Detrás de bastidores, se estaban armando acuerdos de licencia con empresas como Snapchat, TikTok, Facebook, Peloton y otros, prometiendo traer una ola de ingresos completamente nueva a las industrias editoriales y discográficas.

Sin embargo, en abril, cuando el daño incipiente causado por la pandemia del COVID-19 y los confinamientos globales relacionados en la economía mundial se estaban volviendo más claros, era obvio que este no sería el año de prosperidad que había pronosticado Goldman Sachs.

Desde entonces, las consecuencias comerciales del coronavirus sobre los derechos musicales ya son conocidas por todos: el cese de la música en vivo, el cierre de las tiendas físicas, el fin de los eventos públicos, la interrupción de la producción de películas y televisión, los calendarios de lanzamiento reducidos, la reducción de ingresos por publicidad en streaming, etc.

Esta serie de influencias han afectado a Universal, Sony y Warner, y las tres empresas vieron caer sus ingresos interanuales en el segundo trimestre. Sin embargo el streaming ha resultado ser una luz al final del túnel, pues según el análisis, entre las tres principales compañías discográficas los ingresos por streaming alcanzaron colectivamente los $2.210 millones en los tres meses hasta el final de junio.

En Febrero pasado se supo por primera vez que las principales discográficas habían superado el hito de generar más de $1 millón por hora únicamente por streaming. Ese número memorable se mantuvo constante en el segundo trimestre, a pesar del impacto negativo de COVID-19 y que los nuevos lanzamientos se redujeron.

En el calendario del segundo trimestre de 2020, según los cálculos de MBW, las grandes empresas generaron colectivamente $24.3 millones por día o $1.01 millones por hora en ingresos de música grabada por consumo en streaming. La gran pregunta ahora es si las principales compañías discográficas pueden igualar o incluso mejorar los $14.9 mil millones que generaron conjuntamente de todos los formatos de consumo en 2019 a lo largo de este año.

No será fácil: según los cálculos de MBW, las operaciones de música grabada de Universal, Sony y Warner generaron $6,91 mil millones en la primera mitad de 2020. Estas cifras incluyen streaming, descargas y ventas físicas, así como merchandise y otras fuentes de ingresos auxiliares. Sin embargo, es importante tener en cuenta que, en el caso de Sony Music, no incluyen los ingresos brutos que luego se pagaron a los artistas y socios independientes pues Sony Corp no informa estos ingresos en sus cifras corporativas.

Para igualar esa cifra de $14.930 millones en 2020, las grandes empresas tendrán que depender de una segunda mitad del año más lucrativa que la que tuvieron en los seis meses de enero a junio.

Sin duda, los calendarios de lanzamientos aumentarán entre ahora y diciembre, y los ingresos por streaming aumentarán. Por otro lado, debe preguntarse cuánto se recuperarán la venta de merchandise y las ventas de discos físicos frente al primer semestre de 2020.

¿Pueden las majors gestionar un año igual, o mejor, que 2019? En medio de una pandemia? Está por verse.

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En el Nivel Uno se encuentran Interscope Geffen A&M, con un 10.5% de participación en el mercado de actividad total, y Atlantic, con un 10.3%. Interscope ha sido la mejor en el negocio logrando 12 álbumes líderes en la en el año hasta la fecha en el Top 50, seguido de 8 álbumes para Atlantic, el campeón del año pasado. Mientras que las superestrellas como Eminem, Billie Eilish, Lady Gaga y Selena Gomez continúan dando muy buenos resultados, también lo hacen los jugadores de la próxima generación, incluidos DaBaby (con dos LP Top 20), Summer Walker, Rod Wave, Moneybagg Yo y el fallecido Juice WRLD, como Lil Uzi Vert y Roddy Ricch iluminan el marcador para Atlantic.

El Nivel Dos es igualmente competitivo, ya que Republic (7.8%) y Capitol Music Group (7.5%) están nariz con nariz. El equipo de Monte Lipman continúa acumulando éxitos con The Weeknd, con el álbum #2; Post Malone, con sus tres LPs en el Top 50, seguido por Hollywood’s Bleeding en el puesto 5; Drake (#14 y #45); y Taylor Swift (# 21). Pero Lil Baby, una superestrella recién fichada por QC/Motown/Capitol’s, acaba de tomar la delantera en la competencia por el álbum más grande de 2020.

Columbia actualmente está en el #5 con 6.9%, con el álbum de BTS en el puesto 9 de las listas y Harry Styles en el puesto 13 liderando el camino, pero Ron Perry está en el proceso de rehacer la lista, ejemplificada por el estatus dentro delTop 50 de Polo G.

Warner lidera el Nivel Tres con 6.2%, lo que indica que la creencia de Max Lousada en el dúo Bay-Schuck/Corson estaba en lo correcto. RCA de Peter Edge (4.8), que irrumpido en el puesto #20 con Doja Cat, está en un empate virtual con The Orchard, que se ha convertido en un contribuyente clave para el balance de Sony Music.

En la cima del Nivel Cuatro y completando el Top 10 están Epic de Sylvia Rhone y Def Jam liderado por Jeff Harleston (2.2%), pero Sony Music Nashville de Randy Goodman está solo .006 atrás, mientras que UMG Nashville de Mike Dungan se mantiene en la mezcla con 2.0%.

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El mes pasado Spotify anunciaba que como parte de sus esfuerzos para aliviar el impacto de la pandemia del Covid-19 en la industria de la música, añadiría esta funcionalidad para que los artistas puedan recibir dinero directamente a través de la plataforma, saltándose la tradicional cadena de valor de pagos de royalties en la que Spotify paga a las discográficas y las discográficas pagan a los artistas, según los términos de su contrato. Para nadie es un secreto las numerosas quejas en torno a las tarifas de pago de Spotify, tanto para música grabada como para compositores.

El día de ayer Spotify anunció el lanzamiento del «Artist Fundraising Pick», una herramienta opcional que permitirá a los artistas recaudar fondos para sí mismos, para personal de su equipo, o para alguna de las fundaciones aliadas con las que Spotify ha conformado el Covid-19 Music Relief.

Spotify ha establecido una alianza con la plataforma de pagos CashApp, en la que por cada «propina» que reciba un artista, bien sea para sí mismos o para una fundación, la empresa de servicios financieros donará $100 adicionales, hasta alcanzar un total de $1 millón en donaciones. Sin embargo CashApp está disponible únicamente en los EEUU y el Reino Unido. Para el resto de países, los artistas podrán utilizar una dirección de Paypal.

Para utilizar la herramienta, los artistas o el administrador de su cuenta de Spotify for Artists deberá acceder al banner correspondiente en sus tableros, un proceso similar al utilizado para escoger el «Artist Pick» que aparece fijado en el tope de sus perfiles.

En un comunicado Spotify indicó que la compañía se apresuró en poder activar esta herramienta al ubicarse en una posición única para ayudar a los artistas en medio de la pandemia y las graves consecuencias que ha tenido para artistas en todo el mundo. Sin embargo advierte que es la primera vez que ha desarrollado una funcionalidad como esta y la considera como una «primera versión». Se espera que la herramienta evolucione y se actualice en base al feedback de los artistas.

Una cuestión salta a la vista a la luz de esta nueva funcionalidad de Spotify, la cual puede llegar a cambiar el modelo de negocio del streaming: ¿se mantendrá abierta luego de que pase lo peor de la pandemia? En plataformas de streaming asiáticas este modelo se ha estado utilizando por años y para algunos artistas representa su principal fuente de ingresos.

Otra cuestión importante es: ¿qué opinan las discográficas majors de esta nueva característica? No sería ilógico pensar que, de mantenerse esta nueva forma de generar ingresos, las discográficas encuentren la forma de 1) Actualizar sus contratos para impedir que sus artistas utilicen la herramienta (puesto que es opcional), o 2) Introducir una cláusula en la que sean las compañías quienes reciban el dinero recaudado para luego distribuirlo a los artistas según un % acordado. Después de todo, estas donaciones o propinas estarían siendo generadas por música sobre la cual las discográficas tienen los derechos de autor.

Spotify ha publicado en su blog una guía completa para los artistas puedan activar el Artist Fundraising Pick en sus perfiles de forma inmediata.

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Sin embargo, el ritmo de crecimiento de estos ingresos se ha desacelerado en la primera mitad del 2019, en comparación con el mismo período del año anterior.

Según los datos financieros de las tres discográficas, en el segundo trimestre del año obtuvieron $2.08 mil millones de ingresos específicamente por consumo de música grabada en streaming. Esto resulta en $23.13 millones por día durante estos tres meses, casí alcanzando el millón de dólares por hora, unos ingresos que para la industria han sido un sueño hecho realidad.

Sin embargo esta cifra de $2.08 mil millones representa un incremento de $390 millones con respecto a los ingresos del mismo período en 2018, que a su vez es una cifra menor que la generada en el mismo período de 2017, que alcanzó $443 millones. Lo que significa que aunque la cifra en general es impresionante, la industria podría estar presentando signos de saturación.

Lo mismo es cierto para el período total que abarca los primeros seis meses del 2019, por lo que los resultados del segundo trimestre no son una sorpresa.

Según los datos financieros, las divisiones de música grabada de Universal Sony y Warner generaron un total de $3.96 mil millones directamente del consumo de streaming para el final de Junio 2019. Comparado con el mismo período de 2018, esta cifra representa un crecimiento de $709 millones. Sin embargo el crecimiento del mismo período entre 2017 y 2018 fue de $877 millones.

La diferencia entre los $877 millones (primera mitad de 2018 con respecto a 2017) y $709 millones (primera mitad de 2019 con respecto a 2018), significa que los ingresos por streaming de las grandes discográficas se ha desacelerado en un 19.1% en los primeros seis meses de este año.

¿Qué podemos esperar de esta tendencia? Por un lado las discográficas y aquellos interesados en comprar parte de algunas discográficas no entrarán en pánico por un leve declive en el crecimiento de los ingresos. Después de todo, la cifra de $23.13 millones diarios que se reparten equivalen a aproximadamente $16,000 por cada segundo que pasa.

Sin embargo no estaría demás asumir que en el futuro las grandes discográficas comiencen a exigir más de los servicios de streaming, en un esfuerzo por evitar que este decrecimiento se convierta en un problema grave.

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WINTEL 2017 es el segundo informe producido por la Worldwide Independent Network (WIN)

La cuota de mercado global de las discográficas independientes ha aumentado desde 2015 en un 0,9% hasta el 38,4%, representando unos ingresos globales de 6.000$ millones en 2016. Esto representa un aumento del 6,9% en los últimos 12 meses.

Aunque la cuota de mercado global de etiquetas independientes aumentó en un 0,9% a un 38,4%, los cambios a nivel de país fueron tan diversos como la imagen de cuota de mercado en sí. EE. UU. vio la mayor oscilación a favor de los independientes, aumentando un 1,7% hasta el 37,3%. Los independientes surcoreanos aumentaron aún más su control sobre el mercado coreano, con fuertes resultados de los principales independientes que resultaron en un crecimiento total de la participación de mercado de 0.6% hasta 89.1%. La participación independiente disminuyó ligeramente en Japón, un 0,3% hasta el 63,3%, y varias empresas locales líderes registraron importantes pérdidas de ingresos en 2016.

Muchos mercados europeos, incluidos los territorios clave como el Reino Unido y Alemania, experimentaron una caída leve en la cuota de mercado independiente, a pesar del crecimiento general de los ingresos. En el caso de España, es el país con menos cuota de mercado independiente con un 15%.

El informe deja en claro que la música digital, y la transmisión en particular, continúa creando oportunidades interesantes para los sellos independientes y que en prácticamente todos los países, los sellos independientes continúan registrando una mayor participación en el mercado del streaming que en formatos físicos.

El streaming creció un 60,4% en 2016, representando el 59% de todos los ingresos digitales, mientras que el total digital ahora representa el 50% del mercado total. Los ingresos de streaming para los independientes crecieron 80.4% en 2016, alcanzando 2.100$ millones, por encima de 1.200$ millones en 2015.

El informe demuestra otro año muy bueno para los independientes en todo el mundo, y también describe la importancia continua del sector para la cultura local y las oportunidades de empleo extendido en el sector independiente que sirve a la comunidad.

Alison Wenham, CEO de WIN, dijo: «El informe WINTEL 2017 muestra otro año fuerte para el sector independiente. Se ha visto un crecimiento sólido en general y un aumento sorprendente en los ingresos por transmisión. Ambas son tendencias que confiamos continuarán. Cuando se da sentido al mercado global de la música independiente, es importante que sigamos utilizando la propiedad en lugar de la distribución como método de cálculo. El reclamo de participación en el mercado a través de la distribución por parte de las principales discográficas distorsiona el verdadero valor del mercado independiente y crea una imagen falsa del increíble crecimiento y vitalidad de nuestro sector«.

Martin Mills, fundador de Beggars Group y vicepresidente de WIN comentó: «Habla mucho de la tenacidad, la pasión y el espíritu empresarial de sellos independientes, y el deseo del público de diversidad musical, que incluso en estos tiempos de dominio global de grandes corporaciones, casi 4 de cada 10 dólares gastados en música van al sector independiente. «

El informe completo se ver y descargar aquí

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Por la compañía han pasado artistas como Miguel Bosé, Alejandro Sanz, Abraham Mateo, Mecano, Raphael, Ana Torroja Barei, David DeMaría, Malú , Rozalén, entre otros.

Con más de 30 años de experiencia, hemos querido hablar con la CEO y fundadora de la RLM, Rosa Lagarrigue, para que nos cuente cómo ve el sector management actualmente, cómo está viendo la industria de la música en la actualidad y cuáles son los planes de futuro de la compañía.

IM: ¿Está evolucionando el sector del management?

Toda la industria de la música ha evolucionado mucho y en consecuencia el management también. En general se ha atomizado todo y cada vez tenemos que hacer más funciones y ser más polivalentes. No obstante, las necesidades del artista siguen siendo las mismas que antes: tener alguien con un equipo que le ayude a desarrollar su carrera con un trabajo personalizado y que le genere ingresos.

IM: Recientemente se han publicado datos que apuntan que estamos rumbo al tercer año consecutivo con números verdes en el balance anual de música grabada en España y nivel global. Es bien sabido que la causa principal de este crecimiento ha sido el streaming. Ahora bien, siendo manager de algunas de las estrellas más grandes de la música latina, queríamos saber si dicho impacto y crecimiento, es algo que crees que en efecto está repercutiendo directamente en tus artistas.

Se siente un cierto optimismo en la industria lo cual es bueno porque tenemos toda la impresión de que se empieza a salir del túnel. Esto se refleja indirectamente en los artistas, pero la realidad es que, en general, es el último eslabón de la cadena. Las cantidades que perciben son todavía insignificantes y llegan al cabo de demasiado tiempo. Hay muchos acuerdos que se han quedado obsoletos pendientes de ser renegociados por parte de todos.

IM: ¿Para un artista, qué papel juegan las multinacionales hoy en día? ¿Ha cambiado el rol de major y el artista?

Cada multinacional tiene su forma de trabajar. Son básicamente solo 3 y cada una con su filosofía por lo cual no me gustaría generalizar.

No obstante, el objetivo es el mismo. Promocionar y vender música grabada. Es un hecho que se involucran más con los directos del artista, no aportando un tour support como antaño, pero recibiendo un % de los ingresos de conciertos u otros, lo que en teoría les permite tener un músculo mayor para invertir y tener más sensibilidad con las giras. Todas las discográficas han creado un departamento de nuevos negocios e intentan, al igual que el manager, aportar marcas, publicidad y patrocinios. Al final se trata de un trabajo en equipo a favor del desarrollo del artista. Cada parte es necesaria y no deberían pisarse.

Algunas compañías exigen contratos 360 y es como todo, a veces funciona perfectamente y a veces no. Esto es un negocio de personas. Nosotros en RLM tenemos nuestro sello Sin Anestesia y firmamos acuerdos 360. En todo caso se encuentran formulas diversas para que el artista esté bien asesorado, cuente con el equipo adecuado y la economía sea viable

El co-management necesita madurar

IM: ¿Cómo se trabaja el co-management?

Creo que todavía estamos todos aprendiendo. Si fuese solo un reparto de % sería más fácil. Tampoco es preocupante a mi modo de ver quien ostenta los derechos. Lo que considero importante es quien realmente hace el trabajo de management, la estrategia y seguimiento de carrera, el asesoramiento, el concepto de giras etc. 365 días al año mano a mano con el artista.

El co-management necesita madurar. Nos encontramos a menudo con situaciones absurdas de un sinfín de personas que se sienten “managers” y dan su opinión al artista con espontaneidad, pero sin visión de futuro, lo cual es negativo. Es una cuestión de orden, organización, equipo y profesionalidad

IM: ¿Se concibe hoy en día una agencia de management de éxito sin contratos estilo 360º?

Creo que no está relacionado con el éxito de una agencia. Depende de quién descubre o aporta el artista, si es la discográfica o bien el manager, a veces es un productor con una licencia.

Hoy en día todas las fórmulas son válidas, incluso que el artista o mánager tenga su propio sello. Lo importante es que el reparto de ingresos sea justo para todas las partes en relación a la inversión, al trabajo y a los resultados.

La era actual pasa por estar viviendo en España los peores años por la falta de apoyo institucional a la industria de la música

IM: Rosa en más de 30 años de carrera has visto muchos cambios en la industria, cómo definirías la era actual de la música en España.

Sin querer parecer negativa creo que la era actual pasa por estar viviendo en España los peores años por la falta de apoyo institucional a la industria de la música. No se respeta, no se lucha contra la piratería como se debiera, no se educa desde la infancia para valorar la música y a los creadores. ¡El mensaje que se da a los jóvenes es que es un lujo (véase el IVA) y que mejor todo gratis, para qué pagar! Los últimos gobiernos solo han empeorado la situación con esa carga de IVA desmesurada al no considerar la industria musical como un bien importante para nuestra cultura.

Dejando esto de lado, España sigue siendo un país altamente creativo, están saliendo poco a poco nuevos artistas que merecen su oportunidad.

IM: ¿Y cómo está la propia industria? ¿Evoluciona?

La industria de la música en España está evolucionando como en todo el mundo. Pensamos más en canciones que en álbumes, el streaming manda. Me gusta que está entrando mucha gente joven, no solo artistas sino también managers, promotores etc.  Por ejemplo, en RLM el 70% de la plantilla tiene menos de 30 años.

Hay más festivales que nunca, la música electrónica está creciendo y el público disfruta como nunca de los directos. Las infraestructuras también han ido mejorando

El 70% de la plantilla de RLM tiene menos de 30 años

IM: Muchos de tus artistas giran en Latinoamérica, un gran territorio que está en un gran momento de eclosión ¿Cómo ves esa eclosión?

Es una eclosión muy sólida porque está creciendo por la parte creativa y por la parte de industria. Es importante no pensar que Latinoamérica es un solo territorio ya que cada mercado tiene su idiosincrasia y necesita un trabajo personalizado.

En efecto en RLM, como es previsible, Raphael gira y arrasa en prácticamente cada país del continente americano, pero también Abraham Mateo desde sus inicios ha pisado suelo americano cada año, Porta triunfa en Argentina, Chile, Perú y México, Malú ofrece conciertos en México, Argentina y Chile y Rozalen toca 2 o 3 veces al año en México, Argentina y Chile. Ana Torroja vive en México y gira por todo el continente.

Me encanta ver también como artistas relativamente nuevos como Paty Cantú, J, Balvin, Maluma, entre otros hacen crossover desde sus países a otros territorios.

IM: ¿Crees que la música de habla hispana es más fácil de internacionalizar en mercados no hispanos ahora que hace unos años?

Creo que es todavía más difícil que años atrás por la poca capacidad de inversión de la industria en general. Cuando se generaban más recursos,  la industria se permitía invertir grandes cantidades  y se podía arriesgar para intentar  entrar en territorios muy difíciles. La inversión que hizo en su dia Hispavox en intentar trabajar artistas como Bertín Osborne o Alaska y Dinarama, por ejemplo, en Europa. Asimismo, Ariola apostó con éxito por Mecano en Europa

Ahora, en plena era digital debería ser más fácil, pero carecemos del apoyo en marketing necesario. Los consumidores tienen una oferta inmensa, pero es muy difícil romper sin una mínima inversión y, en general, no hay presupuesto.

Si el artista es efímero, para mí no es artista

IM: Hay cierta sensación en la industria de la música que cada vez más hay menos artistas que perduren en el tiempo, menos “Superstars” parece que todo es más efímero, como lo es el propio consumo de música ¿Tienes esa misma sensación? ¿Crees que los desarrollos artísticos ahora deben ser más rápidos?

Si el artista es efímero, para mí no es artista. Un artista debe tener la necesidad de ser artista para toda su vida, no puede ser artista de un año… yo lo veo así, y creo que un artista debe entender su carrera a medio y largo plazo.  No voy a negar que tenemos la sensación de que todo es efímero, pero al mismo tiempo cuando una canción es un éxito dura más que nunca.

El desarrollo artístico debe ser orgánico. Lo puedes y debes apoyar, pero debe tener su recorrido. Para cada artista es diferente

IM: Y no influye en el desarrollo artístico?

Sí claro, pero el artista no puede pensar que todo es efímero, si no fracasa.  El primero que debe apostar por él mismo es el artista.

¡El público quiere buenas canciones y eso es positivo! Una por una buenas y no una buena y nueve mediocres.

IM: Hablemos de RLM, ¿Cuáles son los planes de futuro más inmediatos de la compañía?

Seguir haciendo lo que nos gusta porque este es un trabajo de pasión. Así que seguiremos firmando artistas nuevos porque están saliendo grupos y solistas muy interesantes. Seguiremos trabajando nuestro roster y priorizamos el desarrollo internacional más que nunca. ¿Hacia Latinoamérica? Sí, Latinoamérica, pero también nuestros artistas, como Rozalén, Barei y Porta, están saliendo hacia Europa y es increíble cómo es la acogida.

También vamos a reforzar toda la parte de booking, promotoría, organización de eventos y vamos a apoyar artistas de Latinoamérica en España.

IM: Comentabas que las majors están adquiriendo agencias de management como RLM, crees que en estos planes que tenéis como compañía, cobraría más sentido si RLM estuviera en una major?

Sería posible, no lo vería con malos ojos. Lo importante es mantener la independencia. Con Prisa Radio se hizo muy bien. Tienen la mayoría del accionariado, pero mantenemos la independencia al 100% y por supuesto trabajamos como siempre hemos hecho con todos los medios.

Podría pasar lo mismo con una major, siempre y cuando nos mantengamos independientes. Hay ejemplos en México y en España de empresas de management adquiridas por majors y que funcionan muy bien.

Por último, ya han pasado algunos meses de la noticia de la ruptura con Alejandro Sanz, ¿Afecta a los planes de futuro RLM lo sucedido?

Que un artista del tamaño de Alejandro Sanz rompa un contrato de esta forma en mitad de una gira afecta, si te dijera que no, mentiría. ¡Ahora todo tiene su curso y nosotros como compañía seguimos y lo hacemos con mucha energía!

Es obvio que vamos a tener que hacer alguna pequeña reestructuración, pero, como te decía, nosotros vamos a seguir con más energía que nunca.

IM: Recientemente se ha fundado la asociación de las mujeres de la industria de la música ¿Crees que la industria de la música sigue siendo machista? ¿Ha mejorado respecto a cómo fueron tus inicios?

Se ha normalizado un poquito, a la par que lo ha hecho la propia sociedad, pero sigue siendo un sector muy machista, como el resto.  Solo hay que ver los consejos de administración del IBEX.

En la música, cuando empezamos éramos 2, la manager de Radio Futura y yo, ahora por suerte hay más mujeres, pero siempre parece que debamos ser más duras, más fuertes que los hombres. Queda camino por recorrer.

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Poco se sabe de estos acuerdos, pero por fuentes cercanas, UMG se habría garantizado unos ingresos de 8$ millones para los próximos 3 años, mientras que WMG serían 7,5$ millones y SMG de 6$ millones.

Este acuerdo significa un gran paso para los ingresos del sector discográfico ya que el mercado ruso cuenta con 144 millones de habitantes pero que en los últimos resultados anuales presentados por IFPI en este mercado (2015), sólo generó 56$ millones para las discográficas. Bien es cierto que hubo un aumento del 7% respecto 2014 pero son unas cifras que podrían tener un gran margen de crecimiento.

Fue en 2014 que IFPI puso como objetivo mejorar los rendimientos en el mercado ruso así como ese mismo año las 3 majors presentaron una demanda a vKontakte.

Ahora, con el acuerdo por parte de las 3 majors y con el reciente lanzamiento que hizo de su servicio de suscripción de música, se espera que esta red social impulse un nuevo crecimiento dentro del mercado ruso.

Boris Dobrodeyev, CEO, VKontakte, dijo: «Después de extensas negociaciones, hemos llegado a un acuerdo con todos los principales titulares de derechos de música, lo que nos permite trazar una línea sobre este proceso. Este es un momento histórico y un nuevo hito en la historia de VKontakte.»

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El informe, titulado WINTEL, fue comisionado por WIN para analizar el impacto económico y cultural del sector de la música independiente, y ha sido elaborado por Mark Mulligan de MIDiA Research junto con el Dr. Chris Bilton del Centro de Política Cultural de la Universidad de Warwick en el Reino Unido.

Las principales conclusiones del análisis muestran que, sobre la base de la propiedad de los derechos, la cuota de mercado mundial de los sellos discográficos independientes es del 37,6%, lo que supuso 5.600 millones de dólares en el año 2015, en un rango muy diverso de tendencias nacionales, con cuotas para los independientes que van desde el 16% en Finlandia hasta un 88% en Corea del Sur. En España, la cuota total se sitúa en el 18%.

«Este reporte es muy importante, pues nos ofrece por primera vez un panorama global fidedigno acerca del valor económico y cultural de la música independiente«, así lo indicó la CEO de WIN Alison Wenham, en una declaración publicada junto con el reporte, en el cual se refiere al análisis del mismo como una cobertura «real» de la cuota de mercado para las independientes. «Con una cuota del 37.6% basada en la titularidad de los derechos, y una contribución de 5.600 millones de dólares, está claro que la comunidad de la música independiente juega un papel cada vez más importante dentro de la industria de la música a nivel global»

El informe WINTEL muestra que aproximadamente un 52% de sellos realizan su distribución a través de las multinacionales o distribuidoras de su titularidad. Tradicionalmente éstas se han atribuido la cuota de mercado de estas distribuciones, distorsionando la imagen fiel del valor real del mercado. Este nuevo análisis, basado en la propiedad de los derechos, proporciona una visión mucho más precisa de la realidad. Este punto es muy importante ya que la cuota de mercado es utilizada por las plataformas de música digitales líderes como Apple, Google y Spotify en las negociaciones con el sector, y a menudo determina los niveles de remuneración que estas empresas pagan a los titulares de música.

El informe completo se puede descargar en este enlace

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