Presentado por Ivy Queen y Jacqueline Bracamontes, el evento inaugural presentado por Billboard en asociación con Telemundo, y que se emitió el domingo 7 de mayo, comenzó con fuerza gracias a un épico popurrí de Thalia.

La artista Colombiana y afrolatina Goyo, recibió el Premio Agente de Cambio. Emilia, Maria Becerra y Evaluna subieron al escenario para cantar y aceptar sus premios.

La legendaria artista mexicana Ana Gabriel, cantó apasionadamente el himno certificado “Simplemente Amigos”, en el que se unió literalmente toda la multitud presente en el Watsco Center, para recibir luego el Premio Leyenda en Vida, que le fue entregado por el dúo mexicano Ha*Ash.

Por su parte, Shakira fue honrada como Mujer del Año, no actuó, pero dio un discurso conmovedor de casi cinco minutos: «Las lecciones más importantes que aprendí de otras mujeres, y por ellas escribí lo que escribí y canté lo que canté. Porque solo una mujer puede amar hasta que se rompen en pedazos; puede hablar con la más brutal honestidad; puede cantar con rabia; bailar en éxtasis y ser llevada a las lágrimas por la emoción. Solo una mujer puede hacer eso».

El evento inaugural de Latin Women in Music fue anunciado a principios de este año como una expansión de la franquicia Women in Music de Billboard. Billboard y Telemundo tienen como objetivo elevar aún más la música latina a nivel mundial y celebrar a las mujeres que han tenido un impacto concreto en la música latina a través de sus logros artísticos, o a través de acciones tangibles y notables que han traído un reconocimiento y oportunidades medibles a las mujeres, generando un cambio positivo en la industria en general.

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«Cuando empecé en la música, no tenía ni idea de lo que era producir. Con el tiempo aprendí, y ahora no puedo imaginar otra forma de hacer mi música que no sea produciendo. El trabajo de productor es un trabajo en la sombra, no es muy divertido… son 15 horas al día trabajando en un sonido. Surge del amor y la obsesión y por eso te quedas en esa pequeña habitación sin ventanas mientras los demás viven la vida y hacen cosas normales de humanos».

Y continuó: «Para mí, esta noche es especial porque no es habitual. Hago mi propia música, produzco mis propias canciones y escribo mis propias canciones. Quiero dedicar este premio a todas las mujeres que van a ser productoras».

En una entrevista de profundidad a la artista con el medio, esta dice que lo que comenzó como un «juego» inevitablemente se convirtió en una forma de que la estrella española de 30 años obtuviera el control creativo, algo que no da por sentado considerando la falta de mujeres en el campo. “Todavía hay escepticismo acerca de que una mujer pueda ser artista, cantante, productora y compositora al mismo tiempo. Para mí, estas disciplinas no son mutuamente excluyentes”.

Al igual que sus álbumes anteriores (Los Ángeles y El Mal Querer), Motomami de Rosalía, ganador del Latin Grammy a Disco del Año, prospera en la intersección de esas habilidades. El conjunto sónicamente innovador, que la encuentra fusionando audazmente jazz y reggaetón («Saoko»), además de samplear a Soulja Boy en un bolero tradicional («Delirio de Grandeza»), es una expresión honesta de la libertad creativa que sintió cuando ella se inspiró en los sonidos y los artistas que la han moldeado.

Durante las sesiones, se sentaba en el estudio durante 15 horas o más, buscando los sonidos, arreglos y estructuras adecuados para cada canción. “Mi tarea como productora es seguir mi intuición”, dice con firmeza. “Es para tomar decisiones y correr riesgos”.

Siguiendo los pasos de artistas-productoras como Björk y Missy Elliott, la primera productora del año de Billboard Women in Music espera motivar a una nueva generación de innovadores.

¿Qué te llevó a asumir este papel por primera vez en el estudio?

Mi primer deseo era estar en el escenario y compartir algo. Entonces me di cuenta de que quería decidir qué iba a cantar. También quería decidir qué iba a decir y cómo sonaría. No solo quería ser intérprete. Quería escribir, y luego quería producir. El deseo de crear se hizo más grande que el deseo de solo interpretar.

¿Motomami es lo más libre que te has sentido como productora?

Cien por ciento sí. Siempre estaba pensando: “¿Cómo puedo ser más libre?” El miedo, o lo que sea lo opuesto a la libertad, es el mayor enemigo de un creativo. Había una urgencia de encontrar la razón por la que estoy haciendo esto. “¿De qué se trata el mundo? ¿De qué se trata la vida? Todas esas cosas importan, y es por eso que hago música.

¿Cómo es Rosalía la productora en el estudio?

Trato de no tener una idea específica de cómo debe sonar una canción. En cambio, entro con conceptos, o ilusiones, de cómo me gustaría que sonara. Pero nunca una idea rígida. Eso no es orgánico, ni es productivo. Producir también requiere humildad porque constantemente estás probando ideas. Recuerdo que Pharrell Williams me dijo una vez que solo estábamos probando ideas del universo porque nadie es dueño de una idea. Me encanta ese concepto.

Has hablado mucho sobre la falta de representación de las mujeres productoras. ¿Por qué es eso importante para ti?

Si no te ves representado en un rol como este, ¿cómo puedes imaginarte trabajando en esa posición? Me convertí en compositora y productora porque me importaba demasiado. Investigué cuando era más joven de las mujeres que estaban produciendo, y era difícil encontrarlas, pero me enseñaron que esto era posible. Björk, Delia Derbyshire, Kate Bush: han hecho esto y no hablamos lo suficiente. Sé que no soy la única porque hay una nueva generación de mujeres productoras como Caroline Polachek, PinkPantheress, hay literalmente tantas. Sería genial si más personas supieran sobre ellos fuera de la industria.

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El estudio titulado «Las mujeres en la industria musical de los EEUU: Obstáculos y Oportunidades«, fue creado para ofrecer una instantánea de las mujeres trabajando actualmente en la industria. Cimentado en una investigación realizada por Women in Music Canada en 2015, el estudio analizó las respuestas de casi 2,000 mujeres a una encuesta llevada a cabo durante el verano de 2018. La encuesta exploraba temas como la demografía, el empleo y los desafíos y oportunidades para las mujeres en el lugar de trabajo, entre otros.

Los resultados de la encuesta presentan datos convincentes sobre los desafíos y oportunidades que las mujeres experimentan en la industria de la música, al tiempo que reafirman que las encuestadas sienten pasión por trabajar en este sector. Las mujeres respondieron con firmeza cuando se les preguntó sobre discriminación de género, a menudo compartiendo ejemplos de comportamiento en el lugar de trabajo e historias personales. Casi la mitad de las encuestadas consideraron que deberían estar más adelantadas en su carrera, incluido el 41% que se encuentran en niveles ejecutivos.

Si bien tanto mujeres caucásicas como mujeres de color compartieron este sentimiento, el 55% de las mujeres de color indicaron sentirse atrasadas en sus carreras, en comparación con el 44% de las mujeres caucásicas. También indicaron de manera abrumadora que habían sido tratadas de manera diferente dentro de la industria musical (78%), mientras que más de la mitad de las participantes indicaron sentir que su género había afectado su empleo (52%). Estos números fueron más pronunciados entre las mujeres que se identificaron a sí mismas como autónomas.

Los resultados de la encuesta también arrojan luz sobre los aspectos positivos de las diferentes prácticas en el lugar de trabajo, como la mentoría y las oportunidades de networking. Por ejemplo, el 92% de las mujeres que habían sido asesoradas sentían que esto había contribuido a su carrera de una manera positiva. Las mujeres con mentores tenían más probabilidades de ganar más de $40,000 al año, y se sentían más satisfechas con el crecimiento de su carrera, en comparación con las mujeres sin mentores. En general, el 72% de las mujeres que trabajan en la industria de la música se consideraban satisfechas con su trabajo principal.

El reporte del estudio puede ser consultado en este enlace.

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Una mayor diversidad en paneles de discusión en eventos de la industria, puede ayudar a incrementar la diversidad en la industria en general, no solamente al inspirar a la próxima generación de ejecutivas, sino que también estimula una conversación más profunda y de mayor alcance sobre el tema en dichos eventos.

Andrews aparece con frecuencia como panelista y conferencista en eventos de la industria en los últimos años, pero rara vez le acompaña otra presencia femenina. «He trabajado en la industria de la música por más de 15 años en distintas capacidades, y aunque ciertamente la cosas están cambiando para las mujeres, todavía queda mucho por hacer»

La idea de «Let’s Be The Change» es simple: compilar un directorio de mujeres trabajando en la industria quienes estén dispuestas a hablar acerca de los aspectos del negocio en los que se desempeñan, el cual luego se hará llegar a organizadores de eventos y a los medios. El directorio incluirá profesionales femeninas de cada área de la industria, con distintos niveles de experiencia y conocimientos.

Más información sobre el proyecto puede encontrarse en su sitio web

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Miércoles: Sync Summit

El pasado miércoles se dio cita un importante grupo de music supervisors en las instalaciones la Antigua Fábrica Damm para asistir al Sync Summit, la jornada dedicada a las sincronizaciones que dio al Future Music Forum. Aunque son muchos los profesionales los que nos leen, quiero solo recordar que las sincronizaciones son la combinación de audio y vídeo para crear una nueva pieza (cine, publicidad, documentales etc).

Actualmente las sincronizaciones representan el 2% del negocio y con la caída de las ventas físicas y las descargas, representan una importante fuente de ingresos para los artistas y compositores que logran entrar en ese mundo.  

La jornada dio apertura con una charla, muy bien moderada por Mark Frieser, entre dos veteranos de la talla de Jonathan McHugh CEO de Song Stew Entertainment y Jonathan Platt Managing Partner J2 Media/Music Without Prejudice que compartieron consejos de cómo abordar a los music supervisor y cómo funciona el negocio. En líneas generales los music supervisor no son figuras muy públicas y es posible que dichas empresas no nos suenen, pero han estado encargadas de musicalizar decenas de proyectos como Austin Power, la franquicia de las películas Saw, Rush Hour entre otras.

Entre las claves compartidas señalaron que lo importante no es de dónde es la banda o el artista, sino su sonido, “no se trata de dónde eres, sino de dónde suenas, aunque el lenguaje si es importante” comentó uno de ellos. Por su parte Platt aseguró que el streaming es una importante fuente de descubrimiento y no solo ello, recalcó la importancia de crear una historia alrededor de la música y tener muy bien cuidados sus canales en las redes sociales.

Una ayuda importante para los music supervisors es el utilizar el “Sound Like” o suena como, así lo comentó McHugh, ya que a veces se necesita por ejemplo una canción de Kings of Leon la cual es muy costosa o no se logran los derecho y se necesitan alternativas.

Los covers son una gran forma de ser descubiertos, un buen cover en el momento preciso puede cambiar la historia de un proyecto musical. En la misma línea de grandes oportunidades, así describieron a las sincronizaciones, pues aunque en algunos casos no son grandes cifras de dinero, la exposición que ofrecen a cambio lo puede compensar, esto fue algo en que ambos coincidieron.

En cuanto a la función de descubrir nuevo talentos, ambos volvieron a coincidir que es algo que les gusta hacer y que es parte del negocio. Sin embargo, por mucho que eso les guste, reconocieron el impacto de las redes sociales tiene mucho peso hoy en día “los artistas reciben grandes cheques y queremos ver o nos piden, cómo los artistas impulsarán la película con sus fans” dijo así McHough

Hoy en día los editores no pueden ser solo editores, deben saber mover a sus compositores y autores en el mundo digital. Así como los músicos no deben destinar toda su inversión en hacer música, deben dejar también presupuesto para el marketing, estas son algunas de las aportaciones hechas por los “Jons”.

En un segundo panel enfocado en el papel y el trabajo de los music supervisor se recalcó la importancia de hacer el trabajo de investigación sobre los derechos de las canciones a licenciar. Allí Platt recalcó que la figura del music supervisor no puede confiar en que un artista le diga que no hay samples, se debe investigar, conocer el negocio y tener buen oído, porque de lo contrario pueden haber grandes demandas. A esto se sumó Nuno Saraiva de Portugal Music Consulting, “Hay que ser transparentes y decir si hay samples, preferimos trabajar sin samples y todo ese material se descarta”.

Compartiendo algunas facetas del oficio Platt añadió que a veces es mejor cerrar el acuerdo con la canción más costosa primero, ya que eso le pone los pies en la tierra al resto y les marca una guía. Y no dejó de lado la importancia de tener contactos e ir a comer con gente, mantener relaciones públicas y demás, ya que en parte es una de las razones por las que se contrata a un music supervisor, su importante agenda de contactos.

Didier Lord jefe global de música para Ubisoft expuso en una sesión a modo individual la importante relación entre música y videojuegos. Ubisoft es una empresa líder en el sector y desarrolla juegos en los que la música juega un papel fundamental como es el caso de Just Dance, de tal manera que invierten dinero para licenciar grandes hits.

Abordando la temática presupuestaria, Lord comentó que dependerá del juego, y la importancia que tenga la música en el proyecto. En el caso de Just Dance es máxima, pero en otros no tanto y en función de ello se destina el presupuesto. Aunque comentó que la música siempre cuenta con un presupuesto pequeño del marketing global de las campañas, afirmó que las empresas de videojuego como Ubisoft cuentan con presupuesto de desarrollo muy similar a los de las bandas sonoras de Hollywood, que superan fácilmente los $100k.

Al preguntarle sobre su proyección de inversión o asignación de presupuesto para música, Lord señaló que ello dependerá del número de videojuegos, “pero sí, definitivamente veo que nuestros presupuesto o inversión en música crecerá en el futuro, en los próximos cinco años” dijo así el Jefe de Música en Ubisoft.

En el ámbito latino, la jornada contó con la presencia de Daniel Salcedo fundador Muuseme Music Integration para valorar la unión entre marcas y música. Para Salcedo quien trabaja desde hace cinco en campañas con los Latin Grammys presentando a nuevo talentos de la mano de McDonalds, las marcas juegan un papel importante. Aunque junto a Saraiva y el resto de panelistas coincidieron en la importancia de tener claro los valores de los artistas y las marcas antes de afrontar una relación.

Salcedo destacó en sus inicios la necesidades de tener artistas alternativos e independientes latinos para ofrecer a proyectos, ya que anteriormente al buscar lincencias siempre se le ofrecian a las marcas los mismos talentos mainstream, Shakira, Ricky Martin, por ellodesarrollo su propio catálogo.

Entrando más en materia hispana en los Estados Unidos Salcedo destacó que el mercado que más crece ahora mismo es la segunda generación de latinos en los Estados Unidos y si se desean lanzar campañas en Miami, Texas, Los Ángeles deben tener por obligación un elemento latino. En todas las esferas la cultura latina está influenciando la tradición americana e incluso ahora hay comerciales directamente en español. Resaltó la universalidad de la música latina y destacó la campaña a nivel nacional en los Estados Unidos entre la  banda chilena Astro y Bloomingdale.

Women in Music: 

El primer panel estuvo compuesto en su mayoría por profesionales de la industria representando el lado corporativo y tecnológico más que el artístico o de producción. Un tema de base que fue discutido fue el hecho de que la diversidad en el área tecnológica es clave para poder ver una representación femenina más amplia, y esto es algo que simplemente al momento no sucede debido a que no se estimula en la mujeres jóvenes el interés por estudiar programación.

Otro de los temas importantes que se tocó fue la necesidad de incluir este tipo de discusiones de género dentro del programa central del evento y no como una sesión aparte, y que para poder lograr un cambio de percepción del rol de la mujer dentro de cualquier corporación o industria, es necesario trabajar de la mano con los hombres quienes son los que toman las decisiones y hacerles partícipes dentro de la conversación.

En el segundo panel, se discutió un poco más sobre el lado artístico, y se habló de iniciativas que se están llevando a cabo en ciudades como Berlín, en donde se está realizando un estudio para conocer cuántas mujeres trabajan actualmente en la industria y en qué roles exactamente.

Uno de los temas importantes fue el de la representación femenina en los carteles de festivales, y se discutió la idea de que aquellos cabezas de cartel que deseen hacer un cambio en este sentido podrían dejar de lado un pequeño porcentaje de su caché para que los programadores pudiesen incluir artistas y bandas con más representación femenina dentro de los festivales importantes. Esto sería un paso adelante para resolver el problema de que no existen suficientes «ejemplos a seguir» femeninos en la industria, salvo en contadas excepciones, lo cual tendría un impacto en la audiencia, en la prensa y en la industria en general.

Reseña de Woman in Music por Julia Hernández 

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Aunque puede parecer que el streaming, por su crecimiento en el Top 20 de países de IFPI, todavía tiene se encuentra en

Además este año el FMF incorpora dos nuevos formatos. Por un lado el SyncSummit reunirá a algunos de los ponentes más prominentes del mundo de la sincronización incluyendo music supervisors, responsables de la música en los medios de comunicación (TV, Cine, Video Juegos, Publicidad, Internet y móvil), directores de sellos y editoriales, bibliotecas de música, compositores, artistas, tecnólogos, gerentes de marca y proveedores de servicios.

Por otro lado, estará el Women in Music, en el que reunirá algunas de las mujeres ejecutivas que lideran la industria de la música para hablar de el rol de la mujer en el mundo de la música y la poca presencia de ellas en la industria. Entre las invitadas estará Virginie Berger, con la que pudimos conversar precisamente de este tema en la edición pasada del FMF, puedes leer la entrevista aquí.

Entre los ponentes internacionales encontramos este año encontramos a Mark Mulligan de Midia Research, Jeff Price fundador de Audiam, Benji Rogers fundador de Pledge Music, Alex White fundador de Next Big Sound – empresa recién comprada por Pandora – o Scott Cohen fundador de The Orchard, entre muchos otros. Mención especial a la presencia de Brian HardGroove, bajista de Public Enemy.

A nivel nacional estarán Leo Nascimento director de Deezer España, Alex Loscos fundador de BMAT, David Loscos director Postgrado en Gestión del Negocio Global de la Música en la UPF de Barcelona o Maarten Van Wijck CEO Musicxip y La Cupula Music.

El Future Music Forum se postula un año más como un evento internacional, en España, con los mayores líderes y analistas del negocio de la música debatiendo sobre el futuro de esta industria.

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