México: Conectando la identidad local con el impacto global

El panorama de YouTube en México en 2024 es un testimonio de su vibrante cultura digital, donde los fenómenos tradicionales y en línea convergen. Este año, los creadores y fans mexicanos demostraron una habilidad única para convertir momentos culturales fuera de línea en narrativas expansivas en línea. Por ejemplo, la emoción en torno a la Copa América y los Juegos Olímpicos de París 2024 se transformó en fenómenos en línea, con fans generando contenido que complementó la cobertura oficial. Claro Sports, el transmisor de los Juegos Olímpicos en la región, obtuvo más de 360 millones de vistas en México, destacando el espíritu participativo de las audiencias digitales.

La música también jugó un papel fundamental en las tendencias de YouTube en México. Artistas como Xavi, cuyo éxito “La Diabla” superó los 1,000 millones de vistas, ejemplificaron cómo Shorts amplificó la música local a nivel global. Los creadores mexicanos aprovecharon tendencias como desafíos de baile y memes para impulsar canciones en las listas globales, creando un espacio único para los artistas regionales en el escenario global. Esto demuestra el poder de plataformas como Shorts para crear una meritocracia donde los artistas locales pueden prosperar más allá de los obstáculos tradicionales de la industria.

Las tendencias de contenido también abrazaron narrativas emergentes, con series animadas como «Hazbin Hotel» acumulando 680 millones de vistas en México. Esto resalta el apetito del país por historias creativas y compromiso impulsado por fandoms. De manera similar, creadores como Cristiano Ronaldo, cuyo debut en YouTube resonó fuertemente con las audiencias mexicanas, ejemplificaron cómo las figuras globales aprovechan los ecosistemas digitales locales para obtener un compromiso masivo.

Brasil: Un crisol de música, juegos y participación

Las tendencias de YouTube en Brasil en 2024 reflejan una integración profunda de cultura, creatividad y comunidad. El amor del país por la música fue evidente en sus canciones más populares, todas arraigadas en géneros locales como el funk brasileño y el sertanejo. El ascenso de creadores como Emilly Vick, cuya canción “Chiclete” alcanzó más de 65 millones de vistas, subraya la fusión de la música tradicional con el contenido nativo de YouTube. Además, la adaptabilidad de los artistas brasileños a las tendencias de Shorts reveló cómo los espacios digitales redefinen el consumo musical.

El contenido de juegos también prosperó, con títulos como «Poppy Playtime: Chapter 3» acumulando más de 2,000 millones de vistas. Los creadores brasileños transformaron las experiencias de juegos en fenómenos culturales al incorporar competencias en la vida real y narrativas impulsadas por fans. Esto destaca un cambio en los juegos, de un juego aislado a una narración colaborativa e inmersiva que va más allá de la consola.

Los deportes siguieron siendo otro pilar de la cultura de YouTube en Brasil. Los Juegos Olímpicos de París 2024 fueron una gran tendencia, generando más de 1,000 millones de vistas de contenido relacionado en Brasil. Este compromiso subraya el apetito de la audiencia por experiencias participativas, donde los fans no solo consumen sino que también crean y remezclan contenido para amplificar sus momentos culturales compartidos.

Estados Unidos: Reinventando los medios a través de franquicias digitales

En Estados Unidos, las tendencias de YouTube en 2024 enfatizaron el creciente dominio de las franquicias lideradas por creadores y la cultura participativa. La animación independiente, como «The Amazing Digital Circus» mostró cómo los creadores pueden construir vastos fandoms con episodios limitados. Con más de 25,000 millones de vistas relacionadas con la serie, los creadores aprovecharon las herramientas de YouTube para expandir universos narrativos e involucrar profundamente a las audiencias. Plataformas como Netflix, que licencia episodios el mismo día de su estreno en YouTube, demostraron la integración de las franquicias en línea en el mainstream.

Los juegos y los podcasts también fueron temas dominantes en el ecosistema de YouTube en Estados Unidos. «Dress to Impress» de Roblox, un juego de moda competitivo, generó más de 4,000 millones de vistas en 2024. Los creadores transformaron el juego en un movimiento cultural, desarrollando su historia e integrándolo en competiciones y arte de fans. Por otro lado, los podcasts se convirtieron en centros culturales esenciales, con creadores como Shannon Sharpe transformando entrevistas en momentos virales. El podcast «Club Shay Shay» de Sharpe, que recibió más de 530 millones de vistas, demostró cómo la flexibilidad de YouTube permite a los creadores experimentar con formatos y atraer a audiencias diversas.

La escena musical de Estados Unidos también se benefició de las capacidades multiplataforma de YouTube. Artistas como Kendrick Lamar mantuvieron su dominio, mientras que voces emergentes como Tommy Richman surgieron gracias a la sinergia entre Shorts y formatos musicales tradicionales. Esta combinación de formatos refuerza el papel de YouTube como plataforma de lanzamiento tanto para talentos consolidados como emergentes.

Las tendencias de YouTube en 2024 en México, Brasil y Estados Unidos ilustran la capacidad de la plataforma para reflejar y moldear las identidades culturales. Aunque las tendencias de cada país son distintas—arraigadas en sus tradiciones únicas y comportamientos digitales—comparten un hilo común al aprovechar las herramientas de YouTube para fomentar la creatividad y la comunidad. YouTube sigue siendo un escenario global donde creadores y fans colaboran para redefinir la cultura.

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En una era digital dominada por los servicios de streaming, los discos de vinilo ofrecen una experiencia de escucha táctil e inmersiva que los formatos digitales no pueden replicar. El acto de reproducir un disco de vinilo implica un nivel de compromiso y ritual que mejora la apreciación de la música. Esta experiencia única, combinada con la fisicalidad y el atractivo estético del vinilo, sigue atrayendo a nuevas generaciones de oyentes.

Varios factores contribuyen al aumento de la demanda de discos de vinilo:

Calidad de Sonido: Muchos audiófilos creen que los discos de vinilo ofrecen un sonido más cálido y rico en comparación con los formatos digitales. La naturaleza analógica del vinilo captura matices que a menudo se pierden en las grabaciones digitales, proporcionando una experiencia de escucha más auténtica.

Coleccionabilidad: Los discos de vinilo son objetos tangibles que se pueden coleccionar, exhibir y apreciar. Las ediciones especiales, vinilos de colores y lanzamientos raros aumentan su atractivo como objetos de colección.

Diseño y Arte: El formato más grande de los discos de vinilo permite un arte más elaborado y visualmente impactante, mejorando la experiencia general para los coleccionistas y entusiastas de la música.

Nostalgia: Para muchos, los discos de vinilo evocan un sentido de nostalgia, trayendo recuerdos de tiempos anteriores. Esta conexión emocional hace que escuchar vinilos sea una experiencia más íntima y significativa.

Apoyo a los Artistas: Comprar vinilos apoya directamente a los artistas de manera más significativa que el streaming. Los artistas ganan un porcentaje mayor de ingresos por la venta de vinilos en comparación con las mínimas ganancias de las plataformas de streaming.

Descubrimiento: El vinilo fomenta el descubrimiento de música. Buscar en tiendas de discos y colecciones puede llevar a hallazgos inesperados, ampliando los horizontes musicales.

Aspecto Social: Los discos de vinilo fomentan una experiencia comunitaria. Compartir y reproducir discos con amigos y familiares crea un vínculo social que los formatos digitales no pueden replicar.

Este resurgimiento de la popularidad del vinilo no es una tendencia pasajera, sin embargo, a pesar del atractivo nostálgico del vinilo y la satisfacción táctil que proporciona a los fans más devotos, su huella ambiental ha sido una preocupación durante mucho tiempo.

Recientemente, la Asociación de Fabricantes de Discos de Vinilo (VRMA) y la Alianza del Vinilo (VA) publicaron un estudio exhaustivo que examina la huella de carbono de la producción de vinilos y propone medidas para mitigarla. El informe tiene como objetivo fomentar la transparencia dentro de la industria sobre el impacto ambiental de los discos de vinilo e incentivar esfuerzos colaborativos para reducir este impacto. Aunque los datos actuales se basan en un número limitado de empresas, el informe enfatiza la necesidad de una participación más amplia en toda la cadena de suministro.

Impacto ambiental de la producción de vinilos

El estudio evalúa las emisiones de alcance uno, dos y tres de la industria del vinilo, que cubren las emisiones directas, las emisiones indirectas de la electricidad comprada y todas las demás emisiones indirectas en la cadena de valor de una empresa, respectivamente. Siguiendo el Protocolo de Gases de Efecto Invernadero (GHG), el informe proporciona un método estandarizado para medir, reportar y gestionar las emisiones de gases de efecto invernadero.

Según el informe, la huella «de la cuna a la puerta de la fábrica» de un solo álbum de vinilo es aproximadamente 1,15 kg de CO2e, equivalente a conducir un coche durante 4.8 kilómetros Las principales fuentes de estas emisiones son:

• Compuesto de PVC (50%): El plástico utilizado en el prensado de discos.
  Consumo de Energía (30%): La electricidad requerida para los procesos de producción.
• Embalaje Impreso (13%): Los materiales utilizados para carátulas, insertos y fundas.
• El resto de las emisiones provienen de la fabricación de lacas, herramientas de corte, estampadores y embalajes adicionales.

¿Cómo se pueden reducir las emisiones?

El informe ofrece cinco recomendaciones clave para reducir las emisiones de carbono en la producción de vinilos:

1. Eliminar el Transporte Aéreo: El envío aéreo incrementa significativamente la huella de carbono. Optar por el transporte marítimo o terrestre puede reducir drásticamente las emisiones.
2. Cambiar al PVC Bioatributado: Esta innovación reemplaza los materiales basados en petróleo con materiales de origen vegetal, lo que podría reducir la huella de carbono de un álbum en un 44%.
3. Prensar en Vinilo Más Ligero: Usar vinilos de 140 gramos en lugar de 180 gramos reduce la huella entre un 14% y un 26%.
4. Simplificar el Embalaje: Evitar embalajes elaborados puede reducir las emisiones hasta en un 15%.
5. Transición a Energía Cero Carbono: Cambiar a calderas eléctricas o de hidrógeno puede reducir significativamente las emisiones de las plantas de prensado.

Algunos productores ya están experimentando con materiales y procesos más respetuosos con el medio ambiente. Innovaciones como el PVC bioatributado ofrecen reducciones prometedoras en las emisiones de carbono. Sin embargo, estas soluciones requieren adopción en toda la industria y mejoras continuas.

El Papel de los Sellos Discográficos y los Artistas

Los sellos discográficos y los artistas juegan un papel crucial en la sostenibilidad de la producción de vinilos. Al optar por prensar discos en plantas ambientalmente conscientes y seleccionar opciones de embalaje sostenibles, pueden reducir significativamente su huella de carbono. Los artistas también pueden usar sus plataformas para sensibilizar sobre el impacto ambiental de la producción de vinilos y abogar por prácticas más ecológicas dentro de la industria.

Además, los artistas pueden influir en el comportamiento del consumidor promoviendo lanzamientos de ediciones limitadas hechas de materiales sostenibles y alentando a los fans a apoyar productos ecológicos. A medida que aumenta la conciencia pública sobre los problemas ambientales, los artistas que se posicionan a favor de la sostenibilidad pueden encontrar un mayor apoyo de los fanáticos conscientes del medio ambiente.

Las tecnologías emergentes como la impresión 3D también tienen el potencial de revolucionar el proceso de producción de vinilos. Al permitir técnicas de fabricación más precisas y eficientes, la impresión 3D podría reducir el desperdicio y disminuir la huella de carbono general de los discos de vinilo.

Por su parte, los entusiastas del vinilo pueden adoptar hábitos sostenibles, como comprar discos de segunda mano, participar en intercambios de vinilos y reciclar discos dañados o no deseados.

El resurgimiento del vinilo es más que una tendencia; es un testimonio del poder perdurable de la música para conectar a las personas a través del tiempo y el espacio, y con las medidas adecuadas, puede continuar haciéndolo de una manera que respete nuestro planeta.

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Según el informe musical de mitad de año de Luminate, en Estados Unidos, durante el primer semestre del año, la cuota de streaming de contenido en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas (tanto en audio como en video) ha disminuido un 4.2% desde 2021.

Por otro lado, la cuota de streaming de música en español en las 10,000 canciones más reproducidas (tanto en audio como en video) en Estados Unidos ha crecido un 3.6% en el mismo período.

En Estados Unidos, la cuota de streaming de música en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas (tanto en audio como en video) durante el primer semestre del año fue del 88.3%. Mientras tanto, la música en español tuvo una cuota del 7.9% en la misma métrica equivalente.

La disminución de la cuota de música en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas en los servicios de streaming no es solo una tendencia en Estados Unidos, sino también a nivel global.

Según Luminate, la cuota de música en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas en los servicios de streaming a nivel mundial fue del 62.1% en 2022, en comparación con el 67.2% en 2021. En la primera mitad de 2023, la cuota de música en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas (tanto en audio como en video) a nivel mundial se redujo al 56.4%.

Luminate señala una tendencia similar en varios mercados de todo el mundo. Por ejemplo, en Portugal, durante el año fiscal 2021, la cuota de streaming de música en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas (tanto en audio como en video) fue del 65.3%. En el año fiscal 2022, esa cifra bajó al 55.9% en Portugal, y en la primera mitad de este año, volvió a descender al 51.6%.

En Sudáfrica, durante el año fiscal 2021, la cuota de streaming de música en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas (tanto en audio como en video) fue del 82.1%. En el año fiscal 2022, esa cifra cayó al 77.8% y en la primera mitad de este año, volvió a descender al 73%.

Luminate informa que la misma tendencia se produjo en Indonesia, Colombia y Suiza. La cuota de música en inglés en las 10,000 canciones más reproducidas (tanto en audio como en video) en cada uno de estos mercados disminuyó en 2022 en comparación con 2021, y nuevamente en la primera mitad de 2023.

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A medida que terminamos el 2022 y esperamos aún más innovación y conexión en 2023, la publicación XLIVE pidió a los profesionales del entretenimiento en vivo y a los expertos en tecnología de eventos que compartieran sus principales predicciones de tendencias para el próximo año. Esto es lo que tenían que decir:

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Los sellos discográficos subieron un 14,3%, lo que está por encima del 11,8% que pronosticó MIDiA a principios de año, pero dado que el cuarto trimestre parece ser el trimestre más afectado por la recesión económica, la cifra de todo el año bien podría terminar más cerca de 12% que 14%.

No obstante, el crecimiento de dos dígitos es un desempeño encomiable en un entorno económico tan difícil y es un buen augurio para 2023. Las editoriales aumentaron un 21,1%, superando a las discográficas, lo que refleja factores como el efecto de los acuerdos históricos de regalías digitales, la mejora de la participación de los ingresos por streaming, y el repunte de los ingresos por presentaciones públicas.

Las plataformas digitales experimentaron un crecimiento de los ingresos de un 6,2% más modesto, aunque esto se vio afectado por una desaceleración dramática en el mercado chino con los ingresos de Tencent Music Entertainment sin cambios.

Spotify se desempeñó con más fuerza (7,7 %), lo que estuvo casi exactamente en línea con el crecimiento de los ingresos por streaming del sello principal del 7,3 %. El crecimiento de suscriptores en todas las empresas fue más de diez puntos, lo que indica que la demanda de streaming por parte de los consumidores es sólida para 2023.

El sector directo continuó su rebote posterior a Covid, con un crecimiento dramático, beneficiándose de la demanda latente aún fuerte tanto de los consumidores como de los artistas, ansiosos por volver a hacer giras.

Sin embargo, dado que salir e ir a conciertos son las cosas principales que los consumidores afirman que reducirán durante la recesión, el sector puede encontrar el año que viene más difícil que los titulares de derechos de música y las plataformas.

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Tanto éxito que los artistas principales ahora están lanzando versiones oficiales aceleradas de sus propias canciones en los servicios de streaming en un esfuerzo por sacar provecho del fenómeno. Incluso «Bad Habit» de Steve Lacy, nominada a Canción del año en los premios Grammy, se lanzó con una versión acelerada, luego de su explosión viral en TikTok.

Entonces, ¿por qué exactamente la gente está acelerando las canciones? Tal vez la tendencia sea el primo hiperactivo del fenómeno de ‘ralentización + reverberación’ influenciado por DJ Screw, en el que los YouTubers desaceleraron canciones populares y las cubrieron con reverberación atmosférica en 2021. Lo que es más probable es que el fenómeno descienda de un linaje de microgéneros musicales. que han estado acelerando el ritmo durante décadas, según un análisis de MusicRadar.

El Bubbling, fue un movimiento musical de corta duración de los años 90, en el que los DJ holandeses aceleraban los discos de dancehall de una manera similar. Los artistas de hip-hop han estado experimentando con samples aceleradas y voces más agudas desde el cambio de milenio: el estilo ‘chipmunk soul’ vio a los productores de la década del 2000 acelerando muestras de soul para crear acompañamientos melódicos únicos para sus ritmos.

Sin embargo, la verdadera respuesta pudiese estar en el nightcore, un fenómeno que ha florecido en los márgenes de la música dance desde principios de los 2000. El nightcore se caracteriza por un tempo acelerado y voces con cambios de tono, y los productores de nightcore suelen aplicar estos efectos a las canciones existentes para producir «ediciones» de nightcore, que se comparten a través de Soundcloud, YouTube y Reddit.

Originalmente, se trataba en su mayoría de variaciones exageradas de pistas cursis de trance y eurodance, pero a medida que el género se desarrollaba, los fanáticos comenzaron a reinventar la música de todos los géneros en el estilo anfetamínico del nightcore.

¿Cómo terminó este sonido dominando el algoritmo de TikTok e irrumpiendo en el mainstream? No se sabe a ciencia cierta, pero está claro que el nightcore comparte algo de ADN con el hiperpop, un género amorfo caracterizado por voces agudas, sintetizadores eufóricos y un uso liberal de la compresión y la distorsión.

A medida que el sonido ha proliferado, parece que los fanáticos que anhelan la intensidad y la exuberancia del hiperpop y el nightcore han tomado el asunto en sus propias manos acelerando canciones pop más tradicionales que podrían necesitar un poco más de energía en su paso. Sólo el tiempo dirá hasta donde llegará esta tendencia. 

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El programa de la conferencia incluye a la superestrella colombiana Carlos Vives, quién repasará su carrera y hablará de la internacionalización de los géneros locales, incluido el vallenato. En otra sesión, dirigida por el LAMC, se analizará en profundidad las escenas musicales alternativas latinoamericanas.

Los participantes también podrán sintonizar una conversación sobre las voces de las mujeres en América Latina, en la que participará la artista mexicana Ximena Sariñana y la chilena Francisca Valenzuela, entre otras destacadas ponentes.

JUEVES 11 MARZO 3:00 – 3:15PM CET / 11:00 – 11:15 CHILE

Inmersión profunda en los sonidos latinoamericanos: La experta en música latina y vicepresidenta de Billboard, Leila Cobo, comparte una exclusiva visión sobre el estado de la música latina, analizando las tendencias actuales y los datos clave sobre la música latina y las listas de éxitos.

4:00 – 4:45PM CET / 12:00 – 12:45 CHILE

Entendiendo América Latina: Tendencias clave que sacuden la región Algunos de los temas y artistas más candentes son latinos. Las oportunidades son infinitas. Este panel destaca las tendencias que hay que conocer y los puntos de vista sobre los mercados clave de Argentina, Chile, Colombia y México.

5:00 – 5:30PM CET / 13:00 – 13:45 CHILE

La voz de las mujeres en América Latina: Las mujeres de la industria están alzando la voz y accediendo a puestos de liderazgo. Este exclusivo panel reunirá a la artista mexicana Ximena Sariñana, a la artista y fundadora de de Ruidosa Fest Francisca Valenzuela, a la destacada mánager Camila Saraiva y a la poderosa jugadora digital Laura Tesoriero, para conversar sobre el lugar que ocupan las mujeres en el negocio de la música en América Latina.

8:00 – 19:30 H CET / 14:00 – 15:30 CHILE

Networking: Cómo entrar en América Latina ¿Buscando desarrollar su red de contactos y hacer crecer su negocio internacional? Reúnase con los principales ejecutivos de los mercados más interesantes de América Latina en una sesión individual.

VIERNES 12 MARZO 3:00 – 3:15PM CET / 11:00 – 11:15 CHILE

Una inmersión profunda en los sonidos latinoamericanos: La experta en música latina y vicepresidenta de Billboard, Leila Cobo, explora las canciones latinas más rompedoras, destacando los éxitos de su último libro, “Decoding Despacito: An oral history of Latin Music”, y las tendencias musicales más actuales, en una conversión exclusiva con AJ Ramos.

4:00 – 4:45PM CET / 12:00 – 12:45 CHILE

Descifrando la escena musical alternativa de América Latina en asociación con el LAMC: Este panel se adentrará en las diversas y vibrantes escenas musicales alternativas de Argentina, Colombia, México y Chile, abarcando una diversa gama de géneros, desde el rock hasta el trap, la cumbia, el folclore, la electrónica y más. Los ejecutivos de la industria en cada mercado compararan notas sobre los éxitos, los desafíos y cómo estas escenas se apoyan mutuamente y se conectan con una audiencia global.

5:00 – 5:30PM CET / 13:00 – 13:30 CHILE

Innovación y emprendimiento en América Latina: Únase a este panel para aprender más sobre el ecosistema tecnológico de LATAM. Actores clave y expertos en innovación ofrecerán su análisis sobre el estado del ecosistema tecnológico musical de la región y compartirán sus ideas sobre las oportunidades actuales para que las startups desarrollen sus negocios y crezcan en América Latina.

El programa cerrará con una charla artística con el gran artista Carlos Vives el día Viernes 12 a las 6:00pm hora de España y 2:00pm Chile, en la que hará un repaso de su carrera, seguido por showcases de artistas emergentes de la región como Cande y Paulo, Vesta Lugg, Diamante Eléctrico y Flor de Toloache.

IndustriaMusical.es estará presente en esta edición de MIDEM moderando el panel Entendiendo América Latina del día jueves 11 de Marzo.

La participación en el Foro Latinoamericano de MIDEM es gratuita y los usuarios pueden registrarse en este enlace.

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IM: Hola Ismael muchas gracias por esta entrevista, luego de años en la distribución musical, del físico al digital ¿Cómo evaluarías el estado actual del sector y de Believe Digital? ¿Es un buen momento para estar en una distribuidora como Believe?

Ismael: Después de muchos años de una profunda crisis en el sector, por fin la tendencia ha cambiado y estamos viviendo un momento de claro optimismo con crecimientos  importantes y grandes perspectivas de cara al futuro. En los próximos años volveremos a ver niveles de facturación anteriores a la crisis de la industria discográfica (allá por el 2000) e incluso hay estudios que pronostican que se superaran esas cifras como ha dicho recientemente el experto Mark Mulligan  .

Believe ha venido expandiéndose por todo el mundo desde hace algo más de 6 años y ahora mismo tenemos presencia en 35 países ,entre ellos 4 países en LATAM además de España.

La compañía se ha ido adaptando a las necesidades del mercado ofreciendo la mejor tecnología/ plataforma del mercado desarrollada por la misma compañía y nuestra oferta actual pasa por ofrecer una serie de servicios que van mucho más allá de la distribución digital. Durante los años de la  existencia de Believe se ha ido reinventándose constantemente, esto es lo que ha hecho que Believe sea una empresa solida y relevante en el mercado.

 IM: ¿Es por eso que Sony Music o BMG podrían estar detrás de adquirir la compañía, como reportan algunos medios internacionales?

Esos rumores fueron desmentidos por nuestro CEO Denis Ladegaillaire en una entrevista a MBW el pasado Julio aclarando que Believe no está en venta y que de hecho se esta buscando inversores para el grupo Believe .

IM: ¿A qué se debió el cambio de nombre y ese restyling que han sufrido recientemente tras más de 10 años con mismo nombre y marca corporativa? ¿Entra Believe en una nueva etapa como compañía?

Cada año Believe entra en una nueva etapa. Nuestro negocio cambia constantemente, muy rápidamente y hay que adaptarse al momento. Desde principios de este año la empresa ha cambiado su nombre a Believe Distribution Services para dar cabida a mas servicios (sincronización, distribución física, derechos conexos…) que ofrecemos adaptándonos a la realidad de lo que es Believe hoy en día.

Creemos que ya no es necesario hacer hincapié en lo digital ya que la mayoría del negocio hoy en día es digital.

IM: Creo que a la hora de elegir una distribuidora es una decisión compleja, ya que realmente no ves los resultados hasta después de haber trabajado y ver que en efecto se cumple su promesa de mercado. Ahora bien qué debería tomar en cuenta un artista o un sello a la hora de decantarse por una distribuidora? Cuál sería una ventaja competitiva?

Hoy en día existen distintos modelos de negocio en distintas distribuidoras y la mayoria llegan a las plataformas importantes. La decisión de optar por una u otra distribuidora debería pasar por evaluar los servicios que ofrezcan estas empresas y desde ahí tomar la decisión .

Una ventaja competitiva y muy importante, es la tecnología. Poder ofrecer a los clientes una plataforma de fácil manejo y comprensión de cómo esta funcionando tu música.

En Believe hemos creado una empresa “Data Music” la cual se centra en el manejo y análisis de data, y que es puesta a disposición de una manera amigable y útil para nuestros clientes . No se trata solo de poner a disposición números y cientos de miles de columnas de Excel, sino en filtrar la información y generar reportes eficientes para que nuestros clientes puedan tomar decisiones, evaluar y reportar de manera inteligente, todo desde una misma interfaz.

Para Believe es fundamental conocer el “producto” y la proximidad con el artista/ productor o sello discográfico. Poder explicarles de primera mano como manejarse en este mercado en constante cambio.

La existencia de un mercado global digital no abrirá por sí solo las puertas del mundo para que la música trascienda fronteras. Es vital contar con el apoyo adecuado en el momento preciso. Si tu distribuidora no demuestra conocimientos en los mercados locales donde tu música puede ser relevante, entonces difícilmente podrán ayudarte a que tu contenido crezca como merece. Para mi, uno de los puntos más importantes de nuestra empresa es el capital humano.

IM: Como Head para España y Latinoamérica dentro de una empresa internacional, cómo percibes el mercado y sus diferentes entes en la era digital en nuestros mercados versus otros territorios como US, Europa del Norte o Asia?

Aunque existen lazos y conexiones obvias, debemos separar España de Latinoamérica como mercados.

Latinoamérica ha sido, por séptima ocasión consecutiva, la región con el mayor nivel de crecimiento en ingresos, con un aumento del 12%, creciendo un total de 31% y todo esto impulsado por el crecimiento del streaming. En cambio en España, aunque el mercado ha ido aumentando estos últimos años ,el crecimiento va a un ritmo mucho más lento que otros mercados parecidos

Es indudable el éxito de la música latina en todo el mundo y no solo por el fenomeno “Despacito”, artistas como J Balvin, Nicky Jam o Maluma están teniendo repercusión en todo el planeta. Este verano, casi el 20% del top 50 global de Spotify ha estado formado por artistas latinos.

El mercado digital en los distintos países de Latinoamérica aún no ha llegado a su grado de madurez, aunque Brasil y México son mercados muy importantes en la industria musical global, y el nivel de crecimiento es muy bueno en el resto de la región ,creo que aún tienen recorrido para crecer mucho más.

Lo que observo en LATAM si lo comparamos con otros mercados, es que aparte de la diferencia  cultural, la gran diferencia sería los propios ritmos y realidades de los distintos mercados en Latinoamérica y como deberían de adaptarse a un mercado mundial.

Aquí es donde creo que la industria en esos países debería de hacer un esfuerzo e integrar la posibilidad real de poder internacionalizar su música mucho más de lo que lo están haciendo . Es claro el potencial y el interés de la música latina en todo el mundo y aquí es donde muchas empresas en Latinoamérica se están posicionando y moviendo muy bien en un mercado globalizado ,pero hay más oportunidades de negocio para muchas más .

IM: Queríamos preguntarte sobre una situación que expuso Mark Mulligan recientemente en un artículo respecto Latinoamérica, y es que actualmente, hay un alto consumo en LATAM de streaming de vídeo gratuito que crea – en palabras del mismo Mulligan – una dinámica en la que el público latino crea los hits por su alto consumo en Youtube y luego es el público europeo y norteaméricano quienes pagan por ellos a través de las suscripciones premium. ¿Crees, o hay algún indicador, que esta situación de mercado pueda cambiar en breve?

Es claro la importancia que tiene YT en LATAM para conseguir un hit, pero que solo se crean hits a partir de su alto consumo en YT y luego sean los norteamericanos y europeos que al descubrirlos paguen por ello…no lo afirmaría de una forma tan categórica.

Yo creo que aquí se esta olvidando un factor muy importante, que es la influencia que tiene cada día más, la poderosa comunidad latina que vive en EEUU y como EE.UU sigue siendo el mercado más influyente en las tendencias musicales de todo el mundo.

Los latinos sigue consumiendo “su” música en EE.UU y eso hace que ese contenido tenga una penetración mucho más rápida y fuerte que años atrás. Esta normalización de la música latina en el primer mercado del mundo hace que desde allí se contagie al resto del mundo. Además no olvidemos otro factor importante, el centro del negocio de la música latina está en Miami.

Es cierto que el consumo de YT en LATAM es masivo y aún lejos de niveles de consumo que tienen plataformas como Spotify, Deezer o Apple en otros mercados. El número de subscriptores o visualizaciones millonarias que tiene muchos artistas latinoamericanos en Youtube o Vevo cambia radicalmente en Spotify o Deezer, donde el consumo es mucho más bajo y por lo tanto las cifras son mucho menores que las que obtienen en las plataformas de vídeo. Como ejemplo, Brasil y México son el segundo y tercer mercado más grande de Vevo a nivel global después de los EE.UU.

El streaming en LATAM el pasado año fue la pieza clave del crecimiento del mercado y este año sigue con la misma tendencia, pero la realidad económica de Latinoamérica aún esta lejos de los niveles de Europa o EE.UU y la tendencia de consumo seguirá siendo hacía plataformas gratuitas.

IM: ¿Cuál es el mayor reto que tiene a día de hoy Believe? y cómo percibes que serán los próximos 1 o 2 años, ya que estamos en un período clave para sentar bien las bases del mercado de streaming con viabilidad económica a largo plazo (Spotify IPO, crecimiento de Apple, se suma Amazon a la lucha…)

Believe no ha dejado de invertir en tecnología y seguramente seguiremos enfocándonos en ello en los próximos años y sobre todo cómo ser capaces de absorber la vasta cantidad de data que maneja la industria hoy en día, entenderla y mostrársela a nuestros clientes de una forma entendible, fácil y rápida.

Además el negocio del streaming nos obliga a repensarnos nuestra forma de promocionar un lanzamiento constantemente. El reto es asegurarnos que las nuevas prácticas lleguen a nuestros partners, artistas o sellos.

Seguramente en poco tiempo veremos el crecimiento de plataformas como Apple o Amazon y de nuevos “players” que aparecerán e incluso veremos mejores ofertas de servicio para los usuarios, aumentando así la oferta de streaming para el consumidor final. Todo esto hará que tengamos un mercado mucho más competitivo y con una variedad de oferta donde ahora mismo Spotify y Youtube básicamente, tienen una posición preponderante. Definitivamente, todos estos cambios serán positivos para todos los implicados en la industria.

La viabilidad, entiendo para las plataformas de streaming, llegará en los próximos años y llegará de la mano del crecimiento del usuario de pago. Apple desde un principio apostó por este modelo, Amazon esta siguiendo estos pasos y ya es la tercera plataforma en numero de subscriptores y Spotify claramente ya está apostando en la dirección de convertir sus usuarios freemium en Premium.

IM: Por último queríamos hablar sobre los nuevos talentos. Hemos visto en diferentes ocasiones que una distribuidora ficha talento y hace al trabajo inicial de potenciar el artista y tras ello, cuando empieza a despegar el artista, viene una «major» y lo ficha cuando la inversión realizada sobre el talento todavía no ha tenido retorno ¿Cómo analizas esta situación de la figura trampolín que toman las distribuidoras? ¿Hay formas de poder competir con una «major» para evitar la fuga de talento antes de haber tenido el ROI?

Sí, es algo que sucede de vez en cuando y a veces no es por el hecho de que se haya hecho un mal trabajo, seguramente la major no se habría fijado en ese artista sino hubiera alcanzado cierto nivel de notoriedad. En ocasiones algunos artistas toman esa decisión por una cuestión puramente de imagen o de ego. Decir que trabajas con Universal, Sony o Warner (aunque no siempre, quiere decir que sean artistas de esas compañías y solo están distribuidos por ellas) en según que géneros musicales, da cierto “caché”.

No vamos a negar el poder que hoy en día aún tienen las majors. Ahora bien, no creo que necesariamente un artista para triunfar, tenga que trabajar con una major, hay muchos casos que se ha demostrado que se puede llegar a casos de éxito mundial desde la independencia (Adele,Macklemore & Ryan Lewis,Chance the Rapper etc… ).

La forma de competir con una major, es ofrecer, a parte de un acuerdo flexible y adaptable a las necesidades del artista o proyecto, es con transparencia, accesibilidad a los datos y KPI´s de lo que está sucidiendo en todo momento y en diferentes mercados. Por lo general los reportes que facilitan las «majors» dejan mucho que desear.

La industria se ha vuelto mucho más flexible y los roles de los “players” que antiguamente estaban muy definidos, hoy ya no lo están. Ahí es donde a una major le cuesta más adaptarse, debido a su estructural empresarial.

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