El evento, que combinó interesantes paneles y keynotes con showcases de artistas locales e internacionales, se enfocó este año en la Monetización dentro de la industria de la música para crear una industria musical más justa, innovadora y rentable para todos. Basándose en el lema del año pasado de Humanizar la industria, MW:M24 exploró cómo monetizar mejor el trabajo de los artistas, la tecnología y la sostenibilidad.

Se discutieron temas como modelos de colaboración, financiamiento y negocio exitosos para los artistas modernos y sus colaboradores, destacando estrategias más inteligentes para maximizar el valor. También se dió especial énfasis en examinar las dinámicas de poder entre los principales titulares de derechos, las plataformas de streaming y los independientes, destacando desigualdades y prácticas opacas persistentes mientras se buscan soluciones.

Especialmente dentro del ámbito de la monetización, una de las keynotes más interesantes fue llevada a cabo por Chris Cooke de CMU, durante la cual habló de la importancia de diversificar el mercado digital y las fuentes de ingresos disponibles para los artistas.

Mientras que actualmente los servicios de streaming premium dominan los flujos de ingresos, el ecosistema de plataformas musicales digitales se está diversificando rápidamente, ofreciendo múltiples oportunidades para artistas, sellos discográficos y creadores.

Plataformas como YouTube, TikTok e Instagram representan un importante flujo de ingresos emergente. Estas plataformas, donde los usuarios incorporan música en sus videos, requieren licencias musicales y generan aproximadamente el 10-11% de los ingresos totales de la industria musical. Curiosamente, aunque los usuarios no visitan principalmente estas plataformas para consumir música, alrededor de un tercio del consumo musical ocurre en estas plataformas UGC.

Oportunidades emergentes en licencias musicales digitales

Varias estrategias innovadoras están surgiendo para maximizar los ingresos de las plataformas digitales:

1. Micro-licencias para Creadores
Desarrollar plataformas que permitan licencias directas a creadores de contenido podría abrir nuevos flujos de ingresos. Al ofrecer opciones de licencia directas y sencillas (por ejemplo, 50 dólares para usar una pista permanentemente), las plataformas podrían aprovechar millones de creadores que producen contenido diariamente.

2. Herramientas de Monetización de Plataformas
Plataformas como YouTube ofrecen herramientas de monetización adicionales no diseñadas específicamente para músicos pero adaptables a sus necesidades. Estas incluyen ventas de mercancía, membresías de canal y regalos digitales durante transmisiones en vivo.

3. Licencias de Podcasts y Radio Online
Actualmente subexplotados, los podcasts y la radio online representan áreas de posible crecimiento. La industria musical está explorando modelos de licencias más flexibles y globales para hacer estas plataformas más accesibles y rentables.

Quizás el desarrollo más emocionante es la relación directa con los fans habilitada por tecnologías digitales. Antes de las plataformas digitales, los artistas tenían una visión mínima de su base de fans. Ahora, pueden interactuar directamente con los fans a través de múltiples canales, para engancharles y monetizar a sus fans sin depender de un algoritmo para determinar quién ve su contenido.

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Un nuevo informe de la plataforma Pex revela que el audio modificado, también conocido como canciones o audio manipulado, representa una parte significativa del contenido en las plataformas de contenido generado por usuarios (UGC). En el primer trimestre de 2024, las canciones más populares de la lista Hot 100 de Billboard acumularon millones de coincidencias de audio modificado, lo que representa un potencial de pérdida de regalías para los artistas originales.

Tendencias como el nightcore están creando más remixes que nunca antes con pistas que no están debidamente licenciadas, lo que significa que el nuevo creador recibe todo el crédito y el dinero, en lugar de las personas que realmente hicieron la canción original. Dado que la información de atribución apunta al creador del remix y no a los titulares de los derechos originales, estos pierden los pagos de regalías por el uso de su trabajo. La licencia y la atribución adecuada son críticas para que los titulares de derechos obtengan crédito y dinero por el uso de sus canciones.

«One of the Girls» de The Weeknd, Jennie y Lily Rose Depp es el ejemplo más destacado. Según el rastreo hecho por la compañía, la canción, popularizada por el programa de HBO «The Idol«, tiene más del 80% de sus coincidencias totales en internet como versiones modificadas. Estas remezclas no acreditadas a menudo atraen más vistas y reproducciones que la versión original, lo que dificulta que los artistas originales obtengan el reconocimiento y las regalías que merecen.

El problema se agrava por la dificultad de detectar el audio modificado. Las tecnologías de reconocimiento de música (MRT) tradicionales a menudo no pueden identificar versiones de canciones que han sido alteradas significativamente en velocidad o tono. Pex ha encontrado que casi 100.000 coincidencias de audio modificado en las 10 canciones principales rastreadas se habrían perdido por utilizar soluciones tecnológicas no adecuadas.

TikTok es la principal plataforma para el audio modificado

La plataforma alberga la mayor cantidad de coincidencias totales y modificadas para las canciones rastreadas. Esto refleja la creciente popularidad de TikTok como plataforma para descubrir y compartir música.

El impacto financiero del audio modificado es significativo. Las regalías perdidas por los artistas originales pueden ascender a millones de dólares. Además, el audio modificado puede dañar la reputación de un artista y dificultar que los fanáticos encuentren la versión original de una canción.

Tener una canción viral en plataformas UGC se ha promocionado como promoción gratuita para los artistas, pero como podemos ver aquí, las versiones manipuladas y sus creadores están recibiendo mucha más atención y potencialmente dinero que los artistas originales.

Las versiones manipuladas atraen más de la mitad de las vistas de cuatro de las diez canciones principales. Las vistas y reproducciones son las que generan ingresos y lo que hace que el audio modificado sea un problema para los titulares de derechos musicales. Cuando las versiones modificadas atraen suficiente atención para comenzar a generar regalías o ingresos publicitarios, esos fondos mal acreditados se consideran fraude musical.

¿Qué se puede hacer?

La industria de la música necesita tomar medidas para abordar el problema del audio modificado. Algunas soluciones posibles incluyen: Mejorar la tecnología de reconocimiento de música: Se necesitan soluciones MRT más sofisticadas que puedan identificar una gama más amplia de modificaciones de audio.

Por otro lado es necesario desarrollar mejores políticas de derechos de autor en combinación con las plataformas de UGC. Se deben implementar políticas más sólidas para eliminar el audio modificado que infringe los derechos de autor.

El audio modificado es una tendencia compleja con el potencial de dañar significativamente a la industria de la música. Es importante que todas las partes interesadas trabajen juntas para encontrar soluciones que protejan los derechos de los artistas originales y garanticen que se les compense de manera justa por el uso de su música.

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Esta tendencia ha venido acompañada de una proliferación de herramientas innovadoras, incluyendo la composición de canciones con inteligencia artificial y efectos similares a los filtros de Instagram. Ahora, con TikTok entrando en escena, la industria de la música está al borde de una nueva era, en la que la producción y creación de música están a punto de democratizarse como nunca antes.

TikTok, la plataforma viral de videos cortos que ha reformulado la forma en que interactuamos con la música, ahora tiene como objetivo convertirse en una potencia de creación musical. Con más de mil millones de usuarios en todo el mundo, el paso de TikTok para proporcionar capacidades de creación musical y edición de audio es un cambio de juego que podría redefinir el panorama creativo. La plataforma tiene como objetivo reducir la barrera para la creación musical, inspirando a los usuarios a expresar sus ideas musicales y su creatividad de maneras que nunca pensaron posibles.

Actualmente, muchos creadores de contenido en TikTok a menudo van más allá de la plataforma para crear sus creaciones musicales. Sin embargo, el nuevo esfuerzo de TikTok podría cambiar esta dinámica. Así como la popularidad de Spotify llevó a la creación de TikTok Music, la expansión de TikTok hacia herramientas de producción musical podría llevar las capacidades de producción directamente a sus usuarios, cerrando la brecha entre el consumo de contenido y la creación de contenido.

Entonces, ¿qué podemos esperar a medida que TikTok se aventura en las herramientas de creación musical? Imagina incorporar sin problemas tu canción favorita en tu video y luego darle forma para que se ajuste al estado de ánimo y el ritmo que desees, todo con un simple clic. Esto es solo el principio. Se espera que los filtros y efectos anticipados de la plataforma, como la reverberación, la distorsión y lo-fi, permitan a los usuarios infundir su contenido con emociones que van desde espaciales hasta nostálgicas, todo en cuestión de segundos.

Sin embargo, el verdadero poder de TikTok radica en su integración de la tecnología de inteligencia artificial. La división de pistas, una técnica que implica aislar diferentes elementos de una canción, como las vocales o la percusión, se asemeja a construir y desmontar Legos musicales. Esto abre un mundo de posibilidades, permitiendo a los usuarios no solo ajustar las pistas existentes, sino también remezclarlas y recrearlas por completo.

A medida que pasamos de simplemente escuchar música a involucrarnos activamente con ella, los usuarios están ansiosos por más juguetes creativos con los que jugar. Entra en escena Mawf, la incursión de TikTok en sonidos orgánicos generados por inteligencia artificial. Esta innovación significa que los usuarios pueden sintetizar instrumentos desde cero o incluso convertir sus propias voces en sonidos instrumentales únicos. Las implicaciones son asombrosas: las pistas pueden transformarse, reducirse y adquirir una nueva dimensión acústica completamente nueva, ofreciendo una nueva perspectiva de las melodías familiares.

Para aquellos que deseen sumergirse más profundamente en el proceso creativo, el ‘estudio de grabación virtual’ de ByteDance, Ripple, empodera a los usuarios para descomponer y reconstruir la música en su propio estilo distintivo. Alternativamente, los usuarios pueden crear pistas originales y transformar sus voces en las de sus artistas favoritos, dando paso a una nueva era de la cultura de la remezcla.

Este cambio hacia la creación de música generada por usuarios (que podría acuñarse como FGM (fan generated music) o UGM: user generated music) tiene profundas implicaciones para la industria de la música. A medida que los fans se convierten en participantes activos en la creación musical, su inversión emocional en la artesanía y la comunidad se profundiza. La democratización de las herramientas creativas de TikTok no solo empodera a los fans, sino que también presenta oportunidades comerciales para los artistas.

En lugar de algunas aceleradas e instrumentales en Spotify, los titulares de derechos pueden obtener regalías de cientos, si no miles, de versiones hechas por los fans. Si la música hecha por fans puede contar para las listas de éxitos, los fanáticos se movilizarán en masa para crear nuevas versiones del último lanzamiento de su artista favorito, de la misma manera en que actualmente compran CD y descargas.

Con la música hecha por fans, la industria de la música puede crear el formato de la próxima generación y abrir un impulsor de crecimiento de la misma manera en que las compras in-app han impulsado la industria de los videojuegos. Este es el impulsor de crecimiento de la música social que la industria de la música necesita.

A medida que estas herramientas se vuelven accesibles para todos, el fandom adquiere una dimensión más expresiva, dando lugar a un ecosistema vibrante de música hecha por fans que enriquece el panorama artístico. Ha comenzado la era de la co-creación musical y está lista no solo para cambiar la forma en que consumimos música, sino también la forma en que la creamos.

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Este caso representa el evento más reciente en una larga batalla entre la industria creativa europea y las plataformas en línea, en donde la primera busca reparaciones por la subida ilegal de contenido. También es parte del debate más amplio sobre cuánto deberían hacer las plataformas en línea y las redes sociales para vigilar la publicación de contenido no autorizado, un tema al que los reguladores de la Unión Europea están abordando con nuevas y estrictas reglas que podrían entrar en vigor el próximo año.

Esta sentencia se dictó simultáneamente con la sentencia en dos casos de infracción de derechos de autor. La demanda contra YouTube provino del productor musical Frank Peterson, quien introdujo su reclamo en 2008 cuando usuarios subieron copias de fonogramas de los que él posee los derechos. El segundo caso fue presentado por el editor Elsevier, que demandó al proveedor de alojamiento de archivos Cyando después de que los usuarios subieran material con derechos de autor en su sitio en 2013.

El fallo del tribunal establece que las plataformas digitales que operan en la Unión Europea tienen al menos algunas protecciones similares a las disposiciones de puerto seguro establecidas en la muy debatida Sección 230 de los Estados Unidos (es decir, no pueden ser responsables civil o penalmente por el material cargado por usuarios.)

«Tal como existen actualmente, los operadores de plataformas online, en principio, no hacen una comunicación al público acerca del contenido protegido por derechos de autor publicado ilegalmente por usuarios de esas plataformas«, dijo el Tribunal de Justicia de la UE. «Sin embargo, esos operadores hacen tal comunicación en violación de los derechos de autor cuando contribuyen, más allá de simplemente hacer que esas plataformas estén disponibles, a dar acceso a dicho contenido al público«, dijeron los jueces.

Lo que constituye «contribuir» no está exactamente claro, por lo que es posible que si, por ejemplo, el algoritmo de recomendación de YouTube muestra a un usuario el video de un creador que contiene una canción con derechos de autor, YouTube podría estar abierto a una demanda por «dar acceso» a esa canción.

El tribunal de la UE dijo que las plataformas también podrían ser responsables si no implementan las herramientas tecnológicas adecuadas para abordar las violaciones de derechos de autor por parte de sus usuarios o si proporcionan herramientas en sus plataformas para el intercambio ilegal de contenido.

«YouTube es líder en derechos de autor y apoya a los titulares de derechos a que se les pague su parte justa«, dijo un portavoz de YouTube al medio. «Es por eso que hemos invertido en herramientas de derechos de autor de última generación que han creado una fuente de ingresos completamente nueva para la industria«. El portavoz aprovechó para mencionar que en los últimos 12 meses, YouTube ha pagado $ 4 mil millones a la industria de la música, «más del 30% de los cuales proviene de contenido generado por usuarios que ha sido monetizado por los autores«.

El caso subraya un debate de larga duración sobre las responsabilidades de las plataformas en línea, y el TJUE brinda orientación útil a los tribunales nacionales que evalúan tales desacuerdos, dijo Nils Rauer, socio del bufete de abogados Pinsent Masons. «La pregunta central es y sigue siendo si la plataforma tiene un rol bastante pasivo (sin responsabilidad) o en un rol activo (responsabilidad). Existe una delgada línea entre esos dos roles«, dijo. «Con el fallo de hoy, los tribunales nacionales podrán basarse en una mayor orientación de Luxemburgo sobre dónde trazar la línea entre las plataformas buenas y las malas«, dijo.

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Buretel habló sobre la importancia que merecen el mercado y los artistas indie. “Spotify debe resistir cualquier presión por darles prioridad a sus accionistas (las Majors) con respecto a los sellos independientes” dijo Buretel, destacando además la resistencia positiva de Itunes Store al poder de las Majors como un modelo a seguir.

«En Spotify, el problema es que son los accionistas, así que la influencia es muy fuerte. Realmente espero que la gente de Spotify entienda que necesitan a los independientes, al igual que las majors lo hacen. Nos necesitamos unos a otros «

También habló del crecimiento de la cuota de mercado indie como algo que vendrá soportado por diferentes actores de la industria, y mencionó lo difícil de “sobrevivir” resaltando la importancia de las plataformas digitales para este fin.

También comentó la importancia que tiene Merlin como agrupador de los sellos independientes: “La cuota de mercado de Merlin es casi la cuota de mercado de Warner. Me gusta pensar que Beggars Groups, PIAS y nosotros podemos ayudar a pequeños indies a conseguir exactamente los mismos tratos que las majors».

Por último,el director de Because Group también habló sobre el user generated content y dejo clara la importancia de la monetización de contenido por encima de la tradicional forma de ingresos «Los ingresos más importante para mí no son ni siquiera las canciones si no el user generated content como YouTube. Usted tiene sus canciones y sus vídeos, pero también tiene música que se utiliza en los vídeos de otras personas. En Internet se ha liberado el uso de la música: todo el mundo está usando mi música sin mi autorización, pero yo puedo reclamarla»

Buretel se mostró positivo frente al formato físico como algo que la gente siempre querrá pero fue claro con que el futuro es el streaming y destacó además a los A&R y a la recaudación de royalties como piedras angulares de cualquier sello independiente en la actualidad.

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De esta forma, los usuarios podrán conocer por adelantado cuándo una canción está disponible para la creación de contenido generado por los usuarios, así como su monetización. A través de la Librería de Audio se puede buscar cualquier canción que se quiera incorporar y ver  las reglas de uso de esa determinada canción.

El sistema está hecho para remplazar el hecho de subir una canción con la incertidumbre de que vaya haber problemas de copyright. El Product Manager de YouTube Tim Grow a sugerido «Ya pueden descruzar sus dedos a la hora de subir música».

Ahora se podrá saber el territorio al que está licenciada una canción, y si acepta vías de monetización. Pero no debemos olvidar que los dueños del copyright tienen derecho a cambiar estas políticas de acuerdo a su estrategia.

De igual forma, YouTube ofrece una gran cantidad de música totalmente gratuita dentro de su Librería, la cual se clasifica junto a la música disponible para ser monetizada y los efectos de sonido.

El sistema permite descargar las canciones gratuitas para ser editadas y subidas de vuelta a la plataforma junto al vídeo.

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En base esto se espera que las 3 mayoras distribuidoras de catálogo independiente hayan firmado el acuerdo con YouTube, y se tratan de Believe Digital, INgroove propiedad de Universal Music y The Orchard propiedad de Sony Music

Por su parte, Believe aclaro que no recibió ningún adelanto monetario de la negociación y en lugar de eso logró mejorar las condiciones de pago de sus clientes, las cuales se aplicarán tanto para el servicio de pago, como para el servicio gratuito.

Como se reportó anteriormente algunos sellos independientes representados por WIN e Impala serían bloqueados de YouTube por no querer licenciar su catálogo.

En este sentido a pesar de haber llegado un acuerdo con YouTube, el CEO de Believe Digital, Denis Ladegaillerie se mostró solidario con estos sellos independientes en el comunicado alegado que el considera la batalla de WIN como «algo que afronta verdaderas preocupaciones, importantes y legítimas». 

Aunque se sabe que las tres majors cerraron acuerdos con YouTube, se creen que como de costumbre, lo hicieron con condiciones más favorables que los sellos independientes, sin embargo en base al memo de Believe, parece ser que YouTube ofreció el mismo trato.

«La información que tenemos es que las tarifas que ha negociado Belive Digital con YouTube para el servicio de suscripción son estrictamente idénticas a las tarifas negociadas por las majors» se leía en el comunicado.

De acuerdo al memo de Believe: 

• En ningún punto de la negociación Believe Disital fue amenazada por YouTube de terminar su contrato.
• Believe aseguró un incremento significativo de la tasa de participación de ingresos en los UGC (contenido generado por usuarios) para el uso de las grabaciones de sus clientes – en la actualidad la mayor fuente de ingresos de música de YouTube. Se aprobó asimismo un aumento de la tasa de regalías sobre sus videoclips oficiales en Europa.
• Estas dos nuevas tarifas entraron en vigor en el momento de la firma del contrato el 1 de febrero – y han contribuido a aumentar los ingresos de los clientes de Believe en los últimos 5 meses.

Fundamentalmente, el contrato firmado por Believe  también provee condiciones sobre el uso de la música en el nuevo servicio de suscripción de YouTube. De acuerdo con la nota:

• Believe realizó un análisis financiero y de mercado acorde para asegurarse de que (i) las condiciones propuestas por YouTube estuvieran en línea con las condiciones del mercado con servicios similares y que (ii) las condiciones fueran, al menos, alineadas con las ofrecidas a otros sellos y las majors.
• La compañía dijo: «De un análisis detallado de los acuerdos vigentes con Deezer, Spotify y Rdio, así como las declaraciones recibidas de esos servicios en el último año, nuestra conclusión es que el tipo de interés ofrecido por YouTube en el servicio de suscripción de YouTube se alinea en las tasas actuales del mercado. Las garantías mínimas por suscriptor por país también están en la línea con las tasas del mercado. ‘
• Añade que, como una cuestión de política, Believe se niega a entrar en discusiones en torno a los avances o de otros beneficios como la propiedad de la equidad cuando se alcanza un acuerdo de licencia, por una «falta inevitable de transparencia [para por con los clientes]. Dice lo siguiente: «La meta de Believe es siempre negociar el mayor porcentaje posible de ingresos para el beneficio de nuestros sellos y artistas.»

Las negociaciones entre Believe y YouTube fueron conducidas directamente por su CEO Denis Ladegaillerie. La mayoría de los puntos complejos se negociaron directamente con Christophe Muller, jefe de YouTube Music.

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