Para hacernos una rápida idea, la facturación de la música grabada digital pasó de los casi los 1000$ millones en 2009 a sólo 400$ millones en 2013, según la Asociación de la Industria Discográfica de Japón.

En el marco digital, las ventas por descarga en singles cayeron un 7%, en cambio aunque descargas de álbumes aumentaron 14%. En cuanto al streaming vemos un fuerte aumento del 43%, a pesar que los grandes servicios de streaming internacionales todavía no están presentes y los locales por ahora no disponen de grandes catálogos.

En cuanto al formato físico, este cayó un 3,8%, pero sigue dominado la cuota de mercado con más del 75%.

Es importante que analicemos el mercado japonés pues tiene una gran influencia en el mercado global puesto que es el segundo mercado más grande, por detrás de los Estados Unidos, y representa la quinta parte de los ingresos mundiales.

Aunque es muy probable que este año vuelva a reportar números ligeramente negativos, el crecimiento del mercado digital es un signo muy positivo, sobretodo con el crecimiento del 43% del streaming de estos primeros 6 meses y teniendo en cuenta que recientemente Line, una de las aplicaciones de mensajería más usadas en Japón, compró e integró el servicio de música en streaming MixRadio para pasar a ser Line Music.

Además cuenta con un gigante del streaming asiático como es KKBOX y además, y puede ser un player muy importante, la llegada de Apple Music que se sitúa como primer servicio de música en streaming global en llegar a Japón.

Deezer, Rdio o Spotify siguen trabajando para desembarcar en el territorio, algunos llevan ya casi 3 años de trabajo en negociaciones para conseguir las licencias. A finales de 2014 Ken Parks, director de contenidos de Spotify, decía en el NY Times que era optimista acerca de las perspectivas de conseguir tales licencias «Creo que nos estamos acercando a ese momento en Japón.»

Veremos si antes de que acabe el año algún servicio más de música en streaming internacional consigue aterrizar al país nipón, factor que sería muy positivo para conseguir una mayor migración hacía el digital tal como está sucediendo en el mercado alemán.

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En una pasada entrevista para la BBC, Sir Paul McCartney compartió declaraciones en las que comentaba que era mucho más fácil crear música en el pasado.

El cantante con más de 58 años de carrera ha visto diversos cambios y el impacto de la tecnología, no solo de los conocidos métodos de distribución y consumo, sino también de los métodos de producción musical. Es allí cuando McCartney define que la música actual es «lujosa» y que de alguna manera sería bueno volver a un método más sencillo.

“El proceso de hacer la música lo veo en ocasiones en bandas jóvenes, personas más jóvenes con las que trabajo, y he de decir que era un poco más fácil antes.”

Explica que todo aquel que graba discos seguía esta rutina: «A las 10:30 estabas listo para ir al estudio.  A las 1.30, ya esperabas haber terminado dos canciones, tenerlas grabadas, mezcladas, y listas. Al final del día te ibas a casa con tres o cuatro canciones hechas»

“Y miro hacia atrás, y son ‘Michelle’, ‘Nowhere Man’, ‘Yesterday’. Son canciones que han perdurado.”

Realmente aconsejo esto a los jóvenes: ‘Tienes que escribir la canción antes de ir al estudio’. Suena obvio, pero la gente no hace esto mucho en estos días. Entran allí y dicen: ‘Ese ha sido un buen trozo. Píllalo en ProTools’.”

“Es sólo una nueva forma de trabajar, que es mucho más lujosa, pero yo no creo que sea productiva.”

Además Sir Paul compartió su experiencia en cuanto a los antes comentados modelos de distribución y consumo que ha afectado la tecnología.

“La tecnología actual de como vendes la música no me importa porque lo hemos hecho a través de vinilo, cintas, cassettes, CDs, descargas, streaming”

Preguntado por qué retiró hace algún tiempo alguna de sus canciones de sitios como Spotify, respondió: “Lo siento por el joven compositor que ha escrito lo que puede ser su único hit, y es enorme y que no se le paga por ello. No creo que eso sea correcto.”

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Sin embargo, para lanzar un nuevo talento no solo hace falta inversión en descubrimiento de talentos, las discográficas deben acompañar la inversión en todo el proceso, desde los adelantos, la grabación del material, de los vídeos, el marketing y el apoyo en la gira. Veámos cada uno de ellos

Producción de Video:  Como bien sabemos la producción de material audiovisual es cada vez más importante, en una era en la que YouTube es uno de los principales canales de descubrimiento de nueva música. En promedio se realizan entre dos o tres vídeos por álbum y aunque los presupuesto pueden variar entre los $500.000 para las grandes estrellas y $10.000 en proyectos de bajo presupuesto, todo dependiendo de las necesidades y las circunstancias de cada artistas.

Costos de Grabación: Los costos de grabación pueden variar mucho entre proyectos, dependiendo si el material incluye diferentes productores súper estrellas o compositores de hits, así como músicos de sesión, pero los costos pueden ir desde los $150.000 a los $500.000.

Marketing y Promoción: Esta es la partida de presupuesto más grande en el lanzamiento de nuevas estrellas, y cada vez se enfoca más en los departamentos digitales que les permiten controlar mejor los costos. Aunque los costos digitales también están en aumento. De igual forma, no se pueden olvidar los medios tradicionales, así como las investigaciones de mercado y los datos que ya algunos sellos están trabajando.  Además no se trata de un sólo mercado sino, de alcance global.

Adelantos: Normalmente las discográficas pagan adelantos para que los artistas se puedan concentrar en el desarrollo y la composición. Este dinero es recuperable en base al royalty de cada artista, aunque no siempre se logran recuperar. En la época de mayores ventas de disco se estimaban unos 18 meses para el retorno de la inversión, bajo el nuevo modelo de streaming, los adelantos tardan más en ser recuperados. También existen acuerdos con pequeños adelantos o sin adelantos, pero con mayores porcentajes de ingresos en base a royalty.

Apoyo de Gira: Aunque en muchos casos se ha visto reducido, debido a la posición de muchas discográficas la cuales antes invertían en giras y capitalizaban en ventas de álbums. Aún así siguen existiendo y para llevar a sus artistas a nuevos mercados, los sellos invierten en apoyo de gira para el apoyo internacional.

Los cambios en la industria han generado que las discográficas diversifiquen sus modelos de negocio e ingresos con acuerdos de derechos más amplio o los llamados acuerdos 360º que les permiten explotar otras áreas del negocio más allá de la sola venta de material discográfico. Las figuras de las marcas es cada vez más importante sobre todo en territorios donde no se producen ventas como es el caso de Latinoamérica o incluso en España.

De esta forma, entorno a datos provenientes de miembros de IFPI lanzar un nuevo artista a nivel internacional conlleva una inversión entre los $500.000 y los $2.000.000 de dólares entre las diferentes partidas claves antes explicadas como podemos ver en la gráfica.

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Hace más de un año que escribí un artículo llamado ¿Porqué ha crecido tanto la industria musical en Japón?, donde veíamos como un país que representa en población el equivalente al 41% de la que hay en Estados Unidos era el segundo mercado más importante. Japón sigue viviendo del mercado físico, alrededor del 80%, altos precios, medidas proteccionistas al mercado, la lealtad de los fans, la no-revolución de la piratería y la poca voluntad de las discográficas a entrar en el sector digital son los motivos de tal situación.

Más preocupante es que las ventas digitales están también cayendo rápidamente en Japón, pasando de casi los 1000$ millones en 2009 a sólo 400$ millones en 2013, según la Asociación de la Industria Discográfica de Japón.

En un reciente artículo del NYTimes, comentan que servicios de música en streaming como Spotify, Deezer o Rdio, se han estancado en los esfuerzos para entrar en Japón. Spotify, el mayor de estos jugadores, se ha estancado durante dos años en las negociaciones de licencia con compañías de música en Japón, donde los ídolos del J-pop y K-pop venden más que el mainstream occidental.

A pesar de ello, Ken Parks, director de contenidos de Spotify, dijo que era optimista acerca de las perspectivas de sonseguir tales licencias «Creo que nos estamos acercando a ese momento en Japón.»

Parte del problema, según ejecutivos que fueron consultados por el NY times, es el complejo conjunto de empresas que controlan los derechos de la música más popular en Japón. Sony Music Unlimited, por ejemplo, es el servicio más grande de streaming disponible en Japón, pero carece de los éxitos más populares allí. ITunes de Apple llegó a Japón en 2005, pero no fue hasta 2012 que empezaron a vender las canciones de pop japonés que controlaba Sony ya que este tenia un dispositivo similar al ipod

«Una parte importante de la alta dirección se preocupa por lo que sucede ahora, pero no necesariamente se preocupa por lo que passará mañana» dijo Shigeo Maruyama, el ex presidente de Sony Music Entertainment Japón.

«La esperanza de los compañías discográficas japonesas es mantener el tamaño actual del mercado físico, y tratar de hacer que el mercado digital crezca con la concesión de licencias de nuevos servicios digitales,» dijo Yoichiro Hata, director de la Asociación de la Industria de Grabación de Japón.

Las discográficas de Japón aun confían en el factor cultural ya que el fan leal necesita las tres versiones de un álbum para completar la colección. A veces, solo compran una nueva versión porque hay una portada alternativa.

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1. Tecnología

Ultimamente, gracias a la tecnología, podemos hacer grabaciones caseras de alta calidad sin necesidad de hacer una inversión a gran escala, especialmente para música electrónica o una banda de pocos músicos. Un equipo semi-profesional, el software adecuado y el conocimiento para usarlo te puede rendir lo mismo que un estudio profesional. Varios productores y dueños de estudio recomiendan que la mejor inversión que puedes hacer es comprar el mejor micrófono posible y saber cómo utilizarlo. Recuerda también que mucho depende de cómo pones esta tecnología al servicio de tu música.

2. Calidad

Si lo que planeas grabar es un demo de uno o varios temas para presentar a un productor o un publisher, lo más recomendable es tirar toda la carne al asador e invertir en la mejor producción posible. Sí, aunque sólo sea un demo, ese es el standard en este momento. Deberás buscar a los mejores músicos y productores para esto, la calidad debe ser incuestionable. Por otro lado, si lo que deseas es grabar maquetas para pre-producción de tu disco, una grabación semiprofesional bastará, pero cuidado que quede lo mejor posible. Quién sabe a las manos de quién pueda llegar a parar.

3. Costos

En estos tiempos, y si eres un artista independiente o con recursos limitados, lo mejor es intentar sacar el mayor provecho de un estudio casero semi-profesional. Si tienes una visión clara de cómo quieres que suene tu música, tienes el equipo necesario, lo sabes usar y eres creativo con la microfonía, tú mismo puedes servir de productor y crear algo con lo que tú y tus seguidores se sientan satisfechos sin necesidad de vender tu alma a una disquera. Deja los costos altos para cuando haya que llamar a los profesionales en otras áreas: masterización, arte, agente de prensa, etc.

4. Producto final

Grabar en tu estudio casero es recomendable si vas a hacer demos, grabaciones semiprofesionales o simplemente grabar ensayos o tus ideas. Pero si lo que quieres es competir en las grandes ligas, lo mejor es entrar a un estudio pro e invertir en todo lo necesario que te dé los niveles de calidad y fidelidad ideales para ese mundo: un productor (Aquí te explicamos que hace un productor y te damos algunas claves de cómo escogerlo correctamente), un ingeniero de sonido que conozca tu tipo de música y masterización profesional, entre otros.

Un último consejo, a la hora de grabar (en donde sea), intenta que la grabación inicial quede lo mejor posible. Es más fácil y productivo trabajar con una buena grabación que utilizar la filosofía de «lo arreglaremos a la hora de mezclar».

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Quizás lo más sorprendente del caso son las declaraciones del CEO de la compañía Dean Graziano que comentó a GeekWire que la empresa había rechazado 3 ofertas de compras, ahora parece que todo está por terminar, ya que la empresa ha tenido que despedir a la mayoría de sus empleados y se disponen a cerrar.

«Las negociaciones con los sellos tomaron un poco más de lo que hubiesemos esperado» fueron algunas de sus palabras de Graziano para el diario Seattle Times, de igual forma comentó que la compañía debía levantar 1 millón de dólares para poder seguir operando, cosa que ve poco probable. «En el negocio de la música, no es un secreto, nadie está haciendo dinero. Es difícil hacer dinero cuando no se es dueño del contenido». «Definitivamente el ambito musical no es para aquellos débiles del corazón…Es una gran idea, simplemente se nos acabó el tiempo».

Más allá de las palabras de Graziano la estructura de financiación parecia estár mucho más sólida como para poder mantener el ritmo o ser adqueridos por otra empresa, tal como le ocurrió a Evntlive, empresa con un modelo similar de monetización del directo la cual fue adquerida por Yahoo. Con 500 mil dólares de financiación inicial y más $2 millones recaudados en enero de este año, parece el resultado de una mala gestión de recursos o una mala estrategia de negociación de cara a las tres ofertas de compras que al parecer debieron haber aceptado.

En un modelo similar SounHalo parece que aún no ha podido hacer despegar el modelo, vender conciertos directamente a los teléfonos móviles de los fans, según Graziano es una «gran idea», tan sólo que nadie ha logrado tener éxito con el concepto. Quizás Lively entre en el saco de aquellas empresas que llegaron antes de tiempo a desarrollar modelos de negocio antes de que el público estuviese listo para ello. 

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Muchas personas se preguntan qué es un productor musical y qué funciones tiene en el proceso que conlleva a la elaboración de un disco, una canción o los recientes EP(Extended Play o disco de corta duración). Por esta razón, he decidido explicar desde mi perspectiva y experiencia como productor y como artista que ha trabajado con diversos productores musicales un poco de este rol clave “Detrás de escena” dentro de la industria musical.

Para entender lo que hace un productor musical, es necesario explicar un poco las distintas etapas asociadas a la creación de un disco, las cuales definiré de la siguiente manera:

1. Preproducción y Elaboración del Presupuesto
2. Grabación
3. “Overdubs” o Grabaciones Adicionales
4. Edición
5. Mezcla
6. Masterización

En la mayoría de los casos, un productor musical trabaja en todas las etapas del disco, incluso muchas veces como autor o co-autor de las canciones, dependiendo de la capacidad creativa del artista. Por lo tanto, un productor musical tiene responsabilidades creativas y administrativas.

Entre las responsabilidades creativas se encuentran:

• Autoría o Co-autoría de las canciones.
• Conocer las influencias musicales del artista y los trabajos previos del mismo en caso de tenerlos.
• Arreglos instrumentales y vocales.
• Conocimiento y entendimiento del proceso de grabación y mezcla.

Entre las responsabilidades administrativas tenemos las siguientes:

• Manejo del presupuesto del Disco.
• Coordinación de horarios de estudios de grabación, músicos de sesión, mezcla y masterización.
• Elección de los músicos y personal adecuado para elaboración del disco.
• Recopilación de créditos de las personas involucradas en el disco.

Otras responsabilidades adicionales:

• Entender y mantener la visión del proyecto a lo largo del proceso.
• Mantener la paz entre las distintas personas involucradas en el disco.
• Capturar los momentos de creatividad.
• Conocer al artista, sus fortalezas y limitaciones, su género musical, la tonalidad adecuada para cada canción, entres otras.
• Saber cuándo se produce un momento mágico y capturarlo.
• Saber tomar decisiones (una de las más difíciles e importantes).
• Buen manejo de los recursos con los que se cuenta.
• Proveer un ambiente creativo y cómodo para el artista.
• Conocer los términos relacionados con música, instrumentos, grabación, equipos, etc.
• La habilidad de tener buen oído para la mezcla

Una vez definida las diferentes etapas de un disco y las distintas responsabilidades que tiene un productor, podemos empezar a conocer como trabaja el productor musical desde que conoce al artista hasta la primera copia física o digital del master del álbum.

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Mucho se dice y se penaliza la actitud poco innovadora y visionaria de la industria discográfica por allá en el año 1999 cuando persiguió y castigó el proyecto disruptor de Napster. Si bien es verdad, éstos no tenían ninguna pretensión de generar ningún modelo de negocio aliados a las major. Hoy en día 14 años […]]]> Mucho se dice y se penaliza la actitud poco innovadora y visionaria de la industria discográfica por allá en el año 1999 cuando persiguió y castigó el proyecto disruptor de Napster. Si bien es verdad, éstos no tenían ninguna pretensión de generar ningún modelo de negocio aliados a las major. Hoy en día 14 años después, no se puede evitar querer mirar atrás y juzgar los años perdidos (supongo que es más fácil decirlo y opinar desde afuera). Por suerte, hubo personas que con perspectiva crearon servicios y productos que hoy en día empiezan a cambiar las cosas.

Hago esta introducción para que entremos en contexto y recordemos que siempre se habla de las discográficas y pocas veces se menciona el papel del manager o del artista dentro del modelo de creación de nuevas vías de explotación. Será que las viejas prácticas y el apego al modelo antiguo es algo más generalizado, que va más allá de los grandes empresarios que en su momento disfrutaron la bonanza económica de la era del CD. Pues a mi entender lamentablemente sí, es por eso que creo que a la industria le vino muy bien la revolución digital, para activar la creatividad, la humildad, propiciar el acercamiento al público, aprender a innovar y entender que las cosas en todo negocio cambian y evolucionan. Sin embargo, parece que todavía falta, aún quedan muchas cosas por aprender  y oportunidades que capitalizar.

Recientemente tuve la suerte de «conocer online» a través de una entrevista uno de los gurús de la música con mayor visión de los últimos años, el señor Ted Cohen. Leyendo la entrevista  me topé con un proyecto al que llamó «la mayor frustación de su carrera» y no es para menos, Ovation Tower. Para mi sorpresa descubrí la perfección de una idea que «tuve» durante el año 2008, mientras producía algunos conciertos: lograr grabar un concierto en directo y venderlo al terminar el show a los fans en pendrive. Nunca le dí mayor importancia y pensé que quizás no era del todo posible. 5 años después de ese momento, vengo a enterarme que mi idea ya existía 5 años antes, pues en el año 2003 Clear Channel, posteriormente fundadores de Live Nation, crearon un servicio llamado Instant Live,  el cual ya no está disponible entre otras cosas por problemas legales de patente. Este servicio permitía grabar en vivo una presentación, para luego copiarla en CD’s y venderla al final de cada show.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=vsOoqTWTrwc]

Si bien como vemos ya existían servicios de grabación en directo, ninguno ha sido tan espectacular y versátil como Ovation Tower. Una plataforma que representa una enorme entrada extra de ingresos para los artistas, promotores y salas de conciertos. Gracias a su perfecta ejecución se convierte en el kiosko de merchandising perfecto, 5 pantallas verticales de 42 pulgadas con un software que permite  la compra automática y simultánea de la presentación mediante la conexión de un mp3 o a través smartphones o vía correo electrónico. También permite adquirir el catálogo de estudio completo del artista. Imagínense las ventajas de este servicio:

•  Nuevos canales de ingresos para artistas, editoriales, sellos, salas.
•  Un souvenir y un momento único inmortalizado para cada fan.
•  Capitalizar los nuevas conductas y modelos de consumo digital a través de las nuevas tecnologías
•  Ingresos extras por publicidad y a través de las pantallas HD
•  Branding a través de descargas gratuitas patrocinadas
•  Engagement
•  Base de datos de fans

Con toda estas descripciones ustedes se preguntarán ¿porqué no hay un Ovation Tower en la salida de cada gran concierto o festival? Resulta que en su momento ni Ted Cohen logró convencer a ningún artista, agente o manager para que permitieran grabar los show, ojo artistas y managers no discográficas. ¡Simplemente increíble! Al parecer no saben que todos esos shows están siendo grabados día a día por cada uno de los fans a través de sus teléfonos móviles. Creo que nunca se dejó tanto dinero sobre la mesa. Hasta la fecha muy pocas salas y arenas han instalado el kiosko y si no me equivoco solo el Greek Theather de Los Angeles tiene 5 torres fijas.

Yo soy de los que creo que tarde o temprano tendremos Ovation Tower en cada unos de los grandes recintos, pero mientras se está repitiendo el mismo error de hace 14 años, creer que se puede nadar contra corriente y en el camino, millones de € desperdiciados. Por último, los dejo con este video donde tuve la oportunidad de preguntarle al mismo Ted Cohen sobre las novedades de Ovation Tower en el fantástico programa de Steve Renman (minuto 39:00).

 

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