Sound Diplomacy, empresa líder en la creación de estrategias de la música y economía nocturna para ciudades y países, así como para empresas privadas, identifica 10 de estas razones:

• Las “Ciudades Musicales” son las ciudades con un crecimiento más rápido. La Ciudad de Melbourne, por ejemplo, es la ciudad del mundo con un mayor número de salas de música por habitante, y es la ciudad australiana con un crecimiento más acentuado.

• Como se ha demostrado mediante estudios en ciudades musicales como Adelaida, el sector de la música es un motor de creación de empleo, en especial de empleo juvenil, y un mecanismo inmejorable para la atracción y retención de talento. Ciudades como Austin y Adelaida son pioneras en este sentido. Por ejemplo, a raíz del estudio realizado por Martin Elbourne, con la colaboración de Sound Diplomacy, para la ciudad de Adelaida, se creó un “Music Hub” en la antigua iglesia de St Paul’s para apoyar la creación de empresas jóvenes del sector de la música.

• Un sector de la música activo y vibrante atrae inversiones y genera nueva riqueza en las ciudades con una buena planificación estratégica y de inversión, aumentando a su vez los ingresos de las arcas locales sin necesidad de incrementar los impuestos. La ciudad de Austin, por ejemplo, ha cuantificado un retorno de 7 millones de dólares por cada millón invertido en la industria musical. No sorprende que se haya autoproclamado como Capital Mundial de la Música en Vivo y se describa como tal en todas las comunicaciones y campañas de promoción de la ciudad.

• Los eventos musicales pueden ser una poderosa herramienta de promoción y racionalización del transporte público, tal y como expuso el subsecretario de transportes de la Casa Blanca, Peter Rogoff, en la última edición de Music Cities Convention.

• Ciudades como Liverpool son un buen ejemplo del impacto que el sector de la música puede tener en la industria del turismo urbano, tal y como demostró su estudio “Imagine. The Value of Music Heritage Toursim” sobre el impacto del turismo musical en la economía local, centrado principalmente alrededor de la figura de The Beatles. Dicho impacto se valora en 70 millones anuales sólo en lo relacionado con “The Fab Four”.

• Barrios como Shoreditch o Dalston (Londres) son ejemplos del valor de la música como agente de cambio y mejora de la calidad de vida de los ciudadanos de barrios deprimidos. Salas de música como The Vortex o colectivos como la organización artística Jaguar Shoes han contribuido a potenciar el perfil creativo de estos barrios, a generar nuevos recursos y a atraer comunidades de artistas.

• Berlín es una ciudad referente en materia de la integración social y el uso y racionalización de las infraestructuras urbanas mediante la música y el arte. Un buen ejemplo es la Urban Spree Galerie, un centro de arte y música contemporànea de 1700m2 en una zona post-industrial del centro de la ciudad.

• La gestión de la música es uno de los ejes principales que vertebran la llamada economía nocturna, que ha sido identificada en ciudades como Amsterdam como una de las fuentes generadoras de ingresos y beneficios para la ciudad y sus habitantes. Esto ha llevado a Amsterdam, Cali y otras ciudades a enfocar la planificación de la promoción económica “24/7” en la ciudad, creando la figura del “Night Mayor” (“Alcalde de la Noche”).

• La industria musical es una pieza clave en la construcción de una ciudad creativa. Un estudio realizado por la ciudad de Hong Kong identifica la música como uno de los aspectos más relevantes que han llevado a la ciudad a situarse al nivel creativo de ciudades como San Francisco, Austin o Bangalore. La creatividad es uno de los aspectos fundamentales para impulsar el desarrollo sostenible de las ciudades.

• Finalmente, la música es una poderosa herramienta para la concienciación social sobre problemas y retos comunes, así como para su solución. Un buen ejemplo es el proyecto Africa Stop Ebola en Guinea, que ha contribuido a difundir un mensaje de apoyo a los supervivientes y familiares y a reforzar la prevención de esta enfermedad.

Sound Diplomacy es co-fundadora, junto con Martin Elbourne, de Music Cities Convention, el primer evento global que estudia la relación entre música y ciudad. Este evento se ha consolidado como el principal punto de encuentro internacional para analizar el papel de la industria musical como herramienta para conseguir objetivos urbanos a nivel socio-económico: creación de empleo, aumento de ingresos sin incrementar los impuestos, gestión del turismo, regeneración urbanística, retención y atracción de talento, integración social, transporte, infraestructuras, etc.

La tercera edición de Music Cities Convention tendrá lugar el próximo 18 de Mayo en la ciudad de Brighton.

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Generación de empleo juvenil, retención de talento, regeneración urbanística, racionalización y promoción del transporte público o aumento de la recaudación sin incrementar los impuestos son sólo algunos de los campos de desarrollo urbano en los que la música y su industria pueden incidir de una manera clara. Así lo han entendido los gobiernos municipales de ciudades como Austin (USA) o Adelaida (Australia).

Dichas ciudades se han autoproclamado “Ciudades Musicales” para presentarse tanto a sus ciudadanos como al resto del mundo, encumbrando los valores que la música aporta a sus comunidades a lo más alto de las prioridades de la ciudad. Han integrado al sector de la música en los órganos de gobierno local, creando “comisiones de música” compuesto por representantes de todos los organismos dedicados al desarrollo social y económico de la ciudad (educación, turismo, desarrollo económico y captación de inversiones) para asegurar el pleno aprovechamiento de las herramientas que el sector de la música puede ofrecer a cada uno de estos campos.

Para que la música despliegue todo su potencial en el contexto urbano, se requieren estrategias musicales integrales que coordinen todos estos aspectos y aseguren que la ciudad ofrece todas las facilidades necesarias. Ciudades como Adelaida han realizado estudios pioneros sobre la situación del sector de la música en su localidad y en consecuencia han elaborado una planificación integral del sector. Como resultado de este estudio, por ejemplo, se desprendieron 46 líneas de trabajo – que abordan aspectos legislativos, urbanísticos, de desarrollo económico y de apoyo al tejido musical local – de las cuales ya se han implementado más de la mitad con éxito.

Pero casos como el de Adelaida son solo la punta del iceberg. Existe una tendencia clara en el incremento de ciudades que se interesan por una gestión integral de la música y que optan por optimizar su impacto socioeconómico positivo. Desde Sound Diplomacy hemos podido apreciar claramente esta tendencia como organizadores de la Music Cities Convention y como consultores para ciudades como Londres, Berlín u Oslo, entre otras. Ha sido especialmente interesante la colaboración reciente con la GLA (Greater London Authority) y el Music Venue Trust, bajo la dirección de Mark Davyd, en el campo de la protección de salas de conciertos como patrimonio y activo de la ciudad, formando parte del comité ‘Mayor of London Music Venues Task Force‘. Este organismo, creado y apoyado por la alcaldía de la ciudad de Londres, analiza el papel de las pequeñas salas de música en el ecosistema socioeconómico de la ciudad, más allá de su modelo de negocio individual. Esta visión más integral permite entender una sala no meramente como una pequeña o mediana empresa, si no también como una incubadora que acoge cientos de proyectos empresariales al año.

Salas, festivales, centros de creación, centros de negocio y su relación con áreas como educación, transporte, turismo y desarrollo económico merecen un análisis y una estrategia de acción global para su racionalización y optimización. Y las ciudades que así lo han desarrollado recogen sus frutos, como refleja un estudio comparativo de la situación del sector de la música en Toronto y Austin. Este estudio valora en 70$ millones el retorno generado para la ciudad de Austin por cada millón de dólares invertido, lo que ha hecho que la ciudad haya incrementado en diez años su inversión en el desarrollo del sector de la música de 14 a 25 dólares por habitante. 

En mayo del 2016 Music Cities Convention vuelve a Brighton para su edición anual en esa ciudad. Será una nueva oportunidad para que los representantes de ciudades y profesionales del sector de la música vuelvan a encontrarse para reflexionar sobre las sinergias que la realización de estrategias holísticas de planificación de música y ciudad pueden generar para ambos.

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Sin embargo, para lanzar un nuevo talento no solo hace falta inversión en descubrimiento de talentos, las discográficas deben acompañar la inversión en todo el proceso, desde los adelantos, la grabación del material, de los vídeos, el marketing y el apoyo en la gira. Veámos cada uno de ellos

Producción de Video:  Como bien sabemos la producción de material audiovisual es cada vez más importante, en una era en la que YouTube es uno de los principales canales de descubrimiento de nueva música. En promedio se realizan entre dos o tres vídeos por álbum y aunque los presupuesto pueden variar entre los $500.000 para las grandes estrellas y $10.000 en proyectos de bajo presupuesto, todo dependiendo de las necesidades y las circunstancias de cada artistas.

Costos de Grabación: Los costos de grabación pueden variar mucho entre proyectos, dependiendo si el material incluye diferentes productores súper estrellas o compositores de hits, así como músicos de sesión, pero los costos pueden ir desde los $150.000 a los $500.000.

Marketing y Promoción: Esta es la partida de presupuesto más grande en el lanzamiento de nuevas estrellas, y cada vez se enfoca más en los departamentos digitales que les permiten controlar mejor los costos. Aunque los costos digitales también están en aumento. De igual forma, no se pueden olvidar los medios tradicionales, así como las investigaciones de mercado y los datos que ya algunos sellos están trabajando.  Además no se trata de un sólo mercado sino, de alcance global.

Adelantos: Normalmente las discográficas pagan adelantos para que los artistas se puedan concentrar en el desarrollo y la composición. Este dinero es recuperable en base al royalty de cada artista, aunque no siempre se logran recuperar. En la época de mayores ventas de disco se estimaban unos 18 meses para el retorno de la inversión, bajo el nuevo modelo de streaming, los adelantos tardan más en ser recuperados. También existen acuerdos con pequeños adelantos o sin adelantos, pero con mayores porcentajes de ingresos en base a royalty.

Apoyo de Gira: Aunque en muchos casos se ha visto reducido, debido a la posición de muchas discográficas la cuales antes invertían en giras y capitalizaban en ventas de álbums. Aún así siguen existiendo y para llevar a sus artistas a nuevos mercados, los sellos invierten en apoyo de gira para el apoyo internacional.

Los cambios en la industria han generado que las discográficas diversifiquen sus modelos de negocio e ingresos con acuerdos de derechos más amplio o los llamados acuerdos 360º que les permiten explotar otras áreas del negocio más allá de la sola venta de material discográfico. Las figuras de las marcas es cada vez más importante sobre todo en territorios donde no se producen ventas como es el caso de Latinoamérica o incluso en España.

De esta forma, entorno a datos provenientes de miembros de IFPI lanzar un nuevo artista a nivel internacional conlleva una inversión entre los $500.000 y los $2.000.000 de dólares entre las diferentes partidas claves antes explicadas como podemos ver en la gráfica.

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Hubo un tiempo en el que las discográficas, al firmar a un artista, se tomaban un tiempo (a veces incluso años) en hacer lo que se conoce como artist development o desarrollo del artista, dedicando un departamento específico dentro de las mismas para este cometido.

Hasta principios del milenio, cuando la industria discográfica empezó a ver una decaída en las ventas y, como consecuencia disponía de un menor presupuesto para este artist development, el trabajo de este departamento era asegurarse de que todas las facetas del artista estuvieran desarrolladas al 100% para el momento de su lanzamiento. Esto significaba que los empleados enseñaban al artista a perfeccionarse en los diferentes campos que creyeran importantes:

– Canto/Vocal coaching: La discográfica disponía de coaches que ayudaban a los artistas a mejorar vocalmente, en el caso de los grupos musicales les ayudaban a armonizar entre ellos, etc.

– Composición: Los artistas, en el caso de ser compositores también, estaban rodeados de productores, músicos, etc. con los que desarrollaban sus aptitudes musicales.

– Baile: Para artistas con grandes dotes de baile, los coreógrafos creaban y les enseñaban los pasos de su próximo video, actuación, etc.

– Modales/Entrevistas: Los nuevos talentos iban acompañados en todo momento de una persona que dirigía las contestaciones que debían dar en entrevistas, les enseñaba modales, etc.

– Dieta/Nutrición/Ejercicio: Entrenamientos personalizados, así como dietas, nutricionistas e incluso cocineros que les cocinaban lo mejor para su salud.

Quizás muchos recordéis el afamado programa Operación Triunfo, que irrumpió en la escena española en el 2001 y que rompió récords de audiencia mostrándonos los pasos que talentos encontrados en las diferentes comarcas españolas tomaban para convertirse en estrellas, desde las clases de canto hasta las coreografías, dietas y comportamiento en la mesa, trabajo en estudio y en directo. Operación Triunfo no era más que eso, artist development convertido en reality show.

Pero, como OT el artist development ha ido perdiendo importancia para las discográficas, cerrando progresivamente dichos departamentos, además de centrar esfuerzos y recursos en firmar sobretodo artistas desarrollados y preparados para el estrellato o muy cerca de estarlo. De este modo el tiempo y dinero que invierten en sus nuevos artistas es infinitamente menor al que invertían en las últimas décadas del sigo pasado.

¿Qué significa esto para tí, artista independiente?

Significa que tienes el poder, es decir, tú eres el creador de tu propio desarrollo, sea para acabar firmado por una discográfica o simplemente para perfeccionarte como artista y crear tu propio futuro musical. Existen numerosas webs (como esta) que pueden ayudarte a desarrollar tu potencial en las diferentes áreas de la industria musical, así como numerosos profesionales que puedes incorporar a tu equipo para que te ayuden en los diferentes ámbitos que un artista necesita dominar. La mayoría de estas compañías comenzaron con gente que realmente ama la música y no tanto como vendedores de productos, por lo cual el desarrollo estará centrado en tu música de forma genuina y sincera.

No te asustes, a pesar de que es mucho el trabajo nunca es tarde para empezar tu propio artist development, ¡adelante!

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