El evento, que fue organizado por la organización catalana Festivals per la Cultura Segura, se aseguró de que todos los asistentes fuesen provistos de, y obligados a usar, una mascarilla FFP2. Otras medidas de mitigación de Covid-19 incluyeron una mejor ventilación en el lugar y la multitud se dividió en tres áreas, pero pudo moverse sin restricciones.

El evento se llevó a cabo en las mismas condiciones que un piloto anterior en el teatro Sala Apolo de la ciudad el pasado 12 de diciembre, lo que provocó que ninguno de los 463 asistentes se contagiara de coronavirus.

Los investigadores constataron que en los 14 días posteriores al evento en Sant Jordi solo seis asistentes dieron positivo, lo que supone una incidencia acumulada de 130,7 casos por cada 100.000, mientras que la media en Barcelona durante el mismo período y entre los mismos grupos de edad ha sido de 259,5 casos por 100.000 habitantes. Los organizadores dijeron que ninguna de las personas infectadas requirió hospitalización y que cuatro de ellos dijeron que creían que el origen de su infección fue algún otro lugar y no el concierto.

Las autoridades sanitarias dieron un permiso especial para permitir la entrada de hasta 5.000 personas al espectáculo del grupo de rock español Love of Lesbian. Los compradores de boletos se sometieron a una prueba de antígeno el mismo día. Si era negativo, se les permitió ingresar al recinto, que no tenía reglas de distanciamiento social, pero sí requería el uso de máscaras faciales de alta calidad.

Marcando el primer concierto en el Palau desde el 29 de febrero de 2020, el espectáculo fue una colaboración sin precedentes entre los mayores promotores de conciertos de Barcelona, ​​incluidos Primavera Sound, Sonar, Cruïlla, Vida Festival, Canet Rock y The Project, además de BSM, propiedad del Ayuntamiento de Barcelona, ​​dueños del recinto. Un equipo de científicos del Hospital Germans Trias y la Fundación Lucha contra la Sida trabajó en colaboración con los Departamentos de Salud, Seguridad y Cultura de la Generalitat de Catalunya.

Jordi Herreruela, Director del Festival Cruilla dijo: «Ya no hay dudas, con rigor en los protocolos y el tutelaje de los científicos y las administraciones, los grandes eventos no solo pueden ser seguros si no que además tienen un impacto positivo en la prevención del Virus«.

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El evento piloto, organizado por la asociación Festivals x la Cultura Segura y que fue aprobado por las autoridades sanitarias, servirá como prueba para ver si es posible reiniciar la producción de eventos multitudinarios. Previo al concierto se ofrecieron en tres lugares de la ciudad (las salas Razzmatazz, Apolo y Luz de Gas) para llevar a cabo pruebas de antígenos Covid-19, con un personal de 80 enfermeras con equipo de protección personal completo.

Cada entrada fue asociada a un código QR que registró turno y local específicos para someterse a la prueba, que también sirvió como comprobante del negativo y de acceso al recinto. Los asistentes recibieron los resultados de sus pruebas de antígenos en 10 a 15 minutos a en sus teléfonos; tanto la prueba como una máscara se incluyeron en el precio del boleto.

Apenas seis personas dieron positivo en las pruebas, por lo que no pudieron entrar al concierto. «Será más seguro estar en el Palau Sant Jordi que caminar por la calle», dijo a Reuters el coorganizador del concierto Jordi Herreruela, director del Festival Cruílla. «Esperamos que sea completamente seguro. Durante los próximos 14 días veremos cuántos de los espectadores dan positivo por Covid-19 e informaremos», dijo el doctor Josep Maria Llibre a la agencia de noticias AFP.

«Estoy muy, muy emocionado. ¡Han pasado 18 meses desde que estuvimos en el escenario y uno de nosotros aquí arriba está llorando!» El cantante principal de Love of Lesbian, Santi Balmes gritó a los fanáticos desde el escenario.

Según la APM, la organización del concierto tendrá datos concluyentes el día 10 de abril y, después de contrastarlos con el Departament de Salut de la Generalitat de Catalunya, comunicará los resultados obtenidos. A partir de este momento, “hará falta seguir trabajando conjuntamente con las instituciones para establecer soluciones y nuevas metodologías para hacer viables los grandes eventos de música en directo”, según explica la plataforma Festivals per la Cultura Segura en un comunicado enviado este domingo, en el que también destaca que “este gran paso adelante es también un ejemplo de unidad del sector de la música en directo, la comunidad científica, las diferentes administraciones y patrocinadores comprometidos“.

_{Foto: BBC}

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Para evitar un posible evento de superpropagación, los asistentes deben presentar una prueba de antígeno Covid-19 negativa tomada el mismo día y usar máscaras FFP2. La arena se dividirá en zonas de menos de 1.800 personas.

Según la APM este estudio es un paso más para el sector tras la prueba piloto realizada el pasado mes de diciembre en la Sala Apolo para avalar los protocolos sanitarios que permitan la vuelta a la actividad de los grandes eventos. “Iniciamos un camino que no es definitivo, porque este modelo seguramente no será el definitivo, pero trabajamos con la idea de retomar la actividad en verano“, ha explicado el director del Festival Cruïlla de Barcelona, Jordi Herreruela.

Se llevarán a cabo una serie de controles preliminares que incluirán una prueba de antígeno y también un control de temperatura antes de ingresar al concierto. El anuncio se realizó el viernes 5 de marzo en un acto que se celebró en el Estadi Olímpic de Barcelona. Al acto también asistieron representantes de Salud y Cultura de la Generalitat, y la alcaldesa Ada Colau.

Las entradas de lo que será el primer concierto multitudinario en Cataluña desde el inicio de la pandemia se han agotado en pocas horas según lo han anunciado los organizadores via Twitter. Las entradas se habían puesto a la venta este mismo viernes, a las 12 del mediodía, a través de la web festivalsperlaculturasegura.com.

Según El País, el estudio, que estará monitorizado científicos del Hospital Germans Trias i Pujol se basará en tres aspectos fundamentales. Por un lado, se realizará en la misma mañana del acto un cribado mediante test de antígenos de los asistentes, que tendrá lugar en la hora por ellos solicitada en cualquiera de las tres salas de conciertos donde se realizarán estas pruebas: Razzmatazz, Apolo y Luz de Gas. En segundo lugar, se garantizará una calidad del aire del Sant Jordi que se situará en 350 partículas por millón de CO2, lo que implica que la calidad del aire será cuando menos igual a la del exterior. En tercer lugar, todos los asistentes deberán utilizar una mascarilla FFp2 que se les entregará en la entrada, a fin de homogeneizar esta medida de protección entre el público.

El seguimiento de este ensayo clínico no controlado, dada la dificultad de monitorizar a sus 5.000 participantes tras el concierto, se verificará a través del sistema público de salud.

Si tiene éxito, el concierto de Love of Lesbian podría proporcionar una ruta hacia la recuperación de la devastada industria de la música en vivo después de un año de cierres generalizados de salas y prohibiciones de presentaciones en vivo.

_{Foto: TV3}

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Es por ello que hemos querido conocer más sobre el trabajo en esta área y hemos conversado con Neus Borrell, que se ha unido recientemente al equipo de Music Bus donde trabajará en la estrategia internacional, entre otras acciones, de bandas como Love of Lesbian.

Neus, es ingeniera civil con más de 15 años de experiencia en el sector de la construcción ha trabajado en multinacionales como BASF o Bouygues siempre implicada en el marketing estratégico internacional. En el 2013 decidió dar un giro a su carrera y creo, junto con Jordi Gratacòs (WAM), una oficina de exportación desde el sector privado que le ha llevado a conocer a un gran número de profesionales internacionales.

IM: Gracias por atendernos Neus, ¿Porqué y cómo entraste en la industria de la música?

Entré a través de un anuncio de trabajo cuando decidí dejar el sector en el que llevaba tiempo trabajando, que era el de la construcción. Allí estaba trabajando como ingeniera y cuando acabé, harta del sector, decidí buscar trabajo en aquello que realmente me gustaba que era el negocio de la música, que no la música, que es diferente.

El puesto de trabajo que ofrecían era como booker en la empresa WAM – para el que, evidentemente, no cumplía ninguno de los requisitos, teniendo en cuenta que en ese momento no sabía ni lo que era un booker – y de eso hace justo 2 años.

Yo insistí mucho en tener una reunión con Jordi Gratacòs, director de WAM y presidente de ARC, porque quería colaborar de alguna manera y finalmente lo conocí, confió en mí y me propuso iniciar un proyecto muy novedoso en Cataluña (España) que era una oficina de exportación nacida desde el sector privado.

Así creamos BCN Music Export con la voluntad de hacer de nexo entre las agencias de management existentes, que en general son pequeñas y tienen dificultades económicas y lingüísticas, además de no poder estar al día de la escena internacional, y las grandes ferias internacionales.

Así empezaba mi “máster práctico” en la industria de la música, conocer a los agentes, los festivales, las ferias más importantes, cómo se negociaba, etc.

IM: Explícanos cómo funciona una oficina de exportación

Viajamos a las ferias internacionales y detectamos los estilos y las necesidades tanto de los festivales como de las agencias de booking, cuando regresamos vemos qué grupos encajan en esas necesidades y nos ponemos en contacto con sus agencias de management nacionales para trabajar en una estrategia internacional.

Al principio proponía artistas en showcases internacionales, y así colocamos a Mendetz y Partido en la feria internacional de París “MaMA EVENT”, que fueron los primeros grupos españoles en actuar.

Más tarde llevamos a Mendetz, Astrio, Dj Herr, y The Suicide of Western Culture al Dong Dong de Beijing y al Sounds of the Xity, que es la feria musical más grande de China. Además, algunos de ellos actuaron en el Strawberry Festival de Shanghai que tiene una asistencia de 250.000 personas. Todos ellos fueron primeros grupos españoles en estos festivales.

IM: Por lo que comentas, entonces sois vosotros quienes vais a buscar las bandas y no al revés

En la mayoría de los casos sí, es importante mencionar que no sólo es buscar el artista que te encaje, sino que esta banda debe tener detrás un importante apoyo empresarial y económico para iniciar una aventura internacional.

Puede haber bandas muy buenas, pero con discográficas o agencias de management pequeñas sin capacidad de inversión para salir fuera, cuando decimos salir fuera no es hacer 1 bolo, por ejemplo, en Alemania, es hacer un circuito entero en Alemania. Este factor ya es una primera criba para la selección de los artistas pues cuando hablamos de invertir, es hacerlo en tiempo y dinero para un tiempo de 2 o 3 años.

Hay bandas que me encantan, pero como no tienen el apoyo a largo plazo es complicado moverlos en un marco internacional. Por ejemplo, a Glastonbury podría haber llevado muchas bandas hace tiempo, pero sé que después de eso las agencias no tendrían la capacidad para seguir invirtiendo en internacional, y, hubiera sido una experiencia sin sentido.

IM: Hablando de Glastonbury, BCN Music Export ha sido la primera agencia española en llevar un grupo a dicho festival ¿Cómo se consigue?

Glanstonbury es un festival gigantesco, tiene 103 escenarios agrupados en diferentes áreas, cada área está manejada por un booker. El área principal es Pyramid que es donde tocan desde Metallica a Kanye West. La segunda área más grande es Silver Hayes donde tenemos buena relación con uno de los bookers que programa sus 27 escenarios en los que se incluye world music y electrónica.

Hay que tener en cuenta que el 90% de los artistas seleccionados por los bookers de Glastonbury es a través de agencias internacionales – como United Talent Agency, Coda Music Agency, etc – así que no acostumbran a estar en las ferias internacionales. Pero en el caso de la World Music el directo es primordial por lo que este booker suele asistir a muchos showcases internacionales, y claro, de tanto vernos y hablar tenemos una buena relación, y, un día pude presentarle 5 propuestas y escogió 1 finalmente, Mendetz.

Al final, Glastonbury no deja de ser un festival más al cual apliqué una estrategia. Cuando me acredito en ferias internacionales lo hago pensando a 2 años vista, por ejemplo, Eurosonic 2016, dónde estoy acreditada desde mayo 2015,  servirá para conseguir acciones en el 2017. Primero me inscribo en ferias internacionales tipo BIME con casi un año de antelación, miro los profesionales que piensan asistir y elijo con quiénes contactaré para verme allí. No espero a encontrármelos allí, de esta forma presento a los artistas para que puedan ir a un festival al año siguiente.

IM: Uno tiene la sensación que en España la labor de internacionalización no estaba muy profesionalizada, pues no sólo haces la exportación, sino que también haces como una consultoría de proyecto a medio plazo.

En efecto, así es, y además es que el mercado musical internacional está muy profesionalizado, pero mucho. En Japón si tú quieres llevar allí un artista lo primero que te preguntan es quién los distribuye allí, si nadie lo hace, difícilmente entrarás.

IM: Por tanto ¿Crees que se hace un buen trabajo de internacionalización en España?

Mira, te voy a contar mi visión sobre esto. Yo vengo de un sector – el de la construcción – donde todo está muy estructurado, los roles están muy claros y las estrategias se marcan con mucho tiempo.

Mi sorpresa fue cuando entré en este sector, el del negocio de la música, es que no nos creemos que somos un sector y que generamos dinero, incluso más que otros sectores que están infinitamente más organizados.

Por tanto, si a nivel interno estamos poco organizados… imagínate a nivel internacional! estamos en una situación muy deficitaria. Sumado a que en España nunca se había tenido la necesidad de exportar… hasta ahora.

IM: Hablemos sobre Latam, ¿Crees que ahora empieza a tenderse puentes entre España y Latam? ¿Debería ser Latinoamérica la primera región donde los grupos deberían enfocar su internacionalización?

Te explico, partimos de que América Latina es casi un continente, que hasta la fecha tenía un grave problema y es que no había circuito, por tanto un grupo que actuase en México y luego quisiera ir a Chile, con todos los miembros de la banda y los técnicos, no salía a cuenta.

Ha sido ahora cuando se ha empezado a trabajar desde los diferentes países en crear un circuito y en poder cuadrar un Lollapalooza, un Vive Latino y un Pa´l Norte, consiguiendo así un circuito y que más artistas vayan hacia allí a tocar.

Dicho esto, parece que Latam sea el paso natural de las bandas hispano parlantes, y parece muy atractivo, pero ojo, si ya cuesta mucho dinero ir a Francia o Alemania desde España, imagínate a cualquier país de Latinoamérica. Allí hay que ir con una estrategia muy clara, nada de furgoneta y ruta.

Un ejemplo, Love of Lesbian hace 3 años fue por primera vez al Vive Latino y tocó en un escenario pequeño, una vez allí hicieron un bolo más en D.F, y se volvieron, no había viabilidad económica para seguir allí. La estrategia fue buscar algún partner allí, así que luego volvieron al siguiente año al Vive Latino, haciendo mucha promoción en redes sociales, y tocaron en un escenario mediano. Finalmente se consiguió el partner, en este caso el promotor más grande de México, OCESA, y gracias a ello Love of Lesbian tocó en el escenario grande de Vive Latino y, ahora es uno de los grupos españoles con más éxito en ese país.

Creo que de aquí dos años, con el trabajo que se está haciendo allí de estructurar el sector de la música y crear circuito, sí se podrá ir allí para hacer estrategia de furgoneta y ruta.

Por último y no menos importante, debemos separar el indie del mainstream. En el caso último, el ritmo de Latinoamérica lo marca Miami, es difícil entrar directamente desde España si antes no has sonado en Miami, pero en el caso del indie, aunque el acceso puede ser más directo, éste siempre es más reducido, además, tenemos el problema que allí sí contratan artistas españoles quizá porque el público es más “agradecido”, pero no a la inversa, en España somos poco receptivos con las bandas latinas y los festivales deciden no contratar, esto dificulta sinergias de internacionalización.

Un claro ejemplo fue la gira de Vetusta Morla y Zoé, sólo hay que comparar los resultados de uno y otro a nivel internacional.

IM: Escenarios como el del SXSW ¿Son realmente provechosos para las bandas a nivel de negocio o es más romanticismo y satisfacción personal?

Yo no soy músico, soy empresaria, y entiendo que a los músicos les haga mucha ilusión tocar en el SXSW – y lo comprendo porque la experiencia musical del festival es muy bestia – pero como empresaria es una pérdida de tiempo y dinero.

Ten en cuenta que en el SXSW pueden estar tocando 300 bandas a la vez ¿Cómo movilizas a los profesionales para que vean a tu artista? Casi imposible! Mejor no ir, es más, te saldría más económico invitar a ese profesional a Barcelona el día que tu banda toque! No tiene tanto mérito tocar allí, los profesionales lo sabemos porque hay muchísimas bandas! Quiero decir, que al tener un cartel tan exhaustivo, los organizadores hacen una selección ingente. Ahora bien ¿cómo le dices todo esto a una banda que ha sido seleccionada y que muere de ilusión por ir?

IM: Hay la percepción por parte de muchas bandas hispanas que el hecho de cantar en inglés, en vez de en español, supone tener una mayor globalidad, audiencia o proyección ¿Que opinión tienes al respecto?

Creo que es un grave error! O tienes un inglés perfecto, más bien diría que nativo, o como se note que no es tu lengua materna no tendrá ningún tipo de interés para el público anglosajón. Al final la música es una forma de expresión emocional, si tus emociones las expresas en castellano, pues canta en castellano! No quieras hacerlo en una lengua en la que no piensas, sientas o comunicas pues el público lo detectará. Y esto nos vale para todos los idiomas.

IM: Ahora empiezas una nueva etapa trabajando en el management de Love of Lesbian en la compañía Music Bus, ¿Cuáles son los principales objetivos?

Mi objetivo con Love of Lesbian es seguir aprendiendo cómo funciona este sector, al final, sólo llevo dos años! La situación actual de la banda puede darme una visión mucho más profesional del sector y, dentro de mis posibilidades, pretendo aplicar todos mis conocimientos adquiridos durante mi trayectoria en el mundo de la construcción como product management a una banda de música. Dentro de Music Bus, elaboramos la estrategia de la banda a medio plazo y gestionamos todas aquellas variables que se ven implicadas (sponsors, promoción, discográfica, contratación, etc…). Voy a intentar aportar una visión de estrategia global fuera de lo común en las agencias de management creando una estrategia para un producto.

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Live Nation

IM: ¿Cómo cambia la figura de un promotor independiente al entrar bajo el paraguas de Live Nation? ¿Qué cambió en tu forma de trabajo?

RG: Yo realmente no he cambiado mi manera de trabajar, yo me considero un intermediario entre los artistas y el público, entonces intento hacer mi trabajo teniendo en cuenta esas dos máximas. A los artistas les cuido no solo a nivel de marketing, sino que además se lo pasen bien y tengan feedback real de lo que pasa. Aunque con muchos artistas no puedes pasar la frontera porque son artistas top.  Y luego al público darles el mejor servicio, atenderles.

Antes de Live Nation yo ya llevaba tiempo bajo Gamerco con una estructura más o menos grande, donde estaba mi compañía Iguapop, Gay Mercader y Pino Saglioco y bajo ese paraguas éramos tres empresas que funcionábamos cada una con su label y así compartíamos una estructura financiera y administrativa. Luego llegó Live Nation y nos hizo una oferta a cada una y al final entre todos entramos en la estructura de Live Nation.

Yo como digo hay 3 líneas de trabajo: básicamente hay unos artistas de giras mundiales de Live Nation tipo U2, o Madonna que las hace el departamento de Global Touring que son giras mucho más estandarizadas, donde el departamento de Global Touring asume el riesgo. Entonces actuamos como meros ejecutores con poco margen a la creatividad. En este sentido se firman acuerdos internacionales y nos consultan nuestra opinión sobre una foto de lo que es el mercado local para luego ejecutarlo, pero tiene todo más o menos marcado.

Luego hay otro tipo de giras, que desde el departamento Internacional que está en Londres y nosotros intentamos intercambiar mucha información y siempre que podemos, hacer ofertas conjuntas, ya que no es lo mismo hacer ofertas individuales que packs de veinte o treinta shows. Así siempre tenemos más fuerza y músculo para competir con promotoras «independientes». Pero luego hay otra vía de negocio que es la que yo digo como giras independientes.  Nosotros seguimos trabajando con bandas como Arcade Fire o Franz Ferdinand, Jamie Cullum, Foo Fighters, pero luego mucho más pequeñas como Yo La Tengo, Cat Empire, James Arthur, Black Label Motorcycle, Eels entre algunas recientes y ese trabajo de promotor independiente, lo seguimos haciendo y para mi sigue siendo muy importante cuidar al artista, a su equipo y que luego no haya un desfase entre lo que quiere el artista y sus fans.

Dicho esto, muchas veces tenemos la reputación de ser «caros» a la hora de hacer los números, pero a veces son los mismos artistas que te obligan a marcar esos precios de entrada. También muchas veces es causa de la especulación, a veces te dejas llevar y a veces hay que decir hasta aquí llego.

Live Nation es una empresa que tiene mucho volumen, que busca crecer en otras vías de negocio que no sea puramente la venta de entradas. En Estados Unidos se vende mucha publicidad, es la tercera web de música con más visitantes, luego está también el e-commerce, pero para eso tienes que tener volumen, pero hay que ver a qué precio te cuesta ese volumen. Si tienes que hacer una gira de Beyoncé y pierdes 500.000 dólares pues no te compensa.

IM: ¿Podríamos decir que Live Nation es la promotora más importante de España? Y si es así, qué hay de artistas como Rolling Stones, Bon Jovi o Bruce Springsteen que trabajan con otras promotoras. 

RG: Yo creo que aunque las empresas tenga mucho peso, la relación personal también pesa mucho, por ejemplo AC/DC es una banda que siempre que ha venido a España, ha venido con Gay Mercader, le tienen un aprecio muy grande, entonces van a trabajar con él independientemente de en qué empresa esté. Por ejemplo Bruce Springsteen está trabajado con la competencia, aunque ya lo hizo Gay hace mucho tiempo y luego se separaron y empezaron a trabajar con Doctor Music y desde entonces mantienen la relación.

Hay artistas que son fieles, no todos, sobre todo la vieja escuela. Yo por ejemplo tengo una relación excelente con Foo Fighters y tengo la tranquilidad que no van a buscar otras ofertas, a menos que yo los insulte y les diga ‘tienes que tocar y tal cual… que me dirán oye qué está pasando’. Pero es muy difícil que te intenten dar la vuelta si hay una relación de lealtad y confianza.

Siempre me quejo que hay mucha competitividad, pero también dejo claro que hay también lealtad por algunos agentes, managers y artistas.  El caso de los Rolling Stones pues ha sido un caso, un poco más de política. La gira quien la ha estado comercializando es AEG, y aunque ellos no están negados a hacer shows con promotores de Live Nation, porque de hecho han hecho shows con promotores de Live Nation, ya sea porque era el único player en el país o porque tenían festivales como el caso de Rock Werchter o Roskilde, pues han dicho, esos festivales aunque están producidos por Live Nation vamos a por ello.  En el caso de aquí, creo que también Doctor Music ha hecho un trabajo mucho más agresivo y si sumas eso al peso de tener a AEG detrás, prefirieron no darle cancha a la competencia y por eso tienen a Doctor Music aliado, yo creo que esos han sido un poco las pautas.

IM: Quizás se entiende a Doctor Music como competencia, sin embargo ya en el pasado durante la gira U2 360º trabajaron juntos ¿A qué se debió eso y cuál fue tu valoración al respecto?

RG: Eso se dio porque U2 es una artista de Live Nation Touring y Doctor Music había sigo el promotor histórico y entonces el manager y el artista no quisieron dejar de lado a Doctor Music, entonces es cierto que a veces hay muchos recelos. Pero allí lo manejé yo y creo que nos manejamos bien, fue un win win para todos. Creo que hay muchos problemas de ego, pero allí nos pusimos de acuerdo. A mí no me gusta precisamente cortar, y decir no esto es Live Nation y tal, y si de repente por ejemplo Coldplay con los llevo trabajando desde el día uno, se van a la competencia, a mi me gustaría que me respetasen, entonces intento hacer lo mismo con mi competencia.

Festivales

IM: Hoy en día el mundo del directo parece estar más competitivo que nunca, por lo que SFX ha adquirido el 50% de Rock in Rio un festival que ustedes venían trabajando y que este año se ha visto interrumpido. Queríamos saber si este acuerdo tuvo algo que ver con dicha decisión.

No tuvo nada que ver con eso. Las condiciones del país no eran las adecuadas, ya que no se cumplieron las expectativas y esperamos a ver si puede volver en próximos años.

IM: Y conversando de festivales y de Madrid, ¿Por qué no hablamos del Dcode? El año pasado durante la preparación del festival  dejaste el siguiente comentario: “Madrid siempre ha tenido un problema de recintos. Lo que se ha hecho ha sido casi siempre fuera de la ciudad”…“El Ayuntamiento y la Comunidad nos ayudan con la promoción, cediendo soportes, pero aún estamos muy lejos de los apoyos de otras regiones, como Murcia, Cataluña y el País Vasco”. Y ahora bien, un año después cómo evalúas la situación.

RG: Las cosas están cambiando, creo que Madrid se merece un festival de primera categoría y con continuidad, ese es el objetivo de Dcode. De hecho en reuniones con el Ayuntamiento ya hay una estrategia para recuperar la actividad cultural que repercuta en actividad turística e ingresos en la capital de España. Desgraciadamente el lamentable suceso del Madrid Arena ha levantado algunos miedos a poder hacer nuevas cosas y también algunas trabas más a nivel administrativo. Nosotros hemos ido de más (días) a menos, de hacer un festival de 2 días de 30 o 40 mil personas en ediciones pasadas, que pueda tener un impacto económico en la ciudad y propiciar más actividades, a un festival de 1 día en las 2 últimas ediciones, aunque nos vemos como festival de 2 días en un futuro si la situación mejora a todos los niveles.

Aunque no nos identificamos excesivamente con el Primavera Sound o el Sónar, en Barcelona son puntos de referencia de la ciudad muy importantes,  son festivales que se integran en la ciudad y la posicionan, sí que pensamos que Madrid necesita algo parecido y adaptado a su idiosincrasi. Es una ciudad ideal para otro tipo de turismo, tanto nacional como extranjero, muchos saben qué existe Madrid, pero no la conocen. Nuestra apuesta es seria,  por la situación económica hemos decidido hacerlo 1 día este año, pero nuestra idea es relanzarlo el año que viene con dos días y hacer acampada. Insisto las instituciones no nos aportan todavía nada económicamente, pero la actitud ha mejorado, lo están haciendo más suyo y ven nuestro esfuerzo y apuesta por poner Madrid en el calendario europeo de grandes festivales; con profesionalidad y dedicación desaparece el miedo a hacer cosas.

España, Latinoamérica, la radio y el puente entre industrias

IM: Y en base a todo lo que nos comentas ¿Qué puede aprender Latinoamérica de España?

RG: Se puede aprender a nivel profesional, pero a nivel de industria hay países en Latinoamérica más sanos y comprometidos con la música en directo, en parte porque el público está mucho más hambriento y con muchas más ganas. Uno de los defectos en el ámbito español es la falta de apoyo de las radios y televisiones (con pocas excepciones) a todo lo que se salga de su ya repetido “discurso”, además de que la música a veces se le trata aquí como la “hermanita fea” de las artes, además de la falta de salas de rock.

Por ejemplo, un país que conozco mucho por experiencia como promotor independiente fuera de Live Nation es México. En México tienes 3, 4 o 5 radios de rock. Allí hay artistas como Interpol que en España meten 2500 personas y allá venden 20 mil entradas. Hay un mayor potencial y apoyan mucho más no solo la industria local, con grupos como Zoé que llena un estadio, sino también el rock americano o británico.

A veces pienso que España es más “latina” que Latinoamérica y en realidad somos un gran país donde el mercado anglosajón (o europeo) y el latinoamericano pueden convivir perfectamente y crear un mercado de música en directo potentísimo, somos puente y pertenecemos a ambos mundos…algo que por ejemplo Hungría no tiene.

Aquí nos hemos quedado atrás, hay mucha gente que dice «no la gente joven no escucha radio…»  pero piensa en Love of Lesbian, Vetusta Morla, Los Planetas, ninguno ha pasado de nivel, pocas de estas bandas se atreven hacer un Palacio de los Deportes, sin embargo, hay grupos que sí han pasado de nivel, a salas de grandes capacidades como Malú, Dani Martin, los que sí suenan en las radios.

En los 80 triunfaron grupos como Golpes Bajos, Gabinete Caligari, Alaska y Dinarama porque había en la radio un señor que ponía esas canciones. ¿Entonces es importante la radio? Pues sí que es importante la radio,  con la radio hay un punto de ruptura muy importante. Y también los medios musicales, que son muy especializados, pensemos en la prensa británica que ponen arriba a sus artistas Arctic Monkeys, Kasabian y luego se lo venden a todo el mundo, hay que crear-creer en esta industria que genera miles de puestos de trabajo y que es una de las industrias más importantes en países como Reino Unido, Francia, Suecia…estos dos últimos con importante apoyo público. Somos cultura, pero somos industria, ambas cosas deben ir de la mano y poner a España donde se merece.

Aquí ni los artistas se lo creen, ni los managers se lo creen,  me frustra mucho porque creo que es un país con un potencial increíble y se ha demostrado en el pasado. Pero estamos un poco atontados y sin estrategias comunes, ni a nivel privado y ni a nivel público.  Me pregunto cómo hacerlo, cómo cambiar esta tendencia, creo que portales como el vuestro están sacando estos temas a la superficie y eso es beneficioso para todos.

IM: José María Barbat presidente de Sony Music comentó que muchas veces se le dio la espalda a Latinoamérica y ahora España necesita de ella para poder ampliar y hacer crecer a su industria.

RG: El problema es quién hace el toma y dame, y si el puente toca hacerlo aquí a nivel de industria, imagínate con Latinoamérica, porque yo noto que aquí vamos mal. Pero es que hay una demanda, y aparte de Radio 3 que es un poco nicho no hay ninguna radio donde puedas escuchar Franz Ferdinand, Jamiroquai, AC/DC, Arcade Fire o todo el plantel nacional que es de alta calidad. Aunque sé que en Kiss FM, Ramon Tapias tiene intenciones de empezar hacer cambios. Una radio independiente con un carácter comercial funciona bien seguro. Si vemos por ejemplo entre estas bandas locales que te digo, fíjate en Lori Meyers una gran esperanza, pero ninguna pasa, se quedan capados. Y en los 80 no solo había radio, sino también muchos programas televisión, yo cuando tocaba con mi banda hacia muchos programas y eso que era un grupillo pequeñito. Se dice que está el Internet, pero está muy disgregado, la radio hace ese trabajo más de masa social que hace muchísima falta.

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El diploma postgrado es un proyecto formativo único en la modalidad Online. Impartido por profesores expertos de la Universitat de València, reconocidos profesionales de la industria musical y artistas como Ariel Rot y Santi Balmes “Love Of Lesbian”. 

El objetivo del curso es poner a disposición de los estudiantes los conocimientos y capacidades en las áreas de la creación, gestión empresarial, producción, live, legal, marketing, comunicación, music publishing, management, nuevas tecnologías y distribución musical.

Orientado a graduados, licenciados, diplomados, ingenieros, Ingenieros técnicos, músicos, artistas, iniciados y profesionales de la industria musical, con o sin titulación universitaria, interesados en adquirir, ampliar o mejorar sus conocimientos para poder hacer de la música su profesión.

La metodología Online permite trasladar la experiencia formativa adquirida en las tres ediciones anteriores al Aula Virtual (Centro e-Learning) de ADEIT, donde el alumnado y el profesorado podrán adquirir e intercambiar conocimientos independientemente del momento y del lugar donde se encuentren. El aula virtual se constituye como un entorno de encuentro, intercambio y aprendizaje dinámico.

El enfoque pedagógico Online compagina la docencia teórica, clases magistrales con empresas y artistas así como el planteamiento y resolución de ejercicios reales y simulados, a través del aula virtual, en diferentes formatos como la videoconferencia, la documentación escrita, bibliografía recomendada, foros, chats y debates.

“Master Class” impartidas por algunas de las empresas, asociaciones y entidades más reconocidas del sector como Primavera PRO, FIB – Festival Internacional de Benicàssim, Monkey Week, BIME – Conference & Festival, Subterfuge Records, Google +, Ticketmaster, Arenal Sound, El Volcán Música, Letamina, IndustriaMusical.es, Está Pasando, Tranquilo Música, Placeband, My Major Company, U.F.I (Unión Fonográfica Independiente), A.R.T.E (Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo), AGEDI (Asociación de Gestión de Derechos Intelectuales) y Fundación SGAE. Una metodología que potencia la participación directa del estudiante en el desarrollo de un proyecto final, tutelado por los directores del curso y por Mariano Pérez (Consultor Warner Music Spain) y Carlos Galán (Socio-Director Subterfuge Records).

Flexibilidad horaria, accesibilidad a los materiales del curso, comunicación constante con el equipo docente así como soporte técnico y formativo, a través de un sistema de tutoría personal, guiarán el trabajo diario del alumno y le ayudarán a gestionar su tiempo y planificar su ritmo de estudio, con el objetivo de que aproveche con éxito el curso.

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Ser agente de contratación y en cierta forma manager de exportación es una de las facetas que he tenido dentro del negocio de la música. En este caso de eso hace unos 3 años cuando estuve en la tarea de posicionar en el panorama español a la multi nominada banda de rock y ganadora del Grammy Latino VINILOVERSUS, la cual les recomiendo! Sin embargo, debo decirles que por distintas razones la tarea fue complicada, aunque eso es ya otra historia.

En ese momento mientras hacia mis estudios de mercados me costó mucho encontrar una banda con un perfil que encajara en la banda que estaba trabajando, una banda con mucha guitarra, distorsión y además mucho público. En ese momento la mayoría de las bandas que entraban dentro de nuestro target, tenían muy poco de rock, sin embargo hubo una que a pesar de no ser la más popular de todas encajaba perfectamente en el perfil, además con un muy buen directo, algo básico para una buena banda de rock. Se trataba de la banda madrileña Dinero con la que establecimos contacto y a la cual le he seguido la pista desde entonces, cuando simplemente era uno más de sus 3000 fans en Facebook.

Desde entonces han pasado muchos bolos, festivales, la salida de su segundo disco y ahora la más recientemente publicación de su tercer disco DNR. Hecho que mi hizo volver a visitar las redes de la banda, pero esta vez con un ojo más crítico y analítico, para encontrarme con la grata sorpresa de que las cosas habían cambiado, efectivamente lo que  en su momento había visto en la banda era cierto y ya muchos más se habían sumando a la comunidad.

A pesar de ser consciente de muchos sus logros, como el hecho de haber teloneado nada más y nada menos que a Foo Fighters, había visto poco crecimiento. Sin embargo, todo cambió el verano de 2013 luego de muchos kilómetros, sudor en la carretera, presentaciones de vídeo, concursos, exclusivas con en El Mundo, un concurso de Sol Música, portada en Deezer, un show de impacto tras su paso por el Arenal Sound, el festival más grande de España, entre otras cosas generaron suficiente tracción como para hacer despegar las métricas de la banda en Facebook. 

Como podemos ver a la banda le tomó casi 4 años en alcanzar sus primeros 10.000 fans y menos de 3 meses en sumar otros 10 mil (11.500-21.500). Esto refleja cómo cuando se suman todos los factores adecuados se puede generar crecimientos exponenciales. 

En el caso de Facebook el resultado de los más de 20 mil nuevos fans, parece el producto de un conjunto de hechos. Sin embargo, en Twitter todo parece estar relacionado a una fecha en concreto, la cual cambió el comportamiento de sus base de seguidores. Se trató del estreno de su tema «Dinamita» el 3 de marzo en el programa radial Turbo 3 de la emisora Radio 3, lo que sorprendemente generó un pico de crecimiento brutal, tal como podemos apreciar.

Por último y una vez visto esto quise poner en contexto dichos comportamientos en comparación con algunas de las otras grandes bandas del panorama nacional y en base a la data disponible sobre fans de Facebook, esto fue lo que encontré con cifras aproximadas:

• A Vestusta Morla le tomó de 2 meses y 14 días pasar de los 40.000 fans a los 50.000
• A Love of Lesbian le tomó 2 meses y 20 días pasar de los 20.000 fans a los 30.000
• La Pegatina tardó 3 meses y 17 días en pasar de los 20.000 fans a los 30.000
• Russian Red tardó 3 meses y 9 días en pasar de los 33.000 fans a los 43.000
• Lori Meyers pasó 5 meses en pasar de los 35.000 fans a los 45.000 fans
• Miss Caffeina estuvo 6 meses y 20 días en pasar de los 20.000 fans a los 30.000
• Y por último a Dinero le tomó 5 meses y 6 días pasar de los 20.000 fans a los 30.000

En base a esto y la próxima etapa de promo de la banda que recién empieza, me atrevería a decir que Dinero se encuentra en muy buena posición para ubicarse entre los grandes de la escena local y sin duda entre los rockeros con mayor base de fans.

Fotos:  La Caja De Imágenes 

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