La demanda formal de reforma del streaming llegó en forma de una carta abierta (encabezada por el Sindicato de Músicos y la campaña Broken Record), así como una petición, ambas dirigidas al primer ministro Boris Johnson.

Mientras el comité de selección de cultura del Parlamento del Reino Unido finaliza su informe tras esa gran investigación sobre la economía del streaming, estos artistas han redactado esta carta que contiene tres demandas clave: la extensión de la remuneración equitativa, una investigación sobre el dominio de las principales compañías musicales y un nuevo regulador “para garantizar el trato legal y justo de los creadores de música”.

Actualmente, la parte que recibe un artista de los ingresos por streaming depende completamente de los acuerdos que tenga con su sello discográfico o distribuidor de música. Del dinero pagado por los servicios a la industria discográfica, un artista podría obtener el 100% si está trabajando con un distribuidor DIY, el 50-80% si está trabajando con un distribuidor que brinda más servicios, el 20-50% si está trabajando con un sello en un acuerdo relativamente moderno, o menos del 20% si están todavía atados a un contrato de grabación firmado antes de la era digital.

Una propuesta muy discutida durante la investigación parlamentaria fue la extensión del esquema de remuneración equitativa de los artistas intérpretes o ejecutantes, al streaming. Según la actual ley de derechos de autor del Reino Unido, cuando se explotan los elementos de interpretación y comunicación de los derechos de autor de una grabación, que incluirían la radio, la televisión y cuando las grabaciones se reproducen en un espacio público, todos los artistas, incluidos los músicos de sesión, tienen derecho a recibir pagos. Eso significa que los acuerdos discográficos y distribución se vuelven irrelevantes, todos los artistas reciben regalías a las tarifas estándar de la industria directamente a través del sistema de licencias colectivas.

La remuneración equitativa no se aplica a las reproducciones en streaming porque se ha decidido que el streaming en realidad explota los elementos de reproducción y de accesibilidad de las obras. Y mientras que el elemento de accesibilidad se ve a menudo como un subconjunto del elemento de comunicación pública, la ley de derechos de autor del Reino Unido dice explícitamente que el esquema no se aplica al elemento de reproducción. Pero la nueva carta a Johnson insta al gobierno a cambiar la ley para que esquema si se aplique al elemento de accesibilidad.

«Los músicos de hoy reciben muy pocos ingresos de sus actuaciones; la mayoría de los artistas más grandes reciben pequeñas fracciones de centavo en EEUU por reproducción y los músicos de sesión no reciben nada en absoluto», indica la carta. “Para remediar esto, solo es necesario cambiar dos palabras en la Ley de Derechos de Autor, Diseños y Patentes de 1988. Esto modernizará la ley para que los artistas intérpretes o ejecutantes de hoy reciban una parte de los ingresos, tal como disfrutan en la radio. No le costará ni un centavo al contribuyente, pero pondrá más dinero en los bolsillos de los contribuyentes del Reino Unido y aumentará los ingresos para servicios públicos como el NHS”.

«Debemos devolver el valor de la música a donde pertenece, en manos de sus creadores», prosigue el texto. “El streaming está reemplazando rápidamente a la radio como nuestro principal medio de comunicación musical. Sin embargo, la ley no ha seguido el ritmo del cambio tecnológico y, como resultado, los artistas intérpretes o ejecutantes no gozan de las mismas protecciones que tienen en la radio».

La carta también hace referencia a que las grandes compañías de música han explotado su dominio del mercado para asegurarse de que las grabaciones, de las cuales son dueñas, obtengan una porción mucho mayor del pastel digital.

“Hay evidencia de corporaciones multinacionales que ejercen un poder extraordinario, perjudicando a los compositores ”, dice la carta. Señala cómo en los ingresos de la radio, las composiciones y las grabaciones ganan más o menos lo mismo, en comparación con la división en streaming, en donde el 80% se lo queda la discográfica y el 20% corresponde al compositor. “Una remisión inmediata del gobierno a la Autoridad de Competencia y Mercados es el primer paso para abordar esto”, continúan. “Creemos que en un mercado verdaderamente libre las composiciones lograrán un mayor valor”.

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Los usuarios de Spotify todavía están escuchando Los Beatles de manera masiva (de momento llevan más de 250 millones de reproducciones). También han colado hasta 38 canciones en la playlist Viral 50 chart. En definitiva, todo esto es una gran cantidad de minutos de música escuchada por todo tipo de persona de 58 países.

Spotify desgranar toda esta montaña de datos para ilustrar cómo personas de todo el mundo están escuchando Los Beatles.Las reproducciones de Los Beatles a lo largo del tiempo

Así se propagó visualmente el volumen de escuchas en la plataforma, pero para entrar un poco más en profundidad, veamos cómo se repartieron las horas de escucha por los diferentes rangos de edad.

Como resultado del propio perfil demográfico de Spotify y del amplio alcance de la agrupación de Lennon y McCartney, vemos que el 79% de los oyentes nacieron después de que la banda estuviese activa, siendo más activa la franja de edad entre los 25 y 34 años con el 32% de las reproducciones.

Las escuchas de Los Beatles por países 

Las canciones más populares entre las mujeres:

1. Come Together
2. Let It Be
3. Here Comes The Sun
4. Yesterday
5. Hey Jude
6. Love Me Do
7. Help!
8. All You Need Is Love
9. I Want To Hold Your Hand
10. Something
11. Blackbird
12. Twist And Shout
13. She Loves You
14. Can’t Buy Me Love
15. Eleanor Rigby
16. Yellow Submarine
17. A Hard Day’s Night
18. Get Back
19. Hello, Goodbye
20. In My Life

Entre los hombres:

1. Penny Lane
2. Blackbird
3. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
4. A Hard Day’s Night
5. She Loves You
6. Can’t Buy Me Love
7. Get Back
8. Twist And Shout
9. Eleanor Rigby
10. Something
11. Yellow Submarine
12. I Want To Hold Your Hand
13. All You Need Is Love
14. Help!
15. Love Me Do
16. Yesterday
17. Hey Jude
18. Here Comes The Sun
19. Let It Be
20. Come Together

Canciones más reproducidas

1. Come Together
2. Let It Be
3. Here Comes The Sun
4. Yesterday
5. Hey Jude
6. Love Me Do
7. Help!
8. All You Need Is Love
9. I Want To Hold Your Hand
10. Something

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Un años más la revista Forbes ha preparado su lista con los músicos mejor pagados a nivel «mundial». Uso comillas ya que aunque es un intento global, las principales fuentes de información son en muchos casos de alcance únicamente norteamericano, tales como Nilsen Soundscan o RIAA, aunque también cuentan con información de Pollstar sobre las giras a nivel mundial y en algunos casos directamente de los propios artistas. Esto quizás favorezca la presencia de artista con mayor fortaleza en el mercado norteamericano sobre otros artistas con mayor penetración a nivel mundial.

La lista de los músicos más adinerados de 2015 inicia con Katy Perry a la cabeza con la suma de $135 millones de dólares, lo que la ubica solo por detrás de los boxeadores Floyd Mayweather y Manny Pacquiao como las celebridades mejor pagadas del año. A continuación vemos las lista en base ingresos generados entre junio de 2014 y junio de 2015:

1. Katy Perry: $135 millones
2. One Direction: $130 millones
3. Garth Brooks $90 millones
4. Taylor Swift: $80 millones
5. The Eagles: $73.5 millones
6. Calvin Harris: $66 millones
7. Justin Timberlake: $63.5 millones
8. Diddy: $60 millones
9. Fleetwood Mac: $59.5 millones
10. Lady Gaga: $59 millones
11. The Rolling Stones: $57.5 millones
12. Ed Sheeran: $57 millones
13. Jay-Z: $56 millones
14. Beyonce: $54.5 millones
15. Elton John: $53.5 millones
16. Toby Keith: $53 millones
17. Paul McCartney: $51.5 millones
18. Michael Buble: $45.5 millones
19. Jason Aldean: $43.5 millones
20. Luke Bryan: $42.5 millones
21. Kenny Chesney: $42 millones
22. Bruno Mars: $40 millones
23. Drake: $39.5 millones
24. Foo Fighters: $38 millones / Tim McGraw: $38 millones
25. David Guetta: $37 millones
26. Florida Georgia Line: $36.5 millones
27. Jimmy Buffett: $36 millones / Tiesto: $36 millones
28. Maroon 5: $33 millones / Dr. Dre: $33 millones

Aunque hubo muchas estrellas de la música que generaron más de $25 millones durante el año no lograron entrar en el top de la lista, tal es el caso de Zac Brown Band, Pharrell Williams, Britney Spears, Eminem, Miranda Lambert, Jennifer Lopez y Blake Shelton.

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Actualmente en la industria musical, se manejan algunos temas en común, impulsados principalmente por las cabezas del negocio, tal es el caso del debate o cuestionamiento del modelo freemium hecho por Lucian Grainge, presidente de Universal Music Group, hace un mes durante una importante conferencia. A raíz de ello se han sumado opiniones como las de Doug Morris CEO de Sony Music y ha iniciado la presión sobre algunos servicios de streaming que se encuentran en años de negociaciones de licencias.

De igual forma, otro tema marca la conversación, es el cuestionamiento sobre los pagos por royalties y la diferencia marca en entre las regalías por los derechos fonográficos y editoriales. En este aspecto y en principio de manera interna, pero luego públicamente  ha sido muy claro Martin Bandier presidente de Sony/ATV, ha sido muy crítico con la desigualdad tras amenazar con la salida de la editorial de ASCAP y BMI. Bandier ha llegado a dar declaraciones como estas, “no descansaré hasta que el sistema actual se reforme para permitir royalties justos a los compositores“ a lo que se han sumado figuras como Irving Anzoff quien está detrás de Global Rights Management, empresa que ha amenazado con demandar al mismo YouTube.

A la conversación mediática, digo esto pues son temas tratados en infinidad de ocasiones más no siempre ante los medios, se ha sumado en una interesante entrevista Willard Ahdritz  fundador CEO de Kobalt, una de las empresas más innovadoras del negocio, siendo la editorial independiente líder de mercado y sin tan siquiera manejar catálogo propio, solo mediante el servicio de la administración de derechos y recaudaciones para sus clientes, entre los que se encuentra hasta el ex Beatle, Paul McCartney.  En dicha entrevista Ahdritz comenta su opinión sobre la realidad y el porqué de su disconformidad con el modelo actual.

«Lo admito, es extraño que en sincronizaciones tengamos una repartición del 50/50 [entre los editores y sellos], pero en Pandora es 14: 1 y en Spotify es de 6: 1 [a favor de los derechos fonográficos],» dice Ahdritz.

«Es difícil para mí para sentarme y defenderle a mis clientes editoriales por qué un propietario de los derechos fonográficos debe recibir 14 veces más dinero. El mercado debe decidir, con el tiempo, lo que es justo «…»En mi mente, los sellos y los editores invierten cantidades iguales en la producción de un [disco].

«El resto de la inversión de los sellos se dirige hacia la creación de la marca de un artista. Así que ¿por qué destinamos el 100% de esta inversión del sello al producto grabado, cuando en última instancia proporciona un pequeño porcentaje de los ingresos totales para el artista?

«Las grandes cifras de dinero vienen de la marca del artista, no el producto [música grabada]; nunca escucharás un ninguna queja mía si el sello y el artista se llevan todo el dinero de los acuerdos con marcas, los acuerdos de las giras, o con su perfumes y fragancias … pero es justo decir que no estoy tan seguro de [artistas y sellos] que deban ganar seis veces más de la música grabada que un compositor «.

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En una pasada entrevista para la BBC, Sir Paul McCartney compartió declaraciones en las que comentaba que era mucho más fácil crear música en el pasado.

El cantante con más de 58 años de carrera ha visto diversos cambios y el impacto de la tecnología, no solo de los conocidos métodos de distribución y consumo, sino también de los métodos de producción musical. Es allí cuando McCartney define que la música actual es «lujosa» y que de alguna manera sería bueno volver a un método más sencillo.

“El proceso de hacer la música lo veo en ocasiones en bandas jóvenes, personas más jóvenes con las que trabajo, y he de decir que era un poco más fácil antes.”

Explica que todo aquel que graba discos seguía esta rutina: «A las 10:30 estabas listo para ir al estudio.  A las 1.30, ya esperabas haber terminado dos canciones, tenerlas grabadas, mezcladas, y listas. Al final del día te ibas a casa con tres o cuatro canciones hechas»

“Y miro hacia atrás, y son ‘Michelle’, ‘Nowhere Man’, ‘Yesterday’. Son canciones que han perdurado.”

Realmente aconsejo esto a los jóvenes: ‘Tienes que escribir la canción antes de ir al estudio’. Suena obvio, pero la gente no hace esto mucho en estos días. Entran allí y dicen: ‘Ese ha sido un buen trozo. Píllalo en ProTools’.”

“Es sólo una nueva forma de trabajar, que es mucho más lujosa, pero yo no creo que sea productiva.”

Además Sir Paul compartió su experiencia en cuanto a los antes comentados modelos de distribución y consumo que ha afectado la tecnología.

“La tecnología actual de como vendes la música no me importa porque lo hemos hecho a través de vinilo, cintas, cassettes, CDs, descargas, streaming”

Preguntado por qué retiró hace algún tiempo alguna de sus canciones de sitios como Spotify, respondió: “Lo siento por el joven compositor que ha escrito lo que puede ser su único hit, y es enorme y que no se le paga por ello. No creo que eso sea correcto.”

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Durante la pasada edición se reconoció a Mumford & Sons como la mejor gira del 2013, a Imagine Dragons como el mejor artista nuevo en gira, el festvial Coachella como mejor festival de gran formato en los Estados Unidos y Glastonbury Festival como el mejor a nivel internacional.

En esta la 26ta edición han nominado de nuevo al festival Primavera Sound entre los mejores festivales a nivel internacional, junto a festivales de la talla del pasado ganador Glastonbury, Tomorrowland, Rock Werchter, Isle of Wight Festival o el Lollapalooza de Brasil. Aunque tiene mucho mérito estar allí, es una categoría muy difícil de conseguir con Glastonbury entre los nominados, lo mismo ocurre con el Coachella que se ha llevado la categoría como mejor festival local los últimos año.

Entre otras de las nominaciones destacadas de este año figuran la mejor gira del año 2014 en la cual compiten: Bruce Springsteen, Bruno Mars, Jason Aldean, Jay-Z / Beyoncé, Justin Timberlake, Katy Perry, One Direction y Paul McCartney. Llama la atención que los Rolling Stones se quedaran por fuera.

Por su parte los nominados como mejores artistas nuevos en gira son: 5 Second of Summer, Bastille, Brantley Gilbert, Hozier, Kacey Musgraves, Lorde y Sam Smith.

A nivel local los mejores festivales norteamericanos nominados son: Austin City Limits, Coachella, Stagecoach, Outside Lands Music Festival, Firefly Music Festival y el Lollapalooza

Las nominaciones de las 31 categorías en total fueron realizadas por 216 reconocidos managers, promotores, agentes y profesionales de la industria del directo. Las votaciones para los miembros de Pollstar pro se llevarán a cabo hasta el 18 de diciembre y los ganadores se anunciarán a principios de 2015 en la gala de los premios.

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Como punto de partida  Jorge Ramírez, gerente general de Agepec, la asociación que agrupa a productoras de espectáculos comenta que  “Hay una menor venta de entradas en varios eventos que no han alcanzado sus metas este último trimestre, en comparación a 2012-2013”. La venta de boletos ha caído de 10% a 12% entre junio y noviembre, en relación al mismo período del año pasado.

Aunque a la hora de analizar las cifras es necesario revisarlas en contexto, por lo que Carlos Geniso, presidente de la productora de DG Medios -el principal operador del negocio- señala, “hemos tenido un excelente año y no sólo en Chile. Hemos logrado conciertos fuera del país. Partiendo en marzo con Rod Stewart en Viña del Mar y conciertos en Argentina y Uruguay; y Paul McCartney, con dos presentaciones en Santiago y 24 mil personas en total, con entradas de hasta $ 500 mil ($853)”. En palabras de Geniso en parte el declive se debe a que durante junio y julio no hubo conciertos por el efecto del Mundial, provocando que las giras mundiales tengan hoy un retraso de dos meses en el mercado internacional y local.

Más allá de los datos asegura “hemos tenido un gran segundo semestre: dos conciertos agotados del canadiense Michael Bublé; la visita del ganador del Oscar, Jared Leto, y su banda 30 Seconds to Mars; y para noviembre sólo quedan 500 entradas -de 15.000- para el show de las bandas británicas Arctic Monkeys y The Hives”.

Esta industria produce no menos de 300 eventos al año, desde teatros de 500 personas hasta el Estadio Nacional. Las estimaciones de Agepec indican márgenes que van entre 7% y 15% por actividad, “pero con enormes riesgos, pues los equilibrios se sitúan entre 70% y 80% de los tickets vendidos. Bajo esos parámetros, el espectáculo entra en zona de riesgo. Nada ni nadie puede asegurar que el público asistirá a un evento”, advierte Ramírez.

Datos cruzados del Instituto Nacional de Estadísticas (INE), la Sociedad de Derechos de Autor (SCD) y Agepec indican que al año más de dos millones de espectadores asisten a un concierto en Chile. Pero según DG Medios, en lo que va de 2014 más de medio millón de personas ha asistido a eventos musicales en la capital.

Chile como muchos países latinoamericanos depende enormemente del dólar por ello su fluctuación genera importantes cambios

Ramírez sostiene que el alza del dólar ha hecho que el principal insumo del negocio -artistas internacionales, gastos de pasajes y cargas-“se haya elevado sobre 20%, sin que ello se haya traspasado totalmente a precio de boletos”. A eso se suma que debido a la desaceleración, la gente está destinando menos recursos al ocio.

El costo de los servicios también está subiendo: “Alquileres de recintos, campañas publicitarias, hotelería… y ciertamente las señales de desaceleración en las ventas son notorias (…). Los eventos de verano que antes eran decenas ahora son unos cuantos y la programación está destinada a bajar en 2015”, comenta.

“Los costos van en directa relación siempre con la demanda, el dólar y los actores que compiten”, añade Geniso.

Precisa que, por ejemplo, existen pocos recintos habilitados para hacer conciertos en Santiago, lo que influye directamente en los costos de traer un artista a Chile. Ejemplo de ello fue el concierto de Paul McCartney en 2011, donde el Estadio Nacional albergó a 50.000 personas, mientras que en Lima fueron 60.000 así lo expone Geniso. “Tener 10.000 personas menos en el estadio, por un tema de capacidad, aumenta el costo”, explica. “Pero nosotros buscamos mantener siempre beneficios para los clientes, buscar que espónsor apoyen los eventos masivos”

Por su parte, Argentia vive actualmente un problema de restricciones cambiarias y aunque durante el BIME Matias Loizaga socio de Pop Art Music, una de las principales promotoras argentinas,  aseguro que sí existen dólares en el país para llevar artistas, desde Chile ven que los problemas económicos de Argentina y en menor grado, la desaceleración de Brasil genera incertidumbres de cara al 2015. Esto se debe a que las grandes giras deben rentabilizar su ida hasta la parte baja del continente y cuando Argentina o Brasil salen de la ecuación los productores deben buscar plazas en Perú, Ecuador, Colombia o Chile.

Aun así Geniso comenta que “Antes era fundamental tener a Argentina como socio para los conciertos. Hoy Chile es una plaza confiable y segura para artistas. Vemos el caso de Paul McCartney, que no pasó en esta oportunidad por Argentina”. «Hoy Chile es una plaza a la par de las grandes capitales y los artistas vienen constantemente a nuestro país”, afirma el CEO de DG Medios.

Carlos Lara de la promotora Swing dice que ahora “tenemos que evaluar bien la compra de conciertos muy caros”. Cita el caso de Rolling Stones, cuya gira está retrasando su desembarco desde diciembre de 2013. ¿La razón? La inestabilidad financiera argentina que no ha permitido cerrar la totalidad de las paradas sudamericanas.

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El portal The Richest ha elaborado una lista con los 10 bajistas más adinerados de la industria de la música, sobre esa lista hemos contrastado y cruzado algunos datos con Celebrity Net Worth y con otras fuentes para pulir algunos detalles. Aunque hay pocas sorpresas pues la lista está comprendida de leyendas de la música discográfica y en directo. A la cabeza y en solitario con diferencia el Beatle Sir Paul McCartney quien es uno de los pocos músicos que ha superado la barrera de los mil millones de dólares, en ese grupo se encuentran otros como Michael Jackson y Dr. Dre.  Cabe mencionar que alguno de ellos como es el caso de McCartney, Sting o Waters además de haber sido bajistas en sus respectivas agrupaciones, también han desarrollado carreras exitosas como solistas.

En la lista hay un par de empates lo que suma en total a los diez primeros, aquí la lista completa:

01. Paul McCartney – $1.100 millones
02.Gene Simmons (KISS) – $300 millones
03. Sting (Police) – $270 millones / Roger Waters (Pink Floyd) – $270 millones
04. Adam Clayton (U2) – $130 millones
05. Flea (Red Hot Chili Peppers) – $115 millones / John Deacon (Queen) $115 millones
06. John Paul Jones (Led Zeppelin) – $80 millones / Billy Wayman (Rolling Stones) $80 millones
07. Geezer Butler (Black Sabbath) – $65 millones

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