Hoy la sincronización se expande, en parte, debido la explosión de múltiples plataformas de transmisión de vídeo a la carta (SVOD), la competitividad entre ellas, así como el aumento en la producción de contenidos que está reportando al sector de las sincronizaciones las mayores oportunidades que ha vivido.

Veamos como ejemplo, el caso de Netflix. La compañía está dispuesta a crear más contenido que nunca y se estima que gastará más de 19.000 millones de dólares en programación original en 2021. Una parte clave en todo esto es que las producciones locales cada vez están cogiendo más fuerza (bien sea por la apuesta propia o por la regulación de cuotas, tal y como propone la UE, para que el 30% de la producción sea local) por lo que las oportunidades para los artistas y las músicas de habla no inglesa es mayor, y por supuesto, el mercado latino está siendo uno de los grandes beneficiados.

Es por esto que SyncSummit pone toda su experiencia y know how ahora en el mercado hispano, educando y conectando a las partes para lograr una mayor profesionalización en la industria y a su vez crear más oportunidades en un momento en el que el show en vivo se ve sumamente castigado por los efectos del COVID-19.

Todas estas nuevas producciones requieren de nuevos supervisores musicales que se hagan cargo de forma idónea de la demanda. Y estos, a su vez, necesitan que los artistas, sellos y dueños de catálogos entiendan el negocio y faciliten sus contenidos de una forma funcional a su trabajo diario.

Es imprescindible que los creadores de contenido entiendan a la sincronización musical como una fuente de ingresos y por lo tanto comprendan cómo trabajarlo de una manera profesional y adecuada. “Para poder jugar el juego hay que entender las reglas, si no, ganar se vuelve un imposible o dependiente del azar.” – dice Ariel Etbul (Profesional de la industria, Coach y facilitador del curso).

El curso “Sincronización Musical en el Mercado Hispano”, empezará el 27 de marzo de 2021 y consta de 8 clases distribuidas durante 2 meses (sábados), donde 4 de ellas tratan todo el contenido que debes saber para poder empezar a trabajar en Sync, mientras que las otras 4 clases son sesiones de escucha y Feedback con 4 supervisores que trabajan en el medio (Mike Turner, Samantha Parvin, Alex Menck y Gimena Bárcenas).

Todo el curso está facilitado por Mark Frieser (CEO y Fundador de SyncSummit), Paty Carrera (Supervisora Musical y Especialista en Derechos de Autor) y Ariel Etbul (Profesional de la industria, Coach y Facilitador). Adicionalmente, después de cada sesión de escucha y Feedback, el curso contempla 1 hora de Mentoring & Coaching para trabajar en las dudas y dificultades puntuales.

Si te has preguntado muchas veces cómo poner tu música en una peli, serie, juego, comercial o tráiler, este curso es para ti. Más info y registro en http://latam.syncsummit.com 

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Miércoles: Sync Summit

El pasado miércoles se dio cita un importante grupo de music supervisors en las instalaciones la Antigua Fábrica Damm para asistir al Sync Summit, la jornada dedicada a las sincronizaciones que dio al Future Music Forum. Aunque son muchos los profesionales los que nos leen, quiero solo recordar que las sincronizaciones son la combinación de audio y vídeo para crear una nueva pieza (cine, publicidad, documentales etc).

Actualmente las sincronizaciones representan el 2% del negocio y con la caída de las ventas físicas y las descargas, representan una importante fuente de ingresos para los artistas y compositores que logran entrar en ese mundo.  

La jornada dio apertura con una charla, muy bien moderada por Mark Frieser, entre dos veteranos de la talla de Jonathan McHugh CEO de Song Stew Entertainment y Jonathan Platt Managing Partner J2 Media/Music Without Prejudice que compartieron consejos de cómo abordar a los music supervisor y cómo funciona el negocio. En líneas generales los music supervisor no son figuras muy públicas y es posible que dichas empresas no nos suenen, pero han estado encargadas de musicalizar decenas de proyectos como Austin Power, la franquicia de las películas Saw, Rush Hour entre otras.

Entre las claves compartidas señalaron que lo importante no es de dónde es la banda o el artista, sino su sonido, “no se trata de dónde eres, sino de dónde suenas, aunque el lenguaje si es importante” comentó uno de ellos. Por su parte Platt aseguró que el streaming es una importante fuente de descubrimiento y no solo ello, recalcó la importancia de crear una historia alrededor de la música y tener muy bien cuidados sus canales en las redes sociales.

Una ayuda importante para los music supervisors es el utilizar el “Sound Like” o suena como, así lo comentó McHugh, ya que a veces se necesita por ejemplo una canción de Kings of Leon la cual es muy costosa o no se logran los derecho y se necesitan alternativas.

Los covers son una gran forma de ser descubiertos, un buen cover en el momento preciso puede cambiar la historia de un proyecto musical. En la misma línea de grandes oportunidades, así describieron a las sincronizaciones, pues aunque en algunos casos no son grandes cifras de dinero, la exposición que ofrecen a cambio lo puede compensar, esto fue algo en que ambos coincidieron.

En cuanto a la función de descubrir nuevo talentos, ambos volvieron a coincidir que es algo que les gusta hacer y que es parte del negocio. Sin embargo, por mucho que eso les guste, reconocieron el impacto de las redes sociales tiene mucho peso hoy en día “los artistas reciben grandes cheques y queremos ver o nos piden, cómo los artistas impulsarán la película con sus fans” dijo así McHough

Hoy en día los editores no pueden ser solo editores, deben saber mover a sus compositores y autores en el mundo digital. Así como los músicos no deben destinar toda su inversión en hacer música, deben dejar también presupuesto para el marketing, estas son algunas de las aportaciones hechas por los “Jons”.

En un segundo panel enfocado en el papel y el trabajo de los music supervisor se recalcó la importancia de hacer el trabajo de investigación sobre los derechos de las canciones a licenciar. Allí Platt recalcó que la figura del music supervisor no puede confiar en que un artista le diga que no hay samples, se debe investigar, conocer el negocio y tener buen oído, porque de lo contrario pueden haber grandes demandas. A esto se sumó Nuno Saraiva de Portugal Music Consulting, “Hay que ser transparentes y decir si hay samples, preferimos trabajar sin samples y todo ese material se descarta”.

Compartiendo algunas facetas del oficio Platt añadió que a veces es mejor cerrar el acuerdo con la canción más costosa primero, ya que eso le pone los pies en la tierra al resto y les marca una guía. Y no dejó de lado la importancia de tener contactos e ir a comer con gente, mantener relaciones públicas y demás, ya que en parte es una de las razones por las que se contrata a un music supervisor, su importante agenda de contactos.

Didier Lord jefe global de música para Ubisoft expuso en una sesión a modo individual la importante relación entre música y videojuegos. Ubisoft es una empresa líder en el sector y desarrolla juegos en los que la música juega un papel fundamental como es el caso de Just Dance, de tal manera que invierten dinero para licenciar grandes hits.

Abordando la temática presupuestaria, Lord comentó que dependerá del juego, y la importancia que tenga la música en el proyecto. En el caso de Just Dance es máxima, pero en otros no tanto y en función de ello se destina el presupuesto. Aunque comentó que la música siempre cuenta con un presupuesto pequeño del marketing global de las campañas, afirmó que las empresas de videojuego como Ubisoft cuentan con presupuesto de desarrollo muy similar a los de las bandas sonoras de Hollywood, que superan fácilmente los $100k.

Al preguntarle sobre su proyección de inversión o asignación de presupuesto para música, Lord señaló que ello dependerá del número de videojuegos, “pero sí, definitivamente veo que nuestros presupuesto o inversión en música crecerá en el futuro, en los próximos cinco años” dijo así el Jefe de Música en Ubisoft.

En el ámbito latino, la jornada contó con la presencia de Daniel Salcedo fundador Muuseme Music Integration para valorar la unión entre marcas y música. Para Salcedo quien trabaja desde hace cinco en campañas con los Latin Grammys presentando a nuevo talentos de la mano de McDonalds, las marcas juegan un papel importante. Aunque junto a Saraiva y el resto de panelistas coincidieron en la importancia de tener claro los valores de los artistas y las marcas antes de afrontar una relación.

Salcedo destacó en sus inicios la necesidades de tener artistas alternativos e independientes latinos para ofrecer a proyectos, ya que anteriormente al buscar lincencias siempre se le ofrecian a las marcas los mismos talentos mainstream, Shakira, Ricky Martin, por ellodesarrollo su propio catálogo.

Entrando más en materia hispana en los Estados Unidos Salcedo destacó que el mercado que más crece ahora mismo es la segunda generación de latinos en los Estados Unidos y si se desean lanzar campañas en Miami, Texas, Los Ángeles deben tener por obligación un elemento latino. En todas las esferas la cultura latina está influenciando la tradición americana e incluso ahora hay comerciales directamente en español. Resaltó la universalidad de la música latina y destacó la campaña a nivel nacional en los Estados Unidos entre la  banda chilena Astro y Bloomingdale.

Women in Music: 

El primer panel estuvo compuesto en su mayoría por profesionales de la industria representando el lado corporativo y tecnológico más que el artístico o de producción. Un tema de base que fue discutido fue el hecho de que la diversidad en el área tecnológica es clave para poder ver una representación femenina más amplia, y esto es algo que simplemente al momento no sucede debido a que no se estimula en la mujeres jóvenes el interés por estudiar programación.

Otro de los temas importantes que se tocó fue la necesidad de incluir este tipo de discusiones de género dentro del programa central del evento y no como una sesión aparte, y que para poder lograr un cambio de percepción del rol de la mujer dentro de cualquier corporación o industria, es necesario trabajar de la mano con los hombres quienes son los que toman las decisiones y hacerles partícipes dentro de la conversación.

En el segundo panel, se discutió un poco más sobre el lado artístico, y se habló de iniciativas que se están llevando a cabo en ciudades como Berlín, en donde se está realizando un estudio para conocer cuántas mujeres trabajan actualmente en la industria y en qué roles exactamente.

Uno de los temas importantes fue el de la representación femenina en los carteles de festivales, y se discutió la idea de que aquellos cabezas de cartel que deseen hacer un cambio en este sentido podrían dejar de lado un pequeño porcentaje de su caché para que los programadores pudiesen incluir artistas y bandas con más representación femenina dentro de los festivales importantes. Esto sería un paso adelante para resolver el problema de que no existen suficientes «ejemplos a seguir» femeninos en la industria, salvo en contadas excepciones, lo cual tendría un impacto en la audiencia, en la prensa y en la industria en general.

Reseña de Woman in Music por Julia Hernández 

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Aunque puede parecer que el streaming, por su crecimiento en el Top 20 de países de IFPI, todavía tiene se encuentra en

Además este año el FMF incorpora dos nuevos formatos. Por un lado el SyncSummit reunirá a algunos de los ponentes más prominentes del mundo de la sincronización incluyendo music supervisors, responsables de la música en los medios de comunicación (TV, Cine, Video Juegos, Publicidad, Internet y móvil), directores de sellos y editoriales, bibliotecas de música, compositores, artistas, tecnólogos, gerentes de marca y proveedores de servicios.

Por otro lado, estará el Women in Music, en el que reunirá algunas de las mujeres ejecutivas que lideran la industria de la música para hablar de el rol de la mujer en el mundo de la música y la poca presencia de ellas en la industria. Entre las invitadas estará Virginie Berger, con la que pudimos conversar precisamente de este tema en la edición pasada del FMF, puedes leer la entrevista aquí.

Entre los ponentes internacionales encontramos este año encontramos a Mark Mulligan de Midia Research, Jeff Price fundador de Audiam, Benji Rogers fundador de Pledge Music, Alex White fundador de Next Big Sound – empresa recién comprada por Pandora – o Scott Cohen fundador de The Orchard, entre muchos otros. Mención especial a la presencia de Brian HardGroove, bajista de Public Enemy.

A nivel nacional estarán Leo Nascimento director de Deezer España, Alex Loscos fundador de BMAT, David Loscos director Postgrado en Gestión del Negocio Global de la Música en la UPF de Barcelona o Maarten Van Wijck CEO Musicxip y La Cupula Music.

El Future Music Forum se postula un año más como un evento internacional, en España, con los mayores líderes y analistas del negocio de la música debatiendo sobre el futuro de esta industria.

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