¿Qué ocurrió?

El Jet Set Club, un lugar legendario conocido por sus presentaciones semanales de merengue y por atraer a figuras destacadas, estaba lleno con más de 300 asistentes durante la celebración de su 50.º aniversario. El colapso ocurrió aproximadamente una hora después del inicio del concierto del conocido cantante Rubby Pérez, pasada la medianoche. Testigos presenciales y grabaciones en video muestran señales de estrés estructural momentos antes de que el techo se derrumbara, dejando caer escombros sobre la multitud. Entre los fallecidos se encuentran figuras prominentes como políticos, deportistas y artistas, incluido el propio Pérez y miembros de su banda.

Los equipos de rescate han trabajado incansablemente utilizando drones, maquinaria pesada y perros rastreadores para localizar sobrevivientes. Sin embargo, las esperanzas de encontrar más personas con vida han disminuido con el paso del tiempo.

Repercusiones en la industria latinoamericana

El colapso del Jet Set Club pone de manifiesto varios temas críticos que resuenan profundamente en la industria musical:

1. Pérdida del Patrimonio Cultural

El Jet Set era mucho más que un club nocturno; era una institución cultural que había moldeado la música y la vida nocturna dominicana desde su creación en 1973. Conocido por sus «Lunes del Jet Set», este lugar ofrecía una plataforma para que artistas locales e internacionales mostraran su talento, especialmente en géneros como el merengue y la bachata. Su destrucción representa un golpe significativo para la preservación y promoción del patrimonio musical dominicano.

2. Preocupaciones sobre la seguridad en los eventos en vivo

El incidente plantea preguntas urgentes sobre los estándares de seguridad en los lugares de entretenimiento en vivo. Aunque las autoridades aún no han determinado la causa del colapso, crecen las preocupaciones sobre las inspecciones edilicias y las prácticas de mantenimiento. Esta tragedia sirve como un llamado de atención para que los operadores de recintos alrededor del mundo prioricen la integridad estructural y las auditorías regulares de seguridad para proteger tanto a los artistas como al público.

3. Impacto en los Artistas y Profesionales de la Industria

La pérdida de vidas entre artistas, incluido Rubby Pérez y su saxofonista, destaca la vulnerabilidad de los intérpretes en entornos inseguros. Para una industria que depende enormemente de las presentaciones en vivo para sostener carreras y conectar con el público, este tipo de incidentes puede generar temor entre artistas y fanáticos, afectando potencialmente la asistencia a futuros eventos.

4. Implicaciones Económicas

Como una importante atracción turística en Santo Domingo, el Jet Set contribuía significativamente a las economías locales relacionadas con el turismo y la vida nocturna. Su colapso podría reducir la confianza en los lugares de entretenimiento en toda la región, afectando los ingresos tanto para artistas como para promotores y operadores de recintos.

Mirando hacia el futuro

Esta tragedia ha provocado un luto nacional en República Dominicana mientras atrae la atención de comunidades musicales globales. Es un recordatorio contundente de la importancia de priorizar la seguridad sin comprometer el dinamismo cultural. A medida que continúan las investigaciones sobre las causas del colapso, los actores clave en la industria musical deben abogar por regulaciones más estrictas y medidas de seguridad mejoradas en los lugares donde se realizan eventos en vivo.

El legado del Jet Set Club perdurará como símbolo del arte y la resiliencia dominicana. Sin embargo, su desaparición prematura nos desafía a todos a garantizar que tragedias como esta no vuelvan a ocurrir—por el bien tanto del patrimonio cultural como de las vidas humanas.

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Mientras que el sector de la música en vivo de gama alta está en auge nuevamente después de haberse recuperado por completo de los cierres debido a la pandemia, en el segmento intermedio y en la base, los crecientes costos de producción están dificultando cada vez más que los artistas obtengan ganancias de sus giras, especialmente cuando viajan a lugares más lejanos.

Esto ha puesto el foco en la economía de las giras, incluyendo las comisiones que algunos locales cobran por las ventas de merchandise. En el Reino Unido, la Coalición de Artistas Destacados lanzó su campaña «100% Venues«, instando a los locales a dejar de cobrar comisiones por la ventas en la mesa de merchanside. Luego, esta iniciativa se extendió a América del Norte el año pasado a través de asociaciones con la Unión de Músicos y Trabajadores Aliados en Estados Unidos y el rapero Cadence Weapon en Canadá.

En cuanto al apoyo que Live Nation ofrecerá a los artistas a través del esquema «On The Road Again», señala: «Todos los clubes de Live Nation están invirtiendo en el desarrollo de artistas al proporcionar $1500 en efectivo para gasolina y viajes por espectáculo a todos los artistas principales y actos de apoyo, además de la compensación por actuación nocturna. Además, estos clubes no cobrarán tarifas por la venta de merchandise, por lo que los artistas conservarán el 100% de las ganancias estas ventas».

La UMAW dio la bienvenida a la iniciativa ayer, diciendo en Twitter: «Participan más de 85 locales y esperamos que más locales de Live Nation (especialmente los pequeños) se unan. Este programa plantea la pregunta: si Live Nation puede dejar de recibir cortes de mercancía, ¿por qué no pueden hacerlo todos los demás?

¿Un ataque contra las salas independientes?

No todos los actores dentro del ecosistema de salas pequeñas en EEUU ha recibido esta iniciativa de forma positiva. La Asociación Nacional de Salas Independientes (NIVA) ha publicado un comunicado rechazando estas medidas de Live Nation, las cuales clasifican como un «intento de ahogar a las salas independientes».

Dicen que la inciativa «parece ser un intento calculado de utilizar los recursos inmensurables de un conglomerado de empresas para desviar a los artistas de los recintos independientes y consolidar aún más el control sobre el sector del entretenimiento en vivo. Tales tácticas amenazan la vitalidad de los recintos pequeños y medianos con una capacidad de menos de 3000 personas, muchos de los cuales aún luchan por mantener sus puertas abiertas».

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Es por eso que en los EEUU se formó la Asociación Nacional de Salas Independientes (NIVA) en la primavera: el grupo tiene como objetivo aumentar la conciencia general y los fondos mientras presiona para obtener una mayor asistencia financiera del gobierno. Desafortunadamente, NIVA todavía está esperando que el Congreso apruebe la legislación clave que las empresas restantes necesitan para sobrevivir.

Para ayudar a este sector de la industria, Spotify decidió reasignar fondos de su presupuesto anual de medios, que cubre publicidad exterior como vallas publicitarias y costos de marketing social y digital, para donar a NIVA. Para agradecer, docenas de salas miembros de NIVA dieron permiso a Spotify para usar sus marquesinas para «contar historias de artistas cuyas carreras fueron geniales en 2020, pero que se vieron reforzadas en el pasado por su capacidad para actuar en estos lugares en vivo que actualmente están luchando«, Alex Bodman, El vicepresidente de Spotify, director creativo ejecutivo global, dijo durante una reunión con la prensa.

La suma de medio millón es la segunda donación más grande que NIVA ha recibido hasta ahora; Anhauser Busch donó 1 millón de dólares como patrocinador principal del evento #SOSFEST, que fue producido por YouTube Music y NIVA. En perspectiva, uno de los proyectos de ley que la asociación está luchando por aprobar, llamado Save Our Stages, incluye $10 mil millones en subvenciones.

Como dijo la jefa de comunicaciones de NIVA, Audrey Fix Schaefer, a Rolling Stone en una entrevista en profundidad sobre la devastación del mes pasado: “Estos lugares independientes son donde las estrellas del mañana comienzan. No tendríamos a Lady Gaga si no existiera esa sala con capacidad para 250 personas en la ciudad de Nueva York, el Bitter End; no tendríamos a Elton John si no existiera el Troubadour «.

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Mientras tanto, otros 144.000 puestos de trabajo «equivalentes a tiempo completo», incluidos los autónomos que trabajan a tiempo completo en directo y otros profesionales de la industria musical para los que el directo es parte de su actividad y, por tanto, de sus ingresos, también se habrán eliminado.

Si bien las subvenciones del Fondo de Recuperación de la Cultura probablemente hayan salvado alrededor de 10,000 empleos, la industria en vivo dice que necesita mucho más apoyo del gobierno para garantizar que su infraestructura y base de talentos no se eliminen casi por completo cuando finalice el confinamiento.

Estas estadísticas han sido compiladas por los consultores Chris Carey y Tim Chambers para un informe encargado por LIVE, una nueva organización comercial para la industria británica en vivo que se ha derivado de lo que antes era el comité del UK Live Music Group dentro de UK Music. Al igual que UK Music, LIVE es un grupo comercial que reúne a organizaciones que representan a promotores de conciertos, festivales, salas, agentes, gerentes y profesionales de la producción de eventos en vivo.

El informe se publica mientras las medidas para restringir la propagación del de COVID-19 se vuelven más estrictas en muchas áreas del Reino Unido, justo cuando los esquemas originales de apoyo de COVID para empleados y autónomos llegan a su fin. Los esquemas de reemplazo son problemáticos para la industria en vivo.

Los nuevos esquemas asumen una de dos cosas: que una empresa ha regresado a al menos un tercio de su capacidad desde el cierre original de COVID o que las medidas recientemente incrementadas significan que una empresa está obligada por ley a cerrar por completo nuevamente. Sin embargo, para la mayoría de las empresas del sector técnicamente se les permite operar, pero las reglas de distanciamiento social significan que esas operaciones no estarían cerca de un tercio de la capacidad habitual.

Otras estadísticas en el informe incluyen que el 76% de los empleados del sector directo estaban utilizando el esquema de permisos para ausencias del gobierno a fines de agosto, es decir, uno de los esquemas clave que ahora está llegando a su fin. Además, mientras que en promedio las industrias del Reino Unido han visto caer los ingresos de 2020 en un 20% como resultado de la pandemia, los ingresos de la industria de la música en vivo bajaron un 81%, con ingresos casi nulos desde marzo.

Al comentar sobre los hallazgos del informe, el coautor Chris Carey indicó: “Desde los artistas en el escenario hasta las salas, y las muchas funciones y ocupaciones especializadas que hacen posible la música en vivo, esta investigación muestra claramente que todo el ecosistema está siendo diezmado”.

“El Fondo de Recuperación de la Cultura es una ayuda, especialmente para los locales de música de base”, agregó. “Sin embargo, las empresas más grandes se verán más afectadas y sin una inversión gubernamental continua para proteger esta industria, el Reino Unido perderá su lugar como líder cultural en entretenimiento en vivo. Además, las habilidades que perdamos en este tiempo obstaculizarán significativamente la capacidad del sector para recuperarse y volver a impulsar el crecimiento económico y generar puestos de trabajo en el Reino Unido ”.

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El nuevo informe, que ofrece una descripción general del impacto que Covid-19 ha tenido en las salas miembros, estima que 664,000 actuaciones de artistas no se llevarán a cabo en las salas, porque 284,000 eventos musicales se cancelan o posponen este año.

Esto es solo el 30% del número de eventos musicales y actuaciones de artistas que tuvieron lugar el año pasado. Por tanto, se espera un descenso del 76% en las visitas del público, 53 millones menos que el año pasado. Esto lleva a la pérdida de 1.200 millones de euros en ingresos de audiencia para las salas.

La pérdida de ingresos de audiencia consiste en una estimación de 496 millones de euros menos ingresos por venta de entradas; 521 millones de euros menos ingresos por venta de alimentos y bebidas; 172 millones menos en otros ingresos.

El 48% de todas las salas y clubes de música en vivo miembros de DMA posee estructura comercial privada. Para este tipo de salas, el daño financiero es extremo. Estos locales y clubes perdieron casi el 100% de su
ingreso total, porque consiste casi exclusivamente de ingresos generados por sus audiencias (venta de entradas, bebidas, alimentos, etc.).

Sin esta fuente de ingresos, los 1.250 locales y clubes no pueden cumplir sus obligaciones financieras. Dependen plenamente de su reservas propias, recortes y apoyo financiero de los gobiernos para sobrevivir.

Según Live DMA, los ingresos de la audiencia representan el 84% de los ingresos de más de 1.800 millones de euros que se esperaba que generaran los locales en 2020.

El informe completo se puede leer aquí.

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En la carta, los profesionales de la industria francesa, incluidos los promotores de conciertos, propietarios de locales, técnicos, proveedores de servicios, productores, artistas, trabajadores independientes y otros, solicitan una decisión del gobierno sobre una posible fecha para la reanudación de los espectáculos en salas.

«Como ya no podemos vivir en un estado de expectativa, le pedimos escenarios y plazos claros y coherentes para que podamos reiniciar nuestras actividades«.

Los representantes de la industria dicen que están comprometidos a reiniciar los espectáculos al 100% de su capacidad a partir del 1 de septiembre, pero afirman que esta fecha es cada vez más difícil de imaginar debido a problemas relacionados con la programación y la organización de giras.

Los profesionales del directo también afirman que han demostrado un sentido de responsabilidad y capacidad para aplicar rigurosamente las decisiones gubernamentales y el marco regulatorio, así como también han presentado propuestas concretas con el fin de trabajar con el gobierno para reiniciar las actividades.

Sin embargo, a diferencia de otros sectores franceses como el deporte y la hospitalidad, el negocio de la música en vivo no ha recibido un calendario concreto para la reapertura. «Nadie entiende el silencio acerca de nuestro sector», dicen los representantes de la industria, «comenzando con el público que nos cuestiona insistentemente y que nos comunica su deseo de volver a los conciertos. Nos sentimos abandonados y despreciados por las instituciones«.

El número de signatarios de la carta se ha más que duplicado desde que fue enviada al presidente francés Emmanual Macron, el primer ministro Jean Castex y la ministra de cultura Roselyne Bachelot el pasado jueves 23 de julio, con festivales Hellfest Open Air, Eurockéennes de Belfort, Les Rencontres Trans Musicales de Rennes y Vieilles Charrues; las salas Bataclan y Zénith en Paris; y el sindicato Syndicat des Musiques Actuelles (SMA) y el organismo de la industria Prodiss entre los que muestran su apoyo.

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Después de semanas de reclamaciones desesperadas de que el Reino Unido enfrentaba una catástrofe cultural irreversible sin un apoyo específico, los ministros anunciaron un paquete que protegería el futuro de los museos, galerías, teatros y locales de música.

Boris Johnson dijo que las artes y la cultura eran el alma de la nación y son la pieza clave de unas industrias creativas de rápido crecimiento a nivel mundial. «Entiendo los graves desafíos que enfrentan las artes y debemos proteger y preservar todo lo que podamos para las generaciones futuras, asegurando que los grupos y lugares artísticos en todo el Reino Unido puedan mantenerse a flote y apoyar a su personal mientras sus puertas permanecen cerradas y las cortinas permanecen abajo«.

El paquete anunciado incluye:

-Un fondo de apoyo de £1.15 mil millones para organizaciones culturales en Inglaterra, que consiste en £270m en préstamos y £880m en subvenciones.
– 100 millones de libras de apoyo específico para las instituciones culturales nacionales de Inglaterra y el Patrimonio Inglés.
– £120 millones de inversión de capital para reiniciar la construcción de infraestructura cultural y para proyectos de construcción de patrimonio en Inglaterra que se detuvieron debido a la pandemia.
– Dinero extra para administraciones delegadas, con £97 millones para Escocia, £59 millones para Gales y £33 millones para Irlanda del Norte.

Esta noticia llega después de meses de lobby por parte del Music Venues Trust (MVT) y su campaña #saveourvenues, que ha estado pidiendo a Boris Johnson y a su gobierno que investiguen profundamente para garantizar que las salas más locales puedan sobrevivir a las consecuencias económicas de la pandemia. Esos lugares no han podido abrir desde marzo, cuando el primer ministro Johnson anunció un cierre total del Reino Unido.

El jueves 2 de julio, una gran cantidad de artistas del Reino Unido, incluidos Sir Paul McCartney, The Rolling Stones, Ed Sheeran, Dua Lipa y Liam Gallagher, aumentaron la presión sobre el gobierno como parte de una campaña #LetTheMusicPlay en toda la industria.

En una carta conjunta, unos 1.500 artistas dijeron: “La música en vivo del Reino Unido ha sido uno de los mayores éxitos sociales, culturales y económicos en la última década. Pero, sin un final para el distanciamiento social a la vista o un apoyo financiero del gobierno, el futuro de los conciertos y festivales y los cientos de miles de personas que trabajan en ellos parece sombrío. Hasta que estas empresas puedan operar nuevamente, lo que probablemente sea 2021 a más tardar, el apoyo del gobierno será crucial para evitar insolvencias masivas y el fin de esta industria líder mundial«.

Mark Davyd, CEO de Music Venues Trust, dijo: “Music Venue Trust acoge con beneplácito esta intervención sin precedentes en la escena de la música en vivo de Gran Bretaña. Queremos agradecer al Secretario de Estado y al equipo de DCMS por la oportunidad de trabajar en estrecha colaboración durante esta crisis para desarrollar soluciones genuinas a los desafíos que enfrentan los locales de música más pequeños«

«Este fondo brinda la oportunidad de estabilizar y proteger nuestra vibrante y vital red de salas y nos brinda el tiempo que necesitamos para crear un plan de reapertura de manera segura«.

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Por un lado los datos muestran independencia, éxito y una importante cifra de actividades, asistentes y profesionales que trabajan en la organización de conciertos en las salas y por otro, los datos revelan gran diversidad en las salas, modelos de negocio frágiles y muchos retos.

Las salas de conciertos que conformanLa asociación estatal de salas de conciertos de España (ACCES) facturaron más de 25 millones de euros. Los ingresos derivados de las barras y catering suponen la vía de financiación más importante para nuestras salas.

Este estudio arroja importantes resultados que servirán para incrementar el apoyo y el conocimiento de la música en directo y la importancia de las salas base o “grassroots”: salas de pequeño o mediano formato, que funcionan como cantera artística de la industria musical. Aunque ACCES tiene salas asociadas de gran formato que superan las 1.000 personas de aforo, la capacidad media de sus salas es de 200 a 300 personas con una gran diversidad de actividades. 

Tan sólo el 11% de las salas presentan música como la única realizada. El 89% restante compaginan los conciertos con otro tipo de actividades culturales, (cine, teatro, danza, exposiciones…) sociales o de formación. 

Más de dos millones de asistentes al año

Una vez analizados los resultados obtenidos, se ha estimado que el total de actividades llevadas a cabo en las salas es superior a 13.000 conciertos al año, con más de 19.000 actuaciones de artistas o bandas, ya que en ocasiones una misma actividad musical puede conllevar varias actuaciones, por ejemplo banda principal y telonero. 121 conciertos es la media de actividades musicales por sala al año. Lo que supondría un cálculo aproximado de 10 conciertos al mes.

El total de asistentes a las salas de conciertos asociadas a ACCES es superior a los dos millones de personas al año (2.3 millones) con un promedio anual de más de 21.000 asistentes por sala, este dato de asistencia es indicativo del valor que suponen estas actividades musicales en la vida cultural de las ciudades. 6,34 euros es el precio medio de la entrada a una actividad musical o concierto.

En total más de 1.200 personas trabajan en las 110 salas de conciertos, de ellas más de 350 trabajadores realizan su actividad laboral a jornada completa. Las salas de conciertos en nuestro país están dirigidas y gestionadas en su inmensa mayoría por profesionales pagados. Las figuras del voluntario y becario, aunque existen tienen muy poca relevancia al contrario que en otros países europeos donde estas figuras tienen un nivel de penetración mucho mayor.

El total de las salas socias de ACCES factura más de 25 millones de euros al año con una cifra de gasto que supera los 20 millones de euros anuales. Con lo que podríamos cifrar en cinco millones de euros los beneficios obtenidos por el total de nuestras salas. Unos datos que se corresponden con el carácter privado y empresarial que tienen la mayoría de las salas de conciertos en España y que provoca que sus principales vías de financiación para sus sostenibilidad sean el consumo en barras y catering (59%) y la venta de entradas (39%). Las subvenciones (1%) apenas tienen representatividad como fuente de ingresos,  al contrario que en otros países europeos,  donde constituyen la principal vía de financiación de las salas.

Si se comparan los costes directos de programación obtenidos en este estudio con los ingresos obtenidos por la venta de entradas, se puede concluir que los costes de programación suponen el 84% de la venta de entradas, es por ello que las salas socias de ACCES, al no recibir subvenciones ni tener otra fuente principal de ingresos, se ven obligadas a basar en el consumo de barras y catering su modelo de negocio para poder subsistir y hacer frente al resto de gastos que genera una sala de conciertos como por ejemplo los laborales y los del local.

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