De igual forma, Fabrizio se ubica también en el consejo directivo de Discos Panoram, sello discográfico del grupo Zoé, desde donde se encuentran desarrollando nuevos talentos con bandas como Reyno, Costera, AJ Davila, Juan Moreno entre otros. Por todo esto y más Onetto es una figura para hablar con propiedad sobre la internacionalización de talentos hispanos.

IM: ¿Cuál es el mayor reto que se tiene a la hora de promover música desarrollada en países hispanos para el resto del mundo?

Mopri: Desde el punto de vista de Seitrack en como trabajamos y lo que buscamos, el reto principal es que nuestros artistas consigan éxito en México. Una vez que logramos algún tipo de historia que se pueda exportar nos ponemos a trabajar en ello. En todos los casos después de México, el país más importante es “California”, si fuese un país, y después EEUU. La cercanía para nosotros es la prioridad natural con California, luego Chicago y Texas. Si hablas de un género urbano puede que Florida tenga un peso más considerable, pero para rock y música regional es California la prioridad después de México. California, siempre lo hemos visto como después de México el país más importante.

Luego de EEUU vemos qué otros territorios. A veces Centro América es un mercado natural, y después la prioridad siempre es Colombia, después Chile, a veces Argentina y posteriormente uno ya pensaría en España y muy posteriormente en países de no habla hispana. Esto sería un plan realista. Obviamente uno busca penetrar otros mercados, pero en el mayor de los casos es muy raro.

IM: ¿Existe una fórmula de internacionalización extrapolable a diferentes proyectos?

Mopri: No diría que hay una fórmula, pero hay un checklist de cosas que hay que buscar cubrir. Hay muchas cosas que se pueden hacer desde la trinchera en donde uno vive: se pueden hacer entrevistas, phoner, analíticas de las redes, analizar dónde invertir. Por ello, hoy en día un artista se puede hacer conocer a la distancia algo que anteriormente era imposible.

Cuando la data nos arroja que está ocurriendo algo nos da respuestas y también surgen oportunidades en otros países, pero no diría que hay una fórmula.

También siempre van a haber artista con una inclinación a internacionalizarse más que otros. En el caso de México, tenemos un mercado tan grande con más 100 millones de personas, que tenemos artistas que pueden desarrollar una carrera perfectamente exitosa y duradera, sin necesidad de salir del país. Eso es algo que a veces va en contra de la internacionalización y vuelve a los artistas cómodos.

Hay géneros que son más limitados y hay formas de cultura que no se traduce lo que hacemos aquí a países como Argentina o a España, pero hay casos en los que sí, algo muy mexicano puede ser atractivo a otros países.

IM: ¿Cómo determinar el momento adecuado o la etapa en la carrera artística en la que conviene dar el paso de internacionalización? ¿Cuándo dices que los has logrado en México, cuando llenas espacios con miles y miles de personas (un Foro Sol?) o mucho antes?

Mopri: No, mucho antes, mucho antes. Cuando arranco Zoé por ejemplo, cada disco y cada etapa siempre se consideró a California y Estados Unidos dentro del plan. Con el segundo disco Rocanlover se hizo la primera gira formal, estilo guerrillero con su camioneta como hace todo el mundo a sus inicios. Y se debieron hacer unas 10 giras desde el primer disco a la fecha, y te puedo decir que la última gira fue donde vieron dinero. Es lo mismo que ocurre en España, donde también se ha invertido y te puedo decir que en la salida de su siguiente álbum hay fechas ya anunciadas en España y en Latinoamérica.

El sistema de booking de Zoé está muy desarrollado con cada lanzamiento, su agente principal, Javier Montemayor tiene ya más diez años haciendo giras de Zoé y es un proceso donde ya tiene referencias de todo lo que ya hiciste para trabajar mejor y 10 años de aliados y cada vez haces mejores giras. Llegar a eso es bien complicado y lo necesitas tener claro desde el principio.

Con Costera una banda nueva, a penas estamos resolviendo el circuito en México luego ver cómo se extiende a Estados Unidos.

El problema que tiene Estados Unidos es que a partir de Trump es más difícil girar por las políticas migratorias, es más exigente el tema de las visas, sigue siendo caro y por ello algunas bandas están considerando desarrollar otros territorios. Allí es cuando el entorno afecta tus decisiones y tus planes. Pones en la balanza el costo de las visas, lo procesos etc y el beneficio que puedas obtener de una gira.

IM: Danos una pista, pues sabemos que llenar el Foro Sol es algo exagerado, pues Zoé salió mucho antes, pero de nuevo cuándo puedes decir hay un indicativo que lo hemos logrado en México.

Mopri: Sí hay indicativos. Cuando estas arrancado es si estas llenando lugares de 200 o 300 personas en diferentes en diferentes ciudades. Ese sería el primer indicativo que te invita a pensar en extender esas ciudades que puedes hilar en una gira. El otro elemento son las analíticas y cuando ves que la mayoría de tus streams o seguidores están en otro país es un indicativo que hay algo allí afuera y hay feedback, existe algo.

IM: ¿El business plan de un proyecto de internacionalización de la música, teniendo en cuento los tiempos que nos cuentas de Zoé, a cuántos años debería ser?

Mopri: A mi me gusta trabajar a 1 año, 3 años y ya muy lejano a 5 años. Hoy en día creo que si trabajas a 1, 2 y 3 años con objetivos claros en esos rangos de tiempo es más razonable, por más que tengas de visión de carrera de 10 o 15 años. Pero el plan inmediato con el que debes trabajar en el día a día es a dos o tres años, porqué por que el mundo cambia muy rápido, hay situaciones nuevas, entornos diferentes, los fans cambian. Hay que tomar en cuenta ese entorno cambiante por lo que yo no recomiendo planes más allá de tres años.

Con respecto al retorno depende de quién sea en la cadena, el editor, el manager, la discográfica, el artista…Una editora apuesta a 10 años, una disquera apuesta a 3 discos, el manager apuesta entre 3 y 5 años primero. El artista debe apostar con un compromiso total de una vida si quiere hacerlo en serio, de carrera y saber que es una carrera bien ingrata y complicada. Es más, verlo con el retorno de cada proyecto dentro de una carrera, proyectos o ciclos, para llegar a puntos de equilibrio.

Esta es una industria en donde la carrera de resistencia es lo que dicta las cosas y somos más maratonístas que corredores de 100 metros planos es así como hay que pensar más en el largo plazo.

Parte de nuestra labor como manager y consultores es ayudar y educar a los artistas para que tengan una visión más global. Una parte de buen ejemplo es la parte editorial que es algo más a largo plazo, el catálogo. Hay cosas que tienes que hacer para impulsar el desarrollo a corto plazo y otras a más a largo plazo para tener un proyecto más robusto. Y cuando el artista entiende mejor que juego está jugando más fácil y más posibilidades tiene de ganar el juego.

IM: ¿Consideras que el Estado juega algún papel importante en el desarrollo de proyectos artísticos a nivel internacional?

Mopri: El Estado juega un papel importantísimo y el Estado mexicano hace lo que puede, desgraciadamente tenemos otros problemas que atender y la cultura pasa a un segundo plano. México tiene una cultura muy fuerte que es reconocida en todo el planeta y eso el gobierno lo sabe, entonces sus mecanismos y organismos de cultura, obviamente se van por lo más fácil, por lo íconos ya reconocidos, lo folclórico o autóctona es lo que se busca impulsar con ayuda de gobierno. No quiere decir que está mal, pero creo que se podría apostar por proyectos que tienen una visión más global del mundo y no solo algo netamente mexicano. Por ejemplo, en el cine o los fotógrafos mexicanos en los últimos años han ganado todos los premios habidos, es decir, si se ha hecho, en la música se puede hacer, pero el apoyo que se puede obtener es más difícil cuando quieres hacer un proyecto pop o un proyecto rock.

Me da envidia de la buena el apoyo que tienen países como España, como Canadá, a sus proyectos de música alternativa, Inglaterra ni se diga. Es más, hasta Colombia siento que tiene sistemas de apoyo mejor organizados que nosotros (México). Aunque si siento en los últimos años ha habido pasos a mejorar en ese aspecto.

Hay países en donde por ejemplo los ingleses lo ven como industria y como algo más global, no tanto netamente cultural.

IM ¿Nos puedes nombrar 5 herramientas o elementos claves o imprescindibles para internacionalización?

Mopri: Una herramienta básica que a veces se ignora, el mailing list, un lugar donde la gente te pueda dejar tu correo y si ves que empiezas a crecer en una determinada región. Y es una base de la cual tú tienes el control, no es tu base de Facebook.

Cualquier herramienta donde haya tracción, hay proyectos que funcionan mejor en Facebook, otros en Instagram.

Bandsintown es una muy buena herramienta para saber dónde está la gente que va a los shows. Pero también esta data varía mucho dependiendo del artista, a veces funciona muy bien en YouTube y en Spotify está muerto.

Básico es tener un website, que a veces no se tiene, hay artistas que creen que con Facebook ya resolvieron todo, pero es importante tener un hub, donde puedas tener un mailing list y todas las plataformas digitales, que el que te busque te encuentre y de la web además salen las analíticas.

IM: ¿Crees que se puede exportar música en inglés de un proyecto hispano? Particularmente aquí en España hay muchos grupos indies que adoptan el inglés como lengua de interpretación y queríamos saber si piensas que esto estrategia acertada o crees que es algo que te puede jugar en contra.

Mopri: No es que esté en contra, cada uno es libre de expresarse como quiera, en lo que respecta a la composición, pero en lo que respecta a la interpretación, en el 99% de las veces, las bandas o los artistas que interpretan en inglés, el acento es muy notorio para una persona anglo o para un escucha mundial que está acostumbrada a escuchar música en inglés cantada por angloparlantes.

El acento es un gran traidor. Por ejemplo, hay artistas argentinos o uruguayos, sin irnos al inglés, que su acento no traduce aquí en México y viceversa, y lo mismo pasa con España. En el inglés es peor el problema, porque estás acentuando un lenguaje en donde ese acento no aplica y algo que no se puede evitar. Por lo que no sé, a menos que sea algo encantador como los discos de los años 70 de Caetano Veloso (sino no tiene sentido).

Caetano es un gran ejemplo, es una figura icónica en Brasil con una carrera de más de 50 años y canta con una dicción muy muy buena en italiano, en francés, inglés, español, el tipo de maneja cinco idiomas, pero te vende su interpretación de manera que te das cuenta de que es Caetano que es un brasilero cantando en otro idioma, pero no sé de qué manera lo hace, pero es tan convincente que se la compras.

IM: Perdona que te interrumpa, pero creo que la razón por la que se la compras es porque no trata de imitar, él trae consigo su esencia. Hay muchas bandas que tratan de sonar como una banda anglo y esa esencia hispano o latina se deja a un lado.

Mopri:  Sí yo creo que va por ahí, yo entiendo que la lógica dice, ok si me quiero dedicar a la música, la música más popular del mundo es en inglés y para tener más oportunidades de desarrollo está en inglés, pues lo lógico es que cante en inglés.

Pero no necesariamente, uno está echando de menos su propio lenguaje y su propio idioma y la fuerza que puede tener. Se pueden conquistar muchos mercados en español, lo ha hecho mucha gente y creo que es suficientemente grande el mercado hispano de más de 400 millones de personas, como para querer abarcar los quizás más 1000 millones de hablan inglés, no lo sé, pero genera sentimientos encontrados.

Especialmente las bandas de España, me gusta mucho la música de bandas como Arizona Baby, me gusta mucho la música que hacen, pero no se la compro por el acento, es notable el acento.

IM: ¿Cuál es tu visión sobre la internacionalización en ambos lados del Atlántico? ¿Crees que los proyectos que se desarrollan en España tienen la misma receptividad en Latinoamérica y viceversa? ¿Pongamos el caso de Vetusta Morla y Zoé donde ambas bandas han sido aliadas de internacionalización, pero donde que a Vetusta Morla lo han querido más en México que a Zoé en España, es esto así, crees que esto es algo en la idiosincrasia de cada país?

Mopri: En ese caso específico, el público de Vetusta en España, a mi manera de verlo es un poco más cerrado a otras bandas fuera de Vetusta, independientemente si son españolas o no. Está tan casado a esa banda que en un concierto le cuesta abrirse a darle una oportunidad a una banda más, sea quien sea, no importa que sea de México o no. Esa es mi percepción, hay artistas que son tan especiales que llegas hasta el grado de obsesionarte. Vetusta es una banda tan especial que tiene fans obsesionados con ellos y les cuesta trabajo abrirse a otras cosas.

Y con Zoé, el público de Zoé en México es más receptivo a otras bandas, porque los mismo Zoé han hecho énfasis en invitar banda y actos muy pequeños a abrir sus shows y han educado a su público a darle una oportunidad a las bandas que ellos les dan una oportunidad.

En el caso de los países y las culturas, yo las pocas veces que ido a España a ver shows me han tocado festivales con publico anglo y muy variado también. Pero mi percepción es que aquí en México, el público es muy generoso y abierto, especialmente en Ciudad de México, no tanto así en todo el país. Le gusta mucho los artistas de España, de Argentina, últimamente de Colombia, de Chille. Es un público más receptivo y abierto que en otras partes del mundo, no sé porqué sea, pero es así.

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De esta manera, Sony Music inicia una aventura conjunta con un acuerdo que incluye la reedición y distribución del catálogo de la banda en todo el mundo y la licencia del nuevo álbum que están preparando actualmente.

La alianza Sony Music-Pequeño Salto Mortal refuerza un interesante escenario internacional para Vetusta Morla, un grupo que se ha hecho fuerte en España y que también ha contagiado con sus canciones a países como México, Argentina, Colombia o Alemania, lugares donde sus tres discos de estudio han sido distribuidos previamente.

Todas las referencias del catálogo de la banda llegarán a partir de ahora a través de la licencia con Sony a muchos más países, principalmente de Latinoamérica, con el objetivo de ampliar su desarrollo  internacional.

José María Barbat, Presidente de Sony Music Iberia, comentó “Es un verdadero honor poder formar parte de la familia de PSM y trabajar junto al talento de la banda que ha marcado el paso en la música rock independiente de nuestro país en la  última década”

En palabras de los miembros de Vetusta Morla «Ahora es Sony quien se suma al equipo y a la filosofía de Pequeño Salto Mortal. Es desde esa perspectiva como se ha alumbrado una alianza que nos permitirá seguir grabando los discos que queremos con PSM, nuestro pequeño gran sello, sobre los mismos ladrillos, ideas y valores con los que empezó esta aventura”.

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Decidido por una combinación de voto público y jurado de la industria de Portugal y España, Iberian Festival Awards reconoce las contribuciones y logros de los organizadores del evento, y todos los otros players en la industria de los festivales de música en áreas como la activación de marca, producción y logística, los medios de comunicación, etc.

De los festivales españoles, los galardonaos fueron Primavera Sound (Mejor festival de gran formato, mejor promción turística y mejor comunicación) Bilbao BBK Live (Mejor Zona de Acampada y Mejor Infraestructura), Resurrection Fest (Best Line-Up de España) Madrid Live Festival (Mejor festival Indoor de España) y Cruilla Barcelona (Mejor programación cultural), mientras que el grupo Vetusta Morla se hizo con la Mejor Actuación en Directo de la Península Ibérica

Repasamos todos los ganadores:

BEST MAJOR FESTIVAL
Winner: Primavera Sound (ES)
Country winner: FMM Sines (PT)

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Luego de recibir el Premio de la Música Independiente en España a la «Mejor Producción Musical» por el disco La Deriva de Vetusta Morla, charlamos con Manuel Colmenero, productor musical y socio fundador junto Javibu Carretero de la casa productora Sonobox, sobre la que ya en alguna ocasión os hemos hablado. En esta ocasión para conocer un poco más el día a día de una casa productora desarrolladora de proyectos, su visión sobre la tecnología y el de un estudio de grabación de primer nivel en España.

IM: Conversando con Roberto Grima, Head promoter de Live Nation Madrid, resaltaba la importancia que tiene en el mundo del directo, tener un business plan a medio-largo plazo. Actualmente en el mundo tecnológico se establecen grandes imperios y empresas muy valoradas en muy poco tiempo, ahora bien cómo se traduce esto en un negocio como puede ser el de la grabación o producción de material fonográfico.

MC: Mi percepción es que estamos atravesando una travesía del desierto debido a la profunda estructuración del modelo de negocio de la música. El mundo online ha cogido un claro protagonismo y el streaming va en crecimiento progresivo, pero el sistema de repartos hacia artistas, productoras y discográficas deja mucho que desear y esta todavía por definirse de manera que sea mas equitativo y produzca una nueva sosteniblidad de los artistas y los proyectos. Dentro de esta travesía, para una productora musical y estudio de grabación como es nuestro caso, debe primar la cautela tanto en la inversión de proyectos como en la tecnológica. Hay que estar permanentemente en pleno update y upgrade, tanto mental y artístico como técnico, pero la clave es discernir realmente qué pueden ofrecerte los fabricantes tecnológicos a tu sistema de producción que realmente te aporte y te haga crecer y qué cosas son innecesarias y forman parte de planes de marketing para crear necesidades que no existen como tales. Las empresas tecnológicas podrán crecer a un ritmo vertiginoso, pero difícilmente podrán estar en sincronía de crecimiento con una industria musical tan tocada como es la de España, con tan poco apoyo y reconocimiento.

[colored_box color=»blue»]«De nada sirve un buen sonido sobre una mala letra o una melodía mediocre»[/colored_box]

IM: ¿Cuál es la rutina de Sonobox y cómo trabajan sus producciones musicales? ¿Qué los mantiene vigente y cómo han evolucionado?

MC: La rutina en Sonobox es movida por el mismo motor que impulsó hace 20 años la creación del proyecto, y es la ilusión y el amor por la Música y el oficio que ejercemos. Y dentro de esto, es el profundo respeto a los artistas que nos depositan su confianza y el respeto también a todas las manifestaciones musicales. El día a día nos puede coger o grabando, mezclando o masterizando para una de nuestras producciones o para algún cliente o artista que nos ha pedido este tipo de trabajo. O podemos estar en un local de ensayo preparando con una banda la preproducción de su próximo álbum o la gira para su próximo directo. O grabando fuera del estudio en algún lugar cuya personalidad sonora nos parece interesante para una producción.

Nuestra forma de trabajar las producciones es muy artesanal, no en el sentido de falta de medios, sino en cuanto al cuidado de los detalles y el tiempo que empleamos. Para nosotros lo que mueve todo esto y el eje central es la buena calidad de las canciones. Por eso somos tan exigentes con los repertorios. De nada sirve un buen sonido sobre una mala letra o una melodía mediocre. Tampoco somos partidarios de anticipar cada fase de la producción sin que la anterior esté bien asentada y cuente con el consenso con el artista.

Lo que nos mantiene vigentes yo creo que, como decía anteriormente, es estar en estado permanente de update y upgrade mental. Tener los oídos siempre muy abiertos y no establecer prejucios hacia nada ni nadie.

IM ¿Qué elementos toman consideración antes de trabajar en un proyecto. Los artistas los eligen o ustedes a ellos?

MC: Antes de trabajar en un proyecto, hay dos aspectos fundamentales: En primer lugar, la conexión a nivel personal con el artista. Tiene que haber un entendimiento y una complicidad a la hora de trabajar. Si no, difícilmente se podrá hacer un buen álbum. Es importante disfrutar del proceso. Eso también impregnará positivamente la producción. En segundo lugar, buenas canciones. Los años nos han enseñado que lo más honesto es no empezar una producción si no hay buenos temas porque si no, la producción pasará a ser mera pirotecnia encubridora de las carencias de una mal repertorio.
La elección de los proyectos es bidireccional. A veces somos llamados porque han escuchado nuestro trabajo con otros artistas. En otros casos llamamos nosotros porque sentimos que hay mucho talento y el proyecto merece la pena.

[colored_box color=»blue»]«la magnífica conexión con los vetustos desde el principio, hizo que nos embarcáramos en una “joint venture” rumbo a lo desconocido»[/colored_box]

IM: Bisbal, Bustamante, Malú, Nena Daconte, David de Maria, Sabina, son algunos de los grandes nombres que han sido trabajados en vuestro estudio, pero hay un proyecto en particular que por diferentes componentes me gustaría nos hablaran. ¿Cómo es fue la experiencia de dar ese salto y pasar de estudio de grabación a casa productora con Vetusta Morla? ¿Qué nos pueden contar de lo que ha sido esta experiencia, cómo ha cambiado vuestra forma de pensar y qué aprendizaje se han llevado de ese recorrido?

MC: Desde el nacimiento de Sonobox siempre entendimos y hemos tenido una doble visión de ser empresa de servicios, pero también de proyectos debido a nuestro ímpetu de desarrollar y trabajar en proyectos que nos resultan interesantes y que pensamos que puedan aportar al panorama musical. Y esto es previo a empezar a trabajar con Vetusta. De hecho, conocimos a Vetusta porque yo había grabado con Álvaro, bajista del grupo, en el primer Sonobox y porque compartían local en Tres Cantos con XXL, una banda de new metal, que previamente al trabajo con Vetusta, habíamos producido y ayudado a desarrollar desde Sonobox. Todo esto y la magnífica conexión con los vetustos desde el principio, hizo que nos embarcáramos en una “joint venture” rumbo a lo desconocido, pero con una fe tremenda en lo que estábamos haciendo y en la personalidad diferencial de la banda.

El aprendizaje ha sido inmenso. Todo el camino ha sido la consecución de un reto tras otro, no libre de obstáculos. En primer lugar, nos cogió justo en el momento que sentíamos que las discográficas empezaban a derrumbarse en el modelo que durante años habían tenido e iniciaban su proceso de catarsis. Era el nacimiento incipiente de MySpace y del poder expansivo de Internet. Se abrían canales nuevos y otra forma de poder hacer las cosas. Entrábamos en la horizontalidad que permite Internet y el mayor acceso. Esto ayudó en el hecho de que ninguna discográfica se interesase por el proyecto y tuviéramos “Un Día en el Mundo” en un cajón durante meses. Otro aprendizaje de todo esto es que la suma de un colectivo cuando comparte un objetivo común sin fisuras y persevera, puede alcanzar cotas inimaginables.

[colored_box color=»blue»]«el grabar con alguien que tenga experiencia y hacerlo en un sitio con una acústica controlada tiene muchísimas ventajas»[/colored_box]

IM: ¿Qué papel juega el productor musical y un estudio profesional en una época en que incluso algunos artistas han logrado irrumpir gracias a grabaciones caseras? O crees que esto no es viable

MC: La tecnología ha permitido el acceso,  pero también cierta degradación en el oficio. Anteriormente, para acceder al puesto de ingeniero de sonido o productor, tenías que hacer un camino en el que empezabas limpiando el estudio y poniendo tés y cafés, posteriormente tirarte años aprendiendo y entendiendo las técnicas de microfonía, hasta que tenias una «suelta» y ya estabas capacitado para poder mezclar. Hoy esto se ha perdido. Hay gente en sus casas grabando canciones llenas de alma y frescura, pero hay otros casos donde se hacen verdaderos “atentados sonoros” por esta falta de oficio y que posteriormente hay que arreglar en un estudio profesional. Creo que después de este “hype” que ha existido con el acceso a la tecnología, cada vez más vuelve a haber una concienciación de que cuando llega el momento de hacer un proyecto importante y profesional, el grabar con alguien que tenga experiencia y hacerlo en un sitio con una acústica controlada tiene muchísimas ventajas. En este sentido, también el papel del productor tendrá vigencia. Tener una visión externa y un feedback permanente en todo el proceso y enfocar la creación para que llegue al mejor puerto posible, es algo que muchos artistas van a demandar siempre.

[colored_box color=» blue»]«se están estableciendo hábitos de escucha y de consumo en dos direcciones: la del día a día y de consumo masivo , donde entra el streaming principalmente, y una más “delicatessen”[/colored_box]

IM: Desde el punto de vista de productor musical cómo percibes el consumo de música a través de sistema de streaming o formatos digitales. ¿Crees que es un “irrespeto” a vuestro trabajo, al sonido y experiencia que los músicos deseaban transmitir? ¿Qué opinas de la nueva tendencia de streaming de alta fidelidad con plataformas como Tidal (HiFi: Flac 1411 kbps – Lossless 16 bit/44.1 khz) o Deezer Elite?

MC: Creo que esto ha evolucionado a mejor y estamos ya en unos términos de calidad bastante aceptables. Venimos de una época de un mp3 de calidad muy degradada que sí era muy “irrespetuoso” pero que, afortunadamente, ha ido mejorándose desde plataformas como Itunes, Spotify y Youtube. Creo que todo esto se resolverá cuando haya un “ancho de banda” de verdad, donde el consumidor pueda hacer streaming o pagar por los archivos tal cual se crearon en el estudio, con la misma resolución y calidad. El streaming de alta fidelidad me parece un valor añadido que tendrá poca duración y sentido si un verdadero ancho de banda no se hace accesible. Creo que se están estableciendo hábitos de escucha y de consumo en dos direcciones: la del día a día y de consumo masivo , donde entra el streaming principalmente, y una más “delicatessen”, donde entran formatos como el vinilo que está recibiendo una clara expansión y crecimiento.

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Anoche tuvo lugar en Madrid la entrega de la 7ª edición de los Premios de la Música Independiente, Premios MIN 2015.

Vetusta Morla, con 7 galardones, fueron los protagonistas de la noche más importante del año para la industria musical independiente, sumando así algunos de los premios más importantes de la noche, Artista del Año, Álbum del Año, Canción del Año, Mejor Directo y Producción del Año bajo el trabajo de Sonobox, entre otros 2 premios más.

También se entregaron premios al mejor artista independiente de Costa Rica, país invitado en esta edición, y al mejor artista mexicano, galardón ya tradicional que se entrega gracias a la colaboración de IMAS, el equivalente de UFI en el país azteca. El premio al Mejor Artista Internacional también recayó en un músico latinoamericano, la chilena Francisca Valenzuela.

El premio “Mario Pacheco”, Galardón de Honor de la Música Independiente, se entregó a la memoria del recientemente fallecido Juan Claudio Cifuentes, “Cifu”, crítico musical y profesional de la radio y televisión especializado en jazz.

La ceremonia contó con las actuaciones en directo de Vetusta Morla, El Canijo de Jerez, Rayden, Joan Colomo y Berri Txarrak.

LISTADO DE GANADORES

Artista del año – Vetusta Morla
Premio Gibson Brands al Mejor Álbum del Año – Vetusta Morla
Premio Fundación SGAE a la Canción del Año – Vetusta Morla
Mejor Artista Emergente – Belako
Premio Ticketea al Mejor Directo – Vetusta Morla
Premio Sol Música al Mejor Videoclip – Vetusta Morla
Mejor Artista Internacional – Francisca Valenzuela (Chile)
Mejor Artista Costarricense – La Versión Extendida de las Cosas
Premio IMAS al Mejor Artista Mexicano – Pumcayó
Mejor Álbum en Catalán – Els Amics de les Arts
Premio Etxepare al Mejor Álbum en Euskera – Berri Txarrak
Mejor Álbum en Gallego – Terbutalina
Mejor Álbum de Pop – La Habitación Roja
Mejor Álbum de Rock – Los Enemigos
Mejor Álbum de Metal – Brutalizzed Kids
Mejor Álbum de Músicas del Mundo – El Canijo de Jerez
Mejor Álbum de Jazz y Músicas Contemporáneas – Jorge Pardo
Mejor Álbum de Rap, Hip-Hop y Músicas Urbanas – SFDK
Mejor Álbum de Flamenco – Raúl Rodríguez
Mejor Grabación Electrónica – Huías
Mejor Álbum de Música Clásica – Eduardo Paniagua
Mejor Producción Musical – Vetusta Morla
Mejor Diseño Gráfico para un Álbum – Vetusta Morla
Mejor Fotografía Promocional – Vetusta Morla
Premio Radio 3 – Rayden
Premio “Mario Pacheco”, Galardón de Honor de la Música Independiente – Juan Claudio Cifuentes, “Cifu»

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El experimento audiovisual es una nueva genialidad de la banda donde el usuario puede disfrutar del videoclip desde la perspectiva visual y sonora de cada uno de los miembros de la banda. El videoclip grabado en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid contó con la dirección de Enrique Torralbo y producido por The Tab Gang, Revista Don y Pequeño Salto Mortal.

La grabación sonora en directo la dirigió el productor Manuel Colmenero, productor de los discos de estudio de Vetusta Morla en los estudios Sonobox, del que recientemente pudimos compartir algunas de sus mejores experiencias.

Precisamente la idea de este proyecto salió desde Pequeño Salto Mortal:

«La idea vino a que conocía a Javier Moya editor de la revista, y cuando lanzaron Don me pareció un medio  de comunicación increíble. Así que un día nos reunimos y ellos ya tenían la idea de hacer este proyecto con otras bandas, pero nadie se había atrevido, así que pensé que era el proyecto perfecto para Vetusta Morla.

Luego también había el reto sonoro, así que llamamos a Manuel Colmenero para que nos diera su visión, y le encantó también así que se convirtió en un reto para todos» comenta así Andrés Cabanes Label Manager de Pequeño Salto Mortal. 

El videoclip se puede disfrutar en la página http://www.cuartelesdeinvierno.com/ y en el nuevo número 15 de la revista Don, revista nativa para tablets en los sistemas operativos en Apple Store, Google Play.

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Durante la presentación, en la que estaban presentes James Buell (Senior Director Music&Marketing de Hard Rock International), Pino Sagliocco (Chairman de Live Nation Barcelona) y Juanes, han destacado la marca Barcelona como valor para realizar la primera edición: «“Llegamos algo tarde, cuando las negociaciones con ciudades como París, Berlín  y Roma estaban adelantadas, pero Barcelona tiene algo tan especial como es su vitalidad y el mar” comentó Buell.

Sagliocco comentó además que la voluntad es consolidar el festival y que siga en España para las próximas ediciones.

Durante la rueda de prensa se revelaron las primeras confirmaciones, King of Leon, Lenny Kravitz, Vetusta Morla, Avicii y Steve Angello. Durante las próximas semanas se irán confirmando nuevos artistas al festival, Pino Sagliocco quiso destcar la presencia de artistas de música electrónica ya que «Avicii o Steve Angello no son sólo Dj’s, son rockstars, es por este motivo que los traemos»

Destacar que Hard Rock Rising implementará el sistema RFID para el acceso así como el uso del método de pago cashless. Los usuarios que compren sus entradas del festival, podrán añadir crédito a su pulsera cashless. Esta pulsera les servirá como monedero además de permitirles acceder al recinto y a sus diferentes áreas. antes del comienzo del mismo o bien en las estaciones de carga dispuestas dentro del festival.

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Es por ello que por motivo del vigésimo aniversario nos hemos puesto en contacto con Manuel Colmenero, coproductor y socio del estudio junto a Javibu Carretero, para conocer sus impresiones tras esta trayectoria de 20 años de grabaciones, grandes discos y múltiples reconocimientos de oro y platino.

«Decía la canción que “20 años no es nada”,  pero para la vida dentro de un estudio de grabación como Sonobox 20 años han dado para aprender mucho.» declaró así Manuel Colmenero, que además se animó a compartir con nosotros sus cinco grandes aprendizajes.

«Las 5 cosas más importantes que hemos aprendido en estos 20 años en Sonobox creo que me quedaría con éstas»:

1. La canción y la emoción es lo primero:

Es el origen de todo, la gasolina del motor. Cuando empiezas a trabajar en un estudio, el equipo, lo técnico y la tecnología se convierten en algo obsesivo. La perspectiva del tiempo te enseña  que debes aprender la técnica a fondo  para olvidarte de ella . Un equipo sin buenas canciones no sirve para nada. Es importante que tu “yo técnico” no asesine al “yo musical y creativo”. Igualmente,  cuando termina la producción de un tema,  siempre hemos de reflexionar: ¿Ha sido bien tratada la canción? ¿Aquella piel de gallina al oírla por primera vez a guitarra y voz o en la demo se mantiene y se ha expandido? ¿O la hemos eclipsado con el arreglo y nuestro afán de lucirnos en la mezcla y en la producción? La canción y la emoción son el origen pero  a la vez el fin. Todo en el estudio y en la producción  ha de estar al servicio de ella.

2. Los valores sagrados: confianza e ilusión

Son valores intangibles pero tremendamente poderosos y que ponen a nuestras espaldas una gran responsabilidad. Toda la ilusión que genera un proyecto, el esfuerzo de parir las canciones,  de ahorrar para grabar un disco y sacar un proyecto adelante,  se depositan  en uno con la confianza de que todo esto sea bien cuidado y llegue al mejor puerto posible. Nunca se debe perder la perspectiva de esto tan sagrado y exige la máxima implicación y concentración por nuestra parte. En este oficio no hay medias tintas. Trabajar significa estar siempre a pleno gas.

3. Cuando el ego no atraviesa la puerta del estudio, la música y la magia fluyen.

El tiempo nos ha enseñado que aquellos discos en los que se hace equipo, cuando  todas las cabezas y almas están en sincronía hacia el mismo, y no para demostrar el ego de cada uno, se obtienen los mejores resultados y son mucho más mágicos. También, que los músicos más grandes que han pasado por Sonobox, son los menos provistos de ego y con mayor dosis de humildad. Cada disco recoge la energía del ambiente con el que se graba,  y creo que el oyente también percibe esto de forma subliminal. Dentro de esto, otra gran lección aprendida, es que si el proceso no esta siendo divertido y de disfrute, algo falla y conviene que sea revisado cuanto antes.

4. Cada artista trae su esencia incorporada de serie. Nuestra labor es aprender cuál es y expandirla 

Todo intento de forzar las cosas, de tratar de que una artista sea lo que no es, se adapte o trate de clonar  lo que esta de moda, es una tarea condenada al fracaso y va contra natura. Precisamente en la esencia propia reside el elemento diferenciador,  y es lo que hace que la música evolucione y genere artistas auténticos.

5. Los discos no se terminan nunca, se abandonan. Lo importante es saber cuando es el momento oportuno y honesto de abandonar.

Un disco es algo de por sí inacabado. Sobre todo hoy en día con las posibilidades de manipulación, edición, y recall que ofrece la tecnología. Aquí entran las obsesiones, las inseguridades, los vértigos y miedos y es algo importante de controlar para no entrar en pérdida. Creo que preguntas como: ¿Hemos dado toda nuestra implicación y energía al disco? ¿Representa y supera en expectativa lo que todos teníamos en la cabeza? ¿Lo que queda son ya cambios y detalles nimios que alimentan nuestra naturaleza obsesiva y perfeccionista? Si las respuestas son afirmativas quizás llegue el momento de  abandonarlo  y dejarlo volar.

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