De igual forma, Fabrizio se ubica también en el consejo directivo de Discos Panoram, sello discográfico del grupo Zoé, desde donde se encuentran desarrollando nuevos talentos con bandas como Reyno, Costera, AJ Davila, Juan Moreno entre otros. Por todo esto y más Onetto es una figura para hablar con propiedad sobre la internacionalización de talentos hispanos.

IM: ¿Cuál es el mayor reto que se tiene a la hora de promover música desarrollada en países hispanos para el resto del mundo?

Mopri: Desde el punto de vista de Seitrack en como trabajamos y lo que buscamos, el reto principal es que nuestros artistas consigan éxito en México. Una vez que logramos algún tipo de historia que se pueda exportar nos ponemos a trabajar en ello. En todos los casos después de México, el país más importante es “California”, si fuese un país, y después EEUU. La cercanía para nosotros es la prioridad natural con California, luego Chicago y Texas. Si hablas de un género urbano puede que Florida tenga un peso más considerable, pero para rock y música regional es California la prioridad después de México. California, siempre lo hemos visto como después de México el país más importante.

Luego de EEUU vemos qué otros territorios. A veces Centro América es un mercado natural, y después la prioridad siempre es Colombia, después Chile, a veces Argentina y posteriormente uno ya pensaría en España y muy posteriormente en países de no habla hispana. Esto sería un plan realista. Obviamente uno busca penetrar otros mercados, pero en el mayor de los casos es muy raro.

IM: ¿Existe una fórmula de internacionalización extrapolable a diferentes proyectos?

Mopri: No diría que hay una fórmula, pero hay un checklist de cosas que hay que buscar cubrir. Hay muchas cosas que se pueden hacer desde la trinchera en donde uno vive: se pueden hacer entrevistas, phoner, analíticas de las redes, analizar dónde invertir. Por ello, hoy en día un artista se puede hacer conocer a la distancia algo que anteriormente era imposible.

Cuando la data nos arroja que está ocurriendo algo nos da respuestas y también surgen oportunidades en otros países, pero no diría que hay una fórmula.

También siempre van a haber artista con una inclinación a internacionalizarse más que otros. En el caso de México, tenemos un mercado tan grande con más 100 millones de personas, que tenemos artistas que pueden desarrollar una carrera perfectamente exitosa y duradera, sin necesidad de salir del país. Eso es algo que a veces va en contra de la internacionalización y vuelve a los artistas cómodos.

Hay géneros que son más limitados y hay formas de cultura que no se traduce lo que hacemos aquí a países como Argentina o a España, pero hay casos en los que sí, algo muy mexicano puede ser atractivo a otros países.

IM: ¿Cómo determinar el momento adecuado o la etapa en la carrera artística en la que conviene dar el paso de internacionalización? ¿Cuándo dices que los has logrado en México, cuando llenas espacios con miles y miles de personas (un Foro Sol?) o mucho antes?

Mopri: No, mucho antes, mucho antes. Cuando arranco Zoé por ejemplo, cada disco y cada etapa siempre se consideró a California y Estados Unidos dentro del plan. Con el segundo disco Rocanlover se hizo la primera gira formal, estilo guerrillero con su camioneta como hace todo el mundo a sus inicios. Y se debieron hacer unas 10 giras desde el primer disco a la fecha, y te puedo decir que la última gira fue donde vieron dinero. Es lo mismo que ocurre en España, donde también se ha invertido y te puedo decir que en la salida de su siguiente álbum hay fechas ya anunciadas en España y en Latinoamérica.

El sistema de booking de Zoé está muy desarrollado con cada lanzamiento, su agente principal, Javier Montemayor tiene ya más diez años haciendo giras de Zoé y es un proceso donde ya tiene referencias de todo lo que ya hiciste para trabajar mejor y 10 años de aliados y cada vez haces mejores giras. Llegar a eso es bien complicado y lo necesitas tener claro desde el principio.

Con Costera una banda nueva, a penas estamos resolviendo el circuito en México luego ver cómo se extiende a Estados Unidos.

El problema que tiene Estados Unidos es que a partir de Trump es más difícil girar por las políticas migratorias, es más exigente el tema de las visas, sigue siendo caro y por ello algunas bandas están considerando desarrollar otros territorios. Allí es cuando el entorno afecta tus decisiones y tus planes. Pones en la balanza el costo de las visas, lo procesos etc y el beneficio que puedas obtener de una gira.

IM: Danos una pista, pues sabemos que llenar el Foro Sol es algo exagerado, pues Zoé salió mucho antes, pero de nuevo cuándo puedes decir hay un indicativo que lo hemos logrado en México.

Mopri: Sí hay indicativos. Cuando estas arrancado es si estas llenando lugares de 200 o 300 personas en diferentes en diferentes ciudades. Ese sería el primer indicativo que te invita a pensar en extender esas ciudades que puedes hilar en una gira. El otro elemento son las analíticas y cuando ves que la mayoría de tus streams o seguidores están en otro país es un indicativo que hay algo allí afuera y hay feedback, existe algo.

IM: ¿El business plan de un proyecto de internacionalización de la música, teniendo en cuento los tiempos que nos cuentas de Zoé, a cuántos años debería ser?

Mopri: A mi me gusta trabajar a 1 año, 3 años y ya muy lejano a 5 años. Hoy en día creo que si trabajas a 1, 2 y 3 años con objetivos claros en esos rangos de tiempo es más razonable, por más que tengas de visión de carrera de 10 o 15 años. Pero el plan inmediato con el que debes trabajar en el día a día es a dos o tres años, porqué por que el mundo cambia muy rápido, hay situaciones nuevas, entornos diferentes, los fans cambian. Hay que tomar en cuenta ese entorno cambiante por lo que yo no recomiendo planes más allá de tres años.

Con respecto al retorno depende de quién sea en la cadena, el editor, el manager, la discográfica, el artista…Una editora apuesta a 10 años, una disquera apuesta a 3 discos, el manager apuesta entre 3 y 5 años primero. El artista debe apostar con un compromiso total de una vida si quiere hacerlo en serio, de carrera y saber que es una carrera bien ingrata y complicada. Es más, verlo con el retorno de cada proyecto dentro de una carrera, proyectos o ciclos, para llegar a puntos de equilibrio.

Esta es una industria en donde la carrera de resistencia es lo que dicta las cosas y somos más maratonístas que corredores de 100 metros planos es así como hay que pensar más en el largo plazo.

Parte de nuestra labor como manager y consultores es ayudar y educar a los artistas para que tengan una visión más global. Una parte de buen ejemplo es la parte editorial que es algo más a largo plazo, el catálogo. Hay cosas que tienes que hacer para impulsar el desarrollo a corto plazo y otras a más a largo plazo para tener un proyecto más robusto. Y cuando el artista entiende mejor que juego está jugando más fácil y más posibilidades tiene de ganar el juego.

IM: ¿Consideras que el Estado juega algún papel importante en el desarrollo de proyectos artísticos a nivel internacional?

Mopri: El Estado juega un papel importantísimo y el Estado mexicano hace lo que puede, desgraciadamente tenemos otros problemas que atender y la cultura pasa a un segundo plano. México tiene una cultura muy fuerte que es reconocida en todo el planeta y eso el gobierno lo sabe, entonces sus mecanismos y organismos de cultura, obviamente se van por lo más fácil, por lo íconos ya reconocidos, lo folclórico o autóctona es lo que se busca impulsar con ayuda de gobierno. No quiere decir que está mal, pero creo que se podría apostar por proyectos que tienen una visión más global del mundo y no solo algo netamente mexicano. Por ejemplo, en el cine o los fotógrafos mexicanos en los últimos años han ganado todos los premios habidos, es decir, si se ha hecho, en la música se puede hacer, pero el apoyo que se puede obtener es más difícil cuando quieres hacer un proyecto pop o un proyecto rock.

Me da envidia de la buena el apoyo que tienen países como España, como Canadá, a sus proyectos de música alternativa, Inglaterra ni se diga. Es más, hasta Colombia siento que tiene sistemas de apoyo mejor organizados que nosotros (México). Aunque si siento en los últimos años ha habido pasos a mejorar en ese aspecto.

Hay países en donde por ejemplo los ingleses lo ven como industria y como algo más global, no tanto netamente cultural.

IM ¿Nos puedes nombrar 5 herramientas o elementos claves o imprescindibles para internacionalización?

Mopri: Una herramienta básica que a veces se ignora, el mailing list, un lugar donde la gente te pueda dejar tu correo y si ves que empiezas a crecer en una determinada región. Y es una base de la cual tú tienes el control, no es tu base de Facebook.

Cualquier herramienta donde haya tracción, hay proyectos que funcionan mejor en Facebook, otros en Instagram.

Bandsintown es una muy buena herramienta para saber dónde está la gente que va a los shows. Pero también esta data varía mucho dependiendo del artista, a veces funciona muy bien en YouTube y en Spotify está muerto.

Básico es tener un website, que a veces no se tiene, hay artistas que creen que con Facebook ya resolvieron todo, pero es importante tener un hub, donde puedas tener un mailing list y todas las plataformas digitales, que el que te busque te encuentre y de la web además salen las analíticas.

IM: ¿Crees que se puede exportar música en inglés de un proyecto hispano? Particularmente aquí en España hay muchos grupos indies que adoptan el inglés como lengua de interpretación y queríamos saber si piensas que esto estrategia acertada o crees que es algo que te puede jugar en contra.

Mopri: No es que esté en contra, cada uno es libre de expresarse como quiera, en lo que respecta a la composición, pero en lo que respecta a la interpretación, en el 99% de las veces, las bandas o los artistas que interpretan en inglés, el acento es muy notorio para una persona anglo o para un escucha mundial que está acostumbrada a escuchar música en inglés cantada por angloparlantes.

El acento es un gran traidor. Por ejemplo, hay artistas argentinos o uruguayos, sin irnos al inglés, que su acento no traduce aquí en México y viceversa, y lo mismo pasa con España. En el inglés es peor el problema, porque estás acentuando un lenguaje en donde ese acento no aplica y algo que no se puede evitar. Por lo que no sé, a menos que sea algo encantador como los discos de los años 70 de Caetano Veloso (sino no tiene sentido).

Caetano es un gran ejemplo, es una figura icónica en Brasil con una carrera de más de 50 años y canta con una dicción muy muy buena en italiano, en francés, inglés, español, el tipo de maneja cinco idiomas, pero te vende su interpretación de manera que te das cuenta de que es Caetano que es un brasilero cantando en otro idioma, pero no sé de qué manera lo hace, pero es tan convincente que se la compras.

IM: Perdona que te interrumpa, pero creo que la razón por la que se la compras es porque no trata de imitar, él trae consigo su esencia. Hay muchas bandas que tratan de sonar como una banda anglo y esa esencia hispano o latina se deja a un lado.

Mopri:  Sí yo creo que va por ahí, yo entiendo que la lógica dice, ok si me quiero dedicar a la música, la música más popular del mundo es en inglés y para tener más oportunidades de desarrollo está en inglés, pues lo lógico es que cante en inglés.

Pero no necesariamente, uno está echando de menos su propio lenguaje y su propio idioma y la fuerza que puede tener. Se pueden conquistar muchos mercados en español, lo ha hecho mucha gente y creo que es suficientemente grande el mercado hispano de más de 400 millones de personas, como para querer abarcar los quizás más 1000 millones de hablan inglés, no lo sé, pero genera sentimientos encontrados.

Especialmente las bandas de España, me gusta mucho la música de bandas como Arizona Baby, me gusta mucho la música que hacen, pero no se la compro por el acento, es notable el acento.

IM: ¿Cuál es tu visión sobre la internacionalización en ambos lados del Atlántico? ¿Crees que los proyectos que se desarrollan en España tienen la misma receptividad en Latinoamérica y viceversa? ¿Pongamos el caso de Vetusta Morla y Zoé donde ambas bandas han sido aliadas de internacionalización, pero donde que a Vetusta Morla lo han querido más en México que a Zoé en España, es esto así, crees que esto es algo en la idiosincrasia de cada país?

Mopri: En ese caso específico, el público de Vetusta en España, a mi manera de verlo es un poco más cerrado a otras bandas fuera de Vetusta, independientemente si son españolas o no. Está tan casado a esa banda que en un concierto le cuesta abrirse a darle una oportunidad a una banda más, sea quien sea, no importa que sea de México o no. Esa es mi percepción, hay artistas que son tan especiales que llegas hasta el grado de obsesionarte. Vetusta es una banda tan especial que tiene fans obsesionados con ellos y les cuesta trabajo abrirse a otras cosas.

Y con Zoé, el público de Zoé en México es más receptivo a otras bandas, porque los mismo Zoé han hecho énfasis en invitar banda y actos muy pequeños a abrir sus shows y han educado a su público a darle una oportunidad a las bandas que ellos les dan una oportunidad.

En el caso de los países y las culturas, yo las pocas veces que ido a España a ver shows me han tocado festivales con publico anglo y muy variado también. Pero mi percepción es que aquí en México, el público es muy generoso y abierto, especialmente en Ciudad de México, no tanto así en todo el país. Le gusta mucho los artistas de España, de Argentina, últimamente de Colombia, de Chille. Es un público más receptivo y abierto que en otras partes del mundo, no sé porqué sea, pero es así.

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¿Qué tienen en común Blink 182, Green Day, Kings of Leon y Metallica? Pues aparte de ser algunas de las más grandes estrellas actuales del rock a nivel mundial (cada una en su propio estilo), todos editaron álbum en 2016, alcanzando cada una el Nº1 en la lista de Billboard. De esta forma tenemos cuatro Nº1 en ventas y los vamos a comparar contra uno de los sencillo más exitosos de 2016 «Starboy» de The Weeknd junto a Daft Punk. He elegido este track por haber salido en fechas cercanas al ultimo trimestre del año cuando salieron los álbumes de Green Day, Kings of Leon y Metallica, en el Q4 solo faltaría «California» de Blink el cual salió en el mes de julio, fecha cercano por ejemplo a un tema como «Cold Water» de Major Lazer, Justin Bieber y MØ, que si hubiésemos tomado este tema como referencia para la comparativa, las diferencias que veremos serían aún mayores. Ahora sí, vamos al grano:

El sencillo «Starboy» acumula al momento de escribir esto, un total de 456 millones de streams en Spotify, recordemos que este lanzamiento en particular fue uno que llamo mucho la atención por el impacto inmediato que logró gracias al gran apoyo que recibió por parte del servicio sueco. Ahora bien ¿qué pasaría si comparáramos este sencillo vs los 50 tracks de los últimos trabajos de Green Day, Metallica, Kings of Leon y Blink 182? Esto es lo que encontraríamos

• Metallica: 77.3 MM
• Green Day: 56.3 MM
• Kings of Leon: 93.79MM
• Blink 182: 174.93 MM
• Total: 402.32 MM de streams

Lo que quieres decir que la suma de todos estos álbumes de rock de bandas enormes, Nº1 en ventas, no se equiparan al impacto de consumo que acumula una sola canción de The Weeknd, estamos hablando de 456 millones de streams frente a los 402 millones acumulados por «California», «Revolution Radio», «WALLS» y » Hardwired…Self Destruct»…así como lo leen.

Spotify es una buena parte de la película actual de consumo de música, pero la verdad es que otra gran parte sucede en el planeta YouTube, lástima que Apple Music no comparte sus datos públicamente. Para poder evaluar si la popularidad del tema era algo que solo se había materializado a ese nivel en Spotify, revise los datos del tema en forma de vídeo oficial y vídeo lyrics oficial en YouTube y los comparé frente a los vídeos oficiales de los sencillos y los vídeo lyrics de los sencillos que se desprenden de los trabajos antes mencionados, solo que  en el caso de Metallica fueron contempladas todas las visualizaciones del álbum, ya que en este caso la banda editó un vídeo oficial para uno de los temas del disco. Si bien es cierto que la metodología para comparar en YouTube en este caso es menos igualitaria, nos dará una idea de la fotografía de consumo.

• Green Day: 34.56 MM
• Blink 182: 32.29 MM
• Metallica: 90.05 MM
• KOL: 20 MM
• Total: 176.9 MM de visualizaciones

En el caso de YouTube encontramos que la diferencia de consumo es aún mayor, ya que todos los vídeos promocionales de los últimos trabajos de Green Day, Blink 182, Metallica y Kings of Leon acumulan tan sólo un total de 176.9 millones de visualizaciones frente a los 501 millones de views que amasa The Weeknd con su sencillo «Starboy» en versión vídeo oficial y vídeo lyric en conjunto.

Si sumamos los acumulados en ambas plataformas encontramos que el rendimiento del sencillo «Starboy» en Spotify y YouTube es de 957 millones de streams vs los 579 millones de streams generados por los últimos trabajos de los grupos seleccionados. Las diferencias de consumo a nivel digital entre los nuevos hits del pop y álbumes de estrellas del rock son simplemente abismales, y si hiciéramos la comparativa con el anteriormente mencionado tema de «Cold Water», la diferencia sería aún mayor, estamos hablando de 1.346 millones de streams entre ambas plataformas.  

Es por esto que el futuro del impacto global que el rock ha tenido durante muchos años puede entrar en peligro.

Sí, hoy el rock domina muchas de las giras más taquilleras, pero la pregunta es ¿en el futuro seguirá siendo así? Sé que hay mucho más factores a tomar en cuenta, pero la verdad es que con estas diferencias de consumo resulta difícil pensarlo. Recordemos que estamos comparando los últimos trabajados de dos bandas del Hall de la Fama del Rock (Metallica y Green Day) sumados a los trabajos de bandas de peso mundial y cabezas de carteles en festivales como Blink 182 y Kings of Leon frente al trabajo de un artista joven como The Weeknd y ya vemos las grandísimas diferencias ¿Qué pasaría si hiciéramos la comparación con bandas de rock mucho más nuevas?

La verdad es que esto daría para iniciar un estudio más profundo, pero a priori no parece que los resultados sean muy alentadores.

Como últimas referencia y para seguir en la línea, he contabilizado los streams en Spotify del primer Nº1 de Billboard que tuvo el rock en 2016, se trata del álbum «Death of a Bachelor» (30 enero) de Panic! at the Disco, una banda más joven que nos sirve un poco como referencia frente a las antes mencionadas. Con ese disco alcanzaron lo más alto de la cartelera casi 9 meses antes de la salida de «Starboy» (22 septiembre) y al sumar todos los streams encontramos un total de 436.5 millones streams ¡Es así! Ni con 9 meses de ventaja y a una relación 11 contra 1 el rock logra ganarle al pop.

Por último, recordemos lo que han logrado en Spotify algunos de los grandes hits pop del año «Closer» de The Chainsmoker 737 millones de streams o «Let Me Love You» de DJ Snake y Justin Bieber y sus 560 millones de streams, por ni mencionar a Drake. 

[ACTUALIZACIÓN] PS: Tras publicar el artículo he notado cierta sensación de incomodidad en algunos lectores, pues como bien soy consciente pueden resultar chocantes las comparaciones, por ello algunos dudan de la relevancia de dicha comparativa. En vista de esto, he decidido agregar un dato más que nos dará aún más perspectiva:

• Green Day + Metallica + Kings of Leon + Blink 182 = 29 millones de oyentes mensuales en Spotify 
• The Weeknd = 39,4 millones de oyentes 

Es así que vemos como The Weeknd solo suma 10 millones de oyentes en Spotify más que Green Day, Metallica, Kings of Leon y Blink 182 juntos. 

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Tweety González es para muchos conocido como el 4to Soda Stereo, palabras mayores, que para sorpresa mía es una banda aún desconocida para mucha gente en España. Sin embargo, eso no les resta importancia a la que es, al menos en mi opinión, la banda hispana más importante de la historia del rock.

Músico, productor, empresario, conferencista son solo alguna de las facetas de quien ha tenido el honor de ser una pieza clave en la carrera de figuras como Gustavo Cerati o Fito Páez. Haciendo hueco en su apretada agenda, el productos argentino de 53 años nos cuenta su visión del estado del rock latino americano actual, así como su faceta como discográfico y empresario.

IM: ¿Cómo defines el estado de la música actual en Argentina? Y siendo más específicos con unos de tus grandes géneros, cómo ves el rock a nivel latinoamericano

Argentina está pasando por un momento de polarización donde hay artistas con un promedio de 15 años de carrera que son muy convocantes (Abel Pintos, Indio Solari, etc.) y otros emergentes a los cuales se les hace dificilísimo crecer, por falta de venues, medios de difusión, etc. pero básicamente por falta de público ávido de propuestas nuevas, el público argentino se ha convertido muy conservador cosa que en los 80s y 90s era totalmente abierto.

En el medio de esas 2 realidades hay pocos casos, uno podría ser Lisandro Aristimuño que con aproximadamente 10 años de carrera y con una propuesta muy original y de calidad puede llenar de 4 a 6 funciones del teatro Rex (3.500 asientos) por año y tocar por todo el país en venues de 1.000 asientos promedio, pero este caso es la excepción a la regla.

El rock latinoamericano sigue siendo muy local, o sea, no se regionalizó (como si lo hizo el reggaeton o la bachata los cuales terminaron de invadir Argentina en los últimos 4 años).

Artísticamente hay propuestas muy buenas y de alto nivel pero que no logran ser populares.

Las giras por toda la región siguen siendo de shows de artistas que se hicieron muy fuertes en el siglo pasado (Cadillacs, Pericos, Fito Páez, etc.).

Al mismo tiempo estéticamente han surgido derivados del rock (sobre todo en Colombia y México) que abren nuevos públicos.

IM: Como productor crees que debes adaptarte a los sonidos más comerciales o puedes permitirte seguir tu línea independientemente de lo que esté sonando en las radios o en lo más escuchado en las plataformas.

Nunca lo he hecho o sea que sigo mi línea/instinto/gusto.

IM: Cuando cada vez se compran menos álbumes, en esta era del streaming y las playlists, ¿Dónde queda el reconocimiento de los productores? ¿Los créditos de los discos son cosa del pasado o solo para sibaritas?

Para mí a esta altura son cosas para melómanos o para los mismos que estamos dentro de la industria cosa que me pone muy triste. Por otro lado, a nivel industria o cultura se le ha dado un reconocimiento mucho más grande invitándonos a conferencias, workshops, etc.

IM: ¿Cómo percibes la calidad sonora de los servicios de streaming? ¿Qué esperas de ellos?

Han mejorado un poco, pero aún hay mucho para hacer, el problema es que no veo para nada a un público exigente en eso (sobre todo los menores de 25)  la cuestión ahora es escuchar más allá de que suene mal. Otro problema y sobre todo en Argentina es el ancho de banda de la red , tenemos uno de los mas pequeños de la región y a la vez hay más de un celular por habitante.

IM: Tweety cuéntanos un poco sobre Twitin Records y tu editorial Tornasolado. ¿Cómo evaluar los tiempos actuales desde la perspectiva de una discográfica? Y ¿cuáles son tus objetivos con esta vertiente empresarial, más sin amplios objetivos comerciales?

Twitin Records nace porque en un momento me encontraba haciendo discos por el placer de hacerlos (cosa que sigue pasando y me encanta) y luego tardaba más de un año en encontrar quien los fabricara y distribuyera, eso se sumó a una oferta de The Orchard para darme la plataforma de ellos para hacer un sello y me gustó la idea ya que amo Internet y las estadísticas.

Tornasolado existe desde antes y era una forma de compensar los budgets de artistas nuevos que me querían en mi rol de productor. Desde hace un par de años sume a Román Zapata que es un especialista en publishing y que viene de trabajar casi 20 años en empresas grandes como Peer, EMI, BMG.

Hoy en día Twitin y Tornasolado se potencian cada uno desde un papel distinto, el sello sería como una incubadora de música y la editorial será (porque aún no lo es) la forma de financiar al sello, ya que con ventas digitales y streaming no cierran los números. Casi el 90% de los artistas del sello tiene contrato simultaneo con la editorial.

No todos los discos que sacamos en el sello son producidos por mí, es más, los últimos 4 que sacamos son discos que ya estaban hechos que me gustaron mucho como también la forma y pasión que tienen esos artistas para ¨mover¨sus carreras.

Uno de los objetivos es ir sumando artistas cuidadosamente, ya que no tenemos una estructura que soporte un roster muy grande, lo más difícil es encontrar los nichos específicos para cada artista, internacionalizarlos y seguir haciendo discos.

Este año hicimos 13 conciertos en el Centro Cultural Kirchner en los cuales invitamos a otros sellos como forma de intercambio. Todos fueron grabados y filmados para luego ser emitidos en la TV Pública. En el 2017 volveremos con ese formato en un par de ciclos de conciertos.

IM: ¿Qué escucha y cómo escucha música Tweety González? ¿Alguna recomendación?

Oigo un 66% de música que no oí nunca y un 34% que ya conozco habitualmente.

Me declaro un amante al hifi por deformación profesional tal vez, en casa tenemos equipos de muy alta calidad que no difieren casi para nada de los que tengo en mi estudio. También oigo en el auto y cuando salgo a caminar uso casi siempre los headphones que traen toda cosa Apple aunque a veces uso algo mucho más hifi. Mi artista preferida de los últimos años es St. Vincent, estoy esperando su nuevo disco ansiosamente.

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Según Alejandro Tavares programador de Máxima y  Oscar Flores director del festival Pal Norte, parece ser que mucho, ya que ambos coincidieron durante FIMPRO 2016, en que hay muchas bondades del modelo de negocio de la música grupera y regional mexicano del que podría aprender la escena de rock actual en México.

Constancia, trabajo y adaptación 

Esta son de las primeras características claves que destacó Oscar Flores conocedor y empresario del género grupero, pero también del rock y el pop. La música grupera está acostumbrada a hacer entre 15 o 12 shows al mes, a diferencia del rock que con 5 o 6 shows ya está contento.

Por otra parte, el grupo de música grupera es mucho menos exigente, ellos tienen un costo, y ellos ven si se van en carretera, o por avión o como sea, lo que hace que bajen mucho los costos y no como en el rock que están acostumbrados a que le paguen vuelos, hotel, vans, o piden además un catering con 8 botellas de champagne y de 11 whisky. Lo que incrementa mucho los costes y por ello la música grupera está teniendo mucho más trabajo, en los teatros del pueblo, 8 de cada 10 son shows de música grupera. 

Aprender de los argentinos y aprender de los gruperos

En Argentina el rock es como la música regional, explicaba así Alejandro Tavares. Lo manejan al estilo de la música grupera de acá. Es más caro hacer un show de rock de una banda top, porque piden sus equipos específicos, en cambio llega La Arrolladora monta sus propios equipos, cobra la misma tarifa y puede ofrecer un show que para el empresario es mucho más negocio, expresaba así Tavares.

Luego vas promoviendo el rock y llega el empresario y te dice, «no, es que yo prefiero a La Arrolladora que a Zoé, me va a salir más barato y además me vende más tickets» por lo que es mucho más negocio, y cómo le alegas eso alguien que quiere hacer negocios, comentó Tavares. Es por esto que las bandas (de rock) tienen que empezar a girar de otra manera, autogestionarse y generar costos bajos que sean más atractivos en función de los tickets que venden. Aquí de repente una banda de rock saca 3 discos y ya se creen que tienen que cobrar 100.000 pesos, añadió Tavares.

A mi me gusta mucho como trabajan los argentinos aquí el rock, como Los Caligaris que vienen y llenan cuatro plazas agotadas en el C3,  y tocan todos los días. O el caso de Los Auténticos Decadentes o los Babasónicos en México, el cual ha sido a punta de constancia, cobrando poquito, sin embargo ahora creo que el último disco que ha hecho Sony de los Babasónicos es el de más alto presupuesto que ha habido aquí para disco de rock.

Por su mentalidad los argentinos vienen 15 días tocan todos los días y se llevan más dinero que bandas mexicanas en casi un año.

En la actualidad y como modelo de negocio el pop y el rock debe imitar al grupero, ya que se adapta, tocan en grandes recintos y en pequeños y tocan igual un gran show y las mismas canciones…no tienen complejos. Mientras que hay prejuicios en el rock y en el pop, por ejemplo no quieren ranchear o ir a ciertas ciudades que los grupos gruperos si van. Al rock actual en México le falta mucho por aprender de Argentina y la música grupera, sentenció así Tavares.

¿Cuál es el modelo de éxito de la música grupera?

Para esclarecer el asunto, Flores enumero alguno de los factores del éxito de la música grupera:

• Graban un disco cada año. Un disco lo sacan 1 mes en el estudio, mientras que un rockero 6 meses, no quiere decir que esté bien, pero quizás no se es tan perfeccionista como los rockeros, pero la gente con cada disco nuevo los quiere volver a ver. 
• Como trabajan más, ahorran más e invierten en su carrera y a diferencia del rock no esperan que las discográficas inviertan el dinero, por lo que son más independientes más a diferencia del rock.

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Los géneros musicales son diversos los que causan interés en el publico aunque lo que parece estar claro es que, seguido por el Rock (50%), el Rap/Hip-Hop (23%), el EDM / música electrónica (34%), Alternativa/Indie (24%) o Heavy Metal 25%.

El mercado a la hora de recibir información cuenta con Facebook como su principal medio para enterarse de próximos eventos en el 55% de las veces, seguido por lo amigos y la familia 49%, las páginas web 43% por encima de medios más masivos como la televisión con el 30% o la radio con el 25%, ambos superados también por una red como Twitter con 29%

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El catálogo de AC/DC ya está disponible en los servicios de streaming como Deezer,  Spotify, Rdio y en unas horas en Apple Music. La mítica banda de rock siempre ha sido algo reticente a las plataformas digitales, por ejemplo no fue hasta 2012 que iTunes dispuso de su catálogo para la descarga y es que desde siempre AC/DC ha comentado que ellos no querían pistas dividas para ser consumidos.

El guitarrista Angus Young decía en 2011 para Sky News: «Somos una banda que empezó con álbumes y así es como siempre hemos sido» pero el fuerte empuje digital de los últimos años ha superado la idea de la banda de como su música debe ser consumida por los fans (sólo hay que ver los datos de facturación de los sellos independientes).

La llegada de AC/DC a los servicios de streaming sin duda es una muy buena noticia para los amantes de la música y para los servicios de streaming que pueden contar como cada vez les quedan menos bandas míticas para incorporar a sus plataformas.

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El Rock dominó las ventas de discos con el 33% de las ventas, siendo el género más cercano el R&B con el 14%, por lo que un año más se refleja la preferencia que existe en el género por los álbumes. Ya en 2013 el rock se coronaba como el género más consumido, con el 34.8% de las ventas, por lo que la caída ha sido mínima. Sin embargo, hubo un sector en el que el Rock no fue el género dominante, se trato del streaming en donde figuró con el 25% por detrás del R&B con el 29%.

El Pop por su parte parece no haber tenido un buen año reflejando tan sólo el 15% del consumo, mientras que el tan nombrado EDM, tan solo figuró un año más con el 3% como un género de nicho, en líneas generales, aunque tuvo un repunte considerable en lo que se refiere al consumo vía streaming con el 6.4%. Estos datos del EDM es en lo que a consumo fonográfico se refiere, ya que no se contabiliza asistencia a festivales o conciertos.

Los porcentajes por géneros desglosado reflejan lo siguiente:

• Rock – 29%
• R&B/ Hip Hop – 17.2%
• Pop – 14.9%
• Country – 11.2%
• Dance/EDM – 3.4%
• Christian/Gospel – 3.1%
• Holiday/Seasonal – 2.6%
• Latin – 2.6%
• Jazz – 1.4%
• Classical – 1.4%
• Children – 1%

«Estos porcentajes fueron calculados dividiendo el total de temas descargados en Tracks Equivalentes de Álbum (TEA) y número total de stream en Streaming Equivalente de Álbum (SEA) y luego añadiendo los resultados de las ventas totales de álbumes. Usando esta formula, el consumo global de música cayó un 2% año a año en los Estados Unidos con 476.5 millones de discos en 2014» de acuerdo al Music Business Worldwide Report de Nielsen.

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En este sentido la demana por vinilos aumenta, pero el número de fábricas se mantiene estable. Por esta razón las fabricas actuales se están viendo en parte desbordadas y lo que antes les toma 1 mes de entrega ahora les está llegando a tomar 3. Por lo que los artista y sus sellos deben ser más previsivos y coordinar con tiempo sus órdenes, aceptando así esta nueva realidad del mercado.

De igual forma, los más puristas piensan que se está caricaturizando el concepto del vinilo con álbumes cada vez más raros, piezas únicas y ediciones especiales de colores o un poco más elaborados como Lazaretto de Jack White, sobre el cual ya les hablamos en este medio.

Tal es el auge de realizar rarezas porque sí, que algunas bandas han prensado granos de café en algunos de sus discos, incorporado cenizas de una biblia del siglo 19 e incluso dinero en efectivo rallado. Pero las cosas no han parado allí y algunas fábricas han tenido que poner un limite, ya que una vez al mes alguna banda quiere incluir sangre suya en el proceso de prensado, a lo que siempre se han negado éstas.

Otro elemento de interés y peculiar, casi secreto que tiene el negocio del vinilo y es que a diferencia que los CDs que la mayoría de los distribuidores permiten retornar lo que no se ha vendido. En el caso de los vinilo los minoristas no tiene derecho a retornarlos, por lo que las tiendas independientes juegan en desventaja frente a los grandes almacenes de internet. En principio las pequeñas tiendas no pueden comprar más vinilos de los que puedan vender, ya que sino, se quedaran con material demás, tampoco pueden ordenar muy pocas copias, pues entonces se quedaran sin copias rápidamente y el público saciará su demanda a través de la compra por Internet. Por lo que deben se muy precisos en sus proyecciones de ventas.

Y hablando de ventas y pasada la primera mita del año, estos son los 10 vinilos más vendidos en 2014

Como podemos ver es una lista liderada por una mezcla de  indie rock, alt rock, folk rock, y rock clásico. En definitiva rock, aunque en el top 50 también se puede encontrar algo de hip-hop con cierto carácter indie y discos como Random Access Memories de Daft Punk entre otros.

Por último recordemos que esta nueva tendencia de consumo esta en parte impulsada por la necesidad de tener un elemento físico de contacto con los artistas y de identificación personal, una forma de apariencia. Ya que según un estudio realizado por ICM Group, «El 15% de la música que se compra es para no ser escuchada en ese formato»

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