La cifra da la medida del pulso que se vive en el sector: la valoración de ElevenLabs, alcanzada en una ronda de Serie D de 500 millones de dólares anunciada en febrero, es más del doble de los 5.400 millones que Suno logró en junio con su propia Serie D de 400 millones. Es decir, la empresa que acaba de aliarse con la mayor discográfica del mundo duplica en tamaño a la referencia más mediática de la música generativa.

La plataforma conjunta UMG x ElevenLabs, todavía en desarrollo, «ofrecerá a los fans nuevas formas de co-crear con la música de los artistas y compositores participantes», según el comunicado. Incluirá remezclas y mashups, «nuevas interpretaciones de temas» y «experiencias vocales personalizadas», con más productos y experiencias «en los próximos meses y años». Ese servicio funcionará de forma separada de los productos musicales que ElevenLabs ya opera —su Music API para empresas y desarrolladores y su app ElevenMusic para generar y editar canciones—.

«Las posibilidades más apasionantes para la IA y la música son las que sitúan a artistas, compositores y fans en el centro», afirmó Sir Lucian Grainge, presidente y consejero delegado de UMG. «UMG y ElevenLabs coincidimos en que una IA responsable puede inspirar el descubrimiento, profundizar la conexión entre artistas y fans y desbloquear nuevas oportunidades de ingresos para la comunidad creativa». Por su parte, Mati Staniszewski, cofundador y CEO de ElevenLabs, subrayó que la alianza permitirá «crear nuevas experiencias para los fans y garantizar que los artistas sean compensados de forma justa».

El acuerdo llega apenas un día después de que Suno lanzara su suite de modelos v6, desarrollada con Warner Music, BMG y Believe (ver Suno estrena sus modelos v6 licenciados). El movimiento consolida una estrategia de UMG que arrancó con el acuerdo que puso fin a su demanda contra Udio en octubre de 2025 y que, más recientemente, la llevó a invertir —junto a Sony y Warner— en Stability AI (ver Universal, Sony y Warner invierten en Stability AI). La foto es nítida: las grandes discográficas están tejiendo una red de alianzas con desarrolladores de IA «con licencia» mientras litigan contra quienes, según ellas, entrenaron sus modelos sin permiso.

ElevenLabs, fundada en 2022 por Staniszewski y el director técnico Piotr Dąbkowski y con sede en Londres y Nueva York, se ha convertido en uno de los grandes nombres de la IA de audio. Su ronda de Serie D estuvo liderada por Sequoia Capital, con Andreessen Horowitz e ICONIQ ampliando su participación, y entre sus inversores figura NVIDIA. La empresa superó en mayo los 500 millones de dólares en ingresos recurrentes anuales —frente a los 350 millones de finales de 2025—, y Forbes estima que ganó 116 millones en 2025 con una plantilla de 450 personas. Su tecnología, que abarca modelos de voz y audio en más de 70 idiomas, se usa en dos tercios de las empresas del Fortune 500; Staniszewski avanzó en febrero que la compañía se prepara para salir a bolsa.

No todo es terreno despejado. ElevenLabs ha firmado acuerdos de licencia de voz con talentos como Matthew McConaughey —también inversor— o Michael Caine bajo un modelo basado en el consentimiento, pero también ha afrontado reclamaciones por el uso de voces sin permiso: cerró en noviembre de 2025 una demanda de dos actores de doblaje y sigue viva una acción colectiva presentada en mayo por periodistas y trabajadores de la voz.

El acuerdo con UMG marca, en definitiva, un punto de inflexión en la carrera de la IA musical: la discográfica más grande del mundo se alía con la empresa mejor valorada del sector para construir un producto «con licencia» dirigido a los fans. La incógnita es si ese modelo —creación acotada, remezclas autorizadas y compensación a los artistas— logrará imponerse como el estándar frente a las plataformas abiertas, en un mercado donde la tecnología avanza mucho más rápido que los tribunales.

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Grainge participó en una conversación con Richard Kerris, vicepresidente y director general de Media & Entertainment de Nvidia, bajo el título Building the Future of Music and AI, en el Centro de Convenciones de San José (California). Que una figura de la industria musical fuera invitada a este escenario es una novedad histórica: en sus más de dos décadas de historia, el GTC nunca había incluido a un ejecutivo del sector musical entre sus ponentes. Para una compañía como Nvidia, cuya capitalización de mercado ronda los 4,4 billones de dólares, esto supone también una declaración de intenciones sobre el lugar que ocupa la música en su agenda de IA.

«Me encanta la disrupción»

Grainge no llegó al GTC con un discurso cauteloso. «Me encanta el cambio. Me encanta la disrupción. Me gusta en mi empresa. Me gusta en mi vida personal», afirmó ante una audiencia acostumbrada a escuchar exactamente ese tipo de lenguaje de boca de ingenieros y emprendedores tecnológicos, no de jefes de sellos discográficos. Con esa actitud, el máximo responsable de UMG situó a la industria musical no como víctima de la revolución de la IA, sino como participante activa y entusiasta.

Sin embargo, Grainge también dejó clara su posición sobre los límites que la IA debe respetar. «Un artista tiene derecho a que su voz y sus letras sean su obra, y no deberían ser utilizadas en la música de otra persona. Las salvaguardias tienen que ver con la expresión artística, el respeto y la monetización», subrayó. Este equilibrio entre apertura al cambio y defensa de los derechos creativos resume la postura pública de UMG en los últimos años: no rechazo frontal a la IA, pero tampoco adopción sin condiciones.

Hiperpersonalización y el futuro de la experiencia musical

Uno de los momentos más concretos de la conversación fue cuando Grainge describió el potencial de la hiperpersonalización en la música. Puso como ejemplo un videojuego en el que la música se adapta en tiempo real a las acciones del jugador: «Puede ser un artista de hace 40 años, o uno que hemos fichado esta misma tarde. Un fan interactúa con él e hiperpersonaliza la experiencia dentro del videojuego. Cuando gira en una curva del circuito, la canción sincopa al estribillo, a la estrofa o a la letra que tiene un significado especial para él». Esta visión apunta a un modelo en el que la música deja de ser un producto estático para convertirse en una experiencia adaptable y reactiva.

La aparición de Grainge en el GTC no fue espontánea. En enero de 2026, UMG y Nvidia anunciaron una alianza estratégica para desarrollar «IA responsable para el descubrimiento, la creación y el engagement musical». En el marco de este acuerdo, ambas compañías trabajan en ampliar Music Flamingo, el modelo de IA de Nvidia diseñado para escuchar, interpretar y razonar sobre música, utilizando el catálogo de más de tres millones de canciones de UMG como base de entrenamiento.

El acuerdo también contempla la creación de un incubador de artistas —con participación directa de músicos, compositores y productores— para codesarrollar herramientas de IA que potencien la originalidad y la autenticidad. Como espacios de referencia se han designado Abbey Road Studios en Londres y Capitol Studios en Los Ángeles. La iniciativa se presenta explícitamente como un «antídoto al AI slop genérico», la expresión que define la avalancha de contenido generado por IA sin valor artístico diferenciador.

La presencia de Grainge en el escenario del GTC marca un punto de inflexión simbólico: la industria musical ya no observa la revolución de la IA desde fuera. Está en la sala, tiene voz propia y, al menos en el caso de UMG, lleva meses construyendo el marco en el que esa revolución deberá operar.

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Durante el evento Capital Markets Day, celebrado en los legendarios estudios Abbey Road, Grainge y su equipo directivo delinearon una visión clara para el futuro del streaming musical. Este nuevo paradigma no solo busca incrementar la base de suscriptores de pago, que según estimaciones podría superar los 1,000 millones para 2028, sino también aumentar el ARPU (ingresos promedio por usuario), maximizando así el valor tanto para los consumidores como para la industria.

Streaming 2.0: Un enfoque centrado en el valor

Durante su intervención, Grainge resaltó que el streaming necesita pasar de una oferta monolítica de «toda la música, en cualquier momento y lugar» hacia una «propuesta segmentada para el cliente», lo que implica un enfoque más personalizado para distintos tipos de oyentes. Mientras que el modelo de “Streaming 1.0” se basaba en el crecimiento exponencial de la base de suscriptores, la nueva era se centrará en una estrategia de monetización más sofisticada que no solo aumente el número de suscriptores, sino también el valor que cada uno de ellos genera.

La propuesta de valor ya no se limitará a la oferta simple de acceso ilimitado a música. En su lugar, la industria se inclinará hacia un enfoque más profundo y diversificado, creando oportunidades para que ciertos segmentos de consumidores, especialmente los llamados “superfans”, paguen más por experiencias exclusivas y personalizadas.

Los cinco cambios clave en la estrategia de UMG

Universal Music ha identificado cinco grandes cambios que marcarán la evolución del streaming en los próximos años. Estos cambios no solo definirán la estrategia de la compañía, sino que también podrían impactar en todo el ecosistema musical global.

1. De la Propuesta Simple a la Segmentada: La idea de que el streaming debe ofrecer lo mismo a todos sus suscriptores está quedando atrás. UMG visualiza un futuro donde las plataformas ofrecerán experiencias diferenciadas para distintos tipos de usuarios, permitiendo una monetización más personalizada y efectiva.

2. De Volumen a Valor: La primera etapa del streaming se centró en captar el mayor número posible de usuarios. Ahora, el reto es extraer más valor de cada usuario, y no solo mediante el aumento de las suscripciones, sino también optimizando los ingresos de cada suscriptor.

3. Enfoque en Mercados Globales: El crecimiento ya no se limitará a los mercados tradicionales de música, como Estados Unidos y Europa, sino que buscará capitalizar las oportunidades en mercados emergentes como China, Brasil y México, donde el streaming aún tiene un enorme potencial de crecimiento.

4. Superfans como Clave del Crecimiento del ARPU: Los superfans, aquellos que tienen una relación más intensa con sus artistas favoritos, representan una oportunidad no explotada en su totalidad. Mientras que en 2014 los superfans pagaban tres veces más que el consumidor promedio, hoy gastan lo mismo. El nuevo enfoque se centrará en desarrollar productos y experiencias que incentiven a los superfans a gastar más.

5. Innovación y Nuevos Productos: UMG está apostando por una nueva ola de productos diseñados específicamente para maximizar el valor para los consumidores, incluidos niveles premium para los superfans y experiencias únicas que no estaban disponibles durante la era del «Streaming 1.0».

Maximizar el ARPU: una meta alcanzable

Uno de los puntos recurrentes durante las presentaciones en Abbey Road fue la oportunidad que todavía existe para aumentar el ARPU. Michael Nash, EVP de Estrategia Digital de UMG, explicó que mientras el acceso a toda la música por una tarifa plana mensual ha sido un éxito indiscutible, el valor de esa suscripción está significativamente sub-monetizado en comparación con otras formas de entretenimiento. Según Nash, actualmente, el costo por hora de música es solo 20 centavos, una fracción del costo de otras opciones de entretenimiento, lo que sugiere un margen considerable para aumentar el precio o crear ofertas adicionales que los usuarios estén dispuestos a pagar.

Los Superfans y la segmentación: el motor del futuro

El super fandom es un componente clave en la nueva estrategia de monetización de Universal. Grainge subrayó que la industria no ha aprovechado plenamente el potencial de los superfans, quienes, según los datos de UMG, representan una oportunidad sin explotar en términos de gasto. La creación de productos exclusivos, como eventos especiales, contenido adicional y niveles premium de suscripción, permitirá capitalizar el entusiasmo y la lealtad de estos fanáticos.

Además, UMG ve un gran potencial en la segmentación del mercado, no solo geográfica sino también demográfica. Como señaló Gaby Lopes, SVP de Global Insight de UMG, existe una “segunda ola de penetración” entre los oyentes mayores, quienes están comenzando a adoptar los servicios de streaming en lugar de los formatos de escucha más tradicionales. Esto, combinado con el crecimiento en mercados de alto potencial como China y América Latina, brinda una oportunidad masiva para expandir la base de suscriptores.

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El paquete salarial de Grainge está bajo escrutinio por se considerado «excesivo» por algunos inversionistas, lo que ha llevado a Glass Lewis a expresar «reservas severas» sobre el tema.

A pesar de la preocupación, la votación sobre el informe de remuneración de 2023 en la próxima junta general anual de UMG es consultiva y no vinculante, lo que significa que, legalmente, el consejo de UMG no está obligado a cambiar la estructura de compensación de Grainge, incluso si hay una oposición significativa por parte de los accionistas.

Más del 60% de las acciones de UMG son propiedad de inversionistas institucionales, con Tencent y Vincent Bolloré como principales accionistas. Esto sugiere que las decisiones en la junta general anual pueden estar influenciadas en gran medida por estos actores. En la junta general anual anterior, una proporción significativa de accionistas expresó su descontento con el acuerdo salarial de Grainge. Este precedente puede influir en la votación futura y aumentar la presión sobre el consejo de UMG para abordar las preocupaciones de los accionistas.

Grainge ha ajustado su compensación, reduciendo su salario base pero introduciendo cambios en los incentivos a corto y largo plazo para alinear mejor sus intereses con los de los accionistas. Sin embargo, esto puede no ser suficiente para disipar las críticas. Se ha comparado el salario de Grainge con el de otros CEOs en la industria y más allá. Estas comparaciones pueden influir en la percepción pública y la toma de decisiones de los accionistas.

Factores como el desempeño financiero de UMG y la opinión pública sobre la equidad salarial en la industria también pueden influir en la votación de la junta general anual. La votación en la próxima junta general anual será crucial para determinar el rumbo futuro de esta cuestión y su impacto en UMG y su liderazgo.

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«Obviamente, damos la bienvenida al anuncio de Spotify, así como al de YouTube«, dijo Grainge sobre los incrementos de precios.

«Abordar el ingreso promedio por usuario (ARPU) es solo un componente. Primero debemos asegurarnos de que los verdaderos artistas con bases de fans reales sean compensados de manera justa», continuó, haciendo eco de quejas similares planteadas anteriormente. Grainge ha mencionado en el pasado que no cree que los sonidos de la naturaleza y otro contenido relajante de streaming generen el mismo potencial de ingresos que los artistas musicales.

«Quiero enfatizar que nuestro objetivo es simple: promover un entorno en el que la música real no se ahogue en un mar de ruido», dijo Grainge a los inversores. El CEO de Warner Music, Robert Kyncl, ha expresado algo similar al hablar sobre cómo las discográficas distribuyen sus ingresos. «No puede ser que un stream de Ed Sheeran valga exactamente lo mismo que un stream del sonido de la lluvia cayendo en el techo«, dijo Kyncl durante la llamada de ganancias del segundo trimestre de 2023.

«La música no puede ser la única industria que no asigna valor a los artistas y compositores de alto valor, y que no impulsa el crecimiento del ARPU de la misma manera que lo hace cualquier otra industria», agregó Kyncl.

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Esta confirmación llegó en un memorando de comienzo de año a la fuerza laboral de la discográfica, según han reportado varios medios.

Si bien el streaming por suscripción puede haber hecho que la industria discográfica vuelva a crecer después de quince años de declive, «cada desarrollo tecnológico increíblemente transformador crea inevitablemente nuevos desafíos para que los enfrentemos», escribe Grainge en su memorándum.

Los principales desafíos en este momento que reconoce Grange, son la gran cantidad de música ahora disponible en las plataformas de streaming; la naturaleza de parte de la música que se sube y la intención de algunos de los que la suben; cómo los servicios de streaming presentan y promocionan esa música a los consumidores; y cómo todo eso impacta en la forma en que se reparte el dinero de el streaming.

“Hoy, algunas plataformas agregan 100.000 pistas por día”, señala Grainge. “Y con una cantidad tan grande e innavegable de pistas que inundan las plataformas, los algoritmos guían cada vez más a los consumidores hacia contenido funcional de menor calidad que, en algunos casos, apenas puede pasar por ‘música’”, critica.

“Con el fin de atraer a los consumidores para que se suscriban, las plataformas explotan naturalmente la música de aquellos artistas que tienen grandes y apasionadas bases de fans”, continúa. “Pero luego, una vez que esos fanáticos se han suscrito, los consumidores a menudo son guiados por algoritmos hacia música genérica que carece de un contexto artístico significativo, es menos costosa para la plataforma de licenciar o, en algunos casos, ha sido comisionada directamente por la plataforma”.

“Solo basta mirar las miles y miles de pistas de 31 segundos cargadas de archivos de sonido cuyo único propósito es jugar con el sistema y desviar regalías”, luego reflexiona. «¿El resultado? Una experiencia menos gratificante para el consumidor, una menor compensación para los artistas que impulsan los modelos comerciales de las plataformas y menos momentos culturales que los fanáticos pueden compartir colectivamente, todo lo cual socava la creatividad y el desarrollo de los artistas y su música, lo que las plataformas habían sido en parte, diseñadas para fomentar”.

Con el sistema actual, casi cualquier persona puede enviar audio a los servicios de streaming, porque los distribuidores DIY proporcionarán distribución básica a cualquiera que lo desee. Luego, los servicios operan una participación en los ingresos basada en el modelo de participación en el consumo.

Primero, en cada mercado, los ingresos mensuales de cada servicio se dividen en su amplio catálogo y a cada pista se le asigna un porcentaje del dinero en función del porcentaje del consumo total que representó en ese mercado.

La asignación de cada pista luego se comparte con el sello o distribuidor que subió la grabación, y las editoriales o sociedades de gestión controlan los derechos de las composiciones que lo acompañan. Ese sistema condujo a una estafa ampliamente documentada en la que entidades deshonestas subían música sin sentido que a nadie le interesaba, pero luego compraban un montón de suscripciones y pagaban un almacén de computadoras para escuchar esa música.

Con todas esas computadoras configuradas para reproducir música sin sentido y la corta duración de la pista que aumenta el número de reproducciones, el nivel de consumo obtenido por los estafadores significa que pueden obtener más en regalías de lo que invierten comprando todas esas suscripciones.

Ahora, los servicios, bajo la presión de la industria de la música, han estado tratando de identificar y bloquear a los estafadores, aunque algunos creen que se necesita mucho más trabajo en ese dominio.

Sin embargo, ese no es realmente el «juego del sistema» del que Grainge está hablando aquí. Otros reproductores han ingresado al mercado cargando música que algunas personas realmente quieren escuchar, pero no música pop convencional. Eso incluye el tipo de música ambiental que llena las listas de reproducción de relajación y que algunas personas ponen mientras se duermen. La música ambiental de ese tipo recibe muchas reproducciones y, a menudo, se puede dividir en muchas pistas más pequeñas para aumentar aún más el número de reproducciones.

Las operaciones de listas de reproducción y los algoritmos del servicio de streaming impulsan aún más este tipo de música. Aunque es casi seguro que los servicios argumentarían que eso se debe a que sus usuarios quieren escuchar esa música y no porque esto reduce los pagos que tienen que hacer a los titulares de derechos.

A pesar de que las empresas que controlan gran parte de la música ambiental de las listas de reproducción probablemente hayan acordado una tasa de participación en los ingresos más baja.

Pero incluso si el argumento de Grainge de que esto impacta negativamente en la experiencia del consumidor puede ser discutido hasta cierto punto, no son solo las principales discográficas las que están cada vez más preocupadas de que ciertos tipos de música que son baratos de producir y sirven para un propósito específico están acaparando un número cada vez mayor de los ingresos de streaming cada mes.

Algunos han notado que, en la era física, la música ambiental, y cosas como canciones genéricas para niños, se vendían en CD súper baratos, a menudo en las dollarstores , y luego se reproducían con mucha regularidad, pero básicamente como ruido de fondo. Sin embargo, bajo el sistema actual, a la música se le asigna una parte de los ingresos por streaming de la misma manera que los lanzamientos pop más importantes.

Y mucha gente en la comunidad musical en general está de acuerdo con Grainge en que, en retrospectiva, eso fue un error. Y con eso en mente, Grainge desea enfatizar que las grandes empresas, los artistas independientes e incluso los artistas DIY tienen interés en abordar este desafío.

“En el pasado, el conflicto de la industria de la música a menudo se centraba en ‘las grandes contra las independientes’”, continúa su memorándum. “Hoy, sin embargo, la división real es entre aquellos comprometidos a invertir en artistas y en el desarrollo de artistas versus aquellos comprometidos a jugar con el sistema a través de la cantidad sobre la calidad”.

“El entorno actual ha atraído a jugadores que ven una oportunidad económica en inundar las plataformas con todo tipo de contenido irrelevante que priva tanto a los artistas como a las discográficas de la compensación que merecen”, continúa.

Con eso en mente, “lo que quedó claro para nosotros y para tantos artistas y compositores, tanto en desarrollo como establecidos, es que el modelo económico para el streaming debe evolucionar. A medida que la tecnología avanza y las plataformas evolucionan, no sorprende que también haya una necesidad de innovación en el modelo de negocio para seguir el ritmo del cambio”.

Grainge propone un modelo «centrado en el artista» y agrega que dicho modelo no debería “enfrentar a artistas de un género contra artistas de otro, o artistas de grandes sellos discográficos contra artistas independientes o autoeditados”.

En cambio, «necesitamos un modelo que admita a todos los artistas: autoeditados, independientes y majors. Un modelo innovador, centrado en el artista, que “valora a todos los suscriptores y recompensa la música que aman. Un modelo que será una victoria para artistas, fanáticos y sellos por igual y, al mismo tiempo, también mejora la propuesta de valor de las propias plataformas, acelerando el crecimiento de suscriptores y monetizando mejor el fandom”.

Aunque carece de detalles específicos, Grainge asegura a su personal, “este año, trabajaremos en la innovación que es absolutamente esencial para promover un ecosistema musical más saludable y competitivo, uno en el que la buena música, sin importar de dónde venga, sea fácil y claramente accesible para todos los aficionados a descubrir y disfrutar”.

En términos de lo que podría implicar esa innovación, no está claro en qué medida ayudaría cambiar a un enfoque user centric, como se ha propuesto ampliamente. Aunque combatiría gran parte de las estafas más manifiestas.

Sin embargo, tener el impacto de la duración de la pista en el pago ayudaría potencialmente, y eso también sería un buen desarrollo para aquellos géneros como la música clásica que tienden a lanzar pistas más largas. Distinguir entre flujos push y pull también podría tener un impacto, de modo que las pistas que un usuario selecciona específicamente para reproducir obtengan un pago más alto que las pistas enviadas a un usuario por una lista de reproducción o un algoritmo.

Probablemente, la innovación más obvia sería segmentar el catálogo según algún conjunto de criterios y que haya más flujo de dinero para algunos segmentos que para otros. Aunque establecer ese criterio resultaría controvertido y también podría crear un conjunto completamente nuevo de problemas de transparencia para artistas y compositores que se han mantenido en la oscuridad repetidamente sobre los detalles del modelo de negocio de streaming de música.

Además, a pesar de los esfuerzos de Grainge para reunir a la comunidad musical más amplia detrás de su causa, una vez que se segmenta el catálogo, ¿en qué momento el extremo corporativo de la industria presiona para segmentar la música lanzada por artistas DIY y músicos aficionados en un segmento de pago más bajo? Algo que algunos aseguran que ya sucede.

Además, algunos inconformistas podrían argumentar que, aparte de los estafadores, las personas y las empresas que crean música ambiental y otros sonidos de fondo que los datos nos dicen que los suscriptores de streaming realmente quieren, son solo empresarios creativos inteligentes que detectaron una brecha en el mercado.

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La canción original y el remix ft Justin Bieber (UMLE/RBMG/Def Jam/Republic Records), en conjunto,  han alcanzado 4.600 millones de streams en las plataformas principales de música en el mundo, convirtiéndose así en la canción más importante del 2017.

Con Despacito, Justin Bieber superó el récord de su canción «Sorry», la cual hasta el momento ha acumulado 4.380 millones de streams. En los últimos 6 meses «Despacito» ha dominado la radio y es la canción #1 a través de todas las plataformas de música y videos y aún muestra tener una larga vida de elogios, logros, y récords debido al ascenso sin precedentes a la cima de los charts a nivel mundial.

Luis Fonsi comentó sobre este hito en su carrera, «El streaming logra conectar con audiencias alrededor del mundo y ha ayudado a que mi música llegue a cada esquina del planeta. Es realmente un honor que «Despacito» sea la canción con más streams en la historia» 

Lucian Grainge, Chairman & CEO, Universal Music Group comentó: «Indudablemente Luis Fonsi tenía la canción más grande del año – ahora él está rompiendo récords aún más grandes.  El streaming ha permitido que una canción con un ritmo diferente, y proveniente de una cultura y lenguage diferente haya logrado ser un gran éxito alrededor del mundo. Felicidades a Luis Fonsi, Daddy Yankee, y Justin Bieber, al igual que al equipo de Universal Music Latin Entertainment, Republic Records y Def Jam, por este gran logro.»

«El Streaming ha ayudado a la democratización del consumo de música. Las minorías empiezan a tener relevancia en los charts y los latinos estamos sacando ventaja de este nuevo sistema de consumir música tanto en sonido como en imagen,» comentó  Jesús Lopez, Chairman & CEO of Universal Music Latin America & Iberian Peninsula. «Despacito ha logrado romper todos los récords gracias a la creatividad y el talento  de Luís Fonsi, que lleva 20 años siendo uno de los referentes de la música latina. También hay que felicitar a Erika Ender, Daddy Yankee y Justin Bieber por sus valiosas aportaciones a este gran trabajo en equipo.» 

«Despacito» en números:

• 4.6 billones de reproducciones desde el 13 de enero del 2017
• «Despacito» ha estado en el top de los charts en 35 países en el mundo.
• #1 en el Hot 100 chart de Billboard por 10 semanas consecutivas
• #1 en UK Official Charts por 9 semanas
• #1 en España por 17 semanas consecutivas
• El video que más rápido ha alcanzado 2 billones de views
• Primera canción en español en alcanzar el #1 en el «Global 50» chart de Spotify
• #1 en el hot latin chart de billboard por 24 semanas
• Primera canción en español en alcanzar el #1 de «Radio Songs Chart» de billboard
• En gran parte gracias a ‘Despacito’, Daddy Yankee se convirtió en el primer latino en Nº1 Global de Spotify

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El único que falta que falta en este momento es Warner Music, aunque para la mayoría de consultores y expertos de la industria de la música norteamericana consideran que será cuestión de poco tiempo que Warner se sume al acuerdo.

En el comunicado Pandora ha traslado que estos acuerdos serán un win-win para toda la industria, aunque falta por ver cómo se pagarán las regalías a través de los sellos en el futuro, y lo que significará para los artistas.

Según MBW, el nuevo servicio ofrecerá 3 planes, uno a 9.99$ por mes, otra a 5$ por mes en el que ofrecerá un servicio restringido del catálogo y la versión gratuita que será el actual modelo de radio digital que ya ofrece ahora.

Tim Westergren, fundador y CEO de Pandora, comentó: «Este fue un intento de verdadera colaboración para encontrar una solución que permita apoyar a los artistas mientras para nuestra empresa sigamos en crecimiento y rentabilidad y eso es exactamente lo que hemos conseguido. Trabajando juntos, podemos cambiar la forma del mercado de música digital y hacer crecer un gran negocio que ofrece un enorme valor a la industria de la música en las próximas décadas«.

Sir Lucian Grainge, presidente y CEO de Universal Music Group, dijo: «Estamos encantados de trabajar con Pandora para permitir la incorporación de nuevos productos y servicios atractivos para una de las mayores audiencias de streaming de música en el mundo.

Doug Morris, presidente de Sony Music, dijo: «Esta asociación debe ser una señal muy alentadora para toda la industria. Pandora es una empresa fundada y dirigida por un músico. Naturalmente, estamos alineados y con ganas de hacer crecer el negocio de la música juntos y colaborando para apoyar a nuestros artistas en la era digital«.

Charles Caldas, CEO de Merlin, dijo: «Estamos encantados de ampliar nuestra relación con Pandora, y ver las oportunidades de ingresos adicionales que se crean para nuestros miembros. La música independiente siempre ha estado en el corazón de la experiencia de Pandora, y estamos seguros de que los usuarios de Pandora podrán apreciar y disfrutar de la música de las de los miembros líderes del mercado.«

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