El Future Music Forum celebra su 10º Aniversario con invitados de lujo dentro de la industria asistiendo a la cita que como cada año se celebra en Barcelona.

Invitados de la talla de Matthew Herbert, Roger Sanchez, Burt Blackarach, el productor TommyD, entre otros, estarán formado parte de paneles, keynotes y workshops con representantes de las compañías a la vanguardia de temas como analíticas, gestión de derechos, creación de contenido y fan engagement.

La 10º Edición del FMF llega después de nueve años de éxitos que han visto un amplio rango de compañías de tecnología, emprendimientos, músicos y ejecutivos de la industria reunirse en Barcelona durante 3 días de animadas discusiones sobre el destino de la industria musical global. Entre las compañías representadas han estado Spotify, SoundCloud, Shazam, Beggars Group, 8 Tracks, Sony, Warner Music y muchas más.

Este es el primer año en que el FMF dedicará una corriente temática exclusivamente a la industria musical de Latinoamérica, y también es la primera vez en que se tocará la temática de Música y Filantropía, con sesiones sobre Música y Salud Mental liderizadas por los fundadores de la campaña #IAMWHOLE.

El día Viernes 13 de Septiembre estará dedicado en exclusiva al desarrollo de artistas, con un día completo de talleres impartidos por instituciones locales como Microfusa, EUMES, sesiones en laboratorio para compositores de la mano de ThirtyTwo Music y un taller de samplers con algunos de los mejores artistas de hip hop canadieneses.

La jornada estará complementada cada noche con showcases y fiestas que incluirán artistas como D.O. Gibson, Mike Casey, el Dj Burt Blackarach, Dj Virgine, entre otros.

Las entradas para el Future Music Forum están disponibles en su web

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La semana pasada se llevó a cabo en Barcelona la 7º Edición del Future Music Forum la conferencia anual internacional que reúne a líderes de la industria para intercambiar perspectivas acerca de cómo se comparte la música en la era digital y conversar sobre los nuevos desarrollos en tecnología musical.

Por segundo año consecutivo se realizó en paralelo al FMF la Sync Summit, durante la cual se dieron cita importantes figuras relacionadas con el sector de las sincronizaciones para compartir ideas y casos de estudio acerca de este cada vez más importante mercado para la industria de la música.

Como cada año, el analista fundador de Midia Research Mark Mulligan fue el encargado de la keynote de apertura, durante la cual se dió a la tarea de comunicar cómo las audiencias, el talento y el contenido están cambiando a una velocidad sin precedente. Mulligan habló también acerca de la creciente estrategia de los conglomerados de convertirse en compañías full stack, adquiriendo pequeñas empresas que ofrecen distintos servicios a la industria de la música para así controlar cada vez más las fuentes de ingresos, puesto que la realidad es que el negocio de la música grabada a nivel global sigue estancado.

En cuanto al futuro de los sellos discográficos, Mulligan expresó que las distinciones entre sello, editorial, distribuidor, agencia de talentos, agencia de marketing, se tornarán irrelevantes, y las relaciones entre artistas/compositores y los sellos pasará de ser “mano de obra contratada” a una relación de agencia/cliente.

Entre sus conclusiones más importantes estuvieron que la innovación en la industria debe acelerarse, tecnologías como el vídeo 360,  las apps y sobre todo la VR están ganando enorme relevancia al mismo tiempo que las habilidades digitales del consumidor se perfeccionan.

“Gratis” es el lenguaje de la web, sin embargo la gente pagará si se le ofrece verdadero valor, se le ofrecen las opciones adecuadas y el precio adecuado. Finalmente, aún cuando es necesario innovar, hay que enfocarse en lo que la gente quiere y no enfocarse demasiado en cuál es la última tecnología.

Social Talent

Otra de las ponencias más interesantes fue la presentada por Cliff Fluet sobre el auge de los influencers, youtubers e instagrammers, y cómo podrían aplicarse estrategias similares al mundo de la música. Según Fluet, la velocidad de los cambios actuales y su impacto sobre la música acelera cada día, y que la esfera de lo social podría ser el futuro del A&R (¿YouTubers que son músicos y/o viceversa?) y de la promoción. “Es necesario encontrar un futuro social para la industria de la música, no uno basado en el control”

Para Fluet la fórmula secreta para lograr un engagement con la audiencia es una mezcla de contenido on demand + audiovisual + comunidad + móvil + datos y autenticidad. Es momento de dejar de pensar que un YouTuber es solo famoso en YouTube y no en la vida real, pues para las audiencias de la generación actual, esta es la vida real.

Blockchain

Dos ponencias seguidas se concentraron en la tecnología blockchain y su potencial disruptivo dentro de la industria. La primera estuvo a cargo de Eitan Jankelewitz quien ofreció una explicación de los orígenes de esta tecnología desde el primer whitepater sobre bitcoin hasta el actual interés y empuje que están dando a este formato algunos creadores como la artista Imogen Heap y Zoe Keating, para proteger sus derechos.

En segundo lugar, Cedric Cobban, presidente de Peertracks, una plataforma de streaming, descargas, descubrimiento y conexión con el fan, que funciona con tecnología P2P para que tanto creadores como consumidores puedan hacer dinero utilizándola. El funcionamiento de la plataforma se basa en la tecnología blockchain para lograr que cada artista involucrado en la creación de una obra pueda recibir automáticamente la porción de royalties que le corresponde cada vez que una canción es reproducida o descargada.

Descubriendo artistas en la en la era digital

Un refrescante panel compuesto enteramente por mujeres cuyo tema de conversación no era precisamente la disparidad de géneros dentro de la industria, conversaron sobre  cómo los mismos artistas pueden hacer uso de las plataformas digitales para conectarse con los fans, así como acerca de ejemplos de todo lo contrario, artistas que no tienen presencia alguna en redes sociales como parte de su estrategia de promoción.

El Future Music Forum concluyó con sesiones de networking y showcases musicales que permitieron un acercamiento entre todos los asistentes para iniciar y reforzar relaciones comerciales entre artistas y sellos, managers y expertos en sincronizaciones, desarrolladores de tecnología y artistas independientes, lo cual consolida cada vez más a este evento dentro de la industria como una cita obligada cada septiembre.

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Obviamente, el streaming fue en todo momento el objeto de análisis, haciendo una breve introducción de la evolución del streaming en los últimos 5 años para dar paso a análisis de la situación actual (incluyendo problemáticas actuales y posibles soluciones al respecto) y finalizando con su visión de hacia dónde tiene que caminar los modelos actuales de streaming.

De todo lo comentado por Mark lo más importante que planteó es que si bien es cierto, y es innegable, el impulso que está dando el streaming como modelo de negocio y de consumo en la industria discográfica, si sigue habiendo un único modelo 9,99€ con todas las canciones del mundo, el streaming encontrará rápidamente un techo de suscriptores, pues no todos quieren 30 millones de canciones. Mark considera que el próximo paso de estos servicios debe ser el que ya aplican las plataformas de vídeo bajo demanda, diversas tarifas en función del catálogo que uno quiere. Un ejemplo sería que en vez de pagar 9,99€ por 30 millones de canciones, un usuarios pague 3,99$ sólo por escuchar el catálogo de Metal.

Siguiendo con el streaming, Mark afirmó que la industria discográfica, volverá a obtener una facturación similar a 1999, y muy probablemente sea superada siempre y cuando puede ofrecer a los fans de la música ofertas de valor en base a las necesidades de cada tipo de fan.

De Mark Mulligan, pasamos sin pausa a la siguiente ponencia que fue dada por Jeff Price, Fundador de Tunecore (recién adquirida pro Believe Digital) y actualmente fundador y CEO de Audiam.

Jeff despertó a toda la audiencia con un discurso intenso, con su ponencia quiso poner de manifiesto la problemática actual respecto el pago de los derechos mecánicos en los servicios de streaming en los Estados Unidos. Jeff no se quedó corto y acusó directamente a los servicios de streaming de no poner todos los esfuerzos necesarios en hacer una identificación correcta (y posterior distribución) de los derechos editoriales.

En ese momento, lo que estaba siendo un ponencia unidireccional, pasó a convertirse en un acalorado debate tras ser replicado por parte de la audiencia en el que señalaron que el complejo sistema de “publishing” norteamericano dificulta la propia repartición de dichos derechos.

Jeff no se arrugó y siguió defendiendo su postura hasta que sin tapujo alguno decidió compartir con la audiencia, y para sorpresa de todos, datos de Spotify USA (como vemos en las 2 fotografías siguientes)

Los datos, aun siendo de principios de 2014, son significativos dada la confidencialidad de estos. Destaca la facturación mensual de Spotify USA con 24$ millones, la media de suscriptores que gira entorno los 2,5 millones así como el número de play mensuales que oscila en los 2.000 millones. Como último dato importante, es muy significativo el dato de «Dinero no pagado o pagado equívocamente» en la que podemos ver una cifra de 212.000 dólares mensuales y que crece en los siguientes meses.

La ponencia de Jeff finalizó dando paso a un break en el que toda la audiencia siguió hablando sobre la problemática de los derechos mecánicos y el streaming.

¿Puede aprender algo la industria de la música acerca la industria de los videojuegos móvil? Interesante panel en el que estaban Leo Nascimento, director de Deezer España, y Jan Wedekind, Senior Business Performance Director de King (empresa creadora de Candy Crush) y en el que se puso sobre la mesa los diferentes modelos de negocio exitosos dentro de la industria de los mobile games, y ver como éstos podían ser, o no, aplicados a la industria de la música digital.

En conclusión y en palabras de Leo Nascimento: «Lo más atractivo es que los ingresos en los videojuegos móvil no tienen techo, un jugador puede ir comprando y comprando dentro del mismo juego. En cambio en la industria de la música tenemos una tarifa 9,99$ y ese es el techo de gasto de nuestro consumidor en streaming» y añade «Bien es cierto, que hay que tener en cuenta que la industria de la música trabaja con licencias, y eso dificulta mucho el poder implementar modelos de negocio similares a los de los videojuegos móvil.»

El streaming volvió a ser el centro de atención con la mesa redonda moderada por David Loscos, y en la que fueron participes Olly Barnes, de Rdio y Maarten Van Wijck, de Musicxip/La Cupula Music. La intención del panel era poner de manifiesto los servicios freemium vs premium, que están aportando como modelo de consumo y negocio, y hacia donde evoluciona.

La realidad es que tenemos una industria divida, ‘big players’ como Apple o Universal con un firme convencimiento de que hay que liquidar los servicios freemium y ‘big players’ como Youtube o Spotify firmes defensores de tener una capa freemium en los modelos de música en streaming. Entre las posibles soluciones se abordó lo que propone Mark Mulligan y que comentábamos al principio, está que las plataformas de música de streaming segmenten mejor las audiencias y puedan ofrecer un acceso limitado a contenidos mucho más relevantes a un precio significativamente menor.

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Miércoles: Sync Summit

El pasado miércoles se dio cita un importante grupo de music supervisors en las instalaciones la Antigua Fábrica Damm para asistir al Sync Summit, la jornada dedicada a las sincronizaciones que dio al Future Music Forum. Aunque son muchos los profesionales los que nos leen, quiero solo recordar que las sincronizaciones son la combinación de audio y vídeo para crear una nueva pieza (cine, publicidad, documentales etc).

Actualmente las sincronizaciones representan el 2% del negocio y con la caída de las ventas físicas y las descargas, representan una importante fuente de ingresos para los artistas y compositores que logran entrar en ese mundo.  

La jornada dio apertura con una charla, muy bien moderada por Mark Frieser, entre dos veteranos de la talla de Jonathan McHugh CEO de Song Stew Entertainment y Jonathan Platt Managing Partner J2 Media/Music Without Prejudice que compartieron consejos de cómo abordar a los music supervisor y cómo funciona el negocio. En líneas generales los music supervisor no son figuras muy públicas y es posible que dichas empresas no nos suenen, pero han estado encargadas de musicalizar decenas de proyectos como Austin Power, la franquicia de las películas Saw, Rush Hour entre otras.

Entre las claves compartidas señalaron que lo importante no es de dónde es la banda o el artista, sino su sonido, “no se trata de dónde eres, sino de dónde suenas, aunque el lenguaje si es importante” comentó uno de ellos. Por su parte Platt aseguró que el streaming es una importante fuente de descubrimiento y no solo ello, recalcó la importancia de crear una historia alrededor de la música y tener muy bien cuidados sus canales en las redes sociales.

Una ayuda importante para los music supervisors es el utilizar el “Sound Like” o suena como, así lo comentó McHugh, ya que a veces se necesita por ejemplo una canción de Kings of Leon la cual es muy costosa o no se logran los derecho y se necesitan alternativas.

Los covers son una gran forma de ser descubiertos, un buen cover en el momento preciso puede cambiar la historia de un proyecto musical. En la misma línea de grandes oportunidades, así describieron a las sincronizaciones, pues aunque en algunos casos no son grandes cifras de dinero, la exposición que ofrecen a cambio lo puede compensar, esto fue algo en que ambos coincidieron.

En cuanto a la función de descubrir nuevo talentos, ambos volvieron a coincidir que es algo que les gusta hacer y que es parte del negocio. Sin embargo, por mucho que eso les guste, reconocieron el impacto de las redes sociales tiene mucho peso hoy en día “los artistas reciben grandes cheques y queremos ver o nos piden, cómo los artistas impulsarán la película con sus fans” dijo así McHough

Hoy en día los editores no pueden ser solo editores, deben saber mover a sus compositores y autores en el mundo digital. Así como los músicos no deben destinar toda su inversión en hacer música, deben dejar también presupuesto para el marketing, estas son algunas de las aportaciones hechas por los “Jons”.

En un segundo panel enfocado en el papel y el trabajo de los music supervisor se recalcó la importancia de hacer el trabajo de investigación sobre los derechos de las canciones a licenciar. Allí Platt recalcó que la figura del music supervisor no puede confiar en que un artista le diga que no hay samples, se debe investigar, conocer el negocio y tener buen oído, porque de lo contrario pueden haber grandes demandas. A esto se sumó Nuno Saraiva de Portugal Music Consulting, “Hay que ser transparentes y decir si hay samples, preferimos trabajar sin samples y todo ese material se descarta”.

Compartiendo algunas facetas del oficio Platt añadió que a veces es mejor cerrar el acuerdo con la canción más costosa primero, ya que eso le pone los pies en la tierra al resto y les marca una guía. Y no dejó de lado la importancia de tener contactos e ir a comer con gente, mantener relaciones públicas y demás, ya que en parte es una de las razones por las que se contrata a un music supervisor, su importante agenda de contactos.

Didier Lord jefe global de música para Ubisoft expuso en una sesión a modo individual la importante relación entre música y videojuegos. Ubisoft es una empresa líder en el sector y desarrolla juegos en los que la música juega un papel fundamental como es el caso de Just Dance, de tal manera que invierten dinero para licenciar grandes hits.

Abordando la temática presupuestaria, Lord comentó que dependerá del juego, y la importancia que tenga la música en el proyecto. En el caso de Just Dance es máxima, pero en otros no tanto y en función de ello se destina el presupuesto. Aunque comentó que la música siempre cuenta con un presupuesto pequeño del marketing global de las campañas, afirmó que las empresas de videojuego como Ubisoft cuentan con presupuesto de desarrollo muy similar a los de las bandas sonoras de Hollywood, que superan fácilmente los $100k.

Al preguntarle sobre su proyección de inversión o asignación de presupuesto para música, Lord señaló que ello dependerá del número de videojuegos, “pero sí, definitivamente veo que nuestros presupuesto o inversión en música crecerá en el futuro, en los próximos cinco años” dijo así el Jefe de Música en Ubisoft.

En el ámbito latino, la jornada contó con la presencia de Daniel Salcedo fundador Muuseme Music Integration para valorar la unión entre marcas y música. Para Salcedo quien trabaja desde hace cinco en campañas con los Latin Grammys presentando a nuevo talentos de la mano de McDonalds, las marcas juegan un papel importante. Aunque junto a Saraiva y el resto de panelistas coincidieron en la importancia de tener claro los valores de los artistas y las marcas antes de afrontar una relación.

Salcedo destacó en sus inicios la necesidades de tener artistas alternativos e independientes latinos para ofrecer a proyectos, ya que anteriormente al buscar lincencias siempre se le ofrecian a las marcas los mismos talentos mainstream, Shakira, Ricky Martin, por ellodesarrollo su propio catálogo.

Entrando más en materia hispana en los Estados Unidos Salcedo destacó que el mercado que más crece ahora mismo es la segunda generación de latinos en los Estados Unidos y si se desean lanzar campañas en Miami, Texas, Los Ángeles deben tener por obligación un elemento latino. En todas las esferas la cultura latina está influenciando la tradición americana e incluso ahora hay comerciales directamente en español. Resaltó la universalidad de la música latina y destacó la campaña a nivel nacional en los Estados Unidos entre la  banda chilena Astro y Bloomingdale.

Women in Music: 

El primer panel estuvo compuesto en su mayoría por profesionales de la industria representando el lado corporativo y tecnológico más que el artístico o de producción. Un tema de base que fue discutido fue el hecho de que la diversidad en el área tecnológica es clave para poder ver una representación femenina más amplia, y esto es algo que simplemente al momento no sucede debido a que no se estimula en la mujeres jóvenes el interés por estudiar programación.

Otro de los temas importantes que se tocó fue la necesidad de incluir este tipo de discusiones de género dentro del programa central del evento y no como una sesión aparte, y que para poder lograr un cambio de percepción del rol de la mujer dentro de cualquier corporación o industria, es necesario trabajar de la mano con los hombres quienes son los que toman las decisiones y hacerles partícipes dentro de la conversación.

En el segundo panel, se discutió un poco más sobre el lado artístico, y se habló de iniciativas que se están llevando a cabo en ciudades como Berlín, en donde se está realizando un estudio para conocer cuántas mujeres trabajan actualmente en la industria y en qué roles exactamente.

Uno de los temas importantes fue el de la representación femenina en los carteles de festivales, y se discutió la idea de que aquellos cabezas de cartel que deseen hacer un cambio en este sentido podrían dejar de lado un pequeño porcentaje de su caché para que los programadores pudiesen incluir artistas y bandas con más representación femenina dentro de los festivales importantes. Esto sería un paso adelante para resolver el problema de que no existen suficientes «ejemplos a seguir» femeninos en la industria, salvo en contadas excepciones, lo cual tendría un impacto en la audiencia, en la prensa y en la industria en general.

Reseña de Woman in Music por Julia Hernández 

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Aunque puede parecer que el streaming, por su crecimiento en el Top 20 de países de IFPI, todavía tiene se encuentra en

Además este año el FMF incorpora dos nuevos formatos. Por un lado el SyncSummit reunirá a algunos de los ponentes más prominentes del mundo de la sincronización incluyendo music supervisors, responsables de la música en los medios de comunicación (TV, Cine, Video Juegos, Publicidad, Internet y móvil), directores de sellos y editoriales, bibliotecas de música, compositores, artistas, tecnólogos, gerentes de marca y proveedores de servicios.

Por otro lado, estará el Women in Music, en el que reunirá algunas de las mujeres ejecutivas que lideran la industria de la música para hablar de el rol de la mujer en el mundo de la música y la poca presencia de ellas en la industria. Entre las invitadas estará Virginie Berger, con la que pudimos conversar precisamente de este tema en la edición pasada del FMF, puedes leer la entrevista aquí.

Entre los ponentes internacionales encontramos este año encontramos a Mark Mulligan de Midia Research, Jeff Price fundador de Audiam, Benji Rogers fundador de Pledge Music, Alex White fundador de Next Big Sound – empresa recién comprada por Pandora – o Scott Cohen fundador de The Orchard, entre muchos otros. Mención especial a la presencia de Brian HardGroove, bajista de Public Enemy.

A nivel nacional estarán Leo Nascimento director de Deezer España, Alex Loscos fundador de BMAT, David Loscos director Postgrado en Gestión del Negocio Global de la Música en la UPF de Barcelona o Maarten Van Wijck CEO Musicxip y La Cupula Music.

El Future Music Forum se postula un año más como un evento internacional, en España, con los mayores líderes y analistas del negocio de la música debatiendo sobre el futuro de esta industria.

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En el mundo del streaming hay una gran disparidad y un 30% de fans olvidados

El analista Mark Mulligan fue el encargado de abrir la jornada con una mirada a la disparidad existente entre las audiencias y los ingresos reportados por los distintos servicios y plataformas de streaming y radio online. El impacto del streaming sobre el consumidor no se discute, pero su aporte al crecimiento económico global aún queda por verse. Una parte que se debe solventar es la disparidad entre el tipo de servicios y el tipo de consumidores, según Mulligan hay un 30% de fans olvidados que son personas que consumen pasivamente, pero presentan cierta disposición a pagar por una experiencia premium. También hay un 47% de mayoría pasiva la cual aún no ha sido correctamente abordada y aún no repercute todo su potencial

Entre los aspectos resaltados una vez más por Mulligan figura el problema que supone YouTube para el desarrollo de modelos más rentables para la industria, en base a sus estudios, un 34% de los consumidores asegura no tener que pagar, puesto que tiene música gratis en YouTube. Otro hecho a resaltar fue como a través de gráficas comparativas de crecimiento entre Pandora y Spotify, se aprecia cómo el crecimiento de usuarios va sujeto al modelo gratuito. Aunque sí debemos resaltar que la conversión de Pandora está muy lejos del modelo de Spotify el cual convierte en un 25%.

Frente a todos los cambios que ha sufrido la industria, se debe entender a la música a la música y sus componentes como productos y el mejor producto del siglo 21 no es otro que la experiencia. La experiencia es el producto.  Para Mulligan Spotify y YouTube no son plataformas de streaming, sino plataformas para conectar con los fans y poder contar así historias a los fans que los unan al artista.  El futuro está en las agencias, los sellos tradicionales ya no existen, el dinero allí se ha ido. Para Mulligan los sellos que triunfarán son aquellos que adopten el modelo y el rol de agencia y traten a sus artistas como clientes.

Guía de para statups en la industria de la música

La supervivencia, creación e inversión relativa a las startups y nuevas compañías  fue otro de los temas abordados efectivamente durante una serie de paneles  entre los que Sam Tarantino CEO de Grooveshark presentó una guía de supervivencia para startups. De igual forma, en un panel conformado en  su mayoría por fundadores de compañías con Scott Cohen (The Orchard),  Benji Rogers (Pledge Music), , Matt Parsons (Ditto Music), Sam Tarantino (Grooveshark) y Alex Vlassopulos (Omnifone) se expusieron las grandes  dificultades de emprender en la industria de la música, donde lo más importante  para ser tener mucha pasión, nunca rendirse y poner en acción los proyecto.  Muchos de ellos pasaron años muy difíciles para llegar hasta allí, algunos  tuvieron que elegir entre pagar la luz o comer, optando por la primera y otros tuvieron que mudarse a sus oficinas para poder seguir trabajando. Un gran consejo compartido por Benji Rogers, fue el de no hacer hojas de rutas, sino planes de acción concreto con máximo 3 objetivos a corto plazo.

Desde el punto de vista del inverso Ken Umezaki ilustró el difícil camino de la inversión en las startup de música. Ya que la industria de la música que no se encuentra en crecimiento y que a nivel global genera cerca de $50 mil millones de dólares, una cifra considerablemente pequeña frente a otros sectores o lo más $140 mil millones generados solamente por Ford. . Actualmente en los Estados Unidos figuran más de 1 millón de startups, 200.000 business angels y 400 venture capital de los cuales solo 10 de ellos invierten en música por lo que las probabilidades de que en Estados Unidos una startup de música reciba venture capital es de 0.5% y solo el 1% de las compañías superan la valoración de los 1000 millones de dólares.

La tercera frontera en el negocio del streaming

Benji Rogers fundador de Pledge Music expuso como actualmente las oportunidades del streaming van relacionadas al lanzamiento de nuevo material discográfico, así como al consumo del catálogo. De igual forma, hay oportunidades en el mundo de las giras de conciertos, ya sea a través la venta de entradas, el uso de datos para coordinar giras o incluso su consumo en directo. Sin embargo, quiso resaltar la oportunidad que su compañía busca capitalizar a través de los servicios de streaming, y se refiere a la creación de la música. Se trata de conectar a los hardcore fans desde el momento de la creación del álbum para que se conecten con todo el proceso y luego estén expectantes al momento de su lanzamiento.

La alta fidelidad y las nuevas formas de consumo de música

En el pasado hemos hablado ya de la ola de alta fidelidad que cada vez coge más forma y fuerza, el Future Music Forum no fue ajeno a ello. Tres proyectos se centraron en ello, Omnifone como plataforma B2B de streaming, pero también como la encargada de digitalizar todo el catálogo disponible para el Pono Player el cual estuvieron presentando en la conferencia. También tuvo su paso en la conversación el servicio de streaming WiMP y su lanzamiento en los Estados Unidos bajo el nombre de Tidal. Otro proyecto de gran interés HD360 la primera aplicación de álbumes en alta fidelidad, no solo permiten escuchar el álbum, sino crear una experiencia de consumo multimedia, que incluyen videos 360, control de la música por canales de grabación, galerías de imagen, interfaz con redes sociales, loops y más. Sinceramente se parece mucho a la aplicación en la que puede que esté trabajando Apple y U2.  Y en la línea de nuevas formas de consumo Adam Perry presentó BandApp, una plataforma que democratiza la creación de aplicaciones para artistas y festivales sin la necesidad de la aprobación de Apple o Google, creando así su propia plataforma de distribución de apps. También se presentó un showcase de RFID por parte de la empresa Glownet, que puso en práctica la tecnología para controlar los accesos y compartió datos de su experiencia de integración con Spotify en festivales como el Bilbao BBK Live o el Dcode.

La visión de futuro de los sellos discográficos independientes en la era del streaming

Para abordar el tema se presentó uno de los más adecuados, Simon Wheeler el director de estrategia  y del departemento digital de Beggars Group el cual incluye sellos como XL Recordings, Beggars Banquet, Matador, 4AD, Rough Trade entre otros y casa de artistas de la talla de Adele, The National, Queens of The Stone Age, The xx, Radiohead, Beck entre otros.

Wheeler y el grupo se podría definir como una sello con visión que entendió que el streaming era el futuro y que combatirlo hubiese sido un error, por lo que enfocan esfuerzos en que la conversión sea lo más rápido posible para capitalizar así ingresos a través de esta nueva vía. Para Beggars el streaming está abriendo muchas vías y mercados para monetizar como Latinoamérica o el mercado asiático, pero es una responsabilidad de la industria hacer que la música esté disponible en todas partes. Hoy en día no tiene sentido hacer lanzamientos por etapas. Esperar 2 o 3 meses entre territorios genera es más piratería. 

Se espera que el streaming genere más del 50% de los ingresos para el grupo durante este año y es posible que sea una tendencia extrapolable a otras compañías. Sin embargo Wheeler aseguró que desde Beggars vieron como el streaming les quitaría los mejores clientes que gastaban 50$ al mes y que ahora gastan solo 10$, pero entienden que mientras más rápido sea el cambio más rápido llegaran los ingresos en escala para que estos sean significativos.

Wheeler condenó el hecho de que YouTube posea 10 veces el número de usuarios consumidores que otras plataformas y generen tan solo un décimo de los ingresos, añadiendo que el único que pagan peor que YouTube es Soundcloud a quienes también reprochó. 

El streaming es un negocio que necesita tiempo y volumen. «¡2 millones de reproducciones o es un gran número, está bien se debe recibir algo a cambio, pero no es un gran número!» esto algo que Wheeler dejó claro y es algo que deben afrontar los nuevos artistas y sellos, señalando que algunos videos de Adele superan los 400 millones de reproducciones.

Al final el streaming es un modelo que premia la creación de buenos álbumes y así lo ven desde Beggars, aquellos discos que generen pasión son lo que verán como los fans año a año los seguirán consumiendo, como han comprobado ellos a través del lanzamiento de The XX el cual coincidió con la salida de Spotify en el Reino Unido y al día de hoy aún se ubica en el top de los más escuchas en el servicio.

«Se dice que el álbum está muerto y que la gente ahora consume en playlist lo que no se dice es que 2 tercios de las playlist están hechas solo de álbumes. El álbum no está muerto no es lo que vemos nosotros en los servicios, y creo que otros lo verán igual.» comentó Wheeler arrojando luz sobre el asunto.

Para Wheeler parte del problema de consumo actual, pasa por el hecho de que la promoción se esta entiendo como el fin. La gente no lo entiende como promoción, sino como consumo y esto no generan ventas. Tenemos que tener cuidado cuando hacemos promoción tenemos que generar awareness eso no significa que se deba regalar todo gratis a través de diferentes plataformas (YouTube, Soundcloud…)

«Es verdad el free es un décimo del premium pero es lo que permite la conversión,  si no lo usan nunca engancharán. El streaming llegó para quedarse y necesitamos que crezca rápido.»

Música en vivo

Por último destacar también que esta fue la primera edición en que cada noche del Future Music Forum cerró con showcases de bandas y artistas como Like Swimming, The Half Earth, Desert, Sam Brooker, Birds y Za! a los que asistieron importantes booker del sector entre ellos el legendario Martin Elbourne quien por 37 años ha sido uno de los bookers principales del Festival Glastonbury.

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Virginie estará moderando un workshop titulado «Women in Music» dentro del FMF el Jueves 17 de Septiembre, por lo que aprovechamos para conversar con ella sobre el rol de la mujer en la industria musical.

IM: Recientemente, Iggy Azalea declaró en una entrevista que ha tenido que dejar de hacer «crowdsurfing» en sus shows por temor a que su público intentara abusar de ella sexualmente. Para nadie es un secreto que muchas artistas femeninas, en especial las más exitosas, por ejemplo Katy Perry, Beyoncé o Miley Cyrus, proyectan una imagen altamente sexual, lo cual repercute favorablemente en las ventas de discos y de giras a nivel mundial. ¿Crees tu que esta tendencia a mostrar a las mujeres como un objeto es una consecuencia de una industria dominada por ejecutivos masculinos y que ésta es una de las razones por las cuales no hay ejecutivas mujeres? Si este tipo de «paquete» es el que vende, quizás mujeres en posición de poder en la industria no estarían de acuerdo y la industria en general sufriría financieramente.

VB: En primer lugar, permíteme responder a esa declaración inicial: Beyoncé, Katy Perry o Miley Cyrus no venden más álbumes porque estén «hiper-sexualizadas». En principio, venden entradas a conciertos y álbumes porque su música es buena, son excelentes artistas, permanecen cercanas a sus fans y trabajan constantemente. Es importante recalcar que, por ejemplo, Beyoncé fue nombrada la celebridad más influyente por la revista Forbes, por encima de muchos hombres, incluido su esposo (Jay-Z). Atribuir su éxito a únicamente una imagen «hiper-sexualizada» sería una franca falta de reconocimiento a la calidad de su trabajo. Ahora, debemos también cuestionar si realmente la imagen de estas artistas está «hiper-sexualizada». En realidad no lo están. Puede que vistan con poca ropa en el escenario, pero sus letras hablan sobre independencia, no sobre sexo. Se enorgullecen en ser mujeres fuertes. En el caso de Miley Cyrus, ella parece atribuirse sus propias provocaciones, aún cuando es probable que sean lo que la defina en el largo plazo, pero no creo que ningún equipo de marketing la esté obligando a comportarse como lo hace.

Estas mujeres no hacen nada distinto a lo que algunos artistas masculinos han estado haciendo a lo largo de la historia. «Boy bands» sin camisa, estrellas de rock coleccionando groupies públicamente, esto no es algo nuevo. Rihanna, por ejemplo, se enorgullece en ser una mujer fuerte, cambiando de pareja con regularidad, tomándose fotos medio desnuda sin avergonzarse nunca de lo que proyecta.

Podemos hablar de «hiper-sexualización» cuando un artista es obligado a solo jugar la carta de su sexualidad con el propósito de desarrollar una imagen. Una Britney Spears de 15 años vestida como una colegiala japonesa es «hiper-sexualización». Aquí, se jugó con la imagen de una chica menor de edad para vender un track y lo peor es que esa imagen se proyectó sobre adolescentes y fue vendida como lo más cool de la tierra. ¿Hubiese sido distinto si hubiesen más mujeres en su equipo de management? Por supuesto que sí. Las mujeres siguen siendo consideradas solo como cuerpos.

El verdadero problema, sin embargo, es el estatus de las mujeres. Tener a Robin Thicke cantando una apología al abuso sexual «I know you want it» en un vídeo en el que mujeres desnudas lo rodean (mientras los derechos de las mujeres están en riesgo de forma cotidiana) y que esto haya tenido aprobación pública, es un verdadero problema. Aún así su último álbum fue un fracaso y fue crucificado en Twitter.

En relación al público de Iggy Azalea, lo que se cuestiona no es su ropa ni que esté hiper-sexualizada su imagen, sino que el público no la respeta y esto es, tristemente, un reflejo del acoso al que son sometidas las mujeres en las calles todos los días en la vida real.

IM: Existe también una falta de representación femenina en posiciones técnicas dentro de la industria, como por ejemplo, en ingeniería de sonido o producción. ¿Por qué crees que esto sucede? ¿Crees que es otra consecuencia de las estrategias de marketing en las que la mujer es presentada mayormente como artista/intérprete, haciendo que otras áreas de la industria no sean atractivas para ellas?

VB: En este sentido el verdadero problema no tiene que ver con las estrategias de marketing. Durante los últimos meses, el tema sobre la igualdad de género ha generado gran cantidad de atención en los medios, y el público parece estar más sensibilizado al respecto. Esto es un reflejo dl acelerado incremento de conocimiento sobre las discriminaciones que afectan a las mujeres en todas las áreas de creación artística. Dentro de los sectores artísticos y culturales, la fuerte presencia y la excelencia de jóvenes mujeres estudiando carreras artísticas no impide que se produzca un «efecto techo de vidrio». Las estadísticas de mujeres en cargos gerenciales en sectores artísticos financiado con fondos públicos, son alarmantes: solo hay un 20% de gerentes femeninas en instituciones públicas, 25% en centros de danza y recintos nacionales o regionales. En el caso de disciplinas teatrales, sólo un 8% de los cargos directivos son ocupados por mujeres y estos números siguen disminuyendo. Según Women’s Audio Mission, existen menos de 5% de mujeres productoras o ingenieros de sonido y según Billboard, solo existen 6% de mujeres en posiciones directivas. Parece que confundimos mezcla de géneros con igualdad. Los puestos están abiertos a ambos sexos, pero no de forma igualitaria. Las estrategias de marketing son una consecuencia de esto.

IM: ¿Qué papel juega el público en la percepción de la mujer en la industria musical?

VB: Una encuesta reciente arrojó que las mujeres dominan las listas (sin referirnos de nuevo al tema de la hiper-sexualización). Cada semana salen artículos en The Guardian o NY Times sobre el sexismo en la música – un ejemplo claro es la escena del EDM: Erika Foster de Au Revoir Simone explicó recientemente como se le percibe con frecuencia como solo una groupie que se encarga del merchandising. Adele, Marina and the Diamonds, Solange Knowles, M.I.A., todas han hablado sobre el sexismo en la industria con palabras muy fuertes. Adele, por ejemplo, ha explicado que le tomó mucho tiempo tener éxito debido que constantemente le pedían que bajara de peso.

Billboard ha hecho análisis sobre la poca presencia de mujeres en los carteles de festivales. En Coachela, por ejemplo, dependiendo del año, entre 16% y 25% del cartel es femenino. Y solo 2 artistas femeninos han estado en el escenario principal: Björk en 2002 y Portishead en 2007. Incluso Buzz Feed hizo un gráfico sobre esto.

Nos enfrentamos a una pregunta del tipo «el huevo o la gallina»: ¿estamos respondiendo a las demandas del público? ¿Creemos que respondemos a sus gustos o simplemente les vendemos estos carteles sin saber si existe la demanda previa? Si nos fijamos en Adele, su álbum es un éxito mundial gracias a la calidad de su música y no a su apariencia. Una vez más, la música refleja el lugar y la imagen de la mujer en la sociedad. Pero el público está evolucionando: si miramos las reacciones de la gente acerca de Robin Thicke nos damos cuenta que las mujeres cada vez más expresan su opinión en cuanto a estos temas y obtienen respaldo. Esto no ocurría hace apenas un par de años.

IM: ¿Conoces alguna iniciativa, sea privada o pública, para incentivar a las mujeres, o para facilitar su entrenamiento  y participación en las áreas ejecutivas o técnicas de la industria? ¿Cuál crees que es la mejor forma de atraer a mujeres hacia estos sectores?

VB: En lo que concierne al Reino Unido, es el país que se encuentra al frente de esta batalla, liderada por PRS y AIM. Un estudio nacional sobre las destrezas creativas y culturales en UK muestra claramente una evidente falta de mujeres en los cargos más altos: 67.8% son hombres y 32.2% mujeres (en Francia: 63% vs 37%). PRS indica que entre sus miembros, solo el 12% son mujeres compositoras, autoras o editoras. La AIM ha revelado que solo el 15% de sus miembros son mujeres y solo existen 26 directoras artísticas mujeres en todo el Reino Unido. La industria en este país firmó un decreto para que las cosas evolucionen y honestamente espero que este tipo de iniciativas puedan ser implementadas en el resto de Europa.

IM: ¿Cuál es tu opinión sobre eventos como el Future Music Forum? ¿Crees que añaden valor a la industria musical hoy en día?

VB: El FMF es probablemente mi evento favorito, junto con SXSW. Ambos no se comparan en términos de escala, pero encuentro que son igual de poderosos. El FMF nos permite compartir contenido de alta calidad en grupos pequeños. Este tipo de eventos son vitales porque permiten compartir información de gran importancia y transmitir mensajes de impacto dirigidos a los que toman las decisiones.

IM: ¿Qué tan importante crees que es discutir el rol de la mujer dentro de la industria en este tipo de eventos? ¿Crees que es el lugar apropiado o crees que existen espacios mejores para tener este tipo de conversación?

VB: Es vital discutir el rol de la mujer en estos eventos en los que los que están presenten los grandes que toman las decisiones y crean los cambios. Curiosamente estos eventos raramente respetan una paridad femenina-masculina (la junta ejecutiva del FMF no incluye mujeres, por ejemplo). Es muy importante discutir estos temas con las personas que tienen el poder de cambiar las cosas.

Por otro lado, esta batalla por la igualdad entre hombres y mujeres en las artes es fundamental para la sociedad en general. ¿No es algo curioso que en un sector de la actividad humana que promueve la emancipación, la apertura, la crítica e incluso la subversión, la representacion femenina es inferior a la representación en el mercado laboral a nivel global? ¿Las jovencitas que se dedican a una carrera artística están destinadas a ser únicamente musas, objetos de deseo, colaboradoras, tan dedicadas como invisibles?

Jeannette Lee, co-manager de Rough Trade (The Smiths, Pulp, The Strokes …), recientemente reprendió a la industria por fallar en reonocer el talento femenino escondido detrás del escenario, subrayando que, a lo largo de los años, ella había sido a menudo considerada como secretaria de su asociado Geoff Travis.

¿Desde cuando la ambición tiene género?

IM: Cuéntanos un poco sobre ti y cómo empezaste en la industria de la música.

VB: Llevo trabajando en la industria más de 15 años. Me involucré desde muy joven, mientras estudiaba llevaba una «fanzine» sobre música independiente en mi ciudad Auvergne. Luego de culminar un Master + MBA trabajé para grandes compañías en donde aprendí a perfeccionar mis habilidades (Microsoft, Omnicom, NRJ y luego Myspace como Marketing Manager). Siempre he combinado música y tecnología y mi trabajo se trata de desarrollar música y tecnología en forma conjunta.

IM: ¿Cómo contribuye tu trabajo a la industria en general? ¿Cuál consideras que ha sido tu mayor logro hasta ahora?

Fui la primera en Francia en explicar que un artista se puede desarrollar a través de la tecnología, con o sin una compañía discográfica. Antes de fundar mi agencia, lancé un blog llamado «Don’t believe the Hype» que sigue siendo el 1er blog en francés sobre marketing musical. También escribí un libro sobre estrategia musical digital, el cual fue best seller en Francia. Mi llegada no fue bien recibida por la industria al principio, pero a través de los años me he convertido en una experta reconocida, y represento a mi agencia con una gran variedad de tecnologías al servicio de artistas, desde producción hasta distribución(Twitter, Mixgenius, Bandzoogle, Playpass..), y también trabajo con artistas y sellos.

Luego, como mujer fundadora de mi propia agencia y reconocida en mi área, siento que es mi responsabilidad abrir el camino a otras. ¿Por qué existe una representación tan anormalmente baja de mujeres en el mundo de las artes y la cultura? ¿Por qué motivo no hemos alcanzado aún una paridad femenino-masculina en la industria discográfica, tanto desde el punto de vista artístico-creativo (productores, ingenieros e incluso músicos instrumentalistas, con la excepción de vocalistas femeninas) como desde el punto de vista del negocio? ¿Son un mito los artistas que están adelantados a su tiempo? Esa es una pregunta genuina.

¿Te gustaría conversar con Virginie sobre este tema y más? Asegúrate de asistir al Future Music Forum el 17 y 18 de Septiembre.

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