Sentric Music se encargará de la recaudación de regalías, servicios de sincronización, y los servicios de los derechos conexos de los artistas que decidan participar.

«En combinación con nuestras capacidades de publicación creativas tradicionales, los artistas participantes tendrán una nueva y poderosa herramienta para obtener beneficios económicos de su música, hacer crecer su audiencia y aumentar su visibilidad dentro de la industria.» dijo Simon Perry, Director Creativo de ReverbNation.

CONNECT Songs no tiene costo alguno de membrasía y provee servicios de administración editorial bajo un sistema de ganancias compartidas con sus artistas dejando un 20% para el brazo editorial por cualquier royalty administrado. 

En cuento a ganancias de sincronización se dividirá 50/50 y las de master un 30% para la editorial y un 70% para los artistas.

«Ninguna otra compañía en el mundo tiene acceso al volumen tan grande de artistas emergentes que ReverbNation», dijo Chris Meehan, CEO de Sentric Música.

En cuanto a la exclusividad CONNECT Songs actúa como administrador único de edición, pero no tiene contrato de permanencia permitiendo al artista  darse de baja en cualquier momento con 28 días de aviso. Además si se trata de contratos de sincronización, el artista es libre gozar de otros simultáneamente al de CONNECT Songs.

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Mercado español

Como bienvenida y un año más tarde la primera conferencia estuvo centrada en una mira al mercado español en la que panelistas representantes de Ministerio de Cultura, SGAE, AEDEM y Promusicae plantearon una situación en que todas las partes acercaron posturas sobre las necesidades de un cambio sobre el IVA cultural y en donde Mauro Lozano de Ministerio de Cultura aceptó que con la crisis la cultura ha recibido un maltrato, así como también lo han recibido los ciudadanos.

Ante la pregunta de Mike McCready moderador del panel sobre el futuro de la industria discográfica basada sobre el nuevo modelo de negocio de streaming, Carlos García Doval de Promusicae se sincero con la audiencia con total transparencia aceptando que ve muy difícil volver a los años dorados y no cree que España pueda volver a los ingresos entorno a los 600 millones de euros que se llegaron a tener, quizás en otros mercados donde la caída fue menor. Pero en España es muy difícil llegar a ese punto masivo de monetización, aseguró. El porcentaje de suscriptores es muy pequeño, «es un país en que nos gusta lo gratis».

Sin embargo, sobre esto quiso añadir Lozano que aunque no se considera experto en la materia, desde un punto de vista de economía que el consumo de cultura va directamente ligado al ciclo económico nacional. Por lo que si la tendencia de país va en esa vía, no le cabe duda de que mejorará. Sin embargo, el reto es monetizar los negocios digitales a diferentes escalas, algo que incluso sufren medios de comunicación masivos.

Industria musical alemana

En la idea de expandir la visión e interconectar mercados se presentó un panel enfocado en el mercado alemán y las oportunidades de la tecnología para la industria de la música. Allí los panelistas además de coindicir sobre el estado positivo de las startup en ciudades como Berlin, donde los inversores empiezan a encontrar proyectos con necesidades de inversión de hasta un 42% menores a las de Sillicon Valley, por lo que se están centrando esa comunidad de nuevas empresas.

Así también se acordó la opinión liderada por Stephen Holly  del Fraunhofer Institute en que por los metadatos pasa el éxito y valor de negocio de los servicios de streaming y la monetización digital. En el futuro los servicios de streaming van a dominar el conocimiento y todos los datos de los consumidores añadió Holly. Aunque lamentó que las empresas de contenidos no estén invirtiendo en data y la mayoría de las inversiones vienen por empresas del mismo sector.  Sobre esto Oke Goettlich cofundador de Finetunes ilustró un poco el problema: Si como gestor y dueño de contenidos no se invierte en data eso devaluara el precio de la música a través de estrategias de negociación de cara a servicios de streaming que controlan toda la información.

La música y los videojuegos

En la búsqueda de la integración de la música con otras industria se planteó un panel para ver qué puede la industria de la música aprender de los videojuegos. Allí Michelle Perez Licensing Director de Gameloft expuso que las diferencias entre la música y en los videojuegos son la flexibilidad y el desgaste de la industria de la música en contra de la piratería. Haciendo énfasis en cómo los videojuegos pueden controlar costos de royalties, que en el desarrollo de modelos de música alcanza a consumir hasta el 70% de los costos operativos.

De igual forma Perez dio 4 claves de los modelos freemium: concentrarse en el número de usuarios, en el engage de los usuarios, en crear valor y mantener los costos bajos. La clave está en captar el mayor número de descargas a lo que confesó que  la conversión de Spotify es realmente buena y mucho mejor que en muchos videojuegos, el problema pasa por sus altos costes operativos.

Añadió también que se debe tener en cuenta el ratio entre usuarios diarios y usuarios mensuales y calcular así el stickiness del servicio. Si éste está entre el 20 o 30% hay muchas posibilidades de conversión. Hay juegos con ratios de 1  millón de usuarios diarios. Comparando el ciclo de vida de un sencillo o un videoclip, comentó que para un juego tiene que ser muy malo para que el ciclo de vida sea menor a un año, en cambio un video de música quizás tiene gran impacto en 3 o 4 meses y luego decaerá.

Sobre lo añadido Ste Curran analista y consultor del sector presentó una idea que ayuda mucho a entender el potencial de relación y es que muchas veces la industria de la música no tiene una visión a largo plazo y buscaba exprimir al máximo a la primera empresa de videojuegos que se les acerca a negociar, algo que para él es un grave error si se contempla el impacto y alcance de la industria.

 Internacionalización de festivales 

En un panel centrado en cómo los festivales viven sus facetas de internacionalización, muchos coincidieron en que el mejor activo que estos tienen es la experiencia del festival en sí. Sobre su relación con la tecnología, al menos entre el grupo de panelista detrás de los festivales (Ventura Barba del Sónar, Philippe Siegenthaler del Estereo Picnic, Jason Mayall de Fuji Rock Festival) se notó cierto temor en el acercamiento excesivo de la tecnología por el hecho de perder la experiencia de la música en vivo. Con cierto sentido más pragmático Barba que está detrás de las operaciones del Sónar aseguró «Hay dos cosas en las que me encargo y si las hago bien las cosas irán bien: vender entradas y construir marca.» Sobre esto el carácter único del festival y adaptarse a los mercado en los que va es parte de la clave.

El panel acordó que el live streaming es una buena oportunidad de expandir el impacto del festival y Mayall expuso el caso de cómo Glastonbury ha capitalizado a través de la BBC la exposición del festival que lo ha amplificado a otro nivel. Sin embargo, parece que no hay nada seguro y crear clones del festival madre no garantiza el éxito como expuso Parag Bhandari de UG Strategies al exponer el caso de EDC e Insomniac, el cual tuvo cancelaciones por baja venta de entradas.

Bob Lefsetz

Para cerrar la primera jornada se presentó el crítico y analista Bob Lefsetz famoso por sus bases de correos que envía a miles de las personas más influyentes de la industria. Entre las múltiples ideas comentadas en la conversación con Shain Shapiro de Sound Diplomacy destaca el hecho de que hoy en día o se es una estrella o no se es nadie. Lefsetz dejó claro que no se compite no solo contra los mejores, sino a un click de toda la historia de la música grabada, por lo que ser bueno ya no es suficiente. Para él, el centro del negocio está en la buena música y expuso cómo Adele sin hacer nada espectacular e hiper novedoso a nivel de marketing conquistó los mercados con su música, lo mismo que Daft Punk o Lorde.

También fue crítico en cómo muchos músicos se quejan de que nadie compra su música, cuando en verdad la hicieron en sus ordenadores con software que ellos mismo piratearon, algo que le pareció el colmo. Por lo que la barrera de entradas son muy bajas hoy en día y eso deprecia el producto final y en ese sentido o uno es realmente magnífico o no hay oportunidad de llevarlo al próximo nivel.

Shazam y Reverbnation no se salvaron a sus críticas y a la primera la puso en duda y su estrategia de PR, ya que cree que la forma de descubrir música pasa por las amistades y no por servicios de reconocimiento. Y en el caso de Reverbnation de vender falsas esperanzas a músicos independientes.

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Anteriormente la tienda presentaba la opción de producir bajo pedidos, lo que facilitaba la no gestión de stock para los artistas, sin embargo, este tipo de procesos suelen incrementar los costos finales. Ahora a través del acuerdo con MerchOutfitters los artistas de ReverbNation tendrán descuentos del 10% en los encargos de paquetes de merchandise.

Los ingresos por merchandise son cada vez más importantes, y es algo que veremos incrementar, ya que surgen nuevas alianzas de ventas a través de plataformas como Spotify o Beats, pero también herramientas y apps además facilitan la gestión y la venta, lo cual hace más efectivo el proceso. El directo mantiene su importancia, por lo que las bandas no pueden dejar de girar y la compra bajo demanda no se acopla a los tiempos actuales en que los músicos o sus compañías deben manejar ciertos volúmenes de stocks para poder sacar partida de las nuevas oportunidades.

Por general, empresas con sistemas de compras bajo demanda quieren cubrir la demanda de mercado de artistas o bandas muy pequeñas y por enfocarse en la parte más lejana del long tail, suelen ser negocios cuesta arriba.

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Lo que los datos arrojan es que el valor de un fan varía de un artista a otro, por ejemplo:

• Un fan que le de a Arcade Fire su correo electrónico gastó en promedio de $ 6.26 para comprar música, merchandise y boletos directamente de la banda durante la vida útil de su relación.
• Un fan de Sigur Ros, tuvo un valor medio de $10,91 
• Los fans de Pixies se valoran en $ 4.29
• Los fans de Umphrey McGee valen $ 32.96 cada uno para la banda

Topspin dice que ahora gestiona las tiendas en línea de más de 70.000 artistas , y de ellos, el fanático promedio, que comparte su dirección de correo electrónico a cambio de una canción, tiene un valor promedio de $3,78  durante la vida de la relación. Eso es alrededor de 4 veces el beneficio que una banda hace de la venta de una descarga en iTunes. Si eso no es suficiente para convencer a un artista de intercambiar canciones por  correos electrónicos comerciales, los fans que recibieron gratis una canción a cambio de su correo fueron 11 veces más propensos a realizar futuras compras directamente del artista que los fans que consiguieron nada.

La nueva función de Topspin rastrea el valor medio de las direcciones de correo electrónico adquiridas por los artistas, realizando distinción entre el valor promedio de todos los fans vs el valor de los fans adquiridos a través de una campaña de Topspin . El cálculo más adelante es una división de los ingresos en los correos electrónicos adquiridos a través de Topspin y otros canales.

En líneas generales Topspin calcula un valor promedio de $3.78 por fan adquirido a través de una campaña y $0.35 aquellos fans importados a través de base de datos de otras vías.

Por su parte ReverbNation con más 3 millones de artistas en su plataforma, ve el valor de un fan y su correo electrónico como una medida para monetizar a través de marcas que estén dispuestos a pagar para llegar a ellos. «El valor de un fan no es tanto por lo que vaya a comprar » dijo Michael Doernberg  CEO ReverbNation al Wall Street Journal.» Sino que los fans se han convertido en una moneda que las bandas pueden utilizar para cerrar acuerdos de patrocinios y ofertas de sincronización que pongan sus canciones en comerciales, videojuegos y programas de televisión. »

Sea cual sea la estrategia de monetización – y probablemente no debe haber muchas – es el poder de la relación directa con el fan, la línea de comunicación que más importa. » Si se pueden vender shows sin pagar por la publicidad, la banda ganará mucho más dinero. » dijo Richard Jones, que manager de The Pixies.

Fuentes: WSJ / Hypebot / Topspin

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