La cifra da la medida del pulso que se vive en el sector: la valoración de ElevenLabs, alcanzada en una ronda de Serie D de 500 millones de dólares anunciada en febrero, es más del doble de los 5.400 millones que Suno logró en junio con su propia Serie D de 400 millones. Es decir, la empresa que acaba de aliarse con la mayor discográfica del mundo duplica en tamaño a la referencia más mediática de la música generativa.

La plataforma conjunta UMG x ElevenLabs, todavía en desarrollo, «ofrecerá a los fans nuevas formas de co-crear con la música de los artistas y compositores participantes», según el comunicado. Incluirá remezclas y mashups, «nuevas interpretaciones de temas» y «experiencias vocales personalizadas», con más productos y experiencias «en los próximos meses y años». Ese servicio funcionará de forma separada de los productos musicales que ElevenLabs ya opera —su Music API para empresas y desarrolladores y su app ElevenMusic para generar y editar canciones—.

«Las posibilidades más apasionantes para la IA y la música son las que sitúan a artistas, compositores y fans en el centro», afirmó Sir Lucian Grainge, presidente y consejero delegado de UMG. «UMG y ElevenLabs coincidimos en que una IA responsable puede inspirar el descubrimiento, profundizar la conexión entre artistas y fans y desbloquear nuevas oportunidades de ingresos para la comunidad creativa». Por su parte, Mati Staniszewski, cofundador y CEO de ElevenLabs, subrayó que la alianza permitirá «crear nuevas experiencias para los fans y garantizar que los artistas sean compensados de forma justa».

El acuerdo llega apenas un día después de que Suno lanzara su suite de modelos v6, desarrollada con Warner Music, BMG y Believe (ver Suno estrena sus modelos v6 licenciados). El movimiento consolida una estrategia de UMG que arrancó con el acuerdo que puso fin a su demanda contra Udio en octubre de 2025 y que, más recientemente, la llevó a invertir —junto a Sony y Warner— en Stability AI (ver Universal, Sony y Warner invierten en Stability AI). La foto es nítida: las grandes discográficas están tejiendo una red de alianzas con desarrolladores de IA «con licencia» mientras litigan contra quienes, según ellas, entrenaron sus modelos sin permiso.

ElevenLabs, fundada en 2022 por Staniszewski y el director técnico Piotr Dąbkowski y con sede en Londres y Nueva York, se ha convertido en uno de los grandes nombres de la IA de audio. Su ronda de Serie D estuvo liderada por Sequoia Capital, con Andreessen Horowitz e ICONIQ ampliando su participación, y entre sus inversores figura NVIDIA. La empresa superó en mayo los 500 millones de dólares en ingresos recurrentes anuales —frente a los 350 millones de finales de 2025—, y Forbes estima que ganó 116 millones en 2025 con una plantilla de 450 personas. Su tecnología, que abarca modelos de voz y audio en más de 70 idiomas, se usa en dos tercios de las empresas del Fortune 500; Staniszewski avanzó en febrero que la compañía se prepara para salir a bolsa.

No todo es terreno despejado. ElevenLabs ha firmado acuerdos de licencia de voz con talentos como Matthew McConaughey —también inversor— o Michael Caine bajo un modelo basado en el consentimiento, pero también ha afrontado reclamaciones por el uso de voces sin permiso: cerró en noviembre de 2025 una demanda de dos actores de doblaje y sigue viva una acción colectiva presentada en mayo por periodistas y trabajadores de la voz.

El acuerdo con UMG marca, en definitiva, un punto de inflexión en la carrera de la IA musical: la discográfica más grande del mundo se alía con la empresa mejor valorada del sector para construir un producto «con licencia» dirigido a los fans. La incógnita es si ese modelo —creación acotada, remezclas autorizadas y compensación a los artistas— logrará imponerse como el estándar frente a las plataformas abiertas, en un mercado donde la tecnología avanza mucho más rápido que los tribunales.

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El programa «seguirá vigente mientras se mantenga en vigor la autorización de los accionistas al consejo para recomprar acciones ordinarias, incluida su renovación», explicó Spotify. La compañía precisó que el calendario y el número de títulos que recompre dependerán de factores como «la renovación de la autorización por parte de los accionistas, el precio, las condiciones generales del negocio y del mercado y las oportunidades de inversión alternativas». Las recompras podrán ejecutarse «de forma periódica y mediante distintos métodos, incluidas compras en mercado abierto», conforme a las normas de la SEC estadounidense. El plan no obliga a la empresa a adquirir un número determinado de acciones y «puede suspenderse o interrumpirse en cualquier momento».

Spotify lanzó su primer programa de recompra en 2021, cuando su consejo aprobó adquirir hasta 1.000 millones de dólares en acciones ordinarias tras el visto bueno de la junta de accionistas. En julio de 2025 añadió otros 1.000 millones a esa autorización. La recompra de acciones es una herramienta con la que las empresas devuelven capital a sus accionistas y que suele interpretarse como una señal de confianza de la dirección en la solidez financiera y las perspectivas del negocio.

La operación se apoya en unas cuentas boyantes. Spotify sumó 7 millones de suscriptores Premium en el segundo trimestre de 2026, hasta alcanzar los 300 millones de usuarios de pago, y contabiliza ya 777 millones de usuarios activos mensuales en 184 mercados. Los ingresos totales del trimestre ascendieron a 4.777 millones de euros (unos 5.560 millones de dólares), un 14% más interanual, con un beneficio operativo trimestral de 655 millones de euros. El ingreso medio por usuario Premium se situó en 4,89 euros, un 7,4% más a tipo de cambio constante, y la compañía cerró el trimestre con 9.400 millones de euros en caja e inversiones a corto plazo.

Spotify no es la única gran protagonista de la industria musical que está recomprando sus propias acciones. Universal Music Group puso en marcha su primer programa de recompra, por valor de 500 millones de euros, en marzo, y duplicó esa autorización hasta los 1.000 millones al mes siguiente (ver UMG lanza su primer buyback de 500 millones). La discográfica destinó 250 millones en junio a recomprar acciones directamente al fondo Pershing Square de Bill Ackman, que salió del capital tras el rechazo de su oferta de compra de 64.000 millones de dólares, y completó el programa original en julio con 499,2 millones gastados. En agosto arrancó un tramo adicional de 250 millones.

Precisamente para financiar en parte su propia recompra, Universal confirmó en abril que vendería la mitad de su participación en Spotify, una operación con la que esperaba ingresar en torno a 1.400 millones de dólares (ver Universal vende el 50% de su participación en Spotify). Según su informe anual de 2025, la discográfica poseía a cierre de ese año casi 6,5 millones de acciones de Spotify, equivalentes a un 3,10% del capital.

El movimiento confirma una tendencia de fondo: las grandes compañías del negocio musical, tras años de fuerte crecimiento impulsado por el streaming, han entrado en una fase de madurez financiera en la que priorizan la retribución al accionista. Que Spotify amplíe su autorización hasta los 2.200 millones de dólares mientras encadena récords de suscriptores e ingresos envía una señal clara a los mercados sobre la confianza de la dirección en la generación de caja del negocio. La incógnita, como siempre en el streaming, es hasta cuándo podrá sostenerse ese ritmo de crecimiento sin que la subida de precios y la saturación de los mercados maduros terminen pesando en las cifras.

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En la ronda participan también el gigante del videojuego Electronic Arts y las firmas de inversión AMD Ventures y Pacific Alliance Ventures, además de fondos e inversores que repiten respecto a rondas anteriores, como Coatue, Greycroft, Kadmos Capital, Sean Parker y Eric Schmidt. La operación eleva la financiación total captada por Stability AI bajo el mandato de su consejero delegado, Prem Akkaraju, a 232 millones de dólares desde que se incorporó en 2024.

La inversión llega tras el lanzamiento de Stable Audio 3.0, una familia de modelos musicales entrenados con datos licenciados que los artistas pueden integrar en su flujo de trabajo mediante un plugin para estaciones de audio digital (DAW) o directamente en la web de la compañía. Según Stability, el capital servirá para «impulsar el desarrollo de su suite de productos para la producción creativa, profundizar en su disciplina de investigación aplicada y ampliar su brazo de servicios profesionales».

«Este grupo de inversores sin parangón es una afirmación de nuestra visión, en la que la IA generativa empodera a cada productor, músico y narrador», declaró Akkaraju. «Stability es única en el campo de la IA porque somos gente creativa haciendo herramientas para creativos. Desarrollar tecnología que define la industria implica reunir a un equipo de titanes que definen la industria, y eso es lo que hemos hecho aquí». El directivo subrayó que sus inversores aportan «no solo capital, sino experiencia, credibilidad y conexión directa con los artistas».

La entrada de las discográficas no es un movimiento aislado, sino la culminación de una aproximación que venía gestándose. Universal firmó una alianza estratégica con Stability AI en octubre de 2025 para co-desarrollar herramientas basadas en IA generativa entrenada de forma responsable, y Warner Music hizo lo propio en noviembre, con un acuerdo para crear herramientas «responsables y respetuosas con los artistas». Ahora, esas alianzas se traducen también en participación accionarial.

El caso ilustra el delicado equilibrio que buscan las majors: adoptar la tecnología sin renunciar a la defensa de los derechos. La propia Stability lo resume en su comunicado con una frase reveladora: «Aunque los modelos de IA generativa entrenados de forma responsable son fundamentales, no bastan por sí solos. La IA centrada en el artista solo ganará si la experiencia de producto en una plataforma con licencia es mejor que la de una plataforma sin licencia». Es, en esencia, la tesis sobre la que la industria quiere construir su futuro con la IA.

El contraste con el otro gran frente del sector no puede ser más marcado. Mientras invierten en desarrolladores que prometen entrenar con material autorizado, las editoriales de esas mismas compañías mantienen una batería de demandas millonarias contra empresas de IA que, según ellas, se nutrieron de obras protegidas sin permiso (como en las demandas de las editoriales contra Anthropic o en el pulso de la industria con generadores como Suno y Udio). El mensaje es coherente: sí a la IA, pero pagando y con reglas.

En el plano corporativo, la operación refuerza el gobierno de Stability AI. El cofundador de Coatue, Thomas Laffont, se incorpora a un consejo de administración que ya integran el cineasta ganador del Óscar James Cameron, el emprendedor y filántropo Sean Parker, la cofundadora de Greycroft Dana Settle y el propio Akkaraju. «Mientras otros construyen IA generalista, Stability AI construye herramientas creativas y lo hace junto a los artistas, estudios y titulares de derechos cuyo trabajo define el campo», afirmó Laffont.

La apuesta de las majors por Stability AI marca, en definitiva, un punto de inflexión: las mayores compañías de música del mundo ya no se limitan a licenciar su catálogo a la inteligencia artificial, sino que se convierten en propietarias de una parte de la tecnología. Queda por ver si esa integración basta para imponer el modelo «con licencia» frente a la marea de música sintética que inunda las plataformas, pero el sentido de la jugada es inequívoco: si la IA va a transformar la creación musical, las discográficas quieren estar dentro y no solo defenderse desde fuera.

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Situada en el corazón de la capital española, con acceso directo desde la Calle Carretas, la UMusic Shop es concebida como un punto de encuentro entre la cultura, el entretenimiento y el retail. El espacio fusiona sonido, diseño y narración en una experiencia multidimensional para amantes de la música, viajeros y creadores por igual. Jordi Solé, Presidente de UMusic Hotels, ha destacado que «La UMusic Shop es más que una tienda; es un espacio para el descubrimiento, la inspiración y la conexión con los fans. Estamos orgullosos de hacer realidad esta visión en Madrid, y es solo el principio».

La tienda, distribuida en dos plantas, cuenta con sistemas de sonido de alta fidelidad, escaparates digitales, instalaciones curadas de vinilos, ropa y merchandising de artistas, un elegante rincón de cafetería, probadores y expositores modulares para colaboraciones de estilo de vida, y materiales naturales e iluminación ambiental que confieren al espacio un tono cálido y contemporáneo.

Más allá de ser un punto de venta, la UMusic Shop funcionará como una plataforma para la programación cultural en vivo. Esto incluirá encuentros con artistas, sesiones de escucha exclusivas, lanzamientos de productos exclusivos, y activaciones de marca.

Un espacio de instalación permanente presentará exposiciones rotativas que explorarán las historias detrás de la música, ofreciendo a fans y creadores una forma más profunda de interactuar con el catálogo global y la lista de artistas de Universal Music Group. La tienda también desempeñará un papel central en la expectación generada por el esperado Mad Cool Festival, con experiencias y anuncios exclusivos en el horizonte.

Este movimiento representa una «declaración cultural» para Universal Music Group y UMusic Hotels, que buscan redefinir cómo se experimenta la música en el mundo físico, transformando espacios reales en «fronteras inmersivas del fandom». Así pues, se trata del segundo destino minorista premium de Universal Music Group a nivel mundial, uniéndose a la tienda insignia de UMG en el icónico distrito de Harajuku en Tokio.

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Fusionando la influencia cultural de Coca-Cola con la destacada experiencia de UMG en el desarrollo de artistas, rtr nace con la misión de convertirse en un sello referente para la próxima generación de talentos musicales, y de amplificar voces auténticas de todo el mundo.

Como parte de su inauguración, rtr ha anunciado sus dos primeras firmas destacadas, dos artistas cuya visión artística y ambición representan a la perfección la perspectiva global y vanguardista del sello. El primero, Max Allais (Better Now Records/Universal Music Germany), aporta un sonido íntimo y global con narrativas emocionales y pop acústico;  el segundo, el cantautor y productor indio Aksomaniac (Def Jam Recordings India/Universal Music India), fusiona Jazz, R&B, Hip-Hop con sus raíces para contar su historia personal. Se espera que ambos lancen música en los próximos meses.

Joshua Burke, Director Global de Música y Cultura de The Coca-Cola Company, enfatizó que «real thing records. está diseñado para desbloquear un mayor potencial para los artistas, los fans y nuestras marcas». El objetivo es permitir que los artistas brillen y tengan la flexibilidad de desarrollar sus identidades con el apoyo del alcance y la experiencia global de Coca-Cola y UMG. Burke añadió que esta iniciativa es un «compromiso a largo plazo con la música». 

Richard Yaffa, Vicepresidente Ejecutivo de Universal Music Group for Brands (UMGB), destacó la creencia compartida en el poder de la música para generar conexión y experiencias significativas. «Con el lanzamiento de real thing records., llevamos esa visión más allá, uniendo fuerzas para construir un sello moderno que defiende el arte y amplifica las voces emergentes en escenarios globales y locales, mientras brinda a los fans los momentos culturales que anhelan», afirmó.

Los artistas también han expresado su entusiasmo ante esta gran oportunidad: Max Allais mencionó que «es una gran oportunidad para compartir música sin compromisos creativos y conectar con los fans a un nivel más profundo», así como desarrollar su marca personal con el apoyo de dos potencias globales. Por su parte, Aksomaniac señaló que el sello no le pide traducir o simplificar su música, sino que le ayuda a hacerla resonar más fuerte, con el objetivo de “llegar a todo el mundo, más allá de los lenguajes y los géneros».

La génesis de rtr fue la identificación de la forma en la que hoy en día los artistas ven más allá de la música y se conectan con los fans de maneras más personales. Coca-Cola cree que su credibilidad como anunciantes, junto con su experiencia en creatividad, marketing estratégico, diseño y escala, puede conseguir apoyar a los artistas de formas innovadoras y diferentes.

La identidad creativa de la marca rtr ha sido desarrollada por un equipo de colaboradores que incluye a la socia estratégica Bhavagna Bhattiprolu, el director creativo multidisciplinario Ibrahem Hasan (liderando la identidad visual y la plataforma de storytelling), forpeople (branding) y Explorers Club (creación del mundo de la marca y experiencias digitales).

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Dirigida a niños de siete a diez años, la aplicación permite a los niños seleccionar su propia banda de entre una variedad de personajes de Lego, que pueden personalizar y animar. Luego se pueden agregar efectos visuales y de audio para crear el video terminado.

La seguridad en internet es un enfoque clave de la aplicación, que requiere la aprobación de los padres antes de que un niño pueda acceder a ella. Los usuarios permanecen anónimos y pueden cargar sus creaciones para que otros las vean dentro de la aplicación, todo lo cual se modera antes de estar disponible públicamente.

«Queremos alimentar la imaginación de la próxima generación de creativos, proporcionando un nuevo lienzo para que los niños se expresen de forma creativa«, dice Julia Goldin, directora de marketing de Lego Group. «Las investigaciones muestran que más de las tres cuartas partes de los padres de todo el mundo desean que sus hijos tengan más confianza en su creatividad, por lo que estamos lanzando Lego Vidiyo para ayudar a que eso suceda«.

“Sabemos que los niños siempre están buscando nuevas formas de experimentar creativamente y Lego Vidiyo está aquí para ayudar a todos los niños apasionados por la música a dar rienda suelta a su creatividad a través de la construcción de Lego y la producción de videos musicales. ¡No podemos esperar a ver qué se les ocurre!».

El vicepresidente ejecutivo de Universal Music Group And Brands, Olivier Robert-Murphy, agrega: “A través de esta asociación global innovadora, con el poder de la música y el juego aprovechados para apoyar el desarrollo temprano de la creatividad, los niños de todo el mundo podrán expresarse mientras actúan, dirigen, interpretan y comparten sus videos musicales. Lego Vidiyo es una excelente manera para que millones de niños descubran nueva música y se acerquen a sus artistas favoritos mientras aprenden y se conectan a través del juego ”.

La aplicación estará disponible a partir del 1 de marzo. Y siendo que LEGO es un pasatiempo que disfrutan muchos adultos, seguramente no serán solo niños quienes den rienda suelta a su creatividad con esta nueva herramienta.

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En la asamblea, también se comunicó que la entidad repartió el pasado año un 3,8% más de derechos de autor entre sus asociados: 248,2 millones de euros repartidos en 2017 frente a los 239,1 millones de euros de 2016. En el capítulo de ingresos, la SGAE obtuvo en 2017 un 2,9% más que en el ejercicio anterior (246,7 millones de euros frente a los 239,6 millones de euros en 2016).

La Rueda y los presuntos casos de corrupción de SGAE son el detonante de la decisión de celebrar elecciones anticipadas. Durante la sesión, los miembros de la junta directiva anti rueda exigieron el cese inmediato del presidente Sastrón y de la Dirección colegiada. Entienden que es la única forma de asegurar que las próximas elecciones se celebren de forma limpia y democrática. En este sentido sigue la preocupación que al haberse eliminado todos los mecanismos anti-rueda en las normas de reparto, los socios vinculados a este fenómeno vuelven a poder campar a sus anchas, existiendo un peligro de que la nueva junta directiva vuelva a estar mayoritariamente controlada por la Rueda. Al mismo tiempo, solicitan al Ministerio de Cultura que adopte las precauciones necesarias para garantizar unas elecciones democráticas y limpias.

Además, las multinacionales (Warner/Chappell, Sony/ATV, Universal Music Publishing Group, BMG y Peermusic) han puesto presión pidiendo la retirada de lo que supone casi el 60% de los derechos de radiodifusión en España, y que impediría a la Sociedad de Gestión recaudar por la emisión en antena de radio o televisión de sus canciones. La cifra por estos derechos asciende a casi 30 millones de euros, un 12% de los 246,7 millones que SGAE recaudó en 2017 . La sociedad de gestión española todavía contaría con la recaudación por la música en directo y en establecimientos, pero no así con la categoría de difusión digital, de la que las compañías se despidieron hace años.

«Estos temas llegaron a suponer el 70% de los ingresos por parte de las cadenas, pese a alcanzar apenas el 1% de la audiencia. Nuestro repertorio recibe cerca del 1%», declara Santiago Menéndez, Director General de Warner/Chappell en España y Portugal para EL PAÍS– Aunque todas las compañías hayan coincidido con esta petición en el tiempo, confirman que no actúan de manera conjunta.

Por otro lado es importante destacar que – aunque en abril se aprobó el Real Decreto que abre el derecho de autor al libre mercado en Europa, y ya pueden considerarse opciones internacionales para esta gestión de derechos a partir del año que viene – actualmente no existe entidad de gestión en España con capacidad para ejercer la recaudación que realiza a día de hoy la SGAE, por lo que si bien la entrada de un nuevo operador es viable, necesitaría un periodo de tiempo relevante para conseguir una capacidad de gestión acorde a los derechos que se generan en la actualidad.

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De acuerdo a un reporte de MBW, los detalles han sido obtenidos a través de algunos mánagers y sellos independientes que han recibido una carta oficial de Sony el pasado 14 de junio en la cual se detalla la fórmula que utilizarán para el pago.

En el momento de la salida a bolsa de Spotify en abril, Sony Music Entertainment era propietaria del 5.08% de las acciones de la compañía. Según los expertos esta participación equivalía aproximadamente a la del resto de las discográficas combinadas: Warner Music con un 1.9%, Universal Music con  el 3.5% y Merlin 0.5%. Sony Music decidió poner en venta aproximadamente el 50% de su participación tras la llegada de Spotify a bolsa, y esta operación le reportó unos $750 millones en ganancias. Ahora este dinero será compartido con los artistas y sellos subsidiarios de la discográfica, a más tardar en el mes de agosto de este año.

Desde que se conoció que Sony Music había liquidado el 50% de sus acciones en Spotify y que la compañía estaba comprometida a compartir estas ganancias con sus artistas y sellos, expertos en la industria han expresado su preocupación: en principio se pensaba que los $750 millones no iban a ser distribuidos entre todos los artistas y sellos de Sony, sino que esto dependería de cada contrato individual; y también que lo que correspondiese a cada artista se aplicaría a sus balances no recuperados, por lo que al final la mayoría de artistas acabarían no recibiendo un centavo.

Sin embargo, Sony Music ha comunicado expresamente que se compromete a pagar las ganancias de esta operación con todos los artistas elegibles y sellos subsidiarios, independientemente de sus contratos individuales, e ignorará los balances no recuperados tanto de artistas como de sellos. Es decir, sin importar cuánto “deba” un artista al sello en materia de adelantos, a finales de agosto todos recibirán un pago por la transacción.

Sony Music emitió dos comunicaciones relacionadas con la venta de acciones de Spotify: una para sus artistas y otra para los sellos independientes para los cuales distribuye música a través de The Orchard. Ambas cartas explican a cada colectivo que el pago que les corresponde por las ganancias de la venta de las acciones será calculado de forma independiente a cómo se calculan sus royalties y confirma cuál será la fórmula que utilizará la compañía para calcular los pagos a casi 10.000 artistas por casi 2 millones de canciones, fórmulas que vemos a continuación.

Artistas

En el caso de los artistas, Sony tomará en cuenta dos cosas: el porcentaje que los ingresos por las canciones de ese artista representan del dinero total generado para Sony desde Spotify, y el porcentaje que la música de ese artista ha contribuido a los ingresos totales de Sony, ambos criterios tomados en cuenta desde 2008 hasta 2018. Veamos un ejemplo:

Digamos que un Artista X contribuyó al 0.33% de los ingresos que recibió Sony Music por parte de Spotify entre 2008 y 2018, específicamente entre el momento en que Spotify fue lanzado y el momento en que la compañía vendió sus acciones. Luego, digamos que la música de ese mismo Artista X contribuyó un 0.5% a los ingresos totales que obtuvo Sony provenientes de todos los formatos durante ese mismo período. En la fórmula que se utilizará para los cálculos, a cada uno de estos porcentajes se le asignará un peso de 50/50.

–Sony sólo estará compartiendo con los artistas y sellos la ganancia de la operación de la venta de acciones, por lo que de los $750 millones habrá que deducir los costos de la compra de esas acciones diez años atrás y cualquier otro cargo incurrido para la venta de las mismas. Sin embargo, para hacer los cálculos sin mayor complicación, digamos que la cifra total a repartir son $750 millones–.

0.33% de $750 millones son $2.475 millones
0.5% of $750 millones es $3.75 millones;

La media promedio (ponderación 50/50) quedaría: ($2.475M + $3.75M) / 2 = $3.113M.

Por último, digamos que la tarifa de royalties del Artista X es de 16%: este artista recibiría el 16% de $3.113m = $498,000.

Esta fórmula se repetiría con cerca de 10 mil artistas, una gran noticia para la industria.

Sellos subsidiarios

En el caso de los sellos subsidiarios, el cálculo es similar al de los artistas, con alguna diferencia importante. En primer lugar, Sony Music debe calcular la contribución total de sus sellos subsidiarios a los ingresos totales de la compañía en los últimos diez años.

Para hacer los cálculos, digamos que agrupados, estos sellos han contribuído un total de 10% al ingreso total de Sony Music, por lo que se aplicaría ese porcentaje a los $750 millones que obtuvo Sony en ganancias, resultando que entre todos tendrían para repartirse $75 millones.

Ahora habría que aplicar la misma fórmula que a los artistas, pero sobre esos $75 millones. Entonces digamos que un Sello X contribuyó con 1% del total de ingresos acumulados por todos los sellos subsidiarios y con un 0.5% de los ingresos generados por los mismos sellos pero solo en Spotify.

1% de $75 millones son $750,000
0.5% de $75 millones son $375,000
($750,000 + $375,000) / 2 = $562,500

Sin embargo, ¿cuál es el motivo detrás de tanta generosidad, si estos pagos no están estipulados por contrato? Sony Music se está adelantando al juego del mercado en una industria cuyas bases cada vez dependen menos de la industria discográfica. Con este desembolso, la major le está dando un golpe bajo a Universal Music y Warner Music, puesto que las otras dos compañías no han mostrado interés en hacer una repartición tan generosa de los frutos de sus inversiones en Spotify. En el caso de Warner Music, ésta ha declarado públicamente que compartirá sus ganancias de las acciones de Spotify con artistas y subsidiarios, pero solo cuando esto esté estipulado explícitamente dentro de los contratos individuales. El poder de los artistas es cada vez mayor en el mercado actual, e incluso los sellos independientes le han ganado terreno a las majors, acumulando en conjunto más ingresos que la discográfica más grande en 2017.

Los acuerdos de licencia –generalmente, de 10 años– se han convertido en una práctica común en el tope del mercado, mientras que acuerdos 50/50 y acuerdos de solo distribución también están en auge dentro de las multinacionales. Una fuente indicó a MBW que “la idea de que una discográfica sea la dueña de todos los derechos de una superestrella para toda la eternidad es una idea muerta”.

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