Universal Music España no se entendería sin la figura de Carlos Ituiño, Ex presidente de la compañía desde 1994 hasta 2002, fue quien dirigió que UMG estableciera su división en España.

Ituiño sigue en activo desarrollando proyectos propios así como trabajando de consultor externo para compañías del sector del entretenimiento y además transmitiendo todo su conocimiento impartiendo clases de “Perspectiva de la industria de la música” en SAE Institute Madrid, del que este viernes 16 de Septiembre habrá una jornada informativa del Programa en Music Business.

Buen conocedor de la industria discográfica y del negocio de la música grabada, hemos querido conversar acerca cómo ve la compañía actualmente y cómo evalúa el estado actual de la industria.

IM: ¿Cómo has visto la evolución de UMG en España y a nivel mundial?

Desde 1994 todo ha cambiado mucho, en 1994 existía MCA, una compañía independiente de Universal, que estaba en 6 países europeos. Esa compañía hubo que estructurarla gracias a la financiación de UMG y de ahí empezó a nacer lo que conocemos como Universal España en el que entonces éramos 8 personas. Aun por en medio, MCA la compró luego la compró Seagram, luego vino la fusión con Universal, la entrada al grupo Vivendi y la fusión con Polygram.

Ahora ha cambiado todo tanto… hablar de Universal es hablar de las nuevas compañías discográficas. De cuando yo fusioné la compañía junto a Jesús López, hasta ahora todo ha cambiado mucho.

Nosotros vendíamos físico, ahora todo va al digital, y no hablamos de descarga, todo encaminado al streaming. Es cierto que el basic es el mismo, coger un buen producto, un buen talento y exponerlo al máximo número de personas. Mira, antes todo era A, B, C, ahora todo está muy sofisticado, la mismas fórmulas no funcionan y hay que reinventarse constantemente.

Universal es una compañía líder ahora mismo, y me gusta la dirección que están llevando, así como la explotación de los diferentes recursos en los que hoy en día trabaja un artista y que permite generar más ingresos para todos. En este sentido me gusta ver que UMG está cerrando acuerdo con empresas de gestión de contenidos, tanto de plataformas, como agencia de publicidad.

IM: ¿Crees que en estas vías de negocio, está el directo?

Sin duda, pero no hay que olvidar a los key players que saben realmente de cómo funciona el sector del directo. Lo que no puede suceder es como lo que pasó en 2002 en la época Napster en la que las majors estaban perdidas e hicieron los inventos Press Play a MusicNet, plataformas para monetizar el digital… y que fueron un desastre y están entre las peores compañías tecnológicas de la historia.

IM: Por eso ahora toman participación, como es en el caso de Spotify

Claro, nadie quiere perderse la fiesta, como les pasó en su momento con iTunes. Pero también deben ser acuerdos donde todo el mundo gane, y en muchas ocasiones, en estas ecuaciones el artista no está representado, y es el más importante de todos los elementos.

IM: El streaming es el modelo de futuro porque la facturación anual del sector discográfico está creciendo gracias a la suscripción. Pero los artistas no parecen estar tan contentos ¿Qué falla?

Sí es el modelo de futuro actual, pero ¿y de aquí 5 o 10 años? Con las descargas pensábamos lo mismo, es el futuro, y en apenas 10 años hemos visto su eclosión y caída.

Ahora tenemos 68 millones de suscriptores de pago, está muy bien, pero necesitamos 200 millones para que realmente esto funcione. No podemos tener una tarifa única de 9,99€ para el consumo de toda la oferta, quizás la solución pase por reducir la oferta al fan y reducir su precio, nadie escucha todo lo que hay en Spotify, ni todos los estilos. Ahí el big data tiene un papel fundamental.

A tu pregunta sobre los artistas, falla que a los artistas no se les tiene en cuenta en muchas de las decisiones y acuerdos que se toman y luego eso acaba perjudicando directamente al artista. Y sobre esto, algo que me preocupa es la fuerza que puedan tomar las plataformas de streaming si empiezan a ser ellos mismos los productores de contenido, ya que para los artistas puede ser muy atractivo el poder monetizar más ¿pero sería inteligente? Yo creo que no, pues no creo que una plataforma de streaming vaya a hacer todo lo que hace un sello actualmente.

IM: Hablemos de las exclusivas en las plataformas de streaming ¿Cómo lo ves? ¿Estas de acuerdo en la postura del actual presidente Lucian Grainge de UMG de no dar exclusivas?

Totalmente de acuerdo con la política de UMG de no dar exclusivas, no estoy a favor de este tipo de acuerdos. Las exclusivas dan demasiada fuerza a las plataformas y el perjudicado es el fan que no puede escuchar su artista favorito donde él quiera.

Es cierto que exclusivas siempre han existido, antes con los medios de comunicación TV y radio, era algo habitual, como también exclusivas en megastore como Virgin Store o El Corte Inglés, pero esto hay que cortarlo.

IM: Y ¿Crees que el artista debería poder elegir si su disco debe estar sólo para usuarios de pago o para todos los usuarios?

No me parece mal, el creador de la música debería poder tomar esa decisión, si el artista considera que en el modelo gratuito, no hay una compensación justa, ¿Porque no premiar primero a los que sí están pagando por la música?

IM. Finalizada la entrevista, y a punto de levantarnos de la mesa, Ituiño me dice: “Quiero añadir algo más…» enciendo de nuevo la grabadora: 

Creo que es importante que hablemos del dinero de los superfans. Creo que las compañías y los artistas se olvidan de los super fans, de aquellos que están dispuestos a gastar más que la media, y por lo que hay que darles también algo más. Si se analiza y capitaliza bien esto, el artista cobraría más valor y monetizaría más, porque el superfan está dispuesto a gastar más dinero, pero necesita ver valor en ello, y esto no pasa por una suscripción premium.

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Actualmente también se encuentra dando clases de producción en SAE Institute Barcelona y este sábado 10 de Septiembre en SAE Barcelona ofrecerá una masterclass de 11:00 a 13:00 en el marco del Opening Day sobre Negocios de la Industria Musical.

IM: Has trabajado en la producción de muchos festivales, y conoces bien el sector del directo en España y el cómo se trabaja ¿Cómo estás viendo el fenómeno festivales en España en 2016? ¿Hay demasiados? ¿Es una cuestión mediática?

Este año… diría que ésta más mediática pero no fue tan grande como la que hubo en 2007/2008, donde promotores grandes llegaron a desaparecer. En verdad hace mucho tiempo que hay, es cierto que han salido muchos festivales pequeños mientras que los grandes que superaron el 2007/2008 están consolidados. No diría burbuja, pero sí que hay más oferta que demanda.  

Hay que destacar que en todo esto, los precios a las bandas internacionales en España han aumentado mucho, la guerra de promotores, que es muy fuerte, ha elevado el precio de los caches, pero no es de ahora, viene arrastrándose desde hace tiempo, lo que provoca que festivales pequeños no puedan contratar este tipo de artistas. Y cuidado, no estamos hablando de contratar headliners, es que no pueden contratar artistas que se situarían en tercera línea.

IM: Y sobre la producción de los festivales, se trabaja bien en España?

Hay de todo, si es cierto que poco a poco se está mejorando gracias a la nueva camada de gente que trabaja en los festivales que está sustituyendo a la producción old school, que suele ser más dejada, no prestan atención a ciertos detalles. Diría que la producción old school sigue sin prestar atención al cómo, mientras salga adelante el show.

En los que he trabajado, se intenta mejorar constantemente y trabajar mucho en la atención al artista para que su estancia y show sea lo más cómodo. La ventaja es que también trabajo de Tour Manager, y eso me facilita el saber que se requiere en cada momento, en muchos casos son detalles.

IM: Hay tanta diferencia entre old school y las nuevas generaciones?

Bastante, la nueva generación procura hacer una producción con mucho tiempo y tener luego una muy buena previa para minimizar el riesgo, con doble o triple check, mientras que los old schools trabajan mucho sobre la marcha. También se trata de trabajar con tecnología, no sólo la tecnología del show, sino tecnología de trabajo en la nube, gestión de equipo y tareas, comunicaciones, de reconocimiento del terreno cómo sería Google Earth, aplicaciones de gestión del staff que por ejemplo te permite eliminar la clásica hoja de ruta y simplificar mails, comunicaciones… No me imagino hacer una producción hace 25 años de los Rolling Stones!

IM: Y hay tanta diferencia entre las producciones hispana y anglos?

La realidad, te encuentras de todo, en todo el mundo. Quizás si hay por parte de algunos tour managers una estigmatización de lo que se hace aquí, pero no es algo generalizado, como te decía, la nueva generación es la que está elevando el nivel y se hacen producciones igual de buenas que en Estados Unidos o Reino Unido.

IM: Hablemos de ti como tour manager de David Bisbal ¿Qué hay detrás de una producción de una gira para David Bisbal?

En la gira española éramos entre 35 y 40 personas según show,  2 sleepers, entre 3 y 4 trailers, y hay que sumarle la producción local que son otras 30 personas más, así que suman unos 60 por show. Entonces el Tour Manager se encarga que todo salga bien antes del show, durante el show, después del show y entre show y show. Además de optimizar todo el presupuesto que supone una producción así.

IM: Hay mucho que coordinar y de lo que estar pendiente ¿Qué 3 factores, si los hay, no pueden fallar nunca?

1. La honestidad entre promotor y producción, que todo lo preestablecido en el contrato y en los riders sea así cuando llegues.
2. Tener un equipo local competente. Ha pasado en casos que algo tan importante como la corriente, lo llevaba gente no preparada!
3. En una gira como Bisbal, pasas más tiempo con todo el equipo que con tu familia seguramente, por lo que la convivencia es crucial, debe de haber una harmonía entre el equipo. Si no la hay, repercutirá en los aspectos laborales y eso no puede pasar.

Fíjate, una cosa tan sencilla como llevarnos nuestro propio chef y catering nos optimiza el tiempo de no tener que buscar sitios para comer o de poder comer a las mismas horas. Otro caso, buscar buenas sleepers para dormir y descansar es vital!

IM: Y en una gira Latinoamericana, ¿cambia mucho la producción de hacer una gira es España?

Lo que condiciona la producción son las distancias, es muy muy complicado hacer un back to back, se da en ocasiones muy puntuales.

También hay más dificultades de logística, sobretodo si la gente de booking no calcula bien las distancias. Moverse en furgo casi imposible, en aviones no hay la misma frecuencia que en Europa o Estados Unidos, ni tantos aeropuertos y en muchas ocasiones quedan lejos.

Pero la globalización ha ayudado a encontrar equipos en todos los lados, exceptuando si llevas tecnología punta que a veces tarda más en llegar. Todo esto es muy importante a la hora de producir una gira en Latinoamérica porque sólo en sobrecargos de aviones, se pueden disparar los costes.

IM: Por lo que la tecnología y la globalización de poder disponer equipo en casi todo el mundo está reduciendo los costes de una gira.

Así es, ahora en las giras intentamos viajar con el mínimo equipo posible si podemos disponer del mismo equipo en cada ciudad, incluso no disponiendo, podemos adaptar los shows con otros equipos para conseguir los mismos efectos y el mismo espectáculo.

Por ejemplo, antes sólo el equipo del técnico de sonido podía sera medio trailer, ahora ya no es así. Lo mismo pasa en el equipo de luces, sonido, instrumentos, etc.. Con algunos artistas más pequeños, llegamos a viajar casi sin nada más que con la ropa de cada uno de los miembros porque absolutamente todo lo puede proporcionar la producción local tal como nosotros lo especificamos.

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