Una inversión de 407 millones para hacer de Madrid capital musical global

El Ayuntamiento de Madrid ha concedido a Barsento la explotación de la parcela municipal ES01 —con 66.843 m² de superficie y 90.000 m² de edificabilidad— durante 75 años, hasta 2100. La inversión total asciende a 407 millones de euros, de los cuales más de 260 millones irán destinados a la arena de música, el eje central del proyecto.

El complejo se articulará en torno a tres ejes. El primero y más destacado será la arena de música, diseñada específicamente para conciertos y grandes espectáculos, con capacidad superior a las 20.000 personas. Esto convertiría a Madrid en la primera ciudad española con dos grandes recintos cubiertos de estas características, rivalizando directamente con el actual Movistar Arena. El segundo pilar será un campus universitario para más de 2.300 estudiantes, gestionado por el Grupo UAX —Universidad Alfonso X el Sabio y XTART FP—, con titulaciones vinculadas a la salud, el deporte, la gestión musical y el entretenimiento. El tercer componente será un centro deportivo operado por GOfit, con capacidad para 9.000 usuarios e instalaciones acuáticas interiores y exteriores.

Las obras comenzarán próximamente, con fecha de entrega prevista para finales de 2030.

Las voces del proyecto

El alcalde Martínez-Almeida no ocultó su entusiasmo ante el proyecto: «Madrid ya es una gran capital de la música, y el compromiso de Live Nation de invertir y crecer aquí así lo demuestra. Tenemos la oportunidad de convertirnos en un gran hub musical global y en una ciudad de residencia para los grandes artistas del mundo.»

Desde el Atlético de Madrid, su consejero delegado Miguel Ángel Gil valoró el papel integrador del club en la operación: «Atlético de Madrid ha actuado como gran integrador, reuniendo esfuerzos y ambiciones en torno a una inversión de 400 millones de euros. Llevamos casi 15 años buscando la manera de dar vida a este espacio y hoy podemos decir que lo hemos conseguido.»

Pino Sagliocco, presidente de Live Nation España, destacó el valor estratégico del recinto: «El proyecto es un punto de inflexión para la ciudad, reforzando su posición como capital musical mundial. Crea un nuevo hub cultural para Madrid, ampliando cómo y dónde los fans pueden vivir la música en directo.» Por su parte, Chris Granger, CEO de Oak View Group, subrayó: «Madrid es uno de los destinos principales para el entretenimiento en vivo del planeta. Una arena de clase mundial puede ser transformadora para Madrid y para la región en su conjunto.»

El proyecto también prevé una colaboración en programas educativos vinculados a la industria musical y del entretenimiento, en partnership con Live Nation, lo que convierte el complejo en algo más que un simple recinto de conciertos: será un ecosistema completo para la formación, el ocio y la cultura.

Si finalmente se completa, el nuevo recinto competirá directamente con el Movistar Arena y reforzará la posición de Madrid como hub global para la música en vivo, con especial atención al segmento de la música latina, donde la ciudad ya actúa como puerta de entrada natural entre Europa y América Latina.

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El estudio concluye que no se trata de una moda pasajera, sino de un reajuste cultural profundo que está transformando la manera en que las personas conectan, construyen identidad y deciden en qué invertir su dinero y su tiempo.

Live Nation define la música en vivo como “el escenario principal de la cultura global”. Según los datos del estudio, los conciertos son ahora auténticos hitos de vida, experiencias memorables que los fans preparan y viven con una intensidad creciente.

El informe señala que, si los consumidores solo pudieran elegir un tipo de entretenimiento para el resto de su vida, el 39% escogería la música en vivo, muy por encima del cine (17%) y los eventos deportivos profesionales (14%). Incluso, 70% de los fans preferiría asistir a un concierto de su artista favorito antes que tener relaciones sexuales.

Un sector que acelera: cifras récord de asistencia y ventas en 2025

El crecimiento del sector continúa en plena expansión. Solo en 2025, más de 130 millones de fans ya han adquirido entradas. La asistencia a estadios se ha triplicado interanualmente y los festivales se agotan más rápido que nunca, reforzando el dominio de la música en vivo en el entretenimiento global.

El impacto económico global: cuando los fans viajan, las economías se mueven

La música en vivo mueve miles de millones. Seis de cada diez fans viajan al menos una vez al año para asistir a un concierto, generando un importante efecto arrastre en vuelos, hoteles, restaurantes y comercios.

El informe cita ejemplos del impacto económico masivo:

• La reunión de Oasis generó £1.000 millones en Reino Unido e Irlanda.

• La residencia de Bad Bunny en Puerto Rico movió $200 millones.

• La gira Renaissance de Beyoncé generó $4.500 millones solo en EE. UU.

A nivel global, los fans recorrieron 40.000 millones de millas en 2024. La asistencia creció más del 30% en Europa, Asia y Latinoamérica, y el 84% cree que la música en vivo une más allá de las fronteras.

Conciertos como hitos vitales: identidad, emoción y pertenencia

Para los fans, los conciertos han dejado de ser simples eventos de ocio. Son momentos que marcan la vida: el 70% planifica su viaje con anticipación y la mitad prepara su atuendo semanas antes.

Los datos más destacados:

• El 77% siente que formar parte de la multitud lo conecta con algo mayor.

• El 79% considera que la ropa que lleva es parte de su expresión identitaria.

• El 93% prioriza experiencias reales frente a las digitales.

• El 80% prefiere gastar en experiencias que en bienes materiales.

El liderazgo femenino transforma la industria de la música en vivo

El estudio indica que las artistas femeninas están redefiniendo la música en vivo. El 76% de los fans globales busca asistir a shows liderados por mujeres.

Entre los hitos destacados:

• Beyoncé domina la historia del country con el Cowboy Carter World Tour.

• Karol G marca récord histórico de venta de entradas en España.

• Olivia Rodrigo logra la mayor multitud en la historia de Lollapalooza.

Conciertos como plataforma de medios: la nueva potencia del “feed” social

La música en vivo es ahora el canal de medios de mayor crecimiento: el 94% de los fans publica contenido relacionado con conciertos. Para la Generación Z, la mitad reconoce que publicar forma parte esencial de la experiencia.

Las marcas encuentran aquí un territorio único:

• El 97% de los fans desea mayor participación de marcas.

• El 80% termina gustando más de la marca tras verla integrada en un show.

• El 75% aumenta la consideración.

• El 70% incrementa la intención de compra.

Live Nation afirma que la música en vivo se ha convertido en el “sistema operativo de la cultura”, un punto de encuentro donde identidad, comercio, creatividad y tecnología convergen. El mensaje final del informe es contundente: “La próxima década de la cultura se construirá en vivo”.

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Promesas incumplidas y recortes presupuestarios

Desde su llegada al poder con una mayoría abrumadora en julio pasado, el Partido Laborista liderado por Sir Keir Starmer presentó un ambicioso programa para revitalizar las industrias creativas. Entre sus propuestas destacaba la creación de una Red Nacional de Educación Musical, diseñada para proporcionar más recursos a padres, profesores y niños. Además, se planteó un objetivo ambicioso: aumentar el valor del sector creativo en £50 mil millones para 2030.

Sin embargo, la Declaración de Primavera reveló una serie de recortes al gasto público que afectan directamente a departamentos no protegidos como el de Cultura, Medios y Deporte. Aunque se había proyectado un incremento anual del 1.3 % por encima de la inflación para estos departamentos, Reeves anunció que este aumento será solo del 1.2 %. Esto implica una reducción significativa en términos reales para instituciones como la BBC y el Arts Council England, que son fundamentales para la creación y promoción de nueva música.

Impacto en la industria musical

El sector musical británico enfrenta desafíos importantes derivados de años de desfinanciamiento, condiciones económicas adversas y problemas relacionados con la inteligencia artificial generativa (IA). Según Roberto Neri, director ejecutivo de The Ivors Academy, los recortes ejercerán aún más presión sobre un ecosistema ya frágil. A pesar del crecimiento acelerado del sector musical desde la pandemia —casi el doble de rápido que la economía general— los compositores y letristas aún luchan por obtener beneficios justos.

Por otro lado, aunque las exportaciones musicales aumentaron un 15 % en 2024, alcanzando los £4.6 mil millones, expertos como Neri advierten que este éxito internacional podría verse amenazado si no se invierte adecuadamente en infraestructura cultural y apoyo a los artistas locales.

Preocupaciones sobre la educación musical

La falta de políticas claras sobre música y cultura en la Declaración de Primavera también ha generado inquietud entre líderes educativos como Ben Selway, director general de Access Creative College (ACC). Selway destaca que el cierre de locales independientes y el déficit presupuestario heredado por el Partido Laborista están afectando gravemente a la educación musical. Incluso artistas destacados como Ed Sheeran han pedido al gobierno que priorice este sector mediante una carta abierta firmada por otras figuras prominentes como Elton John y Harry Styles.

La educación musical no solo es esencial para preservar la cultura británica, sino también para fomentar el bienestar personal y comunitario. Sin embargo, los recortes presupuestarios podrían agravar las tendencias negativas observadas en las últimas décadas.

La amenaza de la inteligencia artificial

Otro tema crítico es el impacto potencial de la IA generativa en la industria musical. Aunque Reeves anunció inversiones en tecnologías de IA para sectores como defensa y administración pública, no abordó los riesgos relacionados con los derechos de autor en música. El debate sobre si las empresas pueden utilizar contenido protegido para entrenar modelos de IA ha generado controversia. Tom Kiehl, representante de U.K. Music, advierte que permitir acceso ilimitado a música británica bajo cambios radicales en las leyes de derechos de autor sería desastroso para una industria valorada en £7.6 mil millones.

Kiehl insta al gobierno a reconsiderar estas propuestas y proteger a los creadores musicales frente a posibles abusos por parte de empresas tecnológicas.

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TikTok como herramienta clave de marketing

En los últimos años, TikTok se ha convertido en una plataforma indispensable para el marketing de eventos en vivo. Jesse Lawrence, CEO de FanIQ, destaca que la industria musical ha adoptado el contenido narrativo y de estilo de vida en lugar de los anuncios estáticos tradicionales. “La industria de la música finalmente se está alejando de los anuncios estáticos de carteles y está adoptando el contenido narrativo y de estilo de vida”, señala Lawrence, quien también afirma que TikTok ofrece un retorno de inversión de entre 15 y 20 veces.

El atractivo de TikTok radica en su accesibilidad y en la facilidad de crear contenido atractivo y orgánico. Las estrategias de marketing en la plataforma se basan en identificar a usuarios potenciales mediante intereses específicos y conectar con ellos a través de contenido relevante. Por ejemplo, FanIQ utiliza videos que combinan elementos culturales y de estilo de vida, como contenido de moda o deportes extremos, para atraer a diferentes audiencias.

Historias de éxito y el impacto cultural

La efectividad de TikTok como plataforma de marketing para la música y los eventos en vivo está respaldada por numerosos casos de éxito. Desde que Lil Nas X lanzó “Old Town Road” en 2018, TikTok ha sido un catalizador para viralizar canciones y artistas. En 2020, temas como “WAP” y “Savage” de Megan Thee Stallion dominaron la plataforma, consolidándola como una herramienta clave para el descubrimiento y el crecimiento de artistas.

La plataforma también ha demostrado ser esencial para aumentar la visibilidad de eventos en vivo. Frank Will destaca que las búsquedas relacionadas con el festival Boomtown en el Reino Unido pasaron de 29.5 millones a 266.8 millones durante el evento, generando mayor visibilidad para las bandas participantes. Este nivel de interacción es difícil de replicar en otras plataformas.

Riesgos y planes de contingencia

La incertidumbre en torno al futuro de TikTok ha llevado a los especialistas en marketing a considerar alternativas. Will menciona que, aunque no se han observado movimientos significativos de presupuestos hacia otras plataformas como YouTube Shorts, muchos anunciantes están experimentando con diferentes opciones en caso de que TikTok sea prohibido.

Kerry McKibbin, presidente de la agencia Mischief @ No Fixed Address, recomienda pausar el gasto en TikTok a partir del 18 de enero para evitar riesgos financieros. También sugiere que los anunciantes se familiaricen con plataformas como YouTube y Meta, que podrían convertirse en las principales opciones para el marketing de videos cortos si TikTok deja de operar en Estados Unidos.

El futuro del marketing en redes sociales

La prohibición de TikTok podría marcar un punto de inflexión en el marketing digital, particularmente para la Generación Z, que constituye una parte significativa de su base de usuarios. Aunque otras plataformas podrían absorber parte del tráfico de TikTok, su enfoque único en contenido orgánico y su capacidad para viralizar tendencias musicales y culturales sería difícil de replicar por completo.

FanIQ y otras empresas de marketing están tomando medidas para mitigar el impacto potencial. Lawrence enfatiza la importancia de diversificar las estrategias en varias plataformas y de aprovechar herramientas que permitan medir el rendimiento en tiempo real. Esta adaptabilidad será crucial para enfrentar los desafíos que podrían surgir en un panorama digital sin TikTok.

A medida que la decisión de la Corte Suprema se acerca, el sector deberá prepararse para un cambio drástico en el ecosistema del marketing digital.

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La música ha sido reconocida durante mucho tiempo por sus poderosos efectos emocionales, capaces de evocar una amplia gama de sentimientos, desde la alegría hasta la tristeza. Investigaciones anteriores han documentado extensamente cómo la música grabada puede estimular los procesos emocionales e imaginativos del cerebro. Sin embargo, los efectos específicos de las presentaciones de música en vivo en el cerebro permanecían en gran parte sin explorar hasta ahora.

Sascha Frühholz, profesor de neurociencia cognitiva y afectiva en la Universidad de Zúrich, y sus colegas buscaron abordar esta brecha, investigando cómo la música en vivo, con sus cualidades dinámicas y adaptables, influye de manera única en el procesamiento emocional en el cerebro. Los investigadores llevaron a cabo un experimento que tenía como objetivo explorar cómo las presentaciones de piano en vivo, en contraposición a las grabadas, influyen en la actividad dentro de la amígdala, a menudo referida como el centro emocional del cerebro. El enfoque innovador de este experimento aprovechó la tecnología de imagen cerebral en tiempo real para capturar las relaciones entre la actuación y el estado emocional del oyente.

El estudio incluyó a un grupo cuidadosamente seleccionado de 27 individuos, elegidos para representar un amplio espectro de la población general sin entrenamiento musical o educación profesional. Este criterio aseguró que los hallazgos serían aplicables al oyente promedio, proporcionando información sobre el impacto universal de la música en el procesamiento emocional. Los músicos involucrados fueron dos pianistas profesionales de la Universidad de Artes de Zúrich, aportando su experiencia y expresión emocional a las presentaciones en vivo.

El núcleo del procedimiento experimental implicó a los pianistas interpretando 12 piezas de piano, compuestas expresamente para el estudio para provocar respuestas emocionales que iban desde placenteras hasta desagradables. Estas presentaciones fueron únicas en el sentido de que se adaptaron en tiempo real en función de la retroalimentación neuronal de la actividad de la amígdala de los oyentes, un proceso facilitado por imágenes de Resonancia Magnética Funcional.

Esta configuración innovadora permitió al pianista modificar la actuación para aumentar el impacto emocional en la audiencia. En contraste, la condición de control presentó a los participantes versiones grabadas de las mismas piezas, careciendo del bucle de retroalimentación en vivo, para aislar el efecto de la presentación en vivo de la música en sí misma.

Frühholz y sus colegas encontraron que la música en vivo, en comparación con su contraparte grabada, provocaba una actividad significativamente más fuerte y consistente en la amígdala. Esta respuesta mejorada sugiere que las presentaciones en vivo evocan un compromiso emocional más profundo y estimulan una experiencia emocional más sólida en los oyentes.

Curiosamente, la estimulación emocional de la música en vivo se extendió más allá de la amígdala, provocando un intercambio más activo de información en todo el cerebro. Esto indica que la música en vivo no solo intensifica las reacciones emocionales sino que también involucra redes cognitivas y afectivas más amplias. Tal compromiso señala un procesamiento completo de las emociones y sugiere que la música en vivo podría facilitar una integración más compleja de las respuestas emocionales y cognitivas, potencialmente mejorando la experiencia auditiva en general.

Los investigadores observaron una alineación significativa entre las experiencias emocionales subjetivas de la audiencia y su actividad cerebral, específicamente dentro del sistema auditivo que evalúa las cualidades acústicas de la música. Esta sincronización fue notablemente más pronunciada durante las presentaciones en vivo, subrayando la conexión única forjada entre músicos y oyentes en un entorno en vivo. Este fenómeno sugiere que la música en vivo facilita un espacio emocional compartido donde los intérpretes y los miembros del público están estrechamente sintonizados con los estados emocionales de los demás.

Además, el estudio destacó la naturaleza adaptable de las presentaciones en vivo, donde los músicos pueden modificar su interpretación en tiempo real en función de las respuestas emocionales del público. Esta interacción dinámica se facilitó a través de un bucle de retroalimentación neuronal, lo que permitió al pianista ajustar la actuación para maximizar el impacto emocional. Este hallazgo subraya la relación recíproca inherente en las experiencias de música en vivo, donde el flujo de comunicación emocional entre el intérprete y el público es continuo y mutuamente influyente.

«La música en vivo es acústicamente diferente de la música grabada, y solo los entornos en vivo conducen a un acoplamiento cercano entre las actuaciones musicales y las respuestas emocionales en los oyentes, lo que es un mecanismo central para la música como un proceso de sincronización social«, concluyeron los investigadores.

El estudio aborda las raíces evolutivas de la música, sugiriendo que la preferencia por la música en vivo sobre las versiones grabadas puede derivarse de prácticas históricas de hacer música con herramientas e instrumentos. A pesar de los avances tecnológicos que han hecho que la música grabada sea ampliamente accesible, la experiencia social y emocional de asistir a un concierto en vivo sigue siendo incomparable.

«Esto puede rastrearse quizás hasta las raíces evolutivas de la música», comentó Frühholz. «La gente quiere la experiencia emocional de la música en vivo. Queremos que los músicos nos lleven en un viaje emocional con sus interpretaciones».

El estudio, «La música en vivo estimula el cerebro afectivo y sincroniza emocionalmente a los oyentes en tiempo real», fue escrito por Wiebke Trost, Caitlyn Trevor, Natalia Fernandez, Florence Steiner y Sascha Frühholz.

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Así lo afirman las recientes investigaciones sobre el comportamiento de los consumidores sobre los efectos del COVID-19, que además de afectar a la industria de la música en directo, también lo hará en toda la economía a nivel global. Un estudio publicado por Performance Research and Full Circle Research Co. publicado a finales de marzo sobre una muestra de 1.000 estadounidenses revela que el 44% de los consumidores planea acudir a menos eventos públicos que antes una vez termine la crisis, y un 47% admite que, durante un tiempo prolongado, acudir a eventos multitudinarios les seguirá asustando. El 56% de los encuestados también afirma que se mantendrán lejos de los conciertos en salas, teatros o arenas aunque el recinto se haya confirmado como seguro, y que les llevará desde varios meses hasta un «quizás nunca» regresar a los conciertos indoors una vez que las medidas de cuarentena se rescindan.

Los espacios de música y recreación como bares y restaurantes, donde el contacto cercano es habitual, también se muestran afectados por los resultados de este estudio y tardarán en regresar a la normalidad.

Las preocupaciones también aluden a la recesión económica mundial, que algunos expertos indican que ya ha comenzado, y que se desencadena entre las consecuencias del coronavirus. Concretamente en la industria de la música en directo, Pollstar estima pérdidas que van desde los $2,2 hasta los $8,9 mil millones dependiendo del tiempo de reclusión y de la cancelación de espacios de relación social. 

Mark Mullingan de MIDiA Research afirma que nos encontramos en una situación similar a la crisis económica de finales de los 2000, cuando los consumidores se refugiaron en sus casas para reducir el gasto. Esto volvería a darse de nuevo en la presente recesión, sumando nuevos factores como la preocupación sobre los riesgos sanitarios en espacios públicos y la enorme oferta de contenido digital −entre ellas, música y televisión−, y la capacidad de seguir en contacto a través de redes sociales o videollamadas en casa: «los consumidores ahora tienen opciones de entretenimiento en el hogar mucho mejores que antes, por lo que el cocooning es una perspectiva aún más atractiva». Por su parte, las investigaciones sobre el coronavirus de MIDiA Research también muestran que la música en vivo será considerada un lujo que los consumidores ya planean reducir. 

Con cifras de crecimiento del consumo de televisión y de las plataformas de streaming, es evidente que el COVID-19 está favoreciendo a la industria del entretenimiento en pantalla. Según Mulligan, «el coronavirus está beneficiando a los modelos de negocio de streaming, especialmente en vídeo. La crisis golpeará al sector del entretenimiento, pero significativamente menos que al ocio». 

Al tiempo que los contenidos crecen, también parece aumentar la producción de música. Jason Tramm, de la Universidad de Seton Hall en Nueva Jersey, predice «una explosión de creatividad de los músicos encerrados. Creo que este tiempo de aislamiento e inestabilidad dará como resultado una explosión artística, ya que los artistas deben expresar llevan y cómo es estar dentro». 

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Según Pollstar, que proporcionaba los datos anteriores, la llegada del coronavirus se ha producido en un momento en el que la industria solo estaba creciendo, una especie de «Edad de oro del directo en la que los beneficios y las cifras de asistencia estaban experimentando un aumento sin precedentes». Ahora, con la pandemia teniendo efectos en las giras, conciertos y festivales a nivel mundial, el medio confirma a partir de los datos del primer trimestre que si el resto del año permaneciera en blanco para la industria, −el peor escenario, pero también menos probable− se perderían unos 8,9 mil millones de dólares respondiendo de un total esperado para el ejercicio de 2020 de 12 mil millones si el COVID-19 no se hubiera desatado. 

La metodología utilizada para extrapolar los datos de lo que resta del año es aplicar los mismo porcentajes de crecimiento que ya se han mostrado en este primer Q1 −que para Pollstar comprende desde el 21 de noviembre hasta el 19 de febrero−. Los resultados muestran que el final del segundo trimestre hubiera alcanzado los 23 millones de tickets y cerrado el tramo en $2,2 mil millones. Al término del tercer trimestre, se estimarían 45 millones de tickets vendidos y $4 mil millones de recaudación, finalizando el año en cerca de los $6 mil millones de ingresos totales con 62 millones de entradas vendidas. Estos datos a su vez corresponden al Top 100 de tours analizados, que habitualmente significan alrededor del 50% de los ingresos reportados. Sumando el resto de giras a nivel mundial por debajo del Top 100 llegaríamos a la cifra de los 12 mil millones de dólares pronosticados. 

La estimación de pérdidas depende de cuándo se recupere el negocio. Además de los $8,9 mil millones que cifra Pollstar al restar los resultados del Q1 a ese total de $12 mil millones, también marca en 5,2 mil millones perdidos en ventas de entradas si las cuarentenas continúan hasta el verano. 

La crisis del coronavirus no solo supone pérdidas en ventas de tickets, sino también en gasto per cápita en merchandising y comida en el recinto (aproximadamente 10$/persona), transporte, alojamiento, estacionamiento, gasolina y restaurantes fuera del venue (otros 25-50$/persona). También supone la pérdida de salarios de personal en recintos, producción, marketing, seguridad, taquillas, patrocinios y otros empleos generados a partir de la industria del directo. 

Listas Top 100 de Pollstar en el Q1 de 2020

Analizando más concretamente las listas de Top 100 de Pollstar correspondientes a este Q1, vemos que la Trans-Siberian Orchestra se coloca en lo más alto de la relación de tours con casi novecientos mil tickets vendidos y 58 millones de dólares en ingresos, por encima de artistas como Elton John, U2 o Jonas Brothers. Continúa también como líder de promotores Live Nation con más de 4,8 millones de tickets y 444,4 millones de dólares de ingresos, muy por encima de AEG Presents ($121 millones) y Feld Entertainment ($33 millones), las tres establecidas en Estados Unidos.

A nivel hispano destacamos al puertorriqueño Daddy Yankee que se alza con el puesto más alto en el Top 100 Worldwide Tour con más de 150.000 tickets y superando los 10 millones de dólares en ingresos. En el Top 100 Arenas brilla el WiZink Center de Madrid (España) acumulando cerca de 377.000 tickets vendidos y dejando en segundo lugar al Madison Square Garden neoyorquino.

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Este año Billboard ha incluido ejecutivas en el ámbito de la propiedad intelectual, la negociación de contratos, el descubrimiento de talento, discográficas, editoriales, música en vivo, agencias, medios digitales, medios de comunicación, branding, entidades de gestión, abogadas especializadas en la música y ejecutivas en las relaciones públicas

Encabezando este ranking, nos encontramos a Bozoma Saint John, Jefa Global de Marketing de consumo de iTunes/Apple Music. Entre Universal, Warner y Sony han situado 7 ejecutivas en el Top10 y mención especial que las 10 ejectuvivas representan el sector de la música grabada (Discográficas, Editoriales y plataformas de streaming) mientras que han quedado fuera ejecutivas del sector del directo.

1. Bozoma Saint John: Jefa global de marketing de consumo de iTunes/Apple Music
2. Julie Greenwald: Presidenta de Atlantic Records Group (Warner Music Group)
3. Camille Hackney: COO de Atlantic Records Group (Warner Music Group)
4. Michele Antonhy: Vicepresidenta ejecutiva de música grabada en Universal Music Group, quien en 2014 encabezó esta lista.
5. Sara Clemens: COO de Pandora
6. Jody Gerson: Presidenta y CEO de Universal Music Publishing Group, quien en 2014 estuvo en segundo lugar como co-presidenta de de Sony/ATV
7. Wendy Goldstein: VicePresidenta Ejecutiva de Republic Records (Universal Music Group)
8. Celine Joshua: Vicepresidenta Senior de Epic Records (Sony Music Entertainment Group)
9. Sylvia Rhone: Presidenta de Epic Records (Sony Music Entertainment Group)
10. Allison Kaye: Presidenta del departamento de música de SB Projects

Dentro del Top100 de las ejecutivas más poderosas sólo encontramos 2 hispanas:

Rocio Guerrero (España), Global Head of Latin Content programming de Spotify. Luego de unirse a Spotify hace seis años, Rocío se encargó personalmente de crear la primera playlist de música latina “Baila Reggaetón”, la cual a la fecha tiene más de 3 millones de seguidores. Rocio también ha sido incluída en el Top de los ejecutiv@s más influyentes latinos del 2016.

María Fernandez (Venezuela), Senior Vp operations/CFO of Latin Iberia de Sony Music Entertainment. Ejecutiva con 18 años de experiencia financiera y operativa desarrolla toda planificación la planificación para los mercados de América Latina, España y Portugal.

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