Para celebrar y reconocer los diversos géneros y estilos musicales dentro de la música urbana latina, Spotify lanzó una nueva experiencia llamada «Find Your Flow» o «Descubre Tu Flow«, que ofrece a los fans listas de reproducción personalizadas adaptadas a sus gustos musicales. Esta nueva experiencia interactiva en la aplicación ayudará a los oyentes a descubrir qué estilos de música latina los definen mejor.

Cuando los fans entren la experiencia, se le harán tres preguntas sobre sus gustos musicales. La aplicación entonces combinará las respuestas con sus hábitos de escucha para determinar su flow único.

Los flujos están definidos por ocho diferentes personalidades. Son:

– Bichota: Te sientes empoderado/a y listo/a para bailar. Tu identidad es fuerte. No es solo una tendencia, es un estilo de vida.

– Perreadorx: La fiesta te llama y no puedes perdértela. Eres aventurero/a y la noche es tu momento favorito del día. ¿Puedes adivinar por qué?

– Leyenda: Tienes una debilidad por los clásicos; empiezas el perreo con «Gasolina». Siempre estás listo/a para poner tus himnos y convertirte en el alma de la fiesta.

-Romántico/a: Dedicar canciones es tu forma de escribir poemas. Muestras tu amor con un verso y, como verdadero/a romántico/a, cada letra derrite tu corazón.

-Pegao: Tu contenido es el más viral en las redes sociales. Conoces todas las tendencias y bailes. Cantar con flow es tu pasión. No te pierdes ni un ritmo y siempre estás al tanto de lo que es genial.

-Bellacx: Las calles te enseñaron todo lo que sabes sobre música. Siempre hubo los mejores ritmos en tu vecindario para bailar, perrear y rimar.

-Tóxico/a: Vives tus relaciones a través de la música, por lo que necesitas un himno para cada aspecto de tu vida romántica: rupturas, infidelidad y celos.

-Rookie: Tu flow no es urbano, pero si le pones el corazón, puedes animar la fiesta.

El cuestionario está disponible en la página dedicada https://spotify.com/descubretuflow. Responde las tres preguntas del cuestionario. Basándose en los hábitos de escucha, la aplicación sugiere una mezcla única de porcentajes de las ocho personalidades y comparte una lista de reproducción personalizada especialmente curada según la mezcla de personalidades.

Los usuarios pueden compartir fácilmente sus personalidades y su flow con amigos en las redes sociales a través del botón de compartir.

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Bizarrap, nacido Gonzalo Julián Conde, era un estudiante universitario con poca experiencia en la industria de la música profesional en ese momento, pero la colaboración, un trap latino con un video simplificado que mostraba a los dos hombres en el estudio del productor, despegó eventualmente acumulando 11 millones de visitas en YouTube.

Esta sesión se convirtió en el modelo para BZRP Music Sessions, una serie de canciones con diferentes vocalistas rapeando y cantando sobre los beats de Bizarrap, que se basan libremente en la arrogancia del trap latino, el reggaetón y la síncopa de dembow, y la extravagancia del EDM.

Lo que comenzó como la diversión de un aficionado es ahora una fuerza muy influyente en el pop mundial. Aunque Bizarrap todavía trabaja a menudo con los recién llegados argentinos, su lista de colaboradores se ha ampliado para incluir artistas de todo el mundo de habla hispana, incluidas celebridades ocasionalmente, como Nicky Jam, que apareció en «BZRP Music Sessions #41»

En conjunto, los videos de BZRP Sessions tienen más de mil millones de reproducciones totales en YouTube. La última entrega, un tema dance-pop enormemente pegadizo con la participación del rapero español Quevedo con voz de barítono, actualmente tiene más de 256 millones de visitas en YouTube y se encuentra en el Top 5 de Spotify Top Songs Global chart desde el 15 de julio, con la mayor parte de ese período en el No. 1.

Aunque la escala del éxito de Bizarrap ha cambiado, la estética de las sesiones se ha mantenido prácticamente igual: al igual que con la primera colaboración de Kodigo, el video de Quevedo es discreto, sin escenarios sofisticados o efectos, solo el rapero y el productor grabando y divirtiéndose.

Chartmetric ha publicado un análisis del impacto que han tenido estas sesiones en la industria de la música. Se enfocan en tres artistas que han grabado sesiones desde el debut de la serie en 2019: Quevedo, Villano Antillano de Puerto Rico y L-Gante de Argentina. Para cada artista, analizan métricas como los oyentes mensuales de Spotify y los seguidores en las redes sociales, comparando sus estadísticas antes del lanzamiento de la sesión con el crecimiento que vieron después.

Villano Antillano – BZRP Music Sessions #51

Villano Antillano de Puerto Rico, una de las primeras artistas trans en lograr un gran éxito comercial en el rap latino, recibió un gran impulso en su carrera cuando se unió a Bizarrap para grabar «BZRP Music Sessions #51».

Cuando se lanzó la canción el 7 de junio de este año, Antillano tenía 80.314 oyentes mensuales en Spotify. Un mes después del lanzamiento de “BZRP Music Sessions #51”, la audiencia mensual de Spotify de Antillano había aumentado a 6.640.482, más de 15 veces más que el pico anterior.

A fines de agosto, el crecimiento no mostraba signos de desaceleración, con una audiencia mensual de 9,432,584. Los sencillos posteriores «Mujerón» y «KLK» han contribuido en parte al éxito vertiginoso de Antillano en Spotify, pero está claro que la sesión BZRP es el principal impulsor, con 111.138.217 reproducciones totales en la plataforma hasta la fecha, en comparación con 934.569 y 547.419 respectivamente para esas dos canciones.

En redes sociales, Antillano experimentó un crecimiento de seguidores relativamente plano a lo largo de 2022, hasta que un estallido de popularidad coincidió con el lanzamiento de la canción a principios de junio: de 662 seguidores en TikTok el día en que se publicó a 430.300 dos meses después.

También vio aumentos de 63.754 a 514.284 seguidores durante el mismo período en Instagram; de 3.169 a 28.804 fans en Facebook; y de 9.250 a 31.577 seguidores en Twitter.

L-Gante – Sesiones de música BZRP #38

L-Gante, un artista argentino que hace una mezcla de cumbia y reggaetón que ha sido apodada «Cumbia 420», se estableció de manera más independiente que Villano Antillano cuando grabó su sesión de BZRP el año pasado.

L-Gante ya atraía a 3.913.037 oyentes mensuales de Spotify cuando se lanzó «BZRP Music Sessions #38» el 10 de marzo de 2021. Un mes después de su sesión de BZRP, su audiencia mensual de Spotify casi se duplicó, saltando a 6.049.473.

Un año después, en marzo de 2022, su audiencia de Spotify seguía en aumento, con 9.130.602. La creciente popularidad de L-Gante en Spotify desde 2021 no se puede atribuir únicamente a la sesión BZRP, pero, con 190.075.831 reproducciones totales hasta la fecha, BZRP Music Sessions #38 es su mayor éxito en Spotify.

En Instagram, su número de seguidores se duplicó durante el mes siguiente al lanzamiento, pasando de 507.892 el 9 de marzo a 1.141.012 el 9 de abril. Y en Facebook, su número de seguidores también casi se duplicó, aunque en menor escala, pasando de 8.676 a 16.468 el mismo período.

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De igual forma, Fabrizio se ubica también en el consejo directivo de Discos Panoram, sello discográfico del grupo Zoé, desde donde se encuentran desarrollando nuevos talentos con bandas como Reyno, Costera, AJ Davila, Juan Moreno entre otros. Por todo esto y más Onetto es una figura para hablar con propiedad sobre la internacionalización de talentos hispanos.

IM: ¿Cuál es el mayor reto que se tiene a la hora de promover música desarrollada en países hispanos para el resto del mundo?

Mopri: Desde el punto de vista de Seitrack en como trabajamos y lo que buscamos, el reto principal es que nuestros artistas consigan éxito en México. Una vez que logramos algún tipo de historia que se pueda exportar nos ponemos a trabajar en ello. En todos los casos después de México, el país más importante es “California”, si fuese un país, y después EEUU. La cercanía para nosotros es la prioridad natural con California, luego Chicago y Texas. Si hablas de un género urbano puede que Florida tenga un peso más considerable, pero para rock y música regional es California la prioridad después de México. California, siempre lo hemos visto como después de México el país más importante.

Luego de EEUU vemos qué otros territorios. A veces Centro América es un mercado natural, y después la prioridad siempre es Colombia, después Chile, a veces Argentina y posteriormente uno ya pensaría en España y muy posteriormente en países de no habla hispana. Esto sería un plan realista. Obviamente uno busca penetrar otros mercados, pero en el mayor de los casos es muy raro.

IM: ¿Existe una fórmula de internacionalización extrapolable a diferentes proyectos?

Mopri: No diría que hay una fórmula, pero hay un checklist de cosas que hay que buscar cubrir. Hay muchas cosas que se pueden hacer desde la trinchera en donde uno vive: se pueden hacer entrevistas, phoner, analíticas de las redes, analizar dónde invertir. Por ello, hoy en día un artista se puede hacer conocer a la distancia algo que anteriormente era imposible.

Cuando la data nos arroja que está ocurriendo algo nos da respuestas y también surgen oportunidades en otros países, pero no diría que hay una fórmula.

También siempre van a haber artista con una inclinación a internacionalizarse más que otros. En el caso de México, tenemos un mercado tan grande con más 100 millones de personas, que tenemos artistas que pueden desarrollar una carrera perfectamente exitosa y duradera, sin necesidad de salir del país. Eso es algo que a veces va en contra de la internacionalización y vuelve a los artistas cómodos.

Hay géneros que son más limitados y hay formas de cultura que no se traduce lo que hacemos aquí a países como Argentina o a España, pero hay casos en los que sí, algo muy mexicano puede ser atractivo a otros países.

IM: ¿Cómo determinar el momento adecuado o la etapa en la carrera artística en la que conviene dar el paso de internacionalización? ¿Cuándo dices que los has logrado en México, cuando llenas espacios con miles y miles de personas (un Foro Sol?) o mucho antes?

Mopri: No, mucho antes, mucho antes. Cuando arranco Zoé por ejemplo, cada disco y cada etapa siempre se consideró a California y Estados Unidos dentro del plan. Con el segundo disco Rocanlover se hizo la primera gira formal, estilo guerrillero con su camioneta como hace todo el mundo a sus inicios. Y se debieron hacer unas 10 giras desde el primer disco a la fecha, y te puedo decir que la última gira fue donde vieron dinero. Es lo mismo que ocurre en España, donde también se ha invertido y te puedo decir que en la salida de su siguiente álbum hay fechas ya anunciadas en España y en Latinoamérica.

El sistema de booking de Zoé está muy desarrollado con cada lanzamiento, su agente principal, Javier Montemayor tiene ya más diez años haciendo giras de Zoé y es un proceso donde ya tiene referencias de todo lo que ya hiciste para trabajar mejor y 10 años de aliados y cada vez haces mejores giras. Llegar a eso es bien complicado y lo necesitas tener claro desde el principio.

Con Costera una banda nueva, a penas estamos resolviendo el circuito en México luego ver cómo se extiende a Estados Unidos.

El problema que tiene Estados Unidos es que a partir de Trump es más difícil girar por las políticas migratorias, es más exigente el tema de las visas, sigue siendo caro y por ello algunas bandas están considerando desarrollar otros territorios. Allí es cuando el entorno afecta tus decisiones y tus planes. Pones en la balanza el costo de las visas, lo procesos etc y el beneficio que puedas obtener de una gira.

IM: Danos una pista, pues sabemos que llenar el Foro Sol es algo exagerado, pues Zoé salió mucho antes, pero de nuevo cuándo puedes decir hay un indicativo que lo hemos logrado en México.

Mopri: Sí hay indicativos. Cuando estas arrancado es si estas llenando lugares de 200 o 300 personas en diferentes en diferentes ciudades. Ese sería el primer indicativo que te invita a pensar en extender esas ciudades que puedes hilar en una gira. El otro elemento son las analíticas y cuando ves que la mayoría de tus streams o seguidores están en otro país es un indicativo que hay algo allí afuera y hay feedback, existe algo.

IM: ¿El business plan de un proyecto de internacionalización de la música, teniendo en cuento los tiempos que nos cuentas de Zoé, a cuántos años debería ser?

Mopri: A mi me gusta trabajar a 1 año, 3 años y ya muy lejano a 5 años. Hoy en día creo que si trabajas a 1, 2 y 3 años con objetivos claros en esos rangos de tiempo es más razonable, por más que tengas de visión de carrera de 10 o 15 años. Pero el plan inmediato con el que debes trabajar en el día a día es a dos o tres años, porqué por que el mundo cambia muy rápido, hay situaciones nuevas, entornos diferentes, los fans cambian. Hay que tomar en cuenta ese entorno cambiante por lo que yo no recomiendo planes más allá de tres años.

Con respecto al retorno depende de quién sea en la cadena, el editor, el manager, la discográfica, el artista…Una editora apuesta a 10 años, una disquera apuesta a 3 discos, el manager apuesta entre 3 y 5 años primero. El artista debe apostar con un compromiso total de una vida si quiere hacerlo en serio, de carrera y saber que es una carrera bien ingrata y complicada. Es más, verlo con el retorno de cada proyecto dentro de una carrera, proyectos o ciclos, para llegar a puntos de equilibrio.

Esta es una industria en donde la carrera de resistencia es lo que dicta las cosas y somos más maratonístas que corredores de 100 metros planos es así como hay que pensar más en el largo plazo.

Parte de nuestra labor como manager y consultores es ayudar y educar a los artistas para que tengan una visión más global. Una parte de buen ejemplo es la parte editorial que es algo más a largo plazo, el catálogo. Hay cosas que tienes que hacer para impulsar el desarrollo a corto plazo y otras a más a largo plazo para tener un proyecto más robusto. Y cuando el artista entiende mejor que juego está jugando más fácil y más posibilidades tiene de ganar el juego.

IM: ¿Consideras que el Estado juega algún papel importante en el desarrollo de proyectos artísticos a nivel internacional?

Mopri: El Estado juega un papel importantísimo y el Estado mexicano hace lo que puede, desgraciadamente tenemos otros problemas que atender y la cultura pasa a un segundo plano. México tiene una cultura muy fuerte que es reconocida en todo el planeta y eso el gobierno lo sabe, entonces sus mecanismos y organismos de cultura, obviamente se van por lo más fácil, por lo íconos ya reconocidos, lo folclórico o autóctona es lo que se busca impulsar con ayuda de gobierno. No quiere decir que está mal, pero creo que se podría apostar por proyectos que tienen una visión más global del mundo y no solo algo netamente mexicano. Por ejemplo, en el cine o los fotógrafos mexicanos en los últimos años han ganado todos los premios habidos, es decir, si se ha hecho, en la música se puede hacer, pero el apoyo que se puede obtener es más difícil cuando quieres hacer un proyecto pop o un proyecto rock.

Me da envidia de la buena el apoyo que tienen países como España, como Canadá, a sus proyectos de música alternativa, Inglaterra ni se diga. Es más, hasta Colombia siento que tiene sistemas de apoyo mejor organizados que nosotros (México). Aunque si siento en los últimos años ha habido pasos a mejorar en ese aspecto.

Hay países en donde por ejemplo los ingleses lo ven como industria y como algo más global, no tanto netamente cultural.

IM ¿Nos puedes nombrar 5 herramientas o elementos claves o imprescindibles para internacionalización?

Mopri: Una herramienta básica que a veces se ignora, el mailing list, un lugar donde la gente te pueda dejar tu correo y si ves que empiezas a crecer en una determinada región. Y es una base de la cual tú tienes el control, no es tu base de Facebook.

Cualquier herramienta donde haya tracción, hay proyectos que funcionan mejor en Facebook, otros en Instagram.

Bandsintown es una muy buena herramienta para saber dónde está la gente que va a los shows. Pero también esta data varía mucho dependiendo del artista, a veces funciona muy bien en YouTube y en Spotify está muerto.

Básico es tener un website, que a veces no se tiene, hay artistas que creen que con Facebook ya resolvieron todo, pero es importante tener un hub, donde puedas tener un mailing list y todas las plataformas digitales, que el que te busque te encuentre y de la web además salen las analíticas.

IM: ¿Crees que se puede exportar música en inglés de un proyecto hispano? Particularmente aquí en España hay muchos grupos indies que adoptan el inglés como lengua de interpretación y queríamos saber si piensas que esto estrategia acertada o crees que es algo que te puede jugar en contra.

Mopri: No es que esté en contra, cada uno es libre de expresarse como quiera, en lo que respecta a la composición, pero en lo que respecta a la interpretación, en el 99% de las veces, las bandas o los artistas que interpretan en inglés, el acento es muy notorio para una persona anglo o para un escucha mundial que está acostumbrada a escuchar música en inglés cantada por angloparlantes.

El acento es un gran traidor. Por ejemplo, hay artistas argentinos o uruguayos, sin irnos al inglés, que su acento no traduce aquí en México y viceversa, y lo mismo pasa con España. En el inglés es peor el problema, porque estás acentuando un lenguaje en donde ese acento no aplica y algo que no se puede evitar. Por lo que no sé, a menos que sea algo encantador como los discos de los años 70 de Caetano Veloso (sino no tiene sentido).

Caetano es un gran ejemplo, es una figura icónica en Brasil con una carrera de más de 50 años y canta con una dicción muy muy buena en italiano, en francés, inglés, español, el tipo de maneja cinco idiomas, pero te vende su interpretación de manera que te das cuenta de que es Caetano que es un brasilero cantando en otro idioma, pero no sé de qué manera lo hace, pero es tan convincente que se la compras.

IM: Perdona que te interrumpa, pero creo que la razón por la que se la compras es porque no trata de imitar, él trae consigo su esencia. Hay muchas bandas que tratan de sonar como una banda anglo y esa esencia hispano o latina se deja a un lado.

Mopri:  Sí yo creo que va por ahí, yo entiendo que la lógica dice, ok si me quiero dedicar a la música, la música más popular del mundo es en inglés y para tener más oportunidades de desarrollo está en inglés, pues lo lógico es que cante en inglés.

Pero no necesariamente, uno está echando de menos su propio lenguaje y su propio idioma y la fuerza que puede tener. Se pueden conquistar muchos mercados en español, lo ha hecho mucha gente y creo que es suficientemente grande el mercado hispano de más de 400 millones de personas, como para querer abarcar los quizás más 1000 millones de hablan inglés, no lo sé, pero genera sentimientos encontrados.

Especialmente las bandas de España, me gusta mucho la música de bandas como Arizona Baby, me gusta mucho la música que hacen, pero no se la compro por el acento, es notable el acento.

IM: ¿Cuál es tu visión sobre la internacionalización en ambos lados del Atlántico? ¿Crees que los proyectos que se desarrollan en España tienen la misma receptividad en Latinoamérica y viceversa? ¿Pongamos el caso de Vetusta Morla y Zoé donde ambas bandas han sido aliadas de internacionalización, pero donde que a Vetusta Morla lo han querido más en México que a Zoé en España, es esto así, crees que esto es algo en la idiosincrasia de cada país?

Mopri: En ese caso específico, el público de Vetusta en España, a mi manera de verlo es un poco más cerrado a otras bandas fuera de Vetusta, independientemente si son españolas o no. Está tan casado a esa banda que en un concierto le cuesta abrirse a darle una oportunidad a una banda más, sea quien sea, no importa que sea de México o no. Esa es mi percepción, hay artistas que son tan especiales que llegas hasta el grado de obsesionarte. Vetusta es una banda tan especial que tiene fans obsesionados con ellos y les cuesta trabajo abrirse a otras cosas.

Y con Zoé, el público de Zoé en México es más receptivo a otras bandas, porque los mismo Zoé han hecho énfasis en invitar banda y actos muy pequeños a abrir sus shows y han educado a su público a darle una oportunidad a las bandas que ellos les dan una oportunidad.

En el caso de los países y las culturas, yo las pocas veces que ido a España a ver shows me han tocado festivales con publico anglo y muy variado también. Pero mi percepción es que aquí en México, el público es muy generoso y abierto, especialmente en Ciudad de México, no tanto así en todo el país. Le gusta mucho los artistas de España, de Argentina, últimamente de Colombia, de Chille. Es un público más receptivo y abierto que en otras partes del mundo, no sé porqué sea, pero es así.

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Hans Schafer, ha sido nombrado director de LN Latin, anteriormente Schafer fue Director de Talento Latino para AEG Live, donde dirigió los esfuerzos en el negocio latino de la compañía y antes de unirse a AEG Live, fue el Director de Brand Partnerships para Universal Music Latin Entertainment, donde dirigió asociaciones de marcas para más de 100 artistas de la discográfica.

Bob Roux, Copresidente de Live Nation US Concerts comentó: «La demanda de los fans de los eventos en vivo está aumentando en todos los ámbitos, y hemos estado viendo una mayor demanda de eventos en vivo latinos. Por ello, los conocimientos y la experiencia específicos de Hans relacionados con el negocio de Latin Touring y sus valiosas relaciones de talento permitirán a Live Nation seguir creciendo en este segmento importante del entretenimiento en vivo«.

En 2017, Live Nation produjo importantes shows latinos, incluyendo Enrique Iglesias y Pitbull Live! Tour, Prince Royce’s Five Tour, así como la residencia de Ricky Martin en Las Vegas en el Monte Carlo’s Park Theatre. LN también promocionó eventos para Mana, Marco Antonio Solís, Ana Gabriel, Alejandra Guzmán y Gloria Trevi, Gerardo Ortiz, Miguel Bose, Los Temerarios y Alejandro Fernández.

Si bien hemos venido hablando en los últimos años en IM sobre la importancia de Latinoamérica para Live Nation de cara a su estrategia de expansión y crecimiento, este paso de LN muestra también la importancia del mercado y del dólar hispano dentro de los Estados Unidos.

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Desde este fin de semana, Spotify tiene un nuevo rey en su plataforma a nivel mundial: Daddy Yankee. El artista latino creador de éxitos como Gasolina, Shaky Shaky y su más reciente colaboración con Luis Fonsi en Despacito, ha sobrepasado ya los 44.735.586 oyentes mensuales que hasta el día de hoy tenía Ed Sheeran, arrebatándole al británico la primera posición como el más escuchado en Spotify. El artista puertorriqueño se ha convertido así en el primer artista latino en ocupar el top de Spotify a nivel global.

“Mi trabajo como artista consiste en unir el mundo y sus culturas a través de la música, y el primer puesto es la consecución de que hemos estado haciendo bien nuestro trabajo” Daddy Yankee.

“Spotify ha estado apoyando la música latina durante muchos años, y en este justo momento todo el amor que siempre le hemos dedicado a este género se está viendo reflejado en sus fans y en su gran acogida. Estamos muy contentos de que los artistas latinos y, en esta ocasión, Daddy Yankee, amplifiquen su influencia y lleguen a muchos más públicos gracias a su música y nuestra plataforma” comenta Rocío Guerrero, Responsable editorial de Cultura latinoamericana en Spotify.

Desde la salida del tema ‘Despacito’ junto a Luis Fonsi (el tema también lo ha catapultado hasta puesto Nº3 en Spotify)  y posteriormente con el apoyo de Justin Bibier el aumento de oyentes de Daddy Yankee ha sido vertiginoso y es que el tema entre estas dos versiones ya acumula 1.120 millones de streams, y además el tema se encuentra sembrado en 3735 playlists, sin duda un tema que le ha cambiado la carrera a dos artista ya consagrados, pero ahora con una marca global. Veamos a continuación el impulso que le ha dado ‘Despacito’ a sus números en la plataforma de Spotify.

Oyentes Mensuales

Oyentes Diarios

Fans en Spotify

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El sitio, que también está ya optimizado para móviles, ofrecerá en principio entradas para eventos en New York y áreas circundantes, y es la primera vez que los consumidores en EEUU tendrán un sitio a disposición completamente en Español para completar sus compras.

Imagen: Facebook

«Actualmente no existe una opción real para el público hispano-hablante que quiere comprar entradas por internet en su idioma nativo» indicó el fundador de Schramm Marketing Group, Joe Schramm. «Los hispano-hablantes que desean asistir a un concierto, obra de teatro o evento deportivos deben recurrir a hacer filas en taquilla o ir a una tienda para comprar entradas. Fantástico ofrecerá a los consumidores Latinos la oportunidad de comprar tickets en los dispositivos móviles que más utilizan y en el idioma que hablan»

La utilización de smartphones es superior al promedio en los consumidores hispano-hablantes de los EEUU, así como es superior su hábito de comprar entradas, algo que Schramm espera capitalizar con el lanzamiento de esta compañía. Según con un reporte de Nielsen en 2015, los hispanos «son super consumidores de móvil», debido a que pasan más de 762 minutes utilizando sus dispositivos al mes. Asimismo, gastan un promedio de $72 al año en conciertos y festivales, en comparación con el usuario promedio de los EEUU que gasta $48.

Fuente: IQ-mag

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La siguiente entrevista con Fernando Giaccardi, manager de Enrique Iglesias es la primera de una serie de entrevistas de muy alto nivel que nos presentará desde Los Ángeles, California, nuestro colaborador Enrique Márquez (Greenlight Management).

IM: ¿Cómo comenzaste  en la industria y que te motivó a ser Manager?

Estudié Comunicaciones en el Tecnológico de Monterrey con actividades relacionadas con el entretenimiento, y luego, gracias a que mi padre trabajaba en Televisa, conseguí una oportunidad para comenzar a trabajar en una especie de Agencia de Publicidad interna de Televisa, donde realizaba principalmente actividades de marketing para las estaciones de radio. Luego trabajé en un área en la que se llevaban a cabo eventos conjuntos con las compañías discográficas, es decir, hacíamos eventos con artistas, entregábamos premios de música mexicana y varias actividades de ese tipo. Seguidamente trabajé directamente en la discográfica, siendo esta el área en la que trabajé más tiempo para Televisa, ocupé las posiciones de Product Manager y Sub Director de Marketing antes de que me trasladara, primero a las oficinas de Miami, y posteriormente a la de Los Ángeles, donde trabaje en la parte de Marketing y Promoción, allí me encargaba prácticamente de todo el mercado Norteamericano.

Mi motivación para ser Manager nace gracias al contacto frecuente que tenía con los representantes de los distintos artistas, donde la mayoría de ellos, principalmente los Managers de artistas no mexicanos, se quejaban de las cosas que según ellos no estábamos haciendo para promover a su artista. Me frustraba que ninguno de ellos venía a conversar sobre el plan que tenía para su artista o sobre posibles ideas, metas y objetivos de carrera. En realidad yo no busqué activamente pasarme a la parte de Management, pero cuando Enrique se cambio de la discográfica de Televisa a otra, él fue quien me comentó que su nuevo equipo de Management estaba buscando a alguien que conociera el mercado latino, así que él mismo les pidió que me llamaran para que fuese yo esa persona. Yo acepté principalmente por la muy buena relación que había formado con Enrique.

IM: ¿Qué busca un Manager a la hora de fichar a un nuevo artista y qué tipo de acuerdos se están manejando actualmente en la industria?

Bueno, no quiero ser negativo, pero actualmente es algo muy complicado. Antes era más fácil porque las compañías discográficas gastaban más dinero y ahora pareciera que ya no tienen tanto presupuesto. Es un tema que se ve todos los días en los reportes por servicios de distribución que pagan o dejan de cubrir. Al no haber tanto dinero disponible, los riesgos que se toman son mucho más modestos. Antes era mucho más frecuente que el Manager, o hasta el mismo artista, consiguiera que una discográfica pusiera dinero y apostara por él, ya que las empresas podían darse ese lujo.

Sin embargo, ahora los presupuestos para desarrollar nuevos artistas prácticamente no existen. Evidentemente si un artista es bueno, encontrará siempre la forma de salir a la luz. Si me preguntas, ¿Fernando, que buscas en un artista nuevo a la hora de firmar con el? Pues la letra de sus canciones, la música y si el artista es quien compone su propia música… al final del día lo más importante es la música, sea quien sea el que la escriba, pero es ideal que sea el paquete completo, como lo es Enrique, que él mismo compone sus canciones, canta, es guapo, trabaja mucho, y es un poco de todo, ¿no?.

En cuanto a los tipos de acuerdos, las disqueras quieren tener acuerdos de 360º, puesto que si hay poco dinero para invertir y ellos son los que lo tienen que hacer, obviamente querrán llevarse una parte del pastel para poder recuperar su inversión. Lo que haría un buen Manager si ve que su artista tiene potencial de llegar muy lejos, es asegurarse que el acuerdo NO sea de 360º, pues siempre es preferible que al final el artista se lleve lo máximo posible. El Manager, antes que nada, siempre tiene que ver en primer lugar por su artista. Con esto no quiero decir que no se compartan cosas con las disqueras o con terceras partes, lo importante es que todos ganen, pero siempre cuidando las proporciones, porque al final, el talento es lo que tiene el valor.

IM ¿Hacia dónde piensas que se moverá la industria en los próximos 5 años?

Es complicado saberlo. Hace no mucho, Enrique le preguntó a Lucian Grainge, presidente de Universal Music y el personaje más poderoso actualmente en lo que respecta al Music Business, cual sería el futuro sobre lo que está ocurriendo con las descargas, YouTube, el streaming…Tras unas carcajadas, Lucian le contestó que él no lo sabía, que lo mas gracioso era que todo el mundo pensaba que él tenía la respuesta, pero el problema es que hace  5 años no existía Spotify, unos años más atrás no existía Pandora, y hace apenas 15 años, todas las ventas de música eran a través de CDs, entonces es muy difícil predecir el futuro cuando el cambio constante es lo único seguro.

Definitivamente lo digital no va a desaparecer y el trabajo seguirá estando en tratar de entender cómo monetizarlo. No quiere decir que cada persona que escuche una canción en Spotify tenga que pagar una fortuna, pero sí debe haber un ajuste en la forma de hacer negocios. El público, y las masas, deben entender que es demasiado poco lo que se está generando y esto esta afectando al resto de la cadena en términos de presupuesto, no solo a los artistas, pero también a cientos de personas involucradas en cada canción, lo que en consecuencia reduce las oportunidades para los artistas nuevos. Yo creo que en 5 años seguiremos trabajando con lo digital, ojalá con mejores pagos, y fortaleciendo cada vez más la relación del artista con sus fans. Las redes sociales definitivamente han hecho esta conexión mucho más fácil y creo que esto es algo que en 5 años se va a profundizar.

IM ¿Qué factores le han hecho llegar tan lejos a Enrique Iglesias?

Una vez me preguntaron eso y yo respondí haciendo una analogía de cuando vas a jugar un videojuego de coches. Uno comienza fijándose en las diferentes características y tratando de hacer una combinación para escoger el coche perfecto (velocidad, maniobra, frenado, etc.) En el caso de un artista pop, la apariencia física, el talento para cantar, y el carisma, son atributos muy importantes, que en el caso de Enrique, los tiene a un alto nivel. Si a eso le añades que es muy trabajador, respetuoso, que escribe sus propias canciones y no está sentado esperando a que alguien le traiga una propuesta, terminas con una muy buena combinación. Lo que lo ha hecho triunfar es que tiene todas las características a nivel artístico y es mega trabajador, responsable, negociante, cariñoso, humilde y tiene mucha ética profesional.

IM ¿Cómo ves el impacto de la influencia Latina en el mercado hispanoparlante dentro de los Estados Unidos y la industria musical?

Indiscutiblemente lo que está sucediendo ahora va a seguir creciendo, es algo que no se puede detener. La población latina es la de mayor crecimiento, tienen una alta motivación al consumo y las firmas se dan cuenta de esto. Lo han hecho tarde, pero finalmente se han dado cuenta de que existe este sector de mercado y que cuenta con mucho potencial. Esto ha ocurrido en principio por la influencia de la cultura hip-hop, la cual ha posicionado ciertas marcas como identificativos de esta cultura (como marcas de zapatos) y claro, al destinar presupuesto, las ventas comenzaron a incrementarse sustancialmente.  Ese movimiento ya se estabilizó y ahora las compañías fijaron sus ojos en nuevos sectores para poder seguir creciendo y por ende se han fijado en los latinos. Hoy en día contamos con programas televisivos, campañas publicitarias, productos específicos, etc., dirigidos al mercado latino. Los latinos van a seguir creciendo, no hay ninguna otra población minoritaria que esté creciendo a su ritmo, y esto no va a detenerse en el corto plazo.

El festival, “L Festival: The Biggest Latin Music Festival in The US” que organizó Universal el pasado mes de octubre, costó mucho trabajo, como sucede en cualquier festival al comienzo, pero creo que fue un muy buen trabajo y estoy seguro que seguirá creciendo durante los próximos años.

Anteriormente cuando ibas a una empresa a negociar, el presupuesto para cualquier propuesta latina era de 200 pesos, por dar un ejemplo, y ahora es de 2 mil pesos, es decir, el crecimiento ha sido impresionante y mi visión, es que el sector se va a ir especializando y profesionalizando a nivel de festivales y a nivel de la industria. Creo que es importante para los artistas latinos profesionalizarse mucho más a nivel de Music Business, no tanto los artistas, sino sus equipos de trabajo, profesionalizar mucho más el producto, los videos, la imagen, las producciones, etc.  porque se están abriendo muchas puertas, pero debemos estar al nivel para poder competir y no quedarnos cortos.

IM ¿Será un factor clave el rol de la música latina en Estados Unidos?

¡Definitivamente! Yo creo es un tema de identidad, no por el hecho de que el mercado latino ya no sea nicho, sino que se integre con el principal. El público latino no va a dejar de escuchar su propia música, es una cuestión cultural. Seguirá habiendo crossover donde haya música hispana aunque sea en inglés. Las canciones que hace Enrique o Pitbull, o que hacen artistas de origen hispano y con sabor latino, aunque sean en inglés, siguen siendo una cuestión cultural. Yo dudo que dejen de venir personas latinas a este país, se ha comprobado que aún en segundas y terceras generaciones, todavía se escuchan esos artistas tradicionales, esa música propia de la cultura. Yo creo que si sabemos aprovechar las oportunidades y nos seguimos profesionalizando como industria latina, no solo vamos a seguir atrayendo a las nuevas generaciones de latinos, sino también incluir a otras razas.

Si la música es buena, porqué no pensar como latinos que queremos hacer un festival donde vengan negros, blancos, latinos, orientales, etc., no solo preocuparse por mantener a las segundas generaciones de latinos. Hay que mantenerlos y crecer más allá de esos límites.

IM ¿Algún evento interesante que te haya marcado en tu trayectoria en la industria musical?

Yo trabajaba para la compañía en Miami cuando Enrique sacó su tercer álbum en español. Fuimos a su casa en Miami para que nos tocara las canciones nuevas y cuando llegamos no tenía los demos. El presidente de la compañía casi se vuelve loco, pero Enrique nos dijo; “no se preocupen, les voy a tocar las canciones.” Entonces pasamos a su habitación, la cual era muy pequeña, y estábamos allí todos apretados. Estaba Rafael Pérez Botija, que había trabajado con él en todas las canciones, un piano, un micrófono, y en su cama, estaban las letras de las canciones. Enrique nos cantó el disco entero, es decir, ¡tuvimos un concierto privado de canciones inéditas de Enrique Iglesias en su habitación! Fue un momento que me hubiese gustado filmar.

Otra anécdota me ocurrió con Marco Antonio Solís, del cual soy fan y amigo. Un día, cuando yo trabajaba en la discográfica, vino a una junta con los ejecutivos de la compañía a quejarse. Poco después se dio cuenta de que su manager le había mal informado y que su queja no tenía razón de ser. Entonces comenzamos a charlar y a tomar cerveza. Pidió que le trajeran una guitarra porque quería cantarnos una canción nueva. Estaba allí Guillermo Santiso, que era el presidente de la compañía (Fonovisa), y se pusieron a charlar de cuando se conocieron por primera vez, cuando las carreras de ambos apenas estaban comenzando. A partir de ese momento empezaron a contarnos a todos los que estábamos allí todo sobre sus carreras, desde el primer sencillo de Marco con Los Bukies, hasta ese día. Santiso contaba las anécdotas año por año y Marco iba cantando las canciones. Así que fue un concierto privado de todos los éxitos de Marco Antonio Solís, cantados por él en la guitarra, en un cuarto con diez personas. Fue algo espectacular.

Y el tercer momento fue cuando me tocó darle la vuelta al mundo en 100 horas con los Backstreet Boys. Yo tuve mucho que ver con esta acción que consistió en llevarles a dar la vuelta al mundo en 100 horas para promover el lanzamiento de uno de sus discos,  lo que se convirtió en una de las campañas de lanzamiento más grande en la historia de un álbum. Yo estaba allí como parte del equipo encargado y fue simplemente espectacular.

IM ¿Qué consejo le puedes dar a alguien que quiera hacer carrera en la industria de la música?

Tengo un amigo que dice que entre más trabajo, más suerte tengo. Trabajar mucho, tener sentido común y las oportunidades se te presentarán. Todo el mundo dice esto, pero lo que yo quiero decir es trabajar hasta el último detalle, que no pueda venir nadie a poner al lado tuyo algo que sea mejor. Así seas un becario, y te encargas de gestionar los correos y las cartas, entrégalas de la mejor forma posible: puedes simplemente entregarlas, o que mejor, entregarlas todas mirando hacia el mismo lado. Esos son los detalles a los que me refiero. Haz las cosas de manera en que te sientas orgulloso y que tú sepas que nadie más pudo haberlo hecho mejor que tú, sin importar lo que estés haciendo. Inevitablemente alguien se va a dar cuenta de esto, y esa persona va a querer que formes parte de su equipo. Yo lo digo por experiencia porque donde yo empecé, alguien se dio cuenta de que yo era bueno y me pasaron a otra área, y allí sucedió de nuevo, y esto era porque así yo no durmiera, nunca iba a entregar una presentación mal hecha, ni poner datos incompletos porque no me dio tiempo de encontrar la información. Ese sería mi mejor consejo.

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Miércoles: Sync Summit

El pasado miércoles se dio cita un importante grupo de music supervisors en las instalaciones la Antigua Fábrica Damm para asistir al Sync Summit, la jornada dedicada a las sincronizaciones que dio al Future Music Forum. Aunque son muchos los profesionales los que nos leen, quiero solo recordar que las sincronizaciones son la combinación de audio y vídeo para crear una nueva pieza (cine, publicidad, documentales etc).

Actualmente las sincronizaciones representan el 2% del negocio y con la caída de las ventas físicas y las descargas, representan una importante fuente de ingresos para los artistas y compositores que logran entrar en ese mundo.  

La jornada dio apertura con una charla, muy bien moderada por Mark Frieser, entre dos veteranos de la talla de Jonathan McHugh CEO de Song Stew Entertainment y Jonathan Platt Managing Partner J2 Media/Music Without Prejudice que compartieron consejos de cómo abordar a los music supervisor y cómo funciona el negocio. En líneas generales los music supervisor no son figuras muy públicas y es posible que dichas empresas no nos suenen, pero han estado encargadas de musicalizar decenas de proyectos como Austin Power, la franquicia de las películas Saw, Rush Hour entre otras.

Entre las claves compartidas señalaron que lo importante no es de dónde es la banda o el artista, sino su sonido, “no se trata de dónde eres, sino de dónde suenas, aunque el lenguaje si es importante” comentó uno de ellos. Por su parte Platt aseguró que el streaming es una importante fuente de descubrimiento y no solo ello, recalcó la importancia de crear una historia alrededor de la música y tener muy bien cuidados sus canales en las redes sociales.

Una ayuda importante para los music supervisors es el utilizar el “Sound Like” o suena como, así lo comentó McHugh, ya que a veces se necesita por ejemplo una canción de Kings of Leon la cual es muy costosa o no se logran los derecho y se necesitan alternativas.

Los covers son una gran forma de ser descubiertos, un buen cover en el momento preciso puede cambiar la historia de un proyecto musical. En la misma línea de grandes oportunidades, así describieron a las sincronizaciones, pues aunque en algunos casos no son grandes cifras de dinero, la exposición que ofrecen a cambio lo puede compensar, esto fue algo en que ambos coincidieron.

En cuanto a la función de descubrir nuevo talentos, ambos volvieron a coincidir que es algo que les gusta hacer y que es parte del negocio. Sin embargo, por mucho que eso les guste, reconocieron el impacto de las redes sociales tiene mucho peso hoy en día “los artistas reciben grandes cheques y queremos ver o nos piden, cómo los artistas impulsarán la película con sus fans” dijo así McHough

Hoy en día los editores no pueden ser solo editores, deben saber mover a sus compositores y autores en el mundo digital. Así como los músicos no deben destinar toda su inversión en hacer música, deben dejar también presupuesto para el marketing, estas son algunas de las aportaciones hechas por los “Jons”.

En un segundo panel enfocado en el papel y el trabajo de los music supervisor se recalcó la importancia de hacer el trabajo de investigación sobre los derechos de las canciones a licenciar. Allí Platt recalcó que la figura del music supervisor no puede confiar en que un artista le diga que no hay samples, se debe investigar, conocer el negocio y tener buen oído, porque de lo contrario pueden haber grandes demandas. A esto se sumó Nuno Saraiva de Portugal Music Consulting, “Hay que ser transparentes y decir si hay samples, preferimos trabajar sin samples y todo ese material se descarta”.

Compartiendo algunas facetas del oficio Platt añadió que a veces es mejor cerrar el acuerdo con la canción más costosa primero, ya que eso le pone los pies en la tierra al resto y les marca una guía. Y no dejó de lado la importancia de tener contactos e ir a comer con gente, mantener relaciones públicas y demás, ya que en parte es una de las razones por las que se contrata a un music supervisor, su importante agenda de contactos.

Didier Lord jefe global de música para Ubisoft expuso en una sesión a modo individual la importante relación entre música y videojuegos. Ubisoft es una empresa líder en el sector y desarrolla juegos en los que la música juega un papel fundamental como es el caso de Just Dance, de tal manera que invierten dinero para licenciar grandes hits.

Abordando la temática presupuestaria, Lord comentó que dependerá del juego, y la importancia que tenga la música en el proyecto. En el caso de Just Dance es máxima, pero en otros no tanto y en función de ello se destina el presupuesto. Aunque comentó que la música siempre cuenta con un presupuesto pequeño del marketing global de las campañas, afirmó que las empresas de videojuego como Ubisoft cuentan con presupuesto de desarrollo muy similar a los de las bandas sonoras de Hollywood, que superan fácilmente los $100k.

Al preguntarle sobre su proyección de inversión o asignación de presupuesto para música, Lord señaló que ello dependerá del número de videojuegos, “pero sí, definitivamente veo que nuestros presupuesto o inversión en música crecerá en el futuro, en los próximos cinco años” dijo así el Jefe de Música en Ubisoft.

En el ámbito latino, la jornada contó con la presencia de Daniel Salcedo fundador Muuseme Music Integration para valorar la unión entre marcas y música. Para Salcedo quien trabaja desde hace cinco en campañas con los Latin Grammys presentando a nuevo talentos de la mano de McDonalds, las marcas juegan un papel importante. Aunque junto a Saraiva y el resto de panelistas coincidieron en la importancia de tener claro los valores de los artistas y las marcas antes de afrontar una relación.

Salcedo destacó en sus inicios la necesidades de tener artistas alternativos e independientes latinos para ofrecer a proyectos, ya que anteriormente al buscar lincencias siempre se le ofrecian a las marcas los mismos talentos mainstream, Shakira, Ricky Martin, por ellodesarrollo su propio catálogo.

Entrando más en materia hispana en los Estados Unidos Salcedo destacó que el mercado que más crece ahora mismo es la segunda generación de latinos en los Estados Unidos y si se desean lanzar campañas en Miami, Texas, Los Ángeles deben tener por obligación un elemento latino. En todas las esferas la cultura latina está influenciando la tradición americana e incluso ahora hay comerciales directamente en español. Resaltó la universalidad de la música latina y destacó la campaña a nivel nacional en los Estados Unidos entre la  banda chilena Astro y Bloomingdale.

Women in Music: 

El primer panel estuvo compuesto en su mayoría por profesionales de la industria representando el lado corporativo y tecnológico más que el artístico o de producción. Un tema de base que fue discutido fue el hecho de que la diversidad en el área tecnológica es clave para poder ver una representación femenina más amplia, y esto es algo que simplemente al momento no sucede debido a que no se estimula en la mujeres jóvenes el interés por estudiar programación.

Otro de los temas importantes que se tocó fue la necesidad de incluir este tipo de discusiones de género dentro del programa central del evento y no como una sesión aparte, y que para poder lograr un cambio de percepción del rol de la mujer dentro de cualquier corporación o industria, es necesario trabajar de la mano con los hombres quienes son los que toman las decisiones y hacerles partícipes dentro de la conversación.

En el segundo panel, se discutió un poco más sobre el lado artístico, y se habló de iniciativas que se están llevando a cabo en ciudades como Berlín, en donde se está realizando un estudio para conocer cuántas mujeres trabajan actualmente en la industria y en qué roles exactamente.

Uno de los temas importantes fue el de la representación femenina en los carteles de festivales, y se discutió la idea de que aquellos cabezas de cartel que deseen hacer un cambio en este sentido podrían dejar de lado un pequeño porcentaje de su caché para que los programadores pudiesen incluir artistas y bandas con más representación femenina dentro de los festivales importantes. Esto sería un paso adelante para resolver el problema de que no existen suficientes «ejemplos a seguir» femeninos en la industria, salvo en contadas excepciones, lo cual tendría un impacto en la audiencia, en la prensa y en la industria en general.

Reseña de Woman in Music por Julia Hernández 

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