La música contemporánea lidera el consumo

En Estados Unidos, las reproducciones de audio bajo demanda crecieron un 6.4%, alcanzando los 1.400 billones. Las canciones lanzadas entre 2020 y 2024 representaron casi la mitad de todas las reproducciones, consolidando la relevancia de la música reciente en el mercado. De hecho, el 79.5% de las reproducciones en EEUU correspondieron a canciones lanzadas a partir de 2010, destacando una preferencia clara por lo nuevo y fresco.

Entre las artistas más escuchadas del año, Taylor Swift dominó con 12.8 mil millones de reproducciones, seguida por Billie Eilish y Sabrina Carpenter, con 4.46 y 3.71 mil millones, respectivamente. Este fenómeno refleja el impacto del pop, particularmente el de las artistas femeninas, en las preferencias del público. Según Luminate, las reproducciones de las solistas femeninas fueron responsables de casi dos tercios de las reproducciones de los 100 artistas de pop más escuchados en EEUU.

El Pop: de la mano de mujeres al éxito

Aunque el pop no fue el género de más rápido crecimiento al inicio del año, su ascenso fue innegable en la segunda mitad de 2024. Este cambio fue impulsado principalmente por mujeres, como Taylor Swift, Billie Eilish, Ariana Grande y Olivia Rodrigo, quienes destacaron en las listas de reproducción globales. Canciones como “Cruel Summer” de Swift y “Espresso” de Sabrina Carpenter encabezaron las listas, confirmando el dominio del pop en las preferencias musicales.

El crecimiento incesante de la música latina

La música latina, aunque desplazada por el pop como el género de más rápido crecimiento en la segunda mitad del año, mantuvo su relevancia y volumen de reproducciones. En 2024, este género experimentó un aumento del 15.1% durante el primer semestre, siendo el género de mayor crecimiento hasta ese momento. En términos de subgéneros, la música regional mexicana lideró, superando al pop latino con 28.57 mil millones de reproducciones frente a 24.09 mil millones. Este fenómeno refleja cómo estilos como los corridos y el norteño han trascendido fronteras, alcanzando audiencias globales.

“La música regional mexicana dominó en términos de crecimiento,” señaló Jaime Marconette, vicepresidente de Luminate. Este auge ha permitido que artistas y bandas de este género se posicionen en escenarios internacionales, consolidando su presencia en mercados más amplios.

R&B y Hip-Hop: Constancia en la cima

A pesar del crecimiento de otros géneros, el R&B y el hip-hop continuaron siendo los líderes en el mercado estadounidense, representando más de una de cada cuatro reproducciones. En total, estos géneros acumularon 341.63 mil millones de reproducciones, seguidos del rock con 234.22 mil millones y el pop con 165.49 mil millones. Este dato subraya la influencia continua del R&B y el hip-hop como pilares de la industria.

Diversidad y dinamismo en la industria musical

El 2024 fue un año de transformación en la música global. La creciente influencia de las artistas femeninas, el ascenso del pop y el impacto duradero de la música latina reflejan un panorama diverso y en constante cambio. Este dinamismo no solo beneficia a la industria, sino también a los oyentes, quienes disfrutan de un acceso sin precedentes a una oferta musical cada vez más variada y de alta calidad.

Con estas tendencias, queda claro que la industria de la música no solo está creciendo en volumen, sino también en diversidad, ofreciendo un espacio para géneros y artistas que conectan con una audiencia global más amplia que nunca. Si 2024 es un indicativo de lo que está por venir, el futuro de la música promete ser tan emocionante como impredecible.

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Las bandas de blues, jazz y heavy metal con frecuencia terminan siendo relegadas por los servicios de streaming como Apple, Spotify y Tidal, según el estudio.

Investigadores de la Universidad de Hamburgo y la Universidad Logística Kuehne de la ciudad del norte de Alemania, descubrieron que la mayoría de los artistas pop y hip-hop son quienes más se benefician del llamado modelo prorrateado.

En este tipo de pago, todas las ganancias de las tarifas y los anuncios se agrupan y se pagan a los artistas sobre la base de la participación en el total de las reproducciones.

Esto también significa que los usuarios pueden estar pagando por música que no han escuchado nunca.

«Debido a que la cantidad de reproducciones determina el dinero pagado, los géneros de canciones cortas son los que más se benefician, con un segmento de usuarios que escuchan más tiempo y por menos dinero», dijo el profesor Michel Clement, profesor de la Facultad de Administración de Empresas de la Universidad de Hamburgo.

El estudio se ha centrado en una comparación del modelo prorrateado y un sistema alternativo, el denominado modelo centrado en el usuario.

Este último asigna las ganancias al artista que el usuario realmente está escuchando. Los investigadores evaluaron los datos de una encuesta de panel en línea entre la población alemana.

La encuesta incluyó información individual sobre cuánto tiempo se usaron los servicios de streaming, los géneros preferidos de los usuarios y las posibles tarifas de suscripción.

Luego, los datos se analizaron junto con la información disponible de los servicios de streaming, por ejemplo, sobre los artistas más escuchados y sus canciones más exitosas.

Usando fórmulas especialmente desarrolladas, los investigadores distribuyeron las ganancias calculadas para ambos modelos y así pudieron confirmar las participaciones actuales para varios géneros.

Descubrieron que los compositores, artistas y titulares de derechos de música clásica habrían ganado unos 27,3 millones de dólares más cada año si se les hubiera pagado con un modelo centrado en el usuario en lugar del sistema prorrateado.

Los artistas de hip-hop fueron el grupo que más se benefició. El líder del estudio, Clement, explicó: «Algunos géneros, especialmente el jazz, el blues y el heavy metal, tienen tiempos de canción promedio más largos y, por lo tanto, están en desventaja en el pago.

«Al mismo tiempo, el pop, el hip-hop y la música dance electrónica tienen condiciones favorables gracias a los tiempos más cortos de las canciones».

Los autores del estudio, que subrayaron la importancia de un panorama musical más diverso, dijeron que se debe llevar a cabo una discusión abierta sobre modelos de pago justos.

El estudio se publicó el 16 de mayo en el Journal of the Academy of Marketing Science y se titula «Consecuencias de los modelos de remuneración de las plataformas para el contenido digital: evidencia inicial y una agenda de investigación para los servicios de streaming». 

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Bieber, quien con este sencillo ha colocado 12 canciones en lo más alto de las listas, supera al rey del ‘pop’ Michael Jackson, quien ostentaba el récord del artista masculino pop con más Hits en alcanzar el primer lugar, con 11 canciones en la misma modalidad durante su carrera.

El álbum “Justice”, que salió al mercado en marzo de 2021 e instantáneamente alcanzó la cima del Billboard 200, en enero de 2022 el artista ingresó a la historia de Spotify, con la hazaña de ser el primer artista en la historia en tener más de 10 canciones con más de mil millones de reproducciones cada una.

Pero incluso con tal hazaña, el cantante se mantiene detrás de Madonna con 15 canciones en el número uno y Mariah Carey con 14 canciones en la cima de las listas de éxitos de la radio pop de EEUU.

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La pandemia ha causado cambios en la industria del streaming también, aunque en menor medida. Algunos reportes ya nos han mostrado una interesante característica del streaming, y es que la mayoría del consumo en este formato es una actividad que se realiza en co-existencia con otras actividades cotidianas: el viaje diario al trabajo, conducir el coche, hacer ejercicios, socializar con otros. Con el transporte público abadonado, los gimnasios cerrados, pocas razones para salir de casa y los ciudadanos en cuarentena, no sorprende que la atención de los usuarios se ha reorientado medios que requiren la utilización de varios sentidos a la vez, no solo la escucha.

La compañía de medición Chartmetric ha publicado un detallado reporte acerca de estos cambios en el consumo de streaming de música, específicamente han estudiado el período entre el 3 de Marzo y el 9 de Abril de 2020.

La base de usuarios escogida fue el número de Usuarios Mensuales Activos (MAU) de Spotify para el cuarto trimestre de 2019, la cual se compone en su mayoría de usuarios ubicados en Norteamérica y Europa.

El análisis entonces, contendrá las mediciones del cambio de comportamiento durante el período indicado, de un grupo conformado en un 60% por público ubicado geográficamente en estas regiones. América Latina representa un 22% de la base de MAUs de Spotify pertinente al estudio, con la salvedad de que no está claro si México, uno de los más grandes mercados de Spotify está clasificado en este grupo o como Norteamérica. Las enormes poblaciones de países ubicados en África, Asia, Oriente Medio y Oceanía están comprimidos en el 16% restante de audiencia de Spotify, lo cual significa que el análisis tendrá un marcado acento occidental y minimizará las tendencias y preferencias en estos mercados.

El estudio utiliza la siguiente terminología:

Usuarios Mensuales (Monthly Listeners, MLs): son una estadística generad por Spotify que muestra el número acumulado de oyentes únicos que ha tenido un artista en los últimos 28 días. Representa la amplitud de la audiencia, mientras que el número de reproducciones representa la profundidad de cómo la audiencia consume su música. Para este análisis, Chartmetric recolectó data de MLs para los Top 100 artistas de cada género, clasificados por número de Followers.

Géneros: son construcciones sociales inherentemente subjetivos, por lo que la categorización fue optimizada para encajar con las expectativas de la industria tradicional.

Mediciones «normalizadas» significa que han traducido matemáticamente estos números absolutos a una escala uniforma para poder mirar de cerca dinámicas y tendencias muy sutiles. Por ejemplo, el gráfico de la izquierda es absoluto, el de la derecha está normalizado, pero es la misma data.

Ambient y Musica Clásica fueron los más escuchados

Según varias fuentes, los géneros Música Clásica y Ambient son los que han generado más escuchas durante los tiempos de pandemia. Trabajar desde casa se ha convertido en la nueva norma para muchos, y al parecer, las letras de las canciones estorban, o los oyentes están buscando una sensación de calma y order cuando las rutinas de trabajo, escuela y familia han sufrido gran ruptura.

Ambos géneros han ayudado a determinar un marcador importante para cuando los usuarios de Spotify comiencen a exhibir comportamientos particulares con respecto a otros géneros. Este punto de inflección ocurrió alrededor del 18 de Marzo.

Ambos géneros han arrojado patrones de MLs correlativos y sincronizados dentro del período de tiempo del estudio, lo cual permite argumentar una correlación de este comportamiento con la implementación de las medidas de distanciamiento social, y también coincide con la apreciación de Samanta Hissong en un artíclo de Rolling Stone del 7 de Abril: «Spotify ha visto in incremento de canciones «chill» añadidas a las playlists de los usuarios en general, a medida que la gente añade canciones que son más acústicas, menos bailables y con una energía más baja que otras canciones que han añadido en el pasado«.

El Pop y el Hip Hop y la música Dance se mantienen igual

La ubicuidad del Hip Hop & Rap en Norteamérica y Europa les ha protegido de cualquier impacto negativo ocasionado por la pandemia en el consumo de streaming a nivel general. De hecho ambos géneros, Pop & Hip Hop, no han experimentado cambios en cuanto a su consumo en streaming.

En el caso de la música Dance ocurre lo mismo. Algunos de los artistas del Top experimentaron un sutil declive en MLs, pero otros se mantuvieron igual o incluso aumentaron en pequeños números. La gráfica presenta un breve repunte los días viernes durante el período del análisis, pero en general el consumo de este género no se ha visto muy afectado por el Covid-19.

Para consultar el análisis completo, visita el blog de Chartmetric

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¿Qué tienen en común Blink 182, Green Day, Kings of Leon y Metallica? Pues aparte de ser algunas de las más grandes estrellas actuales del rock a nivel mundial (cada una en su propio estilo), todos editaron álbum en 2016, alcanzando cada una el Nº1 en la lista de Billboard. De esta forma tenemos cuatro Nº1 en ventas y los vamos a comparar contra uno de los sencillo más exitosos de 2016 «Starboy» de The Weeknd junto a Daft Punk. He elegido este track por haber salido en fechas cercanas al ultimo trimestre del año cuando salieron los álbumes de Green Day, Kings of Leon y Metallica, en el Q4 solo faltaría «California» de Blink el cual salió en el mes de julio, fecha cercano por ejemplo a un tema como «Cold Water» de Major Lazer, Justin Bieber y MØ, que si hubiésemos tomado este tema como referencia para la comparativa, las diferencias que veremos serían aún mayores. Ahora sí, vamos al grano:

El sencillo «Starboy» acumula al momento de escribir esto, un total de 456 millones de streams en Spotify, recordemos que este lanzamiento en particular fue uno que llamo mucho la atención por el impacto inmediato que logró gracias al gran apoyo que recibió por parte del servicio sueco. Ahora bien ¿qué pasaría si comparáramos este sencillo vs los 50 tracks de los últimos trabajos de Green Day, Metallica, Kings of Leon y Blink 182? Esto es lo que encontraríamos

• Metallica: 77.3 MM
• Green Day: 56.3 MM
• Kings of Leon: 93.79MM
• Blink 182: 174.93 MM
• Total: 402.32 MM de streams

Lo que quieres decir que la suma de todos estos álbumes de rock de bandas enormes, Nº1 en ventas, no se equiparan al impacto de consumo que acumula una sola canción de The Weeknd, estamos hablando de 456 millones de streams frente a los 402 millones acumulados por «California», «Revolution Radio», «WALLS» y » Hardwired…Self Destruct»…así como lo leen.

Spotify es una buena parte de la película actual de consumo de música, pero la verdad es que otra gran parte sucede en el planeta YouTube, lástima que Apple Music no comparte sus datos públicamente. Para poder evaluar si la popularidad del tema era algo que solo se había materializado a ese nivel en Spotify, revise los datos del tema en forma de vídeo oficial y vídeo lyrics oficial en YouTube y los comparé frente a los vídeos oficiales de los sencillos y los vídeo lyrics de los sencillos que se desprenden de los trabajos antes mencionados, solo que  en el caso de Metallica fueron contempladas todas las visualizaciones del álbum, ya que en este caso la banda editó un vídeo oficial para uno de los temas del disco. Si bien es cierto que la metodología para comparar en YouTube en este caso es menos igualitaria, nos dará una idea de la fotografía de consumo.

• Green Day: 34.56 MM
• Blink 182: 32.29 MM
• Metallica: 90.05 MM
• KOL: 20 MM
• Total: 176.9 MM de visualizaciones

En el caso de YouTube encontramos que la diferencia de consumo es aún mayor, ya que todos los vídeos promocionales de los últimos trabajos de Green Day, Blink 182, Metallica y Kings of Leon acumulan tan sólo un total de 176.9 millones de visualizaciones frente a los 501 millones de views que amasa The Weeknd con su sencillo «Starboy» en versión vídeo oficial y vídeo lyric en conjunto.

Si sumamos los acumulados en ambas plataformas encontramos que el rendimiento del sencillo «Starboy» en Spotify y YouTube es de 957 millones de streams vs los 579 millones de streams generados por los últimos trabajos de los grupos seleccionados. Las diferencias de consumo a nivel digital entre los nuevos hits del pop y álbumes de estrellas del rock son simplemente abismales, y si hiciéramos la comparativa con el anteriormente mencionado tema de «Cold Water», la diferencia sería aún mayor, estamos hablando de 1.346 millones de streams entre ambas plataformas.  

Es por esto que el futuro del impacto global que el rock ha tenido durante muchos años puede entrar en peligro.

Sí, hoy el rock domina muchas de las giras más taquilleras, pero la pregunta es ¿en el futuro seguirá siendo así? Sé que hay mucho más factores a tomar en cuenta, pero la verdad es que con estas diferencias de consumo resulta difícil pensarlo. Recordemos que estamos comparando los últimos trabajados de dos bandas del Hall de la Fama del Rock (Metallica y Green Day) sumados a los trabajos de bandas de peso mundial y cabezas de carteles en festivales como Blink 182 y Kings of Leon frente al trabajo de un artista joven como The Weeknd y ya vemos las grandísimas diferencias ¿Qué pasaría si hiciéramos la comparación con bandas de rock mucho más nuevas?

La verdad es que esto daría para iniciar un estudio más profundo, pero a priori no parece que los resultados sean muy alentadores.

Como últimas referencia y para seguir en la línea, he contabilizado los streams en Spotify del primer Nº1 de Billboard que tuvo el rock en 2016, se trata del álbum «Death of a Bachelor» (30 enero) de Panic! at the Disco, una banda más joven que nos sirve un poco como referencia frente a las antes mencionadas. Con ese disco alcanzaron lo más alto de la cartelera casi 9 meses antes de la salida de «Starboy» (22 septiembre) y al sumar todos los streams encontramos un total de 436.5 millones streams ¡Es así! Ni con 9 meses de ventaja y a una relación 11 contra 1 el rock logra ganarle al pop.

Por último, recordemos lo que han logrado en Spotify algunos de los grandes hits pop del año «Closer» de The Chainsmoker 737 millones de streams o «Let Me Love You» de DJ Snake y Justin Bieber y sus 560 millones de streams, por ni mencionar a Drake. 

[ACTUALIZACIÓN] PS: Tras publicar el artículo he notado cierta sensación de incomodidad en algunos lectores, pues como bien soy consciente pueden resultar chocantes las comparaciones, por ello algunos dudan de la relevancia de dicha comparativa. En vista de esto, he decidido agregar un dato más que nos dará aún más perspectiva:

• Green Day + Metallica + Kings of Leon + Blink 182 = 29 millones de oyentes mensuales en Spotify 
• The Weeknd = 39,4 millones de oyentes 

Es así que vemos como The Weeknd solo suma 10 millones de oyentes en Spotify más que Green Day, Metallica, Kings of Leon y Blink 182 juntos. 

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Los discos de Javiera Mena, Gepe, Dënver, Alex Anwandter, Camila Moreno, Fernando Milagros son algunos de los proyectos que ha revelado el indie chileno en los últimos años, movimiento que los medios en España definieron como «Nuevo Pop Chileno» generación de jóvenes músicos que surgieron desde Myspace en la autogestión y totalmente ajenos a las condiciones y recursos de sellos multinacionales. El común denominador de esos discos es Cristian Heyne, periodista, músico y productor musical que más de 20 años trabajando en canciones ha tomado un rol fundamental en una de las escenas más llamativas de Latinoamérica actual.

IM: ¿Cómo fue el momento de comenzar a producir bandas?

«En los ’90 estaba el surgimiento del rock nacional y cuando empezamos a trabajar con los Christianes (su primera banda) para EMI empezamos a poner un poco más de foco en algo que era totalmente intrascendente hasta ese momento para nosotros. No recuerdo haber tenido una reunión con el productor de no sé qué, la figura se hizo evidente en el momento que empezamos a insertarnos en ese medio más profesional. Mi experiencia de productor tenía que ver con haber pasado trabajando harto en mi casa los sonidos que grababa con Christianes y Shogun (su proyecto más personal) sobretodo y eso  es fuerte al momento de pensar en tener un disco, empezar a grabar, imaginar las cosas de un modo metodológico y eso supongo es la génesis de todo«.

«Además existía en esa época una encasez de recursos importante, uno podía llegar a tener en casa cierto control de tiempo pero la calidad era baja, cuando ibas a un estudio era una guerrilla, tenías que ir y planificar todo«.

Así a mediados de los ’90 y en paralelo a Shogún comenzó a producir proyectos del under capitalino tan diversos como Justine, Luna In Caelo, Venus, el grupo Glup y una colaboración con Beto Cuevas (del grupo chileno La Ley). «Y lo que cambió infinitamente todo fue Supernova«. Junto a Koko Stambuk formó la dupla de compositores Packman que produjo el trío adolescente Supernova que logró éxitos radiales y Disco de Platino con editorial y publicado por la multinacional BMG.

IM: ¿Y de producir discos caseros a trabajar con la industria?

«En términos técnicos muy difícil porque no me creían, nadie me creía. Pero lo que tenía la producción casera es que era un poco incorrecto todo y siento que el proceso de trabajar con ingenieros para era muy heavy, porque eran ingenieros súper de escuela y yo era todo lo contrario, me peleaba con los ingenieros siempre hasta que conocí a uno que era medio loco y eso fue un alivio. Mauricio Acuña fue el primero. Y desde la industria el primero que confío fue Oscar Sayavedra (A&R BMG) y si el alguien me apoyó en la industria fue él. Yo siempre me había sentido que llegaba a los sellos que trataba de vender algo que ellos no querían pero cuando apareció Supernova era como que le estaba llevando una bolita de algodón, no había por donde odiarlas, una cosa bonita, música pop y ahí pude entender como en esa época la industria podía relacionarse tan bien con este tipo de proyectos«. 

Supernova fue un éxito comercial y la dupla ya tenía una versión masculina Stereo3 «Nunca pensamos que nos iba a ir a mal pero lo que uno nunca sabe qué va a pasar cuando a uno le va bien. Mil cosas que no habíamos dimensionado, como por ejemplo era necesario que hubiera un manager«.

También Heyne estuvo realizando remixes para distintos proyectos locales como Panico, Javiera Parra, La Geisha, Supernova y hasta el internacional Enrique Iglesias, además de la producción como Packman de discos y artistas para editoriales y sellos «Hice hartas cosas, algunas me gustaron otras no tanto» así también colaboró para proyectos de cine y televisión. Mientras aparece desde el underground Javiera Mena «Con Javiera durante 10 años invertimos y fue solo inversión, y comenzamos a recuperar, al menos yo, en marzo de este año ahora que es una artista continental, indie pero continental«. Desde el debut de la solista ‘Esquemas Juveniles’ (2006) algo empezó a pasar. 

Así al frente del titular «Chile nuevo paraíso del Pop» del diario El País, discos de Javiera Mena (Esquemas Juveniles del 2006, Mena del 2010 y Otra Era 2014), Gepe (Audiovisión del 2010, GP del 2012 y Estilo Libre del 2015), Dënver (Música Gramática Gimnasia, 2010),Alex Anwandter (Rebeldes, 2011), Fernando Milagros (San Sebastián del 2011 y Nuevo Sol 2014), Camila Moreno (Panal 2012 y Mala Madre 2015) o el dúo Marineros (O Marineros, 2015) entre otros producidos por Heyne. 

«Lo que cambió todo es que yo sentía que había una hegemonía estética en Latinoamérica, el pop estaba gobernado por un sonido que venía de Argentina y yo decía que se podía establecer otro eje.  Visualizaba un eje más andino pensando en Ecuador, Perú y llegar hasta México, cualquier otro eje y sonaba diferente. Y tuvimos mucha suerte porque justo en esa época comencé a producir Mena, Audiovisión, Dënver y como que los reseñan bien, les va bien  y se instala una especie de contexto que tenía cierta contundencia«. El resultado pasó de buenos comentarios a demostrar una escena pop fresca de música independiente y jóvenes artistas que comenzaron a salir a tocar fuera de Chile. «Me siento identificado con lo que representaron porque tenía mucho que ver con un ideal mío un par de años antes. Y ahí también comenzaron a ocurrir ideas como solidificar la actividad chilena como de producción de música y como un generador de música para fuera e Chile«. 

Así en plena etapa de consolidación de figuras como Javiera Mena y Gepe el productor lanza el álbum compilatorio ‘Nueva Música Chilena: Pop de Guitarras’ a través de su sello Demony, revelando algunas de las más interesantes propuestas del underground chileno. «La idea de este compilado es una serie de compilados que buscan visibilizar la impresionante cantidad de música que se produce en Chile y de algún modo potenciarla fuera de Chile, siento que a largo plazo, no es algo que se logre en meses. Pero lo que más me interesaba es tener esto fuera y quiero a través de un segundo o tercer compilado que probablemente van a ser de otros estilos seguir insistiendo en la misma cosa, Chile produce mucha música pero no la puede consumir«.

En estos días Heyne se encuentra en Nueva York mezclando un par de discos y realizando reuniones para pavimentar el camino internacional del disco: «La realidad que uno tiene acá no tiene nada que ver con lo que pasa de México hacia arriba, nuestra realidad es súper de dificultades, no te digo que allá no las haya pero hay un sistema, circuito, industria y acá no lo hay. Pero hay que dar pasos«.  

IM: ¿Y por qué tomar esta iniciativa? 

«Es un comienzo, para mi es el indie de hoy y me correspondía porque me gusta. En el underground es el árbol siempre. Es una ruta más pavimentada que antes pero es difícil trascender solamente estando en Chile«

IM: ¿Qué buscas en los artistas con los que trabajas?

«Siempre hace falta canciones, concepto, actitud. Mi visión para producir un disco pasa por cual es el objetivo del artista, en general siempre espero que llegue alguien y me diga quiero grabar un disco de 3 canciones de 20 minutos, Guau eso va a hacer un desafío pero en general no es así. También para mí es muy difícil asumir la producción que ya está grabada, lo he hecho un par de veces pero son casos raros, lo normal es agarrar proyectos en la génesis, que está empezando a componer, pero depende harto de los objetivos«.  

Actualmente trabaja en los próximos singles para Fernando Milagros y Me llamo Sebastián que saldrán bajo su sello Demony, pero su primera misión desarrollar el sello y la escena chilena;  «Mi idea con NMC era un poco terminar con eso que uno pensaba en el año 2000, 2010, que tengo que irme a Londres para poder dedicarme a la música si quiero vivir en Chile«.

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Los géneros musicales son diversos los que causan interés en el publico aunque lo que parece estar claro es que, seguido por el Rock (50%), el Rap/Hip-Hop (23%), el EDM / música electrónica (34%), Alternativa/Indie (24%) o Heavy Metal 25%.

El mercado a la hora de recibir información cuenta con Facebook como su principal medio para enterarse de próximos eventos en el 55% de las veces, seguido por lo amigos y la familia 49%, las páginas web 43% por encima de medios más masivos como la televisión con el 30% o la radio con el 25%, ambos superados también por una red como Twitter con 29%

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Para ello, Spotify y Genius ha creado una nueva playlist, «Behind The Lyrics» (Hip Hop), a la que le seguirá «Behind The Lyrics» (Pop) que permitirá a los usuarios ir más allá de la letra. Las canciones de estas playlists incluirán citas llamativas, datos divertidos, notas e historias que provienen directamente de los artistas y de la comunidad de Genius, que se actualizan con frecuencia.

 La nueva función se ha lanzado en exclusiva para iOS y en breve llegará a los usuarios de Android, mientras que los usuarios de Spotify web o la aplicación de escritorio, tendrán que ir a la página de Genius para saber más sobre la canción que escuchan.

La llegada de Genius a Spotify es la segunda alianza en lo que se refiere al sector Lyrics, ya que cuenta con un acuerdo con MusiXmatch para mostrar todas las letras de las canciones dentro de la plataforma, y supone todo un reto en un momento en el que la tendencia de consumo del streaming pasa por reproducir una playlist propia, de terceros o bien activar el modo radio, y no tener que estar pendiente del ordenador o bien del smartphone.

Persuadir a la usuarios para que miren el dispositivo será todo un desafío, pero de obtener resultados positivos, no cabe duda que se podría potenciar la parte de publicidad visual para los usuarios de capa gratuita.

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