SoundCloud

Esta alianza representa una vuelta al enfoque de SoundCloud hacia su mercado de usuarios originales, creadores de música en lugar de consumidores, para quienes recientemente lanzó su servicio pago de streaming SoundCloud Go.

LANDR fue lanzado el año pasado con el apoyo de grandes nombres como Nas y Richie Hawtin, y es un servicio que asegura que puede «dar un acabado de calidad al igual que cualquier artista major con presupuesto» simplemente con subir un track a la nube.

La alianza no incluye todos los servicios de LANDR de forma gratuita, sino solo la optimización de los tracks específicamnte para ser escuchados en SoundCloud, similar a lo que se conoce como iTunes Mastering.

Un portavoz de LANDR indicó «utilizamos exactamente los mismos algoritmos, pero hemos hecho una investigación para encontrar los mejores balances para optimizar el sonido de cualquier track en el formato de SoundCloud. Los tracks solo aparecerán en SoundCloud y no en la librería de LANDR. Si un usuario desea tener un master como tal, en este caso sí tendrían que comprarlo en formato HD WAV o en MP3 de alta o baja resolución«.

El servicio será gratuito para todos los usuarios de SoundCloud, con tan solo crearse una cuenta en el sitio web de LANDR.

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Es por ello que por motivo del vigésimo aniversario nos hemos puesto en contacto con Manuel Colmenero, coproductor y socio del estudio junto a Javibu Carretero, para conocer sus impresiones tras esta trayectoria de 20 años de grabaciones, grandes discos y múltiples reconocimientos de oro y platino.

«Decía la canción que “20 años no es nada”,  pero para la vida dentro de un estudio de grabación como Sonobox 20 años han dado para aprender mucho.» declaró así Manuel Colmenero, que además se animó a compartir con nosotros sus cinco grandes aprendizajes.

«Las 5 cosas más importantes que hemos aprendido en estos 20 años en Sonobox creo que me quedaría con éstas»:

1. La canción y la emoción es lo primero:

Es el origen de todo, la gasolina del motor. Cuando empiezas a trabajar en un estudio, el equipo, lo técnico y la tecnología se convierten en algo obsesivo. La perspectiva del tiempo te enseña  que debes aprender la técnica a fondo  para olvidarte de ella . Un equipo sin buenas canciones no sirve para nada. Es importante que tu “yo técnico” no asesine al “yo musical y creativo”. Igualmente,  cuando termina la producción de un tema,  siempre hemos de reflexionar: ¿Ha sido bien tratada la canción? ¿Aquella piel de gallina al oírla por primera vez a guitarra y voz o en la demo se mantiene y se ha expandido? ¿O la hemos eclipsado con el arreglo y nuestro afán de lucirnos en la mezcla y en la producción? La canción y la emoción son el origen pero  a la vez el fin. Todo en el estudio y en la producción  ha de estar al servicio de ella.

2. Los valores sagrados: confianza e ilusión

Son valores intangibles pero tremendamente poderosos y que ponen a nuestras espaldas una gran responsabilidad. Toda la ilusión que genera un proyecto, el esfuerzo de parir las canciones,  de ahorrar para grabar un disco y sacar un proyecto adelante,  se depositan  en uno con la confianza de que todo esto sea bien cuidado y llegue al mejor puerto posible. Nunca se debe perder la perspectiva de esto tan sagrado y exige la máxima implicación y concentración por nuestra parte. En este oficio no hay medias tintas. Trabajar significa estar siempre a pleno gas.

3. Cuando el ego no atraviesa la puerta del estudio, la música y la magia fluyen.

El tiempo nos ha enseñado que aquellos discos en los que se hace equipo, cuando  todas las cabezas y almas están en sincronía hacia el mismo, y no para demostrar el ego de cada uno, se obtienen los mejores resultados y son mucho más mágicos. También, que los músicos más grandes que han pasado por Sonobox, son los menos provistos de ego y con mayor dosis de humildad. Cada disco recoge la energía del ambiente con el que se graba,  y creo que el oyente también percibe esto de forma subliminal. Dentro de esto, otra gran lección aprendida, es que si el proceso no esta siendo divertido y de disfrute, algo falla y conviene que sea revisado cuanto antes.

4. Cada artista trae su esencia incorporada de serie. Nuestra labor es aprender cuál es y expandirla 

Todo intento de forzar las cosas, de tratar de que una artista sea lo que no es, se adapte o trate de clonar  lo que esta de moda, es una tarea condenada al fracaso y va contra natura. Precisamente en la esencia propia reside el elemento diferenciador,  y es lo que hace que la música evolucione y genere artistas auténticos.

5. Los discos no se terminan nunca, se abandonan. Lo importante es saber cuando es el momento oportuno y honesto de abandonar.

Un disco es algo de por sí inacabado. Sobre todo hoy en día con las posibilidades de manipulación, edición, y recall que ofrece la tecnología. Aquí entran las obsesiones, las inseguridades, los vértigos y miedos y es algo importante de controlar para no entrar en pérdida. Creo que preguntas como: ¿Hemos dado toda nuestra implicación y energía al disco? ¿Representa y supera en expectativa lo que todos teníamos en la cabeza? ¿Lo que queda son ya cambios y detalles nimios que alimentan nuestra naturaleza obsesiva y perfeccionista? Si las respuestas son afirmativas quizás llegue el momento de  abandonarlo  y dejarlo volar.

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Xergio ha trabajado con artistas de la talla de Oscar Mulero, Jamie Jones, Go Hiyama, Zombie Kids, y para sellos tan importantes como Sony, EMI, Warner, Warm up, Tsunami, Pole record, entre muchos otros artista y sellos.

IM: Hola Xergio, y gracias por compartir tu tiempo en esta semana del Sonar, en un escenario tan importante como es este festival ¿Como ves el estado de la música electrónica en España? 

Bueno, en contra de la opinión general creo que  la situación es mejor de lo que aparenta, por supuesto la escena dista mucho de otros lugares europeos, al igual que su industria, pero poco a poco podrán ir igualándose las cosas. Lo que si ha sucedido, cómo en todas partes, es un crecimiento exponencial de sellos y productores, provocando saturación de productos de calidad media y baja, pero de igual manera se ha producido un incremento de nuevos talentos y de calidad en los productos que sacan.

En cuestión de calidad, nosotros estamos recibiendo cada vez proyectos mejor producidos de muchos nombres nuevos con mucho que contar.

IM: Y a nivel mundial ¿Como estás viendo el sector?

Personalmente cada vez los productores de electrónica están más concienciados de tener que alcanzar un sonido competitivo y abandonan esa tendencia del “do it yourself” para ponerse en manos de profesionales en cada especialidad, como es mi caso. Es interesante ver como el crecimiento del mercado de vinilo ha aumentado la necesidad de masterizar en estudios profesionales.

Así que nos sentimos afortunados porque desde que fundé Eternal Midnight  hemos llevado un crecimiento positivo anual. Sólo desde 2011 a 2013 crecimos un 140% en volume de trabajo. Por lo que a nuestros ojos todo ha sido bueno.

IM: ¿Como estas viendo todo el fenomeno del EDM? ¿Estás notando este impacto en el estudio?

Bueno desde mi visión como ingeniero no es más que otra tendencia nueva que debes entender para poder masterizar, saber qué elementos la forman y cómo deben ser tratados para tener impacto y conservar integridad. A nivel de trabajo sí, al ser una nueva relación de oferta/demanda tiene su efecto en la industria y en los que formamos parte de ella pero más allá de esto, no nos afecta de ninguna manera especial pues no es algo que sustituya a un genero sino algo que se añade al crisol musical.

IM: Antes de entrar hablar de tu especialidad, el mastering ¿Como entraste en la industria de la música electrónica?

Mi relación con la música electrónica viene de muy largo, pero concretamente con el mastering ha sido el comenzar a trabajar con productores de renombre, y creando un sonido novedoso que combinaba potencia y naturalidad, algo que a la vez permitía  ser muy competitivo a nivel internacional. Esto me creó una relación de intimidad con muchos productores que fueron compartiendo el sonido de Eternal Midnight de boca en boca hasta ser ampliamente conocidos por la música electrónica y los nombres de top-producers internacionales que avalaban nuestro trabajo, y también gracias a ello, nos hemos consolidado como el estudio que posiblemente posea mayor actividad en todo el país. No obstante masterizamos todo tipo de estilos, muchos de los proyectos que firmamos van del jazz a BSO orquestal, Hip hop, Pop o rock.

IM: La profesión del mastering quizás sea una de las más desconocidas de la industria, ¿Explícanos cómo está el sector del mastering en España?

Por suerte parece que la situación está cambiando poco a poco a mejor. Cuando empecé con Eternal Midnight todo avance era contracorriente por una lacra de “sonido español” que condenaba cada proyecto nacido aquí antes aun de comenzar, y no faltaba cierta razón pues la calidad difería mucho de la imperante en lugares emblemáticos como Estados Unidos, Reino Unido o Alemania.

Estamos contentos de ver que alrededor hay bastantes estudios con un sonido más depurado y competitivo. Los grandes cambios suceden poco a poco.

IM: Además del mastering, como ingeniero has desarrollado una interesante patente, háblanos de ella ¿Cómo surgió?

Bueno, realmente la idea surgió de escuchar a una Dj madrileña que es buena amiga y me relataba las insuficiencias de sonido que había en clubs y otros lugares debido a las carencias de sistemas de sonido y a las limitaciones debidas a la normativa legal de emisiones acústicas. 

Tras esta conversación me quedó una idea en segundo plano que poco a poco fue desarrollándose y después de infinidad de ensayos desde 2008, conseguí implementar un sistema que lograba eliminar las frecuencias graves transmitidas a las viviendas o lugares vecinos que resultaban molestos por una serie de frecuencias que permiten al mecanismo de audición humano interpretar como baja frecuencia. Así mismo también trataba la señal para mejorar su calidad y lograr hasta el doble de su sonoridad manteniendo los mismos niveles de dBA (medida usada por la normativa legal) y logrando así que el recinto sonoro lograse alcanzar un nivel adecuado para mantener en funcionamiento su actividad comercial.

En octubre de 2013 me concedieron el título de la patente. Ahora trabajo en otros dos sistemas muy innovadores que acabarán patentados también, desarrollados cada uno con una empresa diferente de ingeniería.

IM: ¿Y actualmente donde has implementado este sistema?

 Ya hay más de una docena vendidas y funcionando en instalaciones fijas. Pero saqué una versión donde es posible usar el servicio en fechas concretas y esto me ha llevado a implementarlo en infinidad de lugares como Pacha, Fabrik, Joy Slava, La Rivera de Madrid, teatro Arteria Barcelona, y decenas de eventos que me han llevado desde Turquia a Reino Unido, pasando por Ibiza.

IM: No quisiéramos dejar pasar la oportunidad para preguntarte ¿Que consejos les darías a los Dj y productores que empiezan en el sector?

Cómo todo arte, la música requiere de talento, conocimiento y mucha, mucha dedicación, práctica y constancia. Ingredientes que deben ir mezclados para consumar una pasión que debe profesionalizarse. Parecen tópicos, pero el talento sólo, no es nada, sólo es como idea que se va antes o después.

Hay que tener los objetivos claros, raíces puras y luchar por alcanzar unos y mantenerse en las otras, por supuesto con los ojos abiertos a la innovación. Uno sigue un modelo para poder formarse, pero una vez que uno se forma debe tratar de añadir algo al mundo, no hacer lo que los demás hacen sino desarrollar aquello único que nos hace únicos, la diferencia que marca la diferencia y lo que hará que persigamos la autenticidad.

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