La activación, disponible por tiempo limitado, invita a los jugadores de Roblox a participar en una búsqueda inmersiva a través de cuatro de los juegos más populares de Gamefan: Car Dealership Tycoon, Tower of Misery, Starving Artists y Really Easy Obby. Estos juegos han sido adaptados para reflejar el universo creativo del álbum y permiten a los usuarios escuchar nuevas canciones mientras completan desafíos exclusivos que desbloquean contenido generado por el usuario (UGC) con temática de Coldplay, como artículos únicos para personalizar los avatares.

El evento está inspirado en el cuaderno de estudio de Chris Martin, vocalista de la banda, que fue utilizado para dar forma a Moon Music. Según Rebecca Rees, Gerente de la Comunidad de Parlophone, “esta asociación única con Gamefan en Roblox ofrece un entorno interactivo y emocionante para la comunidad de Coldplay, donde podrán explorar y experimentar el décimo álbum de estudio de la banda”. Rees también destacó que la música de Coldplay siempre ha tratado sobre la conexión y que esta experiencia permitirá unir a personas de diversas generaciones.

Juegos temáticos e interacción inmersiva

Cada uno de los juegos participantes ofrece una experiencia diferente basada en el álbum Moon Music:

1. Car Dealership Tycoon: Los jugadores pueden desbloquear un auto eléctrico inspirado en Moon Music, que reproduce la canción “feelslikeiamfallinginlove” mientras recorren la ciudad en busca de dibujos escondidos del cuaderno de Chris Martin.

2. Tower of Misery: En este juego de obstáculos, los usuarios deben navegar a través de plataformas en forma de luna y recolectar iconografía lunar durante el recorrido.

3. Starving Artists: Esta feria de arte está completamente dedicada al álbum. Los jugadores pueden participar en un concurso de arte inspirado en Moon Music, votar por sus obras favoritas y disfrutar de instalaciones exclusivas que celebran el lanzamiento del álbum.

4. Really Easy Obby: Aquí, los jugadores deben superar una serie de obstáculos mientras recogen lunas, culminando en una celebración en la sala de ganadores al ritmo de Moon Music.

A lo largo de la activación, los jugadores tienen la oportunidad de ganar varias recompensas exclusivas por completar desafíos. Aquellos que logren completar todos los desafíos en los cuatro juegos recibirán la recompensa más codiciada: una Cabeza de Ángel Lunar de Coldplay para sus avatares.

La incursión de Coldplay en Roblox es otro éxito en la trayectoria de Gamefan y WMG, que han liderado la creación de experiencias interactivas para grandes artistas en el metaverso. Entre los eventos más destacados figuran el lanzamiento del álbum navideño de Cher, el primer concierto virtual del Super Bowl con Saweetie y un concierto virtual de Bebe Rexha, todo dentro del entorno inmersivo de Harmony Hills en Roblox.

Con esta activación, Coldplay no solo sigue innovando en la forma en que conecta con su audiencia, sino que también establece un precedente en la industria musical sobre cómo las bandas y los artistas pueden utilizar plataformas de metaverso como Roblox para acercarse a nuevas generaciones de fans. La experiencia no solo celebra la música de Coldplay, sino que también brinda a los jugadores una forma interactiva de explorar el álbum Moon Music mientras disfrutan de una aventura inmersiva que refleja el espíritu y la creatividad de la banda.

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Construir una estrategia de marketing musical resistente al futuro comienza no con un conjunto de herramientas, sino con una mentalidad: un conjunto fundamental de principios impulsados por datos para abordar el marketing y la participación de los fans, permitiendo a los artistas y sus equipos ser reflexivos, ágiles y flexibles.

La promoción de un artista o un nuevo lanzamiento musical en la era digital es tanto un arte como una ciencia, y a veces puede sentirse como si la parte «científica» estuviera cada vez más en contra del artista. En comparación con otras industrias, la música sufre de una falta endémica de transparencia de datos, un exceso de contenido en relación con la demanda y una alta variabilidad en los comportamientos de artistas y fans que hace casi imposible establecer un estándar de la industria para lo que se considera «éxito». Nuevos canales sociales de moda continúan surgiendo mensualmente, obligando a artistas emprendedores y sus equipos a adaptar continuamente sus estrategias de marketing para mantenerse al día.

A continuación, esbozamos algunos conceptos fundamentales sobre marketing musical que esperamos sean pautas útiles para los artistas emergentes encargados de navegar la compleja industria musical digital y, al mismo tiempo, prepararse para un crecimiento y sostenibilidad a largo plazo.

¿Por qué es más difícil comercializar música que otros productos?

La música es un producto singularmente desafiante de comercializar porque se puede escuchar en todas partes, incluso sin haberlo escogido. 

Desde una perspectiva de marketing, esto es tanto una bendición como una maldición. Por un lado, esto significa que los artistas tienen una variedad enorme de canales para elegir y personalizar su presencia en línea de manera que coincida con su voz única y, al mismo tiempo, llegue a los oyentes donde ya están. Al mismo tiempo, junto con una barrera casi inexistente para lanzar música, la omnipresencia de la música como formato hace que sea más difícil para un artista destacarse entre el ruido y tener un impacto duradero en los oyentes.

Además, una parte importante de las campañas de marketing en cualquier industria es el benchmarking, o el proceso de comparar los esfuerzos de marketing de un producto con estándares de la industria o competidores, con el fin de medir el rendimiento e identificar áreas de mejora.

Nuevamente, ningún artista ni base de fanáticos es igual. Aunque esto crea un espacio de diseño abierto para las campañas, la flexibilidad lo hace increíblemente difícil para planificar el retorno de la inversión (ROI) esperado para un canal de marketing específico, como Spotify o TikTok, porque no existe un estándar de ROI para la música.

Debido a estos desafíos, el seguimiento y análisis de datos en el marketing musical en general son menos organizados en comparación con otras industrias, y el procesamiento de datos es poco común en general. Dicho esto, aún existen técnicas fundamentales de monitoreo de datos que los artistas pueden incorporar en la planificación de sus lanzamientos desde cero.

¿Qué papel juegan los datos en las campañas de marketing musical?

Aunque el marketing de música es desafiante, los artistas y sus equipos pueden avanzar mucho al establecer prácticas de datos fundamentales desde el principio, para comprender y aprovechar al máximo sus fortalezas centrales y las necesidades de su audiencia.

Hay cuatro principios centrales en particular que se aplican en todas las campañas:

Construir una base de fans orgánica y comprometida. Esto es especialmente crítico para los artistas emergentes, que harían bien en priorizar el crecimiento orgánico al principio de sus carreras para maximizar la sostenibilidad a largo plazo.

Los especialistas en marketing a menudo trabajan con comunidades alineadas, marcas e influencers como locutores de radio y curadores de listas de reproducción para promocionar el trabajo de un artista emergente, al tiempo que invierten en canales que permiten a los artistas comunicarse directamente con los fanáticos sin tener que pasar por los agujeros publicitarios pagados.

Benchmarking. Esta práctica, aunque difícil, es una parte crítica del trabajo de marketing musical. Se puede comenzar utilizando plataformas de inteligencia musical como Chartmetric y Soundcharts para estudiar campañas de lanzamiento anteriores de artistas en géneros y etapas de carrera similares, con el fin de planificar métricas de rendimiento y participación objetivas en áreas como consumo, posición en listas, airplay, apoyo de influencers e impresiones en redes sociales.

Monitoreo de participación. Los números superficiales de consumo y seguidores solo cuentan una fracción de la historia. Los especialistas en marketing musical de hoy utilizan datos para asegurarse de que sus esfuerzos promocionales lleguen a la audiencia correcta y que esa audiencia regrese para interactuar regular y sosteniblemente con el artista. Si bien no hay un estándar universal para una participación saludable, los especialistas en marketing pueden estudiar las trayectorias de artistas similares para encontrar posibles referencias para un artista dado.

Probar y Aprender. En el rápido panorama del marketing actual, es fundamental mantenerse ágil y estructurar las campañas de marketing como experimentos acotados, documentando lo que funciona y lo que no con un lanzamiento determinado, de manera que informe dónde puede centrar el equipo del artista sus inversiones de manera más eficiente para futuras campañas. Un experimento popular y sencillo de este tipo es la prueba A/B de diferentes llamadas a la acción en campañas de newsletters o anuncios, para ver qué tipo de mensajes resuenan mejor con una audiencia objetivo específica.

Construir un fan journey convincente alrededor de un lanzamiento musical

Si los resultados destacados en el marketing musical son el resultado de una fuerte marca de artista, una marca destacada de artista también es el resultado de una comprensión profunda del recorrido del fan alrededor de la música de un artista.

Crear una buena experiencia para el fan no se trata solo de hacer una buena canción ni de poner cosméticos llamativos encima de un lanzamiento musical. Va mucho más allá, abarcando cómo se sienten tus fans cuando escuchan tu música por primera vez y qué hacen antes y después de descubrirte. Si se hace correctamente, una experiencia reflexiva para el fan, y la promoción boca a boca que viene con ella, pueden tener un impacto mucho mayor que una asociación de marca única o una colocación de relaciones públicas.

Una manera probada de que los especialistas en marketing musical planifiquen experiencias para los fanáticos es a través de un mapa del recorrido del fan, que deconstruye metódicamente cada paso que los fanáticos dan al interactuar con la música de un artista en línea, identificando posibles sinergias entre las necesidades de marketing de un artista y cómo sus fans ya se comportan.

Por lo general, esta mapa consta de los siguientes tres elementos:

Objetivos del artista: Una declaración simple y limitada sobre lo que el artista está tratando de lograr y cómo se relaciona con las necesidades de los fanáticos. Por ejemplo, «optimizar el recorrido del espectador alrededor de mi canal de YouTube, para que los fanáticos leales sepan que deben suscribirse para obtener contenido similar» o «hacer que mi próximo acuerdo con una marca resuene con la forma en que los fanáticos ya se identifican con mi música».

Marketing Personas: Personajes ficticios que representan a cada «fan típico» del artista, y que se utilizan para humanizar el proceso de mapeo del recorrido y referirse rápidamente a diferentes segmentos de fanáticos durante la planificación estratégica. Los especialistas en marketing analizan fuentes de datos cualitativas (por ejemplo, focus groups, conversaciones en redes sociales o foros online) y cuantitativas (por ejemplo, herramientas de análisis de plataformas de streaming y redes sociales) para identificar géneros particulares, grupos de edad, regiones geográficas y preferencias culturales/estilo de vida que se destacan en la base de fanáticos de un artista dado, y desarrollan estas marketing personas a partir de ahí.

Puntos de contacto: Desglosar cómo un fan interactuará con un artista, canción o marca antes, durante y después de un evento dado. En cada una de estas etapas, los especialistas en marketing piensan en lo que los fans buscan en cada paso y estudian los canales, características y asociaciones que son más efectivos para satisfacer esas necesidades. Desde el principio, es crucial enfocar la energía en sobresalir en unos pocos pasos más pequeños pero importantes en el recorrido, trabajando detrás de escena para asegurarse de que todo funcione sin problemas.

Dado el complejo panorama del marketing musical hoy en día, técnicas como la construcción de un mapa del recorrido del fan son especialmente efectivas para garantizar que todos los canales que estás explorando como artista o miembro del equipo de un artista no estén aislados o fragmentados entre sí, sino que trabajen y se refuercen mutuamente como un todo coherente. Con un enfoque sólido y basado en datos para construir las bases de marketing, un artista y su equipo pueden concentrarse en lo que hacen mejor y en lo que los fanáticos están buscando: contar grandes historias alrededor de un gran arte.

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Su primera prueba se lanzó ayer con la artista británica Florence + The Machine, antes del lanzamiento el 13 de mayo de su nuevo álbum ‘Dance Fever’ a través de Republic Records.

La función operará con un botón de «Pre-save» en el perfil de Spotify del artista, que también podrán promocionar a los fanáticos con un enlace directo.

Una página dedicada incluirá un reloj en cuenta regresiva hasta el lanzamiento; carátula del álbum; una vista previa de la lista de canciones, con pistas reproducibles si ya se han lanzado, y videos cortos creados por el artista usando el formato ‘Clips’ de Spotify.

Cuando se lance el álbum, los fanáticos que lo hayan guardado previamente recibirán una alerta de que ya está disponible para escuchar.

Spotify continuamente investiga para mejorar su producto

Por ahora, la prueba solo está disponible en la aplicación iOS de Spotify, aunque pronto se expandirá a Android. Todavía no está disponible en su aplicación de escritorio.

Spotify le dijo a Music Ally que el álbum de Florence + The Machine es la primera prueba, pero que pronto seguirán más.

Sin embargo, la compañía enfatiza la naturaleza experimental de la característica. “Spotify está probando una nueva experiencia previa al lanzamiento. Rutinariamente realizamos una serie de pruebas en un esfuerzo por mejorar las experiencias de los artistas y los fanáticos”, dijo el portavoz. “Algunas de esas pruebas terminan allanando el camino para una experiencia más amplia y otras solo sirven como un aprendizaje importante”.

Los pre-guardados de Spotify no son algo nuevo: los sellos discográficos y los equipos de artistas los han estado ejecutando durante años. Lo nuevo es que Spotify ofrece esto como una función dentro de la plataforma.

¿Conveniente para las discográficas o no?

Una ventaja para los sellos discográficos y los equipos de artistas al ejecutar sus propias campañas externas de pre-guardado es que obtienen más datos: por ejemplo, pueden pedirles a los fanáticos que ingresen sus direcciones de correo electrónico para agregarlos a las listas de correo.

Spotify no ha dicho qué tipo de datos obtendrán esos equipos de su nueva función de pre-guardado. Según explica Music Ally,  es poco probable que las direcciones de correo electrónico formen parte.

Spotify anunció recientemente que los podcasters que utilizan su función de suscripciones a nivel de programa, también podrán «descargar una lista de direcciones de contacto para que sus suscriptores puedan interactuar más con sus bases de suscriptores y ofrecer aún más beneficios».

Spotify le dijo a Music Ally que los guardados previos han sido una solicitud de función de sus socios de la industria desde hace mucho tiempo, por lo que sus comentarios también influirán en cómo se desarrolla la nueva función, incluido el nivel de datos que se comparte y lo que pueden poner en la función previa. guardar página.

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Se supone que el streaming sería el formato final de la industria de la música, lleno de infinitas posibilidades mucho más allá de las restricciones impuestas sobre los lanzamientos musicales por la duración de los discos de vinilo o la capacidad de almacenamiento de un CD. Sin embargo, este no ha sido el caso: muchos artistas jóvenes aún piden lanzar álbums, mientras que la diferencia entre una mixtape y un álbum sigue siendo tremendamente importante en el mundo del hip-hop.

De hecho, en el mundo digital, el número de formatos se está incrementando. Al principio del milenio los formatos estaban principalmente limitados a singles, EPs, álbums, boxsets y álbums de compilaciones. Una división que parecía manejable, con uno que otro mixtampe o DJ mix para refrescar las cosas. Con la era digital vinieron los lanzamientos de singles, las playlists, las playlists amplificadas y los boxset digitales.

Ahora Justin Bieber ha surgido como pionero para introducir otro formato con su nueva serie de compilaciones. «Voy a lanzar unas compilaciones para ustedes, los Martes y Jueves«, indicó el artista el pasado 24 de Marzo, incluyendo un enlace a una colección de 5 tracks titulada R&Bieber, que resultó ser una compilación de 5 tracks que ya estaban incluídos en su álbum más reciente Changes, que había sido lanzado tan solo un mes antes. Luego de esto Bieber publicó una serie de EPs, que esencialmente eran nuevas configuraciones de los mismos tracks ya incluídos en el álbum.

El interés que el plan de Bieber generó fue un indicador claro del debate continuo alrededor de los formatos musicales en la era digital.

«Los formatos siguen siendo muy importantes en la música, le permiten al artista expresar cosas diferentes y permiten crear diferentes planes de marketing«, es la opinión de Jeremy Erlich, co-jefe de música en Spotify. «Creo que el hip-hop ha tenido gran influencia con sus mixtapes, en el sentido de que los artistas pueden publicar obras que no necesariamente son el producto final y pensado de un álbum«.

Aún estos tiempos, la industria de la música sigue estando pensada alrededor del álbum: los contratos discográficos se basan en un número específicos de álbums, mientras que los ciclos de marketing están también construidos principalmente alrededor de la agenda de lanzamientos de álbums. Según Erlich quien también trabajó para Interscope Records, desde el lado de las discográficas es más fácil promocionar un álbum como un trabajo completo que un single. Claro que se puede promocionar un single, pero es un solo track, la clave para tener una carrera exitosa es evolucionar de tener un single exitoso a tener un conjunto de obras exitosas.

El negocio del directo también conserva el respeto por el formato del álbum, puesto que las giras se planifican para promocionar los nuevos álbums. Neil Blanket, jefe de Marketing en Mute, comenta que los agentes de booking y promotores se apoyan en los lanzamientos de álbums para vender shows, sobre todo con los artistas más establecidos.

En cuanto a si los fans prefieren el formato álbum o no, es una pregunta complicada. Erlich opina que algunos fans siempre vana preferir las listas de Top 40, mientras que otros prefieren profundizar en un álbum y encontrar las canciones que no son los singles. Mirando las estadísticas de lanzamientos, incluso los tracks menos comerciales en un álbum hit tienen millones de reproducciones, esos usuarios quieren pasar más tiempo con el trabajo del artista.

Nigel Harding, VP de marketing en Deezer tiene una opinión diferente. La compañía realizó un estudio recientemente con 8,000 usuarios, en el que encontró que el 54% están oyendo menos álbums que hace 10 años. «Esto se refleja en nuestros datos, que muestra la escucha de álbums ocupa solo 17 minutos, muy por debajo del promedio diario de minutos de escucha a nivel mundial de 26 minutos por fan. Los usuarios prefieren escuchar una mezcla de canciones de diferentes artistas«.

Las razones para este cambio son que el usuario siente que existe demasiada música para escoger y muy poco tiempo, un ejemplo clásico de la paralizante sobrecarga de opciones sobre las que a menudo se advierte a los especialistas en marketing.

También es oportuno preguntarse si la creciente duración de los álbums ha influido en este cambio de comportamiento. Con la muerte del formato CD y sus limitaciones, los artistas y discográficas han sucumbido a crear álbums cada vez más largos, también como una táctica de números para alcanzar el tope de la listas: más cantidad de tracks = más cantidad de reproducciones.

Al debate sobre el formato también se suma el debate de la frecuencia: ¿qué tan seguido es recomendable lanzar contenido? Todo depende. Si no se alimenta a los algoritmos con nuevo contenido, el artista está en desventaja. La tendencia de la industria es publicar y publicar hasta que algo conecta y entonces se trabaja sobre ese éxito particular. Suena como una labor de trabajo muy intensa, pero algunos ejecutivos piensan que la industria en realidad se mueve de forma muy lenta para los fans.

Si un artista se mueve muy rápido, puede perder a la prensa y la industria, los periodistas no pueden con tantos lanzamientos, pero si se mueve muy lento entonces pierde a su audiencia. Entonces, ¿para quién se hacen los lanzamientos? ¿para los fans o la prensa?

Los formatos en los que la industria trata de meter a los artistas ya no necesariamente funcionan. Según Erlich, todo depende y a nadie le gusta escuchar eso, preferirían que escuchar «sacar tu disco tal día y será un éxito», pero tienes artistas como Ed Sheeran que desparece por un tiempo, saca un disco de pronto y siempre tiene éxito; y tienes a los artistas de hip-hop publicando cosas constantemente.

Los artistas tienen el poder para experimentar con los formatos y frecuencia porque son quienes conocen mejor a sus fans y gracias al poder de los datos, no están solos en este proceso. Con las herramientas analíticas es posible ver cuando los fans quieren más o cuando ya están listos para darse una pausa con tu música, se puede ver cuando el artista está en su tope y así no sobresaturar a los fans.

La cantidad de datos que Spotify for Artist ofrece a los artistas permite al menos tomar la temperatura de lo que los fans quieren del arista, indica Erlich. Pero lo que siempre trato de decir a los artistas y managers es que lo más importante es el momentum como indicador.

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Denominada «Nueva Música Para Ti«, esta oportunidad está en período de prueba únicamente en los EEUU por el momento, y es la primera vez en que los usuarios de la versión Premium van a recibir publicidad en sus aplicaciones.

El anuncio fue revelado justo antes de la reunión para discutir los ingresos del último trimestre, y significa que la plataforma podría ofrecer mas oportunidades a las discográficas de tener una ventaja para sus artistas en Spotify, así como obtener más ingresos para la compañía.

Este tipo de publicidad ya existe en la plataforma, en un formato visual que aparece a los usuarios de forma orgánica para hacerles saber de un nuevo lanzamiento, solo que ahora las discográficas podrán manipular lo que los fans van a ver. Un detalle importante es que los usuarios de la versión Premium podrán optar por no recibir este tipo de publicidad, pero los usuarios de la versión gratuita no podrán hacerlo.

En una publicación de su blog Spotify indicó: «Con esta prueba piloto que estamos haciendo en los EEUU, les ofrecemos a los artistas y sus equipos la posibilidad de conectarse directamente con aquellos fans más interesados en su música. Permitiremos a los artistas pagar para patrocinar estas recomendaciones, dándoles el poder de comunicarle a sus oyentes en Spotify todo acerca de su más reciente lanzamiento. Los usuarios escucharán más sobre más artistas, lo que significa que estarán siempre enterados de las noticias«

Spotify está siendo cauteloso para no irritar a los usuarios, sobre todo los Premium que especificamente pagamos para no recibir publicidad: las discográficas solo podrán dirigir estas promociones a «oyentes frecuentes» del artista en cuestión, o usuarios que le hayan seguido recientemente.

Por el momento no está claro qué tarifas tendrá este servicio ni cuando estará disponible en el resto del mundo.

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Para pre-guardar música, que agrega un nuevo lanzamiento a la biblioteca de un usuario tan pronto como está disponible, los usuarios de Spotify aprueban ciertos permisos que otorgan a la discográfica mucho más acceso a las cuentas de esos usuarios, de lo que el gigante del streaming normalmente les otorga, lo suficiente para rastrear lo que los usuarios escuchan, cambiar los artistas que siguen y, potencialmente, incluso controlar la actividad del usuario en la aplicación de forma remota.

Esto permite a las discográficas acceder a algunos de los datos que las compañías de streaming generalmente guardan para sí mismas. Pero en un momento en que las políticas de gigantes de internet como Google y Facebook han convertido la privacidad online en un tema polémico, el proceso de pre-guardado de música podría comenzar a generar preocupación entre los consumidores, y quizás incluso preocupar a los reguladores.

Las discográficas también piden muchos más permisos de los que necesitan. A los usuarios de Spotify que, por ejemplo, trataron de guardar previamente el sencillo «Bounce Back» de Little Mix de los enlaces compartidos por el mismo artista o su sello, Sony Music, se les pidió que aceptaran que Spotify pudiese permitir que Sony viera los datos de su cuenta de Spotify, que pudiese ver su actividad en Spotify y realizar acciones en Spotify en su nombre. Los permisos exactos que solicita Sony solo son visibles para aquellos que acceden a los submenús correspondientes, por lo que los usuarios pueden no entender completamente todo lo que aceptan, o que los cambios se aplican a su cuenta a menos que lo cambien en el sitio web de Spotify.

«No estoy seguro si la mayoría de la gente se da cuenta de eso«, dice John Tinker, analista de medios de Gabelli & Company. «Nada de lo que están haciendo es ilegal, es solo que nadie se da cuenta, cuando firman estas cosas, de lo que realmente significan«.

El único permiso que se necesitan las discográficas para guardar previamente la música en una cuenta de Spotify es el permiso para «agregar y eliminar elementos en la Biblioteca». Sin embargo, los submenús de la campaña Little Mix de Sony pidieron a los usuarios 16 permisos adicionales, incluyendo el control de Spotify en sus dispositivo. En la campaña por el nuevo sencillo de Chris Brown con Drake «No Guidance», Sony pidió permiso para «cargar imágenes para personalizar tu perfil o la portada de la lista de reproducción y administrar a quién sigues en Spotify.

Spotify, Sony y las otras grandes discográficas declinaron hacer comentarios para esta historia, publicada originalmente por Billboard.

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¿Cuáles son las claves para sobrevivir en este nuevo mundo digital? Estos son los otros 10 consejos prácticos, para adaptar la estrategia de marketing y comunicación de su sello musical a un entorno nuevo y con unas reglas totalmente distintas.

11. Esmérate con el diseño gráfico: la música nueva entra por los ojos

El poder de la imagen para vender música no es algo nuevo. Algunas colecciones de viejos vinilos son una genuina galería de arte. Aunque hoy día los lienzos no son tan grandes, la importancia de lo visual se ha multiplicado. Una dirección de arte cuidada, original  e inspiradora a la hora de confeccionar de tus portadas y promos te va a situar un peldaño por encima. Quizás lo hagas tan bien que el siguiente paso surja de forma natural: lanzar tu propia línea de ropa.

12. Saca partido a los nuevos formatos de vídeos eficaces y baratos

El videoclip oficial para TV es un proyecto audiovisual complejo que no todos los sellos pueden costear. Sin embargo, en las redes sociales la exigencia de calidad es menor, y ha surgido toda una nueva tipología de vídeos para el entorno digital, mucho más baratos y con un asombroso potencial viral: teaser videos, lyric videos, tour videos 100% amateur (tomados artesanalmente con una GoPro), making of de una sesión de estudio, vídeos de crowdsourcing, montados a base de escenas enviadas por los fans…

13. Lanza ediciones limitadas en CD o vinilo para tus mayores fans

Aunque tu estrategia sea 100% digital, puedes seguir contando con el disco en formato físico para satisfacer a tus fans más acérrimos. Aquí te la juegas con la exclusividad y el acabado de lujo. Seguro que cientos de tus seguidores pagarían con gusto un dinero extra por tener un ejemplar para coleccionistas. Y tienes la certeza de que ésos van a ser tus prescriptores más fieles.

14. Satura Google con vídeos, artículos y contenido sobre tu disco

La primera página de resultados de Google es el termómetro que mide el éxito de tu estrategia de distribución y comunicación de un lanzamiento. Tu trabajo es llenar esta página con, al menos, una entrada acerca del disco en Wikipedia, tres o cuatro entrevistas o artículos escritos, dos o tres vídeos (el videoclip oficial y entrevistas para TV) y los enlaces de compra del álbum o single en iTunes.

15. Agrega links de escucha y descarga en tus posts, tweets y artículos

¡Convierte la atención en tráfico relevante y ventas! Durante la campaña de lanzamiento, cualquier comunicación (posts en Facebook, tweets, fotos en Instagram, vídeos en YouTube, notas de prensa…) debe ir acompañada de llamadas a la acción y enlaces a las plataformas de streaming o tiendas online. Usa URLs acortadas para no ser escandaloso y utiliza soluciones para marketing musical como Linkfire o la gratuita smartURL.

16. Respeta el papel de las radios musicales

En los últimos años, YouTube se ha erigido en un serio competidor, pero hay que reconocer que la radio musical sigue siendo aún hoy el mayor fabricante de hits. Para que tu canción sea un éxito, necesitas a las emisoras especializadas en tu estilo musical. Conócelas, mantenlas al tanto de tus novedades y reserva una porción de tu presupuesto de marketing para acuerdos publicitarios.

17. Busca la complicidad de las webs especializadas

Si te mueves en un nicho musical muy concreto y no comercial, salir entrevistado en El País o en TVE puede ser halagador, pero irrelevante. Podrás sacar pecho en tus redes sociales, pero poco más: normalmente tus públicos están ahí. Es más eficaz que tengas presencia en webs y revistas especializadas. Además de las notas de prensa regulares, ofréceles premieres de tus nuevas canciones, contenidos exclusivos, invitaciones a eventos, acuerdos de patrocinio…

18. Mantén actualizada una base de datos de influencers sociales

La labor tradicional de relaciones públicas ahora es más compleja y diversa. La relación con los periodistas, aunque a menudo complicada, se rige por normas claras y suele imperar la profesionalidad. En el mundo 2.0, decenas de youtubers, tuiteros o instagramers pueden ser tan influyentes como aquéllos, y tratarles te va a resultar más caótico: son impredecibles, no se cortan a la hora de atacar tu trabajo y no siempre responden al teléfono. Tenlos localizados, dales un trato especial y aprende a aguantarles

19. Planifica fácilmente estrategias regionales diversas

Hay decenas de distribuidores digitales de música (TuneCore, Cd Baby, ReverbNation, Creanauta, Zimbalan, La Cúpula Music, Label Works, Believe Digital…) que te ofrecen soluciones sencillas para poner tu música a la venta a escala mundial en todas las plataformas existentes. En función de tu planificación de marketing o el entorno de derechos de autor en el que te muevas, podrás diseñar fácilmente estrategias o calendarios distintos en cada país o continente. Aprovéchalo para adaptarte a cada realidad geográfica.

20. Mientras dure esta lacra, usa la piratería a tu favor

La piratería se ha reducido desde que la industria se ha puesto las pilas y ofrece una amplia gama de formatos de consumo musical a bajo precio y con alto valor añadido. Sin embargo, sigue haciendo un daño enorme a los creadores. Hasta que se erradique totalmente, estás obligado a usarla a tu favor. La distribución ilegal funciona como una perfecta máquina de marketing y puede lanzar tu música a enormes mercados. Si eso no te reporta digital alguno, aprovecha al menos esa popularidad para potenciar tus actuaciones en directo o tus colaboraciones con marcas.

Ibai Cereijo, director de la agencia Woo Media, estará presente en el Primavera Pro (Evento profesional del Primavera Sound) impartiendo la charla «Lanzamientos discográficos ayer y hoy: Cómo el mundo digital lo ha cambiado todo» 

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Los artistas se relacionan directamente con sus fans, la música en directo está en auge y los nuevos modos de consumo (multipantalla, por búsquedas o afinidad sonora, en formatos sync a través de TV, publicidad, cines o videojuegos) han dibujado un ecosistema totalmente nuevo. Quienes no se adaptan languidecen entre proclamas nostálgicas o ya han desaparecido. ¿Cuáles son las claves para sobrevivir en este nuevo mundo digital?

Estos son los primeros 10 consejos prácticos, de 20, para adaptar la estrategia de marketing y comunicación de su sello musical a un entorno nuevo y con unas reglas totalmente distintas.

1. Atrévete a competir de igual a igual con los sellos grandes

La distribución digital ha reducido la brecha entre grandes discográficas y sellos modestos. Tienen mayor presupuesto publicitario y know-how, pero su ventaja principal en el mundo analógico, las amplias redes de distribución física hasta alcanzar la última tienda de discos de barrio, ha perdido valor. Ahora usan herramientas similares a las tuyas para poner sus discos en todas las plataformas y compiten por la atención de los usuarios en los mismos campos de batalla que tú: Facebook, YouTube, Spotify…

2. Los discos van y vienen, pero el artista permanece: céntrate en él

La venta de música grabada ha dejado de ser la principal fuente de ingresos de la música. Antes, cada nuevo disco era el epicentro de la vida de un artista. Ahora, ha pasado a ser un instrumento publicitario y un reclamo mediático para alimentar el verdadero negocio: giras, conciertos y colaboraciones con marcas. Por eso, pon al artista en el eje de tu relato promocional y ofrece algo más que cháchara sobre su disco: historias, cotilleos, fotos, eventos inolvidables…

3. No pongas la fecha de lanzamiento en el centro de tu estrategia

Con el disco físico, coordinar la promoción y la logística era el nudo gordiano del negocio. Para cuando la música empezaba a sonar en la radio y llegaban las primeras entrevistas en TV, el disco tenía que estar colocado en el expositor de miles o millones de puntos de venta… ¡Un rompecabezas! Como eco de aquella época, muchos sellos continúan dando hoy un protagonismo exagerado a la fecha de lanzamiento. Antes tenía sentido para dar tiempo, pero ahora… ¡Qué más da! ¡Sólo cuesta un clic!

4. Haz disponible la música, aunque sea en formatos gratuitos

El usuario digital desea una experiencia de consumo integral. Si lee un artículo tu nuevo disco, no va a entender que no pueda escucharlo en Spotify o YouTube. La promoción debe realizarse con la música disponible para evitar experiencias de usuario frustrantes. Si tú no se la ofreces, ya lo hará otro con su nuevo álbum. En suma, ¡no demores la salida al mercado de tus lanzamientos con campañas de pre-lanzamiento interminables! Y ofrece previews de tus nuevos singles fácilmente localizables en Google, con la opción de reservar o pre-ordenar en la tienda online.

5. Cuida de los metadatos, la base de la descubribilidad

Los metadatos son unas etiquetas invisibles que describen tu música y ayudan a las plataformas digitales a ubicarla en su categoría más adecuada en función de su género, estilo, país y afinidad sonora. Es esencial que describas tus temas como el público espera hallarlos, no como a ti te gustaría. Los sistemas de recomendación automática, ese apartado que suele indicar Artistas similares o Más canciones parecidas, pueden abrirte la puerta a millones de nuevos oyentes.

6. Asegúrate de que tu nuevo disco pueda competir con tus anteriores

En las nuevas plataformas de compra (iTunes, Google Play, Amazon MP3, Beatport…) y los servicios de streaming (Spotify, Deezer, Apple Music…) el usuario tiene casi todo el catálogo de música comercial de la historia a un solo clic. Cuando entre en tu página de artista, le va a ser tan fácil escoger tu nuevo álbum como el anterior, disponible unos centímetros más abajo con un simple scroll. Si has tenido un enorme hit en el pasado, corres el riesgo de que tus fans sigan regresando a él. Tu nueva música tiene que ser tan buena que compita con la del resto de artistas… ¡Y con tu discografía anterior!

7. Asume que el 50% de las escuchas llegarán por búsquedas, playlists o géneros

En una lógica de escucha lineal, un álbum constituía un viaje completo a lo largo de 12 ó 14 temas, con su inicio, su desarrollo y su desenlace. Hoy día, no puedes esperar que tu público reproduzca tu disco de principio a fin. Quizás nunca lo haga y se pierda las la aventura sonora que le propones. Tienes que construir tu LP de forma distinta porque va a ser escuchado de forma no secuencial.

8. Busca canales de sincronización en TV, cine, publicidad y videojuegos

¿Cuántas veces has conocido un tema a través de un anuncio de TV antes de que se convirtiese en un número uno en la radio? La sincronización musical es un campo en auge desde que la venta convencional de música ha decaído. Además, te permite alcanzar a audiencias muy heterogéneas y a consumidores irregulares de música a las que nunca pensaste llegar.

9. Regala canciones, remixes o tributos a temas clásicos

Combinar artículos de pago con regalos gratuitos es una de las claves del éxito en el nuevo entorno digital. Al entrar en el estudio, asume que no sólo compones y produces para vender, sino también para alimentar mediante obsequios la relación con tus fans y tu estrategia de prensa. ¿Por qué no producir un cover como homenaje póstumo a David Bowie o a Prince? Estos audios, distribuidos a través de SoundCloud o YouTube, a menudo se viralizan y obtienen más impacto que tu single de pago.

10. Sorprende con lanzamientos inesperados o colaboraciones insólitas

No seas previsible. La estrategia tradicional de lanzar un disco cada dos años con tres singles fuertes para la radio se ha quedado obsoleta en la sociedad de la inmediatez y Twitter. Hoy en día, si no lanzas nueva música en tres meses, el mercado tenderá a pensar que te has muerto, o retirado. Aprovecha tus periodos valle entre grandes proyectos discográficos para sorprender con propuestas diferentes, incursiones en nuevos géneros, temas sorpresa o featurings alejados del guión.

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Ibai Cereijo, director de la agencia Woo Media, estará presente en el Primavera Pro (Evento profesional del Primavera Sound) impartiendo la charla «Lanzamientos discográficos ayer y hoy: Cómo el mundo digital lo ha cambiado todo» 

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