o alimente a una máquina.

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La novedad llega en un momento en que YouTube refuerza sus herramientas de resolución de conflictos entre creadores y titulares de derechos. Hasta ahora, cuando un vídeo era reclamado por Content ID —la tecnología de reconocimiento de huellas digitales de audio que YouTube utiliza para identificar contenido protegido—, el creador disponía de tres opciones básicas: impugnar la reclamación, silenciar la pista o buscar manualmente en la biblioteca de audio libre de YouTube una alternativa. Ninguna de ellas era especialmente ágil ni eficaz para creadores con poco tiempo o recursos.

Cuatro opciones de música con IA en un solo clic

Con la nueva función, el proceso se simplifica radicalmente. Al acceder a la sección de reclamaciones en YouTube Studio desde el escritorio, el creador selecciona el vídeo afectado, entra en «Reemplazar canción» y pulsa el nuevo botón «Crear». El sistema genera entonces cuatro opciones de música instrumental, adaptadas en duración y estilo al tipo de contenido, que el usuario puede previsualizar antes de aplicar la sustitución. La música generada es completamente libre de derechos y no producirá nuevas reclamaciones.

De momento, la función está disponible únicamente para usuarios en Estados Unidos y en la versión de escritorio de YouTube Studio. La plataforma ha confirmado que su expansión a otros países y dispositivos está prevista para más adelante en 2026.

Content ID y el coste invisible para los creadores

La herramienta llega en respuesta a una problemática que lleva años generando fricciones dentro de la plataforma. Content ID procesa más de 2.000 millones de reclamaciones anuales, según datos de la propia compañía, y la precisión del sistema —diseñado para proteger los derechos de la industria musical— ha generado situaciones paradójicas: vídeos reclamados porque se escucha una canción de fondo durante apenas unos segundos en un restaurante, en un evento público o emitida por el televisor de un salón. Para muchos creadores, la experiencia de recibir una reclamación de Content ID sobre un vídeo que apenas incluye música ha resultado profundamente frustrante.

Cuando se produce una reclamación, el titular de los derechos puede optar por monetizar el vídeo del creador, lo que significa que todos los ingresos publicitarios generados por ese contenido pasan a manos del dueño del copyright, no de quien lo produjo. Esta dinámica ha sido una fuente constante de tensión, especialmente para los canales más pequeños que no disponen de presupuesto para licencias musicales de pago. YouTube, por su parte, ha pagado más de 70.000 millones de dólares a la industria musical desde 2016, lo que la convierte en uno de los mayores canales de ingresos para sellos y distribuidores.

El lanzamiento, sin embargo, no está exento de implicaciones para el ecosistema musical. Empresas especializadas en música de producción libre de derechos orientada a creadores —como Epidemic Sound o Artlist— podrían ver reducida parte de su demanda si YouTube ofrece gratuitamente una alternativa funcional e integrada en el flujo de trabajo del editor. La pregunta que se abre es hasta qué punto una herramienta de este tipo puede competir en calidad y personalización con catálogos curados por humanos.

El debate de fondo sigue siendo el mismo que atraviesa toda la industria: ¿la música generada por IA resuelve un problema real, o simplemente desplaza el valor que antes creaban los músicos? YouTube, que se ha posicionado como plataforma pro-creadores con iniciativas como YouTube Music o su programa de reparto de ingresos, presenta esta herramienta como un avance en conveniencia. La industria musical tendrá que decidir si lo interpreta como una amenaza o como la evolución inevitable de un ecosistema que lleva años transformándose a gran velocidad.

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El informe Global de Música 2026 de la IFPI, publicado esta semana, ha puesto cifras a un problema que la industria musical digital lleva meses intentando atajar. El fraude en el streaming mediante contenido generado por inteligencia artificial se ha convertido en una de las mayores amenazas para los ingresos de artistas y titulares de derechos en todo el mundo, desviando millones de dólares en royalties hacia actores fraudulentos que inundan las plataformas con música producida en masa por algoritmos.

Las cifras del fraude: una avalancha de contenido artificial

Los datos son contundentes. Deezer, la plataforma francesa de streaming, reveló a principios de 2026 que recibe más de 60.000 pistas completamente generadas por IA cada día, lo que equivale aproximadamente al 39% de todo el contenido que se sube diariamente a la plataforma. En total, más de 13,4 millones de pistas generadas por IA fueron detectadas y etiquetadas en la plataforma durante 2025. Lo más alarmante es que hasta el 85% de todas las reproducciones de música generada por IA fueron identificadas como fraudulentas y, en consecuencia, desmonetizadas y eliminadas del pool de royalties.

El mecanismo del fraude es relativamente sencillo pero enormemente dañino: actores malintencionados utilizan herramientas de IA para generar miles de pistas musicales de forma masiva y luego emplean bots y granjas de reproducciones para inflar artificialmente sus cifras de streaming. Cada reproducción fraudulenta que reciben estos contenidos artificiales reduce proporcionalmente el pago que reciben los artistas legítimos, ya que los modelos de reparto de royalties en streaming se basan en la cuota de mercado de reproducciones totales.

Según un estudio realizado por CISAC y PMP Strategy, hasta el 25% de los ingresos de los creadores podrían estar en riesgo para 2028, lo que podría suponer pérdidas de hasta 4.000 millones de euros en ese momento.

Deezer y Qobuz: tolerancia cero contra el contenido artificial

Deezer se ha posicionado como la plataforma más agresiva en la lucha contra el fraude por IA. No solo etiqueta y excluye el contenido generado por inteligencia artificial de sus recomendaciones, sino que ha dado un paso más allá al comercializar su tecnología de detección de IA, ofreciendo al resto de la industria una herramienta para identificar y combatir este tipo de contenido fraudulento. La compañía ha sido pionera en desmonetizar las pistas detectadas como artificiales, eliminándolas directamente del cálculo de royalties para proteger los ingresos de los artistas reales.

Qobuz, el servicio francés de streaming de alta resolución, se ha unido a esta lucha con una política igualmente firme. La plataforma ha comenzado a eliminar las pistas generadas por IA que parecen haber sido subidas de forma fraudulenta, incluyendo aquellas que suplantan la identidad de artistas existentes o manipulan la actividad de streaming. Además, Qobuz ha anunciado que excluirá el «contenido de IA industrial» de sus recomendaciones editoriales para garantizar la visibilidad y una compensación justa para los artistas reales.

Mientras tanto, plataformas como Suno y Udio, especializadas en la generación de música con IA, sostienen que su actividad está amparada por la excepción de «uso justo» del derecho de autor estadounidense, un argumento que enfrenta creciente oposición tanto de la industria como de los legisladores. La regulación de la IA en la creación musical se ha convertido en una prioridad legislativa en múltiples jurisdicciones, y la próxima ola de regulación podría definir de forma determinante el equilibrio entre innovación tecnológica y protección de los derechos de los creadores.

El debate está lejos de resolverse, pero las cifras del informe de la IFPI y las acciones de Deezer y Qobuz envían un mensaje claro: la industria musical no está dispuesta a quedarse de brazos cruzados mientras el fraude por IA erosiona los ingresos de sus artistas.

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La demanda, presentada el 6 de marzo de 2026 ante un tribunal federal, alega que Google copió al menos 44 millones de clips y 280.000 horas de música de su propia plataforma YouTube para alimentar el modelo Lyria 3, lanzado el 18 de febrero como el sistema de generación musical por IA «más avanzado» de la compañía. El modelo opera dentro de la aplicación Gemini de Google y permite a los usuarios crear pistas de 30 segundos a partir de indicaciones de texto o imágenes.

De distribuidor a competidor

El argumento central de los demandantes es particularmente relevante para la industria: Google, que a través de YouTube actúa como una de las mayores plataformas de distribución musical del mundo, habría utilizado su posición privilegiada para «pasar de distribuidor a competidor». Los artistas sostienen que la empresa extrajo elementos de audio de los vídeos de YouTube y los introdujo en el conjunto de datos de entrenamiento de Lyria sin pagar a los creadores ni obtener su consentimiento.

La demanda incluye cargos por infracción de derechos de autor sobre grabaciones sonoras y composiciones musicales, eliminación de información de gestión de derechos de autor, elusión de controles de acceso tecnológicos y publicidad engañosa bajo la Ley Lanham. Además, se invocan varias leyes de privacidad y protección al consumidor del estado de Illinois, incluida la Ley de Privacidad de Información Biométrica (BIPA), por la supuesta extracción y almacenamiento de huellas vocales utilizadas para desarrollar el modelo.

Cuarta demanda contra la IA musical

Este caso convierte a Google en el cuarto objetivo legal importante en el ámbito de la IA musical, sumándose a las acciones legales previas contra otras empresas tecnológicas por el uso no autorizado de música protegida para entrenar modelos de inteligencia artificial. Los demandantes argumentan que Google «tuvo todas las oportunidades de entrenar su IA legalmente, pero eligió hacerlo de la manera más barata».

El caso tiene implicaciones significativas para toda la industria musical, especialmente en un momento en que el fraude por streaming vinculado a la IA está en aumento. Según datos recientes de Deezer, la plataforma recibía más de 60.000 pistas generadas por IA cada día durante enero de 2026, y el 85% de las reproducciones de música generada por IA en 2025 fueron fraudulentas.

Para los mercados hispanohablantes, donde la adopción de plataformas digitales crece a un ritmo acelerado, este caso sienta un precedente importante sobre cómo se regularán las herramientas de IA generativa y cómo se protegerán los derechos de los artistas independientes frente a las grandes tecnológicas. La resolución de esta demanda podría definir las reglas del juego para el futuro de la creación musical en la era de la inteligencia artificial.

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SoundPatrol, que comenzó en la Universidad de Stanford, ha desarrollado un método con patente pendiente que se presenta como un «modelo forense de IA para la toma de huellas dactilares de audio y vídeo». La tecnología se distingue de los métodos de detección existentes, que generalmente buscan coincidencias exactas de fragmentos de música.

La clave de esta innovación son los «embeddings neuronales». Esta técnica convierte elementos musicales – como acordes o melodías – en una representación numérica, facilitando el reconocimiento de similitudes entre ellos. Al analizar la «semántica musical», la tecnología de SoundPatrol puede identificar la influencia de la música original creada por humanos en contenido generado total o parcialmente por IA. Esto significa que el sistema puede detectar versiones (covers), remezclas y derivados creados por IA.

Esta capacidad algorítmica podría ser un gran avance para las demandas que se llevan a cabo contra compañías de IA. Hoy en día, muchas de ellas se basan en comparaciones de partituras o letras. SoundPatrol podría respaldar estas afirmaciones con datos algorítmicos, ayudando a los titulares de derechos a detectar copias creadas por IA donde antes no se habían percibido.

La colaboración busca proteger la integridad creativa de los artistas y garantizar un ecosistema sostenible y equitativo para todos. Michael Ovitz, cofundador de SoundPatrol y cofundador de Creative Artists Agency, calificó la tecnología como una «enorme victoria para todos los artistas en el universo creativo«. Walter De Brouwer, CEO de SoundPatrol, enfatizó la necesidad de «introducir proactivamente deep embeddings de estas firmas neuronales en las infraestructuras de streaming para que los propietarios puedan mantener el control, la autenticidad y la monetización de su propiedad intelectual en la era de la IA generativa«.

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El hito: $41.5 mil millones en 2022

Por primera vez en la historia, el valor global de los derechos de autor musical ha cruzado la marca de los 40 mil millones de dólares, alcanzando la impresionante cifra de 41.5 mil millones en 2022. Esta cifra es considerablemente superior a los 26.2 mil millones informados por el Informe de Música Global de la IFPI para el mismo año, y representa un crecimiento sólido del 14% con respecto a 2021.

Este notable aumento se puede atribuir al aumento sincronizado del streaming y al renacimiento de las licencias públicas para conciertos y la industria de la hospitalidad. Además, las Organizaciones de Gestión Colectiva desempeñaron un papel fundamental, contribuyendo con recaudaciones que totalizaron 11.4 mil millones de dólares, un tercio más que durante el confinamiento en 2020.

¿Un pico o una tendencia?

La pregunta en la mente de todos es si este resurgimiento liderado por las sociedades de gestión es una fluctuación a corto plazo o una tendencia a largo plazo. Varios factores apuntan a lo segundo. En primer lugar, la corrección postpandémica ha estimulado un renovado apetito por la música en vivo, con estadios y festivales a la cabeza.

En segundo lugar, el crecimiento en las cifras de las sociedades tiende a ser formulado, ya que la inflación se incorpora en las licencias generales, lo que sugiere la posibilidad de una recaudación aún mayor en un mundo de alta inflación. En tercer lugar, los avances en la identificación de contenido, mejores prácticas de licencia y tarifas más altas impulsan el crecimiento digital. Sin embargo, las recaudaciones por actuaciones públicas aún no han vuelto a los niveles previos a la COVID-19.

Ingresos digitales e ingresos físicos

Si bien el crecimiento de los ingresos digitales de los sellos discográficos muestra signos de desaceleración, el resurgimiento de los ingresos físicos es notable, con un aumento en las ventas de CD, especialmente en Asia y Europa. Por ejemplo, el lanzamiento de Utopia del rapero Travis Scott en 2023 presenció un aumento en las ventas de discos de vinilo, destacando la duradera popularidad de los formatos físicos.

La Gran Restauración

Las tasas de cambio de divisas han desempeñado un papel significativo en la configuración del panorama financiero de la industria. El informe de este año subraya el impacto de las fluctuaciones en los tipos de cambio, ya que la cifra principal para 2021 se ha ajustado a la baja en 3 mil millones de dólares debido a las tasas de cambio actualizadas. La eliminación de países específicos de las cifras garantiza la coherencia en la presentación de informes.

Distribución justa de los ingresos

La distribución de los ingresos entre artistas, sellos discográficos, compositores, editoriales y sus sociedades de gestión, ha sido objeto de debate durante mucho tiempo. Este año, las editoriales reclamaron una participación del 37% en la industria de 41.5 mil millones de dólares, marcando un cambio a favor de los editores en comparación con años anteriores. El repunte posterior a la pandemia, el «efecto rezagado» en la licencia de nuevas fuentes de ingresos y la mayor participación en los ingresos por streaming para las editoriales contribuyen a este cambio.

El precio no es el correcto

El precio de los servicios de streaming de música ha permanecido relativamente estable en torno a 9.99 dólares al mes durante casi dos décadas. Sin embargo, cuando se ajusta por inflación, el costo real de la música ha disminuido a 6.48 dólares, a pesar del crecimiento exponencial del catálogo musical. Los planes familiares y estudiantiles han reducido aún más el costo por cuenta individual, planteando preguntas sobre la sostenibilidad de este modelo de precios.

¿La música antigua está matando a la música nueva?

A diferencia de las afirmaciones de que la música antigua está frenando la música nueva, un examen más detenido de los datos revela que la música de esta década y la anterior representa el 80% del consumo de música global. Esto desafía la definición de música «antigua» en una era en la que el consumo posterior ha transformado la forma en que vemos el contenido del catálogo.

¿Estamos fallando al medir el mercado?

Las diferencias en los valores de mercado estimados entre las fuentes oficiales y las consultorías independientes como MiDIA resaltan la posibilidad de subestimar el tamaño real de la industria. Si la metodología de MiDIA es correcta, el valor global de los derechos de autor musical podría estar más cerca de los 45 mil millones de dólares, lo que sugiere la posibilidad de una industria de 50 mil millones de dólares más pronto de lo esperado.

El valor de la industria de los derechos de autor musical ha experimentado un crecimiento significativo, batiendo récords y desafiando a los escépticos. A medida que el streaming y las licencias públicas continúan evolucionando, el futuro de los derechos de autor musical sigue siendo prometedor.

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Como parte de esta empresa conjunta, Kobalt asumirá un papel fundamental en la gestión de servicios creativos, sincronización, licencias, administración e inversión de derechos de autor. Laurent Hubert, Director Ejecutivo de Kobalt, expresó su entusiasmo por esta asociación al afirmar: «Kobalt es un pionero en la inversión en música, aumentando el valor de los derechos de autor y creando la música como una clase de activo viable. La confianza de Morgan Stanley Tactical Value en Kobalt es un testimonio de nuestra plataforma y liderazgo en la industria musical. Estamos orgullosos de formar esta asociación única.»

Morgan Stanley Tactical Value, una plataforma de inversión en capital privado y créditos dentro de Morgan Stanley Investment Management, también manifestó su emoción por esta alianza. Cameron Smalls, Director Gerente de Morgan Stanley Tactical Value, destacó el respeto por los compositores y el valor de su arte, subrayando la importancia de asociarse con un líder en la industria como Kobalt.

Este acuerdo marca un regreso significativo para Kobalt a la gestión de inversiones para capital externo. En el pasado, su rama de gestión de inversiones, Kobalt Capital, facilitó la venta de dos fondos de propiedad musical por un total de alrededor de $1.4 mil millones.

El Fondo Uno se vendió a Hipgnosis Songs Fund por $323 millones a finales de 2020, y el Fondo Dos se vendió a KKR/la familia Hendel por $1.1 mil millones en octubre de 2021. Desde esa última venta, Kobalt ha utilizado sus propios recursos financieros para actividades de fusiones y adquisiciones en la industria musical, pero ahora cuenta con el respaldo de Morgan Stanley.

Además, en septiembre pasado, Kobalt confirmó su adquisición en su mayoría por la empresa de capital privado Francisco Partners (FP), lo que otorgó a FP una participación mayoritaria del 90% en Kobalt. Los inversores minoritarios que aún poseen participación en Kobalt incluyen a MUSIC de Matt Pincus, Dundee Partners y el fundador y presidente de Kobalt, Willard Ahdritz.

Kobalt representa actualmente más de 700,000 canciones, entre las que se encuentran compositores de renombre como Roddy Ricch, Max Martin, FINNEAS, Karol G, Andrew Watt, Stevie Nicks, Phoebe Bridgers, The Lumineers, Gunna, Justin Quiles, The Foo Fighters y Paul McCartney. Además, Kobalt gestiona AMRA, su sociedad global de recolección de música digital diseñada para maximizar el valor de los compositores y editores en la era digital actual.

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