Music Cities Convention presenta las nuevas ciudades para sus eventos en 2017. La

Music Cities Convention, evento creado por Sound Diplomacy y Martin Elbourne (Uno de los principales Bookers de Glastonbury Festival), está dedicado al análisis de la relación entre música y ciudad, centrándose sobre todo en el papel de la industria musical como herramienta para conseguir objetivos urbanos a nivel socio-económico: creación de empleo, aumento de ingresos sin incrementar los impuestos, gestión del turismo, regeneración urbanística, retención y atracción de talento, integración social, transporte, infraestructuras, etc. Lo que algunos han bautizado como “Urbanismo Musical”.

Music Cities Convention Berlin, en colaboración con Musicboard Berlin y VisitBerlin, tendrá lugar en Mitte, el centro histórico de la ciudad, el Martes 4 de Abril de 2017. Le seguirá Music Cities Convention Memphis el Jueves 26 de Octubre de 2017, producida en colaboración con Music Export Memphis y con la ayuda de Memphis Music Initiative y Soulsville Foundation.

Sus tres primeras ediciones acogieron a 500 asistentes de más de 170 ciudades y 30 países, colgando el cartel de “sold-out”, consolidándose como la serie de conferencias más exhaustiva a nivel mundial sobre el valor de la música en los ámbitos de la planificación urbana, la calidad de vida, las políticas de la ciudad y las estrategias de desarrollo. 

Los ponentes iniciales confirmados para la edición de Berlín incluyen al Prof. Dong Yeun Lee (Master Planner de the K-pop Arena Construction en Seúl, Corea del Sur) y Alejandro Rivera Rojas (Programme Officer, Organización de las Naciones Unidas para el Desarrollo Industrial). Para Memphis se ha anunciado el primer ponente, Jesse Elliott (Director, The Music District Colorado), al que seguirán muchas más confirmaciones.

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La cita se dará el 18 de Mayo en Brighton (UK) y estará enfocada en la exploración de la relación entre la planificación urbana, la estrategia, el desarrollo, la política y la industria de la música. La conferencia reúne a grandes ponentes para discutir, debatir e introducir un nuevo pensamiento, para que las ciudades sean más vibrantes a través de la industria de la música.

Entre los ponentes estarán Mirik Milan (Night Mayor, Amsterdam), Kerri Glasscock (Executive Director, Sydney Fringe and 505 Club), Carlos Chirinos (Clinical Assistant Professor, Music Business Program, Department of Music and Performing Arts Professions, NYU Steinhardt), Jocelyn Kane (Executive Director, San Francisco Entertainment Commission, Dr. Julia Jones (Director, Busk in London), Kate Hewitt (Director, Tramlines Festival Sheffield), Chiara Badiali (Music Coordinator, Julie’s Bicycle), Joe Hay (Advisor, South Australian Government), Eddie Bridgeman (CEO, Meanwhile Space), Jesse Elliott (Program Director, Biennial of the Americas), Jonn Elledge (Editor, City Metric)

El primer evento se hizo también en Brighton y vio 120 asistentes de 20 países y 50 ciudades, la edición estadounidense inaugural, en Washington, fue superior a éste, con 170 participantes de 60 ciudades, generando más de 170.000$ impacto económico directo.

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Music Cities Convention, evento creado por Sound Diplomacy y Martin Elbourne (Uno de los principales Bookers de Glastonbury Festival), está dedicado al análisis de la relación entre música y ciudad, centrándose sobre todo en el papel de la industria musical como herramienta para conseguir objetivos urbanos a nivel socio-económico: creación de empleo, aumento de ingresos sin incrementar los impuestos, gestión del turismo, regeneración urbanística, retención y atracción de talento, integración social, transporte, infraestructuras, etc. Lo que algunos han bautizado como “Urbanismo Musical”.

Su primera edición contó con la asistencia de representantes de más de 50 ciudades de 20 países, colgando el cartel de “Sold Out”, y se convirtió en un espacio único en el mundo para el encuentro, discusión e intercambio de conocimientos entre profesionales de ciudades y de la industria musical.

El próximo 25 de Octubre tendrá lugar la primera Music Cities Convention DC, en la ciudad de Washington, EEUU, paralelamente a la realización del encuentro “Future of Music Coalition’s Policy Summit”

Sound Diplomacy fue fundada por Shain Shapiro y Jordi Puy, ambos con experiencia tanto en el sector privado como trabajando para organizaciones gubernamentales de desarrollo del sector de la música y las industrias creativas (CIMA e ICEC). Sound Diplomacy es una empresa líder en desarrollo internacional de mercados para empresas de la industria de la música, con oficinas en Londres, Berlín, Barcelona y Mumbai.  Entres sus clientes incluyen: CIMA, BIME, Uprise.fm, Berklee College of Music,  Arts Council England, Ministerio de Cultura y Juventud de Costa Rica, Institut de Cultura de Barcelona, ICEC (Gobierno de Cataluña), Initiative Musik, Canadian Music Week, Vida Festival, Festival Nrmal, Mercat de Musica Viva de Vic, entre muchos otros.

Jordi Puy, co-fundador y director de Sound Diplomacy, nos explica: “Nuestro trabajo en el campo del desarrollo urbanístico mediante el aprovechamiento de las herramientas que ofrece la industria musical empezó con nuestro apoyo a Martin Elbourne en la realización de la estrategia del sector de la música en vivo para la ciudad de Adelaida, Australia”. Dicha estrategia se materializó en el informe llamado “El Futuro de la Música en Vivo en Australia del Sur” en 2013. Del resultado de este informe se desprendieron 49 recomendaciones, incluyendo la reforma de determinadas ordenanzas municipales y políticas de licencias.

Puy continúa: “Actualmente estamos trabajando para configurar estrategias con diferentes ciudades en varios continentes que contribuyan a desarrollar todo el potencial que la industria musical puede ofrecer a dichos centros urbanos. La industria musical es una de las herramientas más efectivas y económicamente eficientes de las que disponen las municipalidades para mejorar la calidad de vida de sus ciudadanos.”

Shain Shapiro, fundador y managing director de Sound Diplomacy, presentó en el Parlamento Europeo el trabajo realizado con Music Cities el pasado 16 de junio.

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Durante el jueves 30 y el viernes 31 se celebraron también eventos privados como el organizado por la APM para sus socios donde se habló del futuro de los festivales y del sector del directo en España así como hubo también la presentación de los Premios Fest. También hubo espacio para el Hackday, Transmedia Day y para el BIME Startup Summit del que hablaremos al final del artículo.

Revolución digital en Latinoamérica

Está ponencia puso de manifiesto las diferentes realidades que vive este continente en el desarrollo de la industria digital. Mientras que en México vemos como el digital se consolida como forma de consumo así como el streaming, países como Chile aún están en fase de desarrollo, pero con muy buen crecimiento. Francisca Valenzuela de Pulsar apuntó que el digital está creciendo un 46% en chile, y que el streaming está cogiendo fuerza pues «La gente quiere streaming para dejar libre la memoria del móvil para hacerse selfies«.

A nivel profesional destacó que los músicos del país prefieren distribuir con Altafonte o Believe Digital, ya que son ahora mismo mucho más globales que los portales locales que más venden como Portaldisc y MusicaChilena. Siguiendo en lo profesional, Francisca también comentó que todavía falta un desarrollo profesional digital en la industria chilena y que van algo más lento que en otros países.

Tomas Cookman fundador del sello Nacional Records y del festival LAMC (Latin Alternativa Music Conference) nos aportó su visión latinoamericana desde el punto de vista  más norteamericano. Afirmó que el digital debe ser visto como una gran oportunidad para ganar dinero y que a día de hoy, el digital tiene una buena salud de consumo, pero en lo que hay que trabajar es en que haya una buena salud de industria también. Puso el ejemplo con Pandora, con más de 70 millones de usuarios de pago, pero que no satisface autores, artistas y discográficas.

Conversación con Benji Rogers

Este panel con Benji Rogers, fundador de Pledge Music, apuntó cuestiones muy interesantes sobre como deben proceder los artistas en la actualidad. Comentó que hay oportunidades en el mundo de las giras de conciertos, ya sea a través la venta de entradas, el uso de datos para coordinar giras o incluso su consumo en directo.

Respecto a su compañía resaltó la oportunidad que ofrece Pledge Music para conectar a los hardcore fans desde el momento de la creación del álbum para que se conecten con todo el proceso y luego estén expectantes al momento de su lanzamiento. Muchas de las campañas que fracasan en crowdfunding podrían funcionar si se enfocan como una campaña direct to fan. Las bandas no necesitan 50.000$, necesitan 5 mil fans que pre-ordenen el álbum y lo compartan con sus amigos.

«Podemos predecir entre un 80%  y un 90% cuánto puede conseguir un artista con un preorder» así de rotundo se mostró Benji, y añadió «En promedio nuestro usuario gasta 61$ por transacción«.

 ¿Cómo las marcas están haciendo disrupción en Latinoamérica?

Una de los primeros temas que salió a debate fue la problemática del ticketing, Jon Uriarte de Ticketbis puso como ejemplo lo que sucede en el fútbol, que se reparten tantas entradas para las marcas que al final en la final de la Champions se ve muchos espacios vacíos. En el caso de la música, como ejemplo se puso el ejemplo del concierto de Beyonce en Medellin, ya que solo el 20% de entradas fueron a la venta al público. O por ejemplo en Perú una gran parte de las entradas las venden los mismos patrocinadores para recuperar inversión y afecta a los promotores.

Matias Loizaga de Popart comentó que  en Argentina la situación macro económica crea la necesidad de que las marcas impulsen la música con conciertos gratuitos o meritocráticos (por ejemplo ser cliente de una marca en concreto) y es que en la actualidad hay muchos sponsors anuales (incluidos bancos) que compran un determinado volumen de shows.

Respecto la unión entre artistas y marcas, Eduardo Roca de Crack Producciones (manager de los Babasónicos) apuntó lo complicado a veces de vincular tiempos y presupuestos de artistas. Así como entender la música y el target y armar propuestas acordes a las marcas. Todo ello sin que la banda deba perder su identidad.

El futuro de la música

La ultima conferencia de los 3 días de BIME fue una de las más esperadas. «El futuro de la música» fue una mesa redonda de auténtico lujo donde Bob Lefsetz, Scott Cohen, Matías Loizaga, Jason Mayall y Shain Shapiro abordaron los próximos años de la industria de la música, a nivel discográfico, directos, el fenómeno del EDM, la relación con los artistas, etc. Es por eso que haremos futura mención especial a esta conferencia.

BIME Startup Summit

Durante toda la jornada del viernes 31 se realizó el Startup Summit donde las 20 stratups más relevantes seleccionadas presentaron el proyecto a través de un pitch y optaron al primer premio de 3000€ en metálico, así como el acceso a inversores y profesionales.

Ángel Navas presentó IndustriaMusical.es al jurado, público e inversores, sobre nuestro más de año y medio de vida en la que se nos hemos establecido como medio líder en el sector.

Al final del día el jurado eligió a Blackbinder laapp y tienda online de partituras y anotaciones puestas a la venta por las editoriales siendo así la ganadora del BIME Startup Summit.

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Mercado español

Como bienvenida y un año más tarde la primera conferencia estuvo centrada en una mira al mercado español en la que panelistas representantes de Ministerio de Cultura, SGAE, AEDEM y Promusicae plantearon una situación en que todas las partes acercaron posturas sobre las necesidades de un cambio sobre el IVA cultural y en donde Mauro Lozano de Ministerio de Cultura aceptó que con la crisis la cultura ha recibido un maltrato, así como también lo han recibido los ciudadanos.

Ante la pregunta de Mike McCready moderador del panel sobre el futuro de la industria discográfica basada sobre el nuevo modelo de negocio de streaming, Carlos García Doval de Promusicae se sincero con la audiencia con total transparencia aceptando que ve muy difícil volver a los años dorados y no cree que España pueda volver a los ingresos entorno a los 600 millones de euros que se llegaron a tener, quizás en otros mercados donde la caída fue menor. Pero en España es muy difícil llegar a ese punto masivo de monetización, aseguró. El porcentaje de suscriptores es muy pequeño, «es un país en que nos gusta lo gratis».

Sin embargo, sobre esto quiso añadir Lozano que aunque no se considera experto en la materia, desde un punto de vista de economía que el consumo de cultura va directamente ligado al ciclo económico nacional. Por lo que si la tendencia de país va en esa vía, no le cabe duda de que mejorará. Sin embargo, el reto es monetizar los negocios digitales a diferentes escalas, algo que incluso sufren medios de comunicación masivos.

Industria musical alemana

En la idea de expandir la visión e interconectar mercados se presentó un panel enfocado en el mercado alemán y las oportunidades de la tecnología para la industria de la música. Allí los panelistas además de coindicir sobre el estado positivo de las startup en ciudades como Berlin, donde los inversores empiezan a encontrar proyectos con necesidades de inversión de hasta un 42% menores a las de Sillicon Valley, por lo que se están centrando esa comunidad de nuevas empresas.

Así también se acordó la opinión liderada por Stephen Holly  del Fraunhofer Institute en que por los metadatos pasa el éxito y valor de negocio de los servicios de streaming y la monetización digital. En el futuro los servicios de streaming van a dominar el conocimiento y todos los datos de los consumidores añadió Holly. Aunque lamentó que las empresas de contenidos no estén invirtiendo en data y la mayoría de las inversiones vienen por empresas del mismo sector.  Sobre esto Oke Goettlich cofundador de Finetunes ilustró un poco el problema: Si como gestor y dueño de contenidos no se invierte en data eso devaluara el precio de la música a través de estrategias de negociación de cara a servicios de streaming que controlan toda la información.

La música y los videojuegos

En la búsqueda de la integración de la música con otras industria se planteó un panel para ver qué puede la industria de la música aprender de los videojuegos. Allí Michelle Perez Licensing Director de Gameloft expuso que las diferencias entre la música y en los videojuegos son la flexibilidad y el desgaste de la industria de la música en contra de la piratería. Haciendo énfasis en cómo los videojuegos pueden controlar costos de royalties, que en el desarrollo de modelos de música alcanza a consumir hasta el 70% de los costos operativos.

De igual forma Perez dio 4 claves de los modelos freemium: concentrarse en el número de usuarios, en el engage de los usuarios, en crear valor y mantener los costos bajos. La clave está en captar el mayor número de descargas a lo que confesó que  la conversión de Spotify es realmente buena y mucho mejor que en muchos videojuegos, el problema pasa por sus altos costes operativos.

Añadió también que se debe tener en cuenta el ratio entre usuarios diarios y usuarios mensuales y calcular así el stickiness del servicio. Si éste está entre el 20 o 30% hay muchas posibilidades de conversión. Hay juegos con ratios de 1  millón de usuarios diarios. Comparando el ciclo de vida de un sencillo o un videoclip, comentó que para un juego tiene que ser muy malo para que el ciclo de vida sea menor a un año, en cambio un video de música quizás tiene gran impacto en 3 o 4 meses y luego decaerá.

Sobre lo añadido Ste Curran analista y consultor del sector presentó una idea que ayuda mucho a entender el potencial de relación y es que muchas veces la industria de la música no tiene una visión a largo plazo y buscaba exprimir al máximo a la primera empresa de videojuegos que se les acerca a negociar, algo que para él es un grave error si se contempla el impacto y alcance de la industria.

 Internacionalización de festivales 

En un panel centrado en cómo los festivales viven sus facetas de internacionalización, muchos coincidieron en que el mejor activo que estos tienen es la experiencia del festival en sí. Sobre su relación con la tecnología, al menos entre el grupo de panelista detrás de los festivales (Ventura Barba del Sónar, Philippe Siegenthaler del Estereo Picnic, Jason Mayall de Fuji Rock Festival) se notó cierto temor en el acercamiento excesivo de la tecnología por el hecho de perder la experiencia de la música en vivo. Con cierto sentido más pragmático Barba que está detrás de las operaciones del Sónar aseguró «Hay dos cosas en las que me encargo y si las hago bien las cosas irán bien: vender entradas y construir marca.» Sobre esto el carácter único del festival y adaptarse a los mercado en los que va es parte de la clave.

El panel acordó que el live streaming es una buena oportunidad de expandir el impacto del festival y Mayall expuso el caso de cómo Glastonbury ha capitalizado a través de la BBC la exposición del festival que lo ha amplificado a otro nivel. Sin embargo, parece que no hay nada seguro y crear clones del festival madre no garantiza el éxito como expuso Parag Bhandari de UG Strategies al exponer el caso de EDC e Insomniac, el cual tuvo cancelaciones por baja venta de entradas.

Bob Lefsetz

Para cerrar la primera jornada se presentó el crítico y analista Bob Lefsetz famoso por sus bases de correos que envía a miles de las personas más influyentes de la industria. Entre las múltiples ideas comentadas en la conversación con Shain Shapiro de Sound Diplomacy destaca el hecho de que hoy en día o se es una estrella o no se es nadie. Lefsetz dejó claro que no se compite no solo contra los mejores, sino a un click de toda la historia de la música grabada, por lo que ser bueno ya no es suficiente. Para él, el centro del negocio está en la buena música y expuso cómo Adele sin hacer nada espectacular e hiper novedoso a nivel de marketing conquistó los mercados con su música, lo mismo que Daft Punk o Lorde.

También fue crítico en cómo muchos músicos se quejan de que nadie compra su música, cuando en verdad la hicieron en sus ordenadores con software que ellos mismo piratearon, algo que le pareció el colmo. Por lo que la barrera de entradas son muy bajas hoy en día y eso deprecia el producto final y en ese sentido o uno es realmente magnífico o no hay oportunidad de llevarlo al próximo nivel.

Shazam y Reverbnation no se salvaron a sus críticas y a la primera la puso en duda y su estrategia de PR, ya que cree que la forma de descubrir música pasa por las amistades y no por servicios de reconocimiento. Y en el caso de Reverbnation de vender falsas esperanzas a músicos independientes.

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