¿Sigue siendo relevante el papel de los cazatalentos en la actualidad? ¿Qué necesita una propuesta musical para llamar la atención de una discográfica? Hablamos con Javier Portugués sobre las entrañas del negocio y la figura del A&R en la industria.

Su nombre está vinculado a la industria discográfica desde finales de los 80. Primero como miembro de la formación original del grupo de pop Modestia Aparte, más tarde para dar el salto a las oficinas de la editorial de Ariola, BMG, Warner y Universal Publishing.

Actualmente trabaja en el departamento de A&R de la multinacional Sony Music, desde donde dirige las producciones de Malú, Estopa, Maldita Nerea, Sabina o Dani Martín entre otros.

Esta entrevista realizada por David Little, y compartida en exclusiva en IndustriaMusical.es, pertenece al trabajo de campo realizado durante la elaboración del libro «Cómo ganarse la vida con la música«

IM: ¿Cómo llega alguien a convertirte en el A&R de una discográfica?

Es curioso porque no hay un perfil predeterminado para ser A&R. Cuando yo empecé se buscaban perfiles de gente que viniéramos de haber sido artistas con un contrato discográfico, o de haber sido músicos profesionales para otros artistas. Se buscaban personas que habían vivido el otro lado y, claro está, que tuviesen una formación básica. Te pedían que hablaras idiomas, que tuvieras experiencia en el mundo discográfico… Y el negocio de la música, la verdad, es bastante endogámico. Aquellos que trabajan en una compañía o en una editorial tienen mucho más fácil moverse dentro del sector que alguien de fuera.

IM: En una gran casa discográfica tradicionalmente los departamentos han estado muy especializados. ¿Sigue siendo así o al final uno siempre acaba haciendo de todo?

Cada vez más estamos entrelazados. Antes éramos más como reinos de taifas separados en los que los del departamento artístico terminaban un disco y se lo entregaban a los de marketing y ahí empezaban a imaginar cómo lo iban a vender. Todo eso la verdad es que ha ido cambiando y hoy en día y más como está configurado el negocio hoy por hoy, desde el principio estamos todos más implicados. Evidentemente mi departamento que es A&R, artístico, trabajamos de la mano con el artista desde el primer momento de creación de la obra hasta su entrega, pero ya entonces hemos contactado con la gente de marketing, de nuevos negocios, trabajamos codo a codo con las editoriales, con los managers que llevan los directos, con los patrocinadores… Es decir, todo desde el principio ya está bastante apuntado. Antes no, antes era verdad que éramos mucho más autónomos todos los departamentos. Había menos comunicación. Hoy en día no podríamos funcionar de esa manera.

«Hacemos muchas más cosas aparte de cazar nuevos talentos»

IM: Normalmente se suele vincular al A&R con la figura del cazatalentos puro y duro. ¿Es esto cierto? ¿A qué os dedicáis exactamente?

La búsqueda de nuevo talento es quizá lo más reconocible. Es a lo que todo el mundo piensa que nos dedicamos exclusivamente. Pero hacemos muchas más cosas que ocupan la mayor parte de nuestro tiempo. El 80% de mi trabajo es sacar adelante los discos de artistas que ya pertenecen a la compañía. Dani Martín, Malú, Estopa, Maldita Nerea, Rozalén, Andrés Suárez, Dvicio, Sabina… Luego hay un 20% que le dedicas a la escucha de nuevas propuestas, a investigar en locales de ensayo y en listas de reproducción.

Tú ten en cuenta que nosotros en Sony tenemos 58 o 60 artistas ‘locales’ firmados por la compañía. Y además de eso, otros proyectos que sacamos año tras año, como pueden ser los recopilatorio o las colaboraciones con marcas comerciales. Y eso solo en España. Todas estas propuestas requieren una atención por nuestra parte. Nuestros artistas sacan discos cada año o cada dos años, directos, vídeos, singles…Tienen una carrera continuada.

IM: Cuando te llega algo que te gusta pero que no tiene cabida en el sello, ¿Avisas a otros compañeros de otros sellos por si a ellos les interesa?

Sería muy raro. Somos una compañía privada que tiene sus intereses privados, igual que Warner o Universal tienen los suyos. No es normal, y yo me mosquearía si ocurriera, si me llamara el A&R de Warner y me dijera que tiene algo muy interesante que no puede firmar, pero que me lo pasa para que lo contrate yo. Sería impensable, atentaría directamente contra el principio básico de la competencia. Lo que sí es cierto es que todos los A&R que trabajamos en la industria nos conocemos. Somos poquitos, coincidimos en muchos conciertos y hay muy buena relación.

IM: ¿Qué necesita un artista nuevo para que una discográfica como Sony se fije en él?

Pues la verdad es que es un misterio. Cuanto más trabajo en este puesto, menos sé cuáles son las razones por la que una propuesta nueva llega a llamar la atención. Lo que sí te puedo decir es que rara vez nos guiamos por las carencias de nuestro catálogo. Si una compañía no tiene artistas de rumba, no significa que nos pongamos como locos a buscar un artista de rumba. Puedes identificar alguna carencia, pero es algo que sólo se tiene en cuenta a la hora de fichar en líneas generales. Al final lo que esperas es que llegue alguien que te ponga encima de la mesa un proyecto que te enamore y te vuele la cabeza. Es quizá parte de la poesía que sigue quedando en este negocio. Sigue funcionando así.

IM: ¿Y no llegan las propuestas por recomendación de terceras personas, como pueden ser managers, productores, periodistas?

Claro, por supuesto. Para que te hagas una idea, y siendo muy sinceros, no escuchamos ni la mitad de lo que nos llega. Sería imposible. No habría horas al día. Vivimos en un país en el que además todo el mundo es artista. La cantidad de material que te llega es brutal. Absolutamente brutal. Al final no te queda más remedio que hacer un filtro y tiendes a fiarte un poco más de alguien que viene con un número de visitas en sus redes sociales, un número de reproducciones en Youtube destacado, alguien que ya ha hecho un trabajo previo, que tiene una base de fans un poco más consolidada, alguien que te trae un productor de confianza, algún manager de cierto nombre o prestigio con el que ya hayas trabajado y te hable de un nuevo proyecto en el que está inmerso. A estos es más fácil que le prestes atención. No te metes a bucear en una caja de cedés. De hecho ya casi no llegan estos, han cambiado por enlaces a webs y perfiles de redes sociales que incluyen música. Es pura lógica. No hay horas al día para escuchar todo lo que llega.

«El producto físico y la descarga digital cada vez tienen menos importancia»

IM: Las discográficas os dedicabais a vender discos. Pero la cosa es que ya no se venden discos. ¿Cómo ha cambiado vuestro modelo de negocio?

Ha cambiado totalmente. El simple hecho de llamarlas discográficas es algo ya obsoleto. La propia palabra lo dice disco-grafía. Estamos hablando de soportes físicos. Realmente somos compañías gestoras de derechos asociados a la música, pero como es un nombre tan feo y antipático, seguimos llamándolas discográficas. Ese término tiene una connotación romántica. Pero al final hoy en día cuando estás negociando un contrato con un artista tienes que hablar de todos los derechos que va a generar la explotación de su obra musical. Y eso no es solo el fonograma que se fabrica, se manufactura, se imprime y se vende en una tienda.

Son los derechos digitales asociados, los derechos editoriales, los derechos de comunicación pública, la venta de tickets, los derechos derivados de su imagen, sponsors, patrocinios, merchandising… Es decir, cualquier derecho asociado a la explotación de la obra musical de ese artista es susceptible de ser considerado por la compañía, porque la compañía hace una inversión fuerte. Y esta inversión no se realiza simplemente para grabar un CD y ponerlo en El Corte Inglés. Si fuera así todas las compañías habríamos cerrado hace 15 años. Aunque es cierto que siguen quedando algunos artistas cuyo fuerte es la venta física… Me vienen a la cabeza Joaquín Sabina o Manolo García, artistas para los que las ventas físicas siguen teniendo mucha importancia.

IM: ¿Porqué ocurre este fenómeno? ¿Sus seguidores tienen más fidelidad?

Son seguidores fieles, son seguidores de más edad, son seguidores que han vivido la época de la compra del disco, de abrir el disco en casa, de ponerlo en un reproductor para escucharlo. Sigue existiendo esa demanda en casos puntuales. El truco de todo esto consiste en aprender a trabajar y desarrollar la carrera de cada uno de los artistas de acuerdo a la filosofía concreta del artista. Evidentemente el seguidor que se compra un disco de Joaquín Sabina no es la misma chavala de 12 años que quiere ver el último videoclip de Abraham Mateo. Son públicos totalmente diferentes. Y nuestro trabajo es saber estar en el soporte y en la ventana específica para encontrar a los fans de cada uno de los artistas y obtener de esa experiencia el máximo rendimiento posible. Pero en términos generales el producto físico tiene cada vez menos importancia. Y no sólo ocurre con el producto físico, también ocurre  con la descarga digital. 

La tendencia es el streaming, las reproducciones en tiempo real, las plataformas de acceso, los servicios de subscripción, el uso de la música sin el componente de la propiedad. Esa es la tendencia. Como lo es también la equiparación en importancia del audio y las piezas audiovisuales. El tener mucho material para mostrar en ventanas como Youtube o Vevo. Generar mucho producto audiovisual susceptible de recibir visitas que también se pueden monetizar… Ese es futuro.

IM: Entonces el soporte físico está prácticamente muerto…

Paradójicamente… qué va. Cada vez que me dicen que el soporte físico está muerto, luego veo que de Estopa lanzamos single-vinilo, álbum-vinilo y CD en dos formatos distintos, jewelcase y digipack. [Risas]

IM: ¿Crees que la copia física es más bien coleccionismo?

En muchos aspectos sí. Y de hecho eso explica la vuelta a la moda del vinilo, por ejemplo. Nosotros ahora mismo estamos encargando más fabricación de vinilos que hace 10 años. Hace 10 años todo el mundo lo daba por muerto y nadie lo fabricaba. En los últimos 5 años todo artista importante que tiene un lanzamiento quiere su edición limitada en vinilo. Son ediciones pequeñas: 500 ejemplares, 1000 ejemplares… 1500 ó 2000 si te vuelves loco y se trata de un artista de renombre… Además no dejamos un vinilo en el almacén. Fabricamos pocos pero se venden todos. Precisamente porque existe todavía ese fetichismo.

El fan muy fan quiere tenerlo incluso aunque no tenga un reproductor de vinilo en casa. Y quien dice eso, dice las ediciones de lujo de CD, los packs muy llamativos de 3 ó 4 cuerpos, los libretos de 42 páginas… Es decir, se sigue haciendo. Pero al final si vendes un vinilo dentro tiene que ir un código de descarga en mp3, o tienes que meter el CD de regalo. Porque incluso en un ambiente de coleccionismo la gente sigue pegada a la edición digital.

Lee aquí la segunda parte de la entrevista

The post Entrevistamos a Javier Portugués, A&R de Sony Music (Parte 1): «Hacemos muchas más cosas aparte de cazar nuevos talentos» first appeared on IndustriaMusical.com.

Según comenta el departamento de Sony Music, él mismo fue quien quiso salirse de los esquemas de las entrevistas y el plan de promoción tradicional para hacer una experiencia inolvidable en su estada a Colombia.

Acompañado durante dos días de una producción especializada en el relato documental y con la colaboración de personajes como: Antonio Casale (Periodista Deportivo), Carlos Méndez (Dj de la emisora Vibra Bogotá), Mario Muñoz (Vocalista de Dr. Krapula) y Paloma Miranda (Presentadora de tv show Panorama), Dani y su banda tuvieron la oportunidad de visitar algunos de los lugares más significativos de Bogotá y de la cultura musical del país.

El resultado: 8 capítulos que componen un documento audiovisual acerca del descubrimiento de una sociedad, una cultura y una manera de vivir, además de mostrar la intimidad de los pensamientos de un artista con la trayectoria de Dani Martin y su forma de vivir Bogotá.

El recorrido de esta serie documental no sólo permite conocer a través de los ojos de Dani lugares como Monserrate o las Minas de Sal de Zipaquira, si no conocerlo a él en tarima, con sus fans, hablando de fútbol y teniendo la experiencia de cantar en unos de los sitio más importantes en la historia musical del país: La media Torta.

Estos capítulos estarán disponibles cada jueves por el canal oficial de VeVo de Dani Marín. Son una experiencia no sólo para los colombianos, sino para todo aquel que haya sentido la curiosidad por el país y el artista.

Sin duda, una manera diferente de promoción y según nos comenta Alejandro Vargas Gerente de Producto Latino para Sony Music Colombia se trata de » Una idea innovadora y diferente que buscamos para conectar con el mercado Colombiano y Dani Martin , buscando formas diferentes de mercadeo de artistas, además es una serie web de 8 capítulos donde participan personajes importantes de la cultura colombiana. Desde ya, estamos convencidos de que esta actividad de marketing será un caso de éxito , una estrategia diferente.»

The post Dani Martin cambia las giras de medios y se va a Vivir Colombia first appeared on IndustriaMusical.com.

Live Nation

IM: ¿Cómo cambia la figura de un promotor independiente al entrar bajo el paraguas de Live Nation? ¿Qué cambió en tu forma de trabajo?

RG: Yo realmente no he cambiado mi manera de trabajar, yo me considero un intermediario entre los artistas y el público, entonces intento hacer mi trabajo teniendo en cuenta esas dos máximas. A los artistas les cuido no solo a nivel de marketing, sino que además se lo pasen bien y tengan feedback real de lo que pasa. Aunque con muchos artistas no puedes pasar la frontera porque son artistas top.  Y luego al público darles el mejor servicio, atenderles.

Antes de Live Nation yo ya llevaba tiempo bajo Gamerco con una estructura más o menos grande, donde estaba mi compañía Iguapop, Gay Mercader y Pino Saglioco y bajo ese paraguas éramos tres empresas que funcionábamos cada una con su label y así compartíamos una estructura financiera y administrativa. Luego llegó Live Nation y nos hizo una oferta a cada una y al final entre todos entramos en la estructura de Live Nation.

Yo como digo hay 3 líneas de trabajo: básicamente hay unos artistas de giras mundiales de Live Nation tipo U2, o Madonna que las hace el departamento de Global Touring que son giras mucho más estandarizadas, donde el departamento de Global Touring asume el riesgo. Entonces actuamos como meros ejecutores con poco margen a la creatividad. En este sentido se firman acuerdos internacionales y nos consultan nuestra opinión sobre una foto de lo que es el mercado local para luego ejecutarlo, pero tiene todo más o menos marcado.

Luego hay otro tipo de giras, que desde el departamento Internacional que está en Londres y nosotros intentamos intercambiar mucha información y siempre que podemos, hacer ofertas conjuntas, ya que no es lo mismo hacer ofertas individuales que packs de veinte o treinta shows. Así siempre tenemos más fuerza y músculo para competir con promotoras «independientes». Pero luego hay otra vía de negocio que es la que yo digo como giras independientes.  Nosotros seguimos trabajando con bandas como Arcade Fire o Franz Ferdinand, Jamie Cullum, Foo Fighters, pero luego mucho más pequeñas como Yo La Tengo, Cat Empire, James Arthur, Black Label Motorcycle, Eels entre algunas recientes y ese trabajo de promotor independiente, lo seguimos haciendo y para mi sigue siendo muy importante cuidar al artista, a su equipo y que luego no haya un desfase entre lo que quiere el artista y sus fans.

Dicho esto, muchas veces tenemos la reputación de ser «caros» a la hora de hacer los números, pero a veces son los mismos artistas que te obligan a marcar esos precios de entrada. También muchas veces es causa de la especulación, a veces te dejas llevar y a veces hay que decir hasta aquí llego.

Live Nation es una empresa que tiene mucho volumen, que busca crecer en otras vías de negocio que no sea puramente la venta de entradas. En Estados Unidos se vende mucha publicidad, es la tercera web de música con más visitantes, luego está también el e-commerce, pero para eso tienes que tener volumen, pero hay que ver a qué precio te cuesta ese volumen. Si tienes que hacer una gira de Beyoncé y pierdes 500.000 dólares pues no te compensa.

IM: ¿Podríamos decir que Live Nation es la promotora más importante de España? Y si es así, qué hay de artistas como Rolling Stones, Bon Jovi o Bruce Springsteen que trabajan con otras promotoras. 

RG: Yo creo que aunque las empresas tenga mucho peso, la relación personal también pesa mucho, por ejemplo AC/DC es una banda que siempre que ha venido a España, ha venido con Gay Mercader, le tienen un aprecio muy grande, entonces van a trabajar con él independientemente de en qué empresa esté. Por ejemplo Bruce Springsteen está trabajado con la competencia, aunque ya lo hizo Gay hace mucho tiempo y luego se separaron y empezaron a trabajar con Doctor Music y desde entonces mantienen la relación.

Hay artistas que son fieles, no todos, sobre todo la vieja escuela. Yo por ejemplo tengo una relación excelente con Foo Fighters y tengo la tranquilidad que no van a buscar otras ofertas, a menos que yo los insulte y les diga ‘tienes que tocar y tal cual… que me dirán oye qué está pasando’. Pero es muy difícil que te intenten dar la vuelta si hay una relación de lealtad y confianza.

Siempre me quejo que hay mucha competitividad, pero también dejo claro que hay también lealtad por algunos agentes, managers y artistas.  El caso de los Rolling Stones pues ha sido un caso, un poco más de política. La gira quien la ha estado comercializando es AEG, y aunque ellos no están negados a hacer shows con promotores de Live Nation, porque de hecho han hecho shows con promotores de Live Nation, ya sea porque era el único player en el país o porque tenían festivales como el caso de Rock Werchter o Roskilde, pues han dicho, esos festivales aunque están producidos por Live Nation vamos a por ello.  En el caso de aquí, creo que también Doctor Music ha hecho un trabajo mucho más agresivo y si sumas eso al peso de tener a AEG detrás, prefirieron no darle cancha a la competencia y por eso tienen a Doctor Music aliado, yo creo que esos han sido un poco las pautas.

IM: Quizás se entiende a Doctor Music como competencia, sin embargo ya en el pasado durante la gira U2 360º trabajaron juntos ¿A qué se debió eso y cuál fue tu valoración al respecto?

RG: Eso se dio porque U2 es una artista de Live Nation Touring y Doctor Music había sigo el promotor histórico y entonces el manager y el artista no quisieron dejar de lado a Doctor Music, entonces es cierto que a veces hay muchos recelos. Pero allí lo manejé yo y creo que nos manejamos bien, fue un win win para todos. Creo que hay muchos problemas de ego, pero allí nos pusimos de acuerdo. A mí no me gusta precisamente cortar, y decir no esto es Live Nation y tal, y si de repente por ejemplo Coldplay con los llevo trabajando desde el día uno, se van a la competencia, a mi me gustaría que me respetasen, entonces intento hacer lo mismo con mi competencia.

Festivales

IM: Hoy en día el mundo del directo parece estar más competitivo que nunca, por lo que SFX ha adquirido el 50% de Rock in Rio un festival que ustedes venían trabajando y que este año se ha visto interrumpido. Queríamos saber si este acuerdo tuvo algo que ver con dicha decisión.

No tuvo nada que ver con eso. Las condiciones del país no eran las adecuadas, ya que no se cumplieron las expectativas y esperamos a ver si puede volver en próximos años.

IM: Y conversando de festivales y de Madrid, ¿Por qué no hablamos del Dcode? El año pasado durante la preparación del festival  dejaste el siguiente comentario: “Madrid siempre ha tenido un problema de recintos. Lo que se ha hecho ha sido casi siempre fuera de la ciudad”…“El Ayuntamiento y la Comunidad nos ayudan con la promoción, cediendo soportes, pero aún estamos muy lejos de los apoyos de otras regiones, como Murcia, Cataluña y el País Vasco”. Y ahora bien, un año después cómo evalúas la situación.

RG: Las cosas están cambiando, creo que Madrid se merece un festival de primera categoría y con continuidad, ese es el objetivo de Dcode. De hecho en reuniones con el Ayuntamiento ya hay una estrategia para recuperar la actividad cultural que repercuta en actividad turística e ingresos en la capital de España. Desgraciadamente el lamentable suceso del Madrid Arena ha levantado algunos miedos a poder hacer nuevas cosas y también algunas trabas más a nivel administrativo. Nosotros hemos ido de más (días) a menos, de hacer un festival de 2 días de 30 o 40 mil personas en ediciones pasadas, que pueda tener un impacto económico en la ciudad y propiciar más actividades, a un festival de 1 día en las 2 últimas ediciones, aunque nos vemos como festival de 2 días en un futuro si la situación mejora a todos los niveles.

Aunque no nos identificamos excesivamente con el Primavera Sound o el Sónar, en Barcelona son puntos de referencia de la ciudad muy importantes,  son festivales que se integran en la ciudad y la posicionan, sí que pensamos que Madrid necesita algo parecido y adaptado a su idiosincrasi. Es una ciudad ideal para otro tipo de turismo, tanto nacional como extranjero, muchos saben qué existe Madrid, pero no la conocen. Nuestra apuesta es seria,  por la situación económica hemos decidido hacerlo 1 día este año, pero nuestra idea es relanzarlo el año que viene con dos días y hacer acampada. Insisto las instituciones no nos aportan todavía nada económicamente, pero la actitud ha mejorado, lo están haciendo más suyo y ven nuestro esfuerzo y apuesta por poner Madrid en el calendario europeo de grandes festivales; con profesionalidad y dedicación desaparece el miedo a hacer cosas.

España, Latinoamérica, la radio y el puente entre industrias

IM: Y en base a todo lo que nos comentas ¿Qué puede aprender Latinoamérica de España?

RG: Se puede aprender a nivel profesional, pero a nivel de industria hay países en Latinoamérica más sanos y comprometidos con la música en directo, en parte porque el público está mucho más hambriento y con muchas más ganas. Uno de los defectos en el ámbito español es la falta de apoyo de las radios y televisiones (con pocas excepciones) a todo lo que se salga de su ya repetido “discurso”, además de que la música a veces se le trata aquí como la “hermanita fea” de las artes, además de la falta de salas de rock.

Por ejemplo, un país que conozco mucho por experiencia como promotor independiente fuera de Live Nation es México. En México tienes 3, 4 o 5 radios de rock. Allí hay artistas como Interpol que en España meten 2500 personas y allá venden 20 mil entradas. Hay un mayor potencial y apoyan mucho más no solo la industria local, con grupos como Zoé que llena un estadio, sino también el rock americano o británico.

A veces pienso que España es más “latina” que Latinoamérica y en realidad somos un gran país donde el mercado anglosajón (o europeo) y el latinoamericano pueden convivir perfectamente y crear un mercado de música en directo potentísimo, somos puente y pertenecemos a ambos mundos…algo que por ejemplo Hungría no tiene.

Aquí nos hemos quedado atrás, hay mucha gente que dice «no la gente joven no escucha radio…»  pero piensa en Love of Lesbian, Vetusta Morla, Los Planetas, ninguno ha pasado de nivel, pocas de estas bandas se atreven hacer un Palacio de los Deportes, sin embargo, hay grupos que sí han pasado de nivel, a salas de grandes capacidades como Malú, Dani Martin, los que sí suenan en las radios.

En los 80 triunfaron grupos como Golpes Bajos, Gabinete Caligari, Alaska y Dinarama porque había en la radio un señor que ponía esas canciones. ¿Entonces es importante la radio? Pues sí que es importante la radio,  con la radio hay un punto de ruptura muy importante. Y también los medios musicales, que son muy especializados, pensemos en la prensa británica que ponen arriba a sus artistas Arctic Monkeys, Kasabian y luego se lo venden a todo el mundo, hay que crear-creer en esta industria que genera miles de puestos de trabajo y que es una de las industrias más importantes en países como Reino Unido, Francia, Suecia…estos dos últimos con importante apoyo público. Somos cultura, pero somos industria, ambas cosas deben ir de la mano y poner a España donde se merece.

Aquí ni los artistas se lo creen, ni los managers se lo creen,  me frustra mucho porque creo que es un país con un potencial increíble y se ha demostrado en el pasado. Pero estamos un poco atontados y sin estrategias comunes, ni a nivel privado y ni a nivel público.  Me pregunto cómo hacerlo, cómo cambiar esta tendencia, creo que portales como el vuestro están sacando estos temas a la superficie y eso es beneficioso para todos.

IM: José María Barbat presidente de Sony Music comentó que muchas veces se le dio la espalda a Latinoamérica y ahora España necesita de ella para poder ampliar y hacer crecer a su industria.

RG: El problema es quién hace el toma y dame, y si el puente toca hacerlo aquí a nivel de industria, imagínate con Latinoamérica, porque yo noto que aquí vamos mal. Pero es que hay una demanda, y aparte de Radio 3 que es un poco nicho no hay ninguna radio donde puedas escuchar Franz Ferdinand, Jamiroquai, AC/DC, Arcade Fire o todo el plantel nacional que es de alta calidad. Aunque sé que en Kiss FM, Ramon Tapias tiene intenciones de empezar hacer cambios. Una radio independiente con un carácter comercial funciona bien seguro. Si vemos por ejemplo entre estas bandas locales que te digo, fíjate en Lori Meyers una gran esperanza, pero ninguna pasa, se quedan capados. Y en los 80 no solo había radio, sino también muchos programas televisión, yo cuando tocaba con mi banda hacia muchos programas y eso que era un grupillo pequeñito. Se dice que está el Internet, pero está muy disgregado, la radio hace ese trabajo más de masa social que hace muchísima falta.

The post El puente entre industrias es una necesidad y así lo ve Roberto Grima «yo noto que aquí vamos mal» first appeared on IndustriaMusical.com.