La séptima edición del FMF lleva por título «Encontrando la próxima industria de la música» poniendo el foco en cómo las diferentes empresas de la industria de la música se verán afectadas en los próximos años y para ello habrá diferentes paneles con profesionales de empresas como discográficas, managers, consultores en el negocio de la música, emprendedores, compañías tecnológicas, entre otras.

Entre los profesionales estará Mark Mulligan (Midia Research), Mike McCready (Music Xray), Paul Rodgers (BBC Radio 6), Will Mills (LyricFind), Alex Hackford (Sony Computer Entertainment), Karl Westman (Ogilvy), Claire Mas (Communion Music Group) Brandon Young (Activision Blizzard), entre otros muchos que puedes consultar aquí.

Sobre los paneles que habrán durante los 3 días, se hablará de «El futuro de la realidad virtual en la industria de la música«, «Social Video: The new (M)TV«, «BBC 6: Manteniendo una radio relevante» o «Futuras tendencias de la industria de la música«.

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Obviamente, el streaming fue en todo momento el objeto de análisis, haciendo una breve introducción de la evolución del streaming en los últimos 5 años para dar paso a análisis de la situación actual (incluyendo problemáticas actuales y posibles soluciones al respecto) y finalizando con su visión de hacia dónde tiene que caminar los modelos actuales de streaming.

De todo lo comentado por Mark lo más importante que planteó es que si bien es cierto, y es innegable, el impulso que está dando el streaming como modelo de negocio y de consumo en la industria discográfica, si sigue habiendo un único modelo 9,99€ con todas las canciones del mundo, el streaming encontrará rápidamente un techo de suscriptores, pues no todos quieren 30 millones de canciones. Mark considera que el próximo paso de estos servicios debe ser el que ya aplican las plataformas de vídeo bajo demanda, diversas tarifas en función del catálogo que uno quiere. Un ejemplo sería que en vez de pagar 9,99€ por 30 millones de canciones, un usuarios pague 3,99$ sólo por escuchar el catálogo de Metal.

Siguiendo con el streaming, Mark afirmó que la industria discográfica, volverá a obtener una facturación similar a 1999, y muy probablemente sea superada siempre y cuando puede ofrecer a los fans de la música ofertas de valor en base a las necesidades de cada tipo de fan.

De Mark Mulligan, pasamos sin pausa a la siguiente ponencia que fue dada por Jeff Price, Fundador de Tunecore (recién adquirida pro Believe Digital) y actualmente fundador y CEO de Audiam.

Jeff despertó a toda la audiencia con un discurso intenso, con su ponencia quiso poner de manifiesto la problemática actual respecto el pago de los derechos mecánicos en los servicios de streaming en los Estados Unidos. Jeff no se quedó corto y acusó directamente a los servicios de streaming de no poner todos los esfuerzos necesarios en hacer una identificación correcta (y posterior distribución) de los derechos editoriales.

En ese momento, lo que estaba siendo un ponencia unidireccional, pasó a convertirse en un acalorado debate tras ser replicado por parte de la audiencia en el que señalaron que el complejo sistema de “publishing” norteamericano dificulta la propia repartición de dichos derechos.

Jeff no se arrugó y siguió defendiendo su postura hasta que sin tapujo alguno decidió compartir con la audiencia, y para sorpresa de todos, datos de Spotify USA (como vemos en las 2 fotografías siguientes)

Los datos, aun siendo de principios de 2014, son significativos dada la confidencialidad de estos. Destaca la facturación mensual de Spotify USA con 24$ millones, la media de suscriptores que gira entorno los 2,5 millones así como el número de play mensuales que oscila en los 2.000 millones. Como último dato importante, es muy significativo el dato de «Dinero no pagado o pagado equívocamente» en la que podemos ver una cifra de 212.000 dólares mensuales y que crece en los siguientes meses.

La ponencia de Jeff finalizó dando paso a un break en el que toda la audiencia siguió hablando sobre la problemática de los derechos mecánicos y el streaming.

¿Puede aprender algo la industria de la música acerca la industria de los videojuegos móvil? Interesante panel en el que estaban Leo Nascimento, director de Deezer España, y Jan Wedekind, Senior Business Performance Director de King (empresa creadora de Candy Crush) y en el que se puso sobre la mesa los diferentes modelos de negocio exitosos dentro de la industria de los mobile games, y ver como éstos podían ser, o no, aplicados a la industria de la música digital.

En conclusión y en palabras de Leo Nascimento: «Lo más atractivo es que los ingresos en los videojuegos móvil no tienen techo, un jugador puede ir comprando y comprando dentro del mismo juego. En cambio en la industria de la música tenemos una tarifa 9,99$ y ese es el techo de gasto de nuestro consumidor en streaming» y añade «Bien es cierto, que hay que tener en cuenta que la industria de la música trabaja con licencias, y eso dificulta mucho el poder implementar modelos de negocio similares a los de los videojuegos móvil.»

El streaming volvió a ser el centro de atención con la mesa redonda moderada por David Loscos, y en la que fueron participes Olly Barnes, de Rdio y Maarten Van Wijck, de Musicxip/La Cupula Music. La intención del panel era poner de manifiesto los servicios freemium vs premium, que están aportando como modelo de consumo y negocio, y hacia donde evoluciona.

La realidad es que tenemos una industria divida, ‘big players’ como Apple o Universal con un firme convencimiento de que hay que liquidar los servicios freemium y ‘big players’ como Youtube o Spotify firmes defensores de tener una capa freemium en los modelos de música en streaming. Entre las posibles soluciones se abordó lo que propone Mark Mulligan y que comentábamos al principio, está que las plataformas de música de streaming segmenten mejor las audiencias y puedan ofrecer un acceso limitado a contenidos mucho más relevantes a un precio significativamente menor.

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Miércoles: Sync Summit

El pasado miércoles se dio cita un importante grupo de music supervisors en las instalaciones la Antigua Fábrica Damm para asistir al Sync Summit, la jornada dedicada a las sincronizaciones que dio al Future Music Forum. Aunque son muchos los profesionales los que nos leen, quiero solo recordar que las sincronizaciones son la combinación de audio y vídeo para crear una nueva pieza (cine, publicidad, documentales etc).

Actualmente las sincronizaciones representan el 2% del negocio y con la caída de las ventas físicas y las descargas, representan una importante fuente de ingresos para los artistas y compositores que logran entrar en ese mundo.  

La jornada dio apertura con una charla, muy bien moderada por Mark Frieser, entre dos veteranos de la talla de Jonathan McHugh CEO de Song Stew Entertainment y Jonathan Platt Managing Partner J2 Media/Music Without Prejudice que compartieron consejos de cómo abordar a los music supervisor y cómo funciona el negocio. En líneas generales los music supervisor no son figuras muy públicas y es posible que dichas empresas no nos suenen, pero han estado encargadas de musicalizar decenas de proyectos como Austin Power, la franquicia de las películas Saw, Rush Hour entre otras.

Entre las claves compartidas señalaron que lo importante no es de dónde es la banda o el artista, sino su sonido, “no se trata de dónde eres, sino de dónde suenas, aunque el lenguaje si es importante” comentó uno de ellos. Por su parte Platt aseguró que el streaming es una importante fuente de descubrimiento y no solo ello, recalcó la importancia de crear una historia alrededor de la música y tener muy bien cuidados sus canales en las redes sociales.

Una ayuda importante para los music supervisors es el utilizar el “Sound Like” o suena como, así lo comentó McHugh, ya que a veces se necesita por ejemplo una canción de Kings of Leon la cual es muy costosa o no se logran los derecho y se necesitan alternativas.

Los covers son una gran forma de ser descubiertos, un buen cover en el momento preciso puede cambiar la historia de un proyecto musical. En la misma línea de grandes oportunidades, así describieron a las sincronizaciones, pues aunque en algunos casos no son grandes cifras de dinero, la exposición que ofrecen a cambio lo puede compensar, esto fue algo en que ambos coincidieron.

En cuanto a la función de descubrir nuevo talentos, ambos volvieron a coincidir que es algo que les gusta hacer y que es parte del negocio. Sin embargo, por mucho que eso les guste, reconocieron el impacto de las redes sociales tiene mucho peso hoy en día “los artistas reciben grandes cheques y queremos ver o nos piden, cómo los artistas impulsarán la película con sus fans” dijo así McHough

Hoy en día los editores no pueden ser solo editores, deben saber mover a sus compositores y autores en el mundo digital. Así como los músicos no deben destinar toda su inversión en hacer música, deben dejar también presupuesto para el marketing, estas son algunas de las aportaciones hechas por los “Jons”.

En un segundo panel enfocado en el papel y el trabajo de los music supervisor se recalcó la importancia de hacer el trabajo de investigación sobre los derechos de las canciones a licenciar. Allí Platt recalcó que la figura del music supervisor no puede confiar en que un artista le diga que no hay samples, se debe investigar, conocer el negocio y tener buen oído, porque de lo contrario pueden haber grandes demandas. A esto se sumó Nuno Saraiva de Portugal Music Consulting, “Hay que ser transparentes y decir si hay samples, preferimos trabajar sin samples y todo ese material se descarta”.

Compartiendo algunas facetas del oficio Platt añadió que a veces es mejor cerrar el acuerdo con la canción más costosa primero, ya que eso le pone los pies en la tierra al resto y les marca una guía. Y no dejó de lado la importancia de tener contactos e ir a comer con gente, mantener relaciones públicas y demás, ya que en parte es una de las razones por las que se contrata a un music supervisor, su importante agenda de contactos.

Didier Lord jefe global de música para Ubisoft expuso en una sesión a modo individual la importante relación entre música y videojuegos. Ubisoft es una empresa líder en el sector y desarrolla juegos en los que la música juega un papel fundamental como es el caso de Just Dance, de tal manera que invierten dinero para licenciar grandes hits.

Abordando la temática presupuestaria, Lord comentó que dependerá del juego, y la importancia que tenga la música en el proyecto. En el caso de Just Dance es máxima, pero en otros no tanto y en función de ello se destina el presupuesto. Aunque comentó que la música siempre cuenta con un presupuesto pequeño del marketing global de las campañas, afirmó que las empresas de videojuego como Ubisoft cuentan con presupuesto de desarrollo muy similar a los de las bandas sonoras de Hollywood, que superan fácilmente los $100k.

Al preguntarle sobre su proyección de inversión o asignación de presupuesto para música, Lord señaló que ello dependerá del número de videojuegos, “pero sí, definitivamente veo que nuestros presupuesto o inversión en música crecerá en el futuro, en los próximos cinco años” dijo así el Jefe de Música en Ubisoft.

En el ámbito latino, la jornada contó con la presencia de Daniel Salcedo fundador Muuseme Music Integration para valorar la unión entre marcas y música. Para Salcedo quien trabaja desde hace cinco en campañas con los Latin Grammys presentando a nuevo talentos de la mano de McDonalds, las marcas juegan un papel importante. Aunque junto a Saraiva y el resto de panelistas coincidieron en la importancia de tener claro los valores de los artistas y las marcas antes de afrontar una relación.

Salcedo destacó en sus inicios la necesidades de tener artistas alternativos e independientes latinos para ofrecer a proyectos, ya que anteriormente al buscar lincencias siempre se le ofrecian a las marcas los mismos talentos mainstream, Shakira, Ricky Martin, por ellodesarrollo su propio catálogo.

Entrando más en materia hispana en los Estados Unidos Salcedo destacó que el mercado que más crece ahora mismo es la segunda generación de latinos en los Estados Unidos y si se desean lanzar campañas en Miami, Texas, Los Ángeles deben tener por obligación un elemento latino. En todas las esferas la cultura latina está influenciando la tradición americana e incluso ahora hay comerciales directamente en español. Resaltó la universalidad de la música latina y destacó la campaña a nivel nacional en los Estados Unidos entre la  banda chilena Astro y Bloomingdale.

Women in Music: 

El primer panel estuvo compuesto en su mayoría por profesionales de la industria representando el lado corporativo y tecnológico más que el artístico o de producción. Un tema de base que fue discutido fue el hecho de que la diversidad en el área tecnológica es clave para poder ver una representación femenina más amplia, y esto es algo que simplemente al momento no sucede debido a que no se estimula en la mujeres jóvenes el interés por estudiar programación.

Otro de los temas importantes que se tocó fue la necesidad de incluir este tipo de discusiones de género dentro del programa central del evento y no como una sesión aparte, y que para poder lograr un cambio de percepción del rol de la mujer dentro de cualquier corporación o industria, es necesario trabajar de la mano con los hombres quienes son los que toman las decisiones y hacerles partícipes dentro de la conversación.

En el segundo panel, se discutió un poco más sobre el lado artístico, y se habló de iniciativas que se están llevando a cabo en ciudades como Berlín, en donde se está realizando un estudio para conocer cuántas mujeres trabajan actualmente en la industria y en qué roles exactamente.

Uno de los temas importantes fue el de la representación femenina en los carteles de festivales, y se discutió la idea de que aquellos cabezas de cartel que deseen hacer un cambio en este sentido podrían dejar de lado un pequeño porcentaje de su caché para que los programadores pudiesen incluir artistas y bandas con más representación femenina dentro de los festivales importantes. Esto sería un paso adelante para resolver el problema de que no existen suficientes «ejemplos a seguir» femeninos en la industria, salvo en contadas excepciones, lo cual tendría un impacto en la audiencia, en la prensa y en la industria en general.

Reseña de Woman in Music por Julia Hernández 

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Aunque puede parecer que el streaming, por su crecimiento en el Top 20 de países de IFPI, todavía tiene se encuentra en

Además este año el FMF incorpora dos nuevos formatos. Por un lado el SyncSummit reunirá a algunos de los ponentes más prominentes del mundo de la sincronización incluyendo music supervisors, responsables de la música en los medios de comunicación (TV, Cine, Video Juegos, Publicidad, Internet y móvil), directores de sellos y editoriales, bibliotecas de música, compositores, artistas, tecnólogos, gerentes de marca y proveedores de servicios.

Por otro lado, estará el Women in Music, en el que reunirá algunas de las mujeres ejecutivas que lideran la industria de la música para hablar de el rol de la mujer en el mundo de la música y la poca presencia de ellas en la industria. Entre las invitadas estará Virginie Berger, con la que pudimos conversar precisamente de este tema en la edición pasada del FMF, puedes leer la entrevista aquí.

Entre los ponentes internacionales encontramos este año encontramos a Mark Mulligan de Midia Research, Jeff Price fundador de Audiam, Benji Rogers fundador de Pledge Music, Alex White fundador de Next Big Sound – empresa recién comprada por Pandora – o Scott Cohen fundador de The Orchard, entre muchos otros. Mención especial a la presencia de Brian HardGroove, bajista de Public Enemy.

A nivel nacional estarán Leo Nascimento director de Deezer España, Alex Loscos fundador de BMAT, David Loscos director Postgrado en Gestión del Negocio Global de la Música en la UPF de Barcelona o Maarten Van Wijck CEO Musicxip y La Cupula Music.

El Future Music Forum se postula un año más como un evento internacional, en España, con los mayores líderes y analistas del negocio de la música debatiendo sobre el futuro de esta industria.

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Virginie estará moderando un workshop titulado «Women in Music» dentro del FMF el Jueves 17 de Septiembre, por lo que aprovechamos para conversar con ella sobre el rol de la mujer en la industria musical.

IM: Recientemente, Iggy Azalea declaró en una entrevista que ha tenido que dejar de hacer «crowdsurfing» en sus shows por temor a que su público intentara abusar de ella sexualmente. Para nadie es un secreto que muchas artistas femeninas, en especial las más exitosas, por ejemplo Katy Perry, Beyoncé o Miley Cyrus, proyectan una imagen altamente sexual, lo cual repercute favorablemente en las ventas de discos y de giras a nivel mundial. ¿Crees tu que esta tendencia a mostrar a las mujeres como un objeto es una consecuencia de una industria dominada por ejecutivos masculinos y que ésta es una de las razones por las cuales no hay ejecutivas mujeres? Si este tipo de «paquete» es el que vende, quizás mujeres en posición de poder en la industria no estarían de acuerdo y la industria en general sufriría financieramente.

VB: En primer lugar, permíteme responder a esa declaración inicial: Beyoncé, Katy Perry o Miley Cyrus no venden más álbumes porque estén «hiper-sexualizadas». En principio, venden entradas a conciertos y álbumes porque su música es buena, son excelentes artistas, permanecen cercanas a sus fans y trabajan constantemente. Es importante recalcar que, por ejemplo, Beyoncé fue nombrada la celebridad más influyente por la revista Forbes, por encima de muchos hombres, incluido su esposo (Jay-Z). Atribuir su éxito a únicamente una imagen «hiper-sexualizada» sería una franca falta de reconocimiento a la calidad de su trabajo. Ahora, debemos también cuestionar si realmente la imagen de estas artistas está «hiper-sexualizada». En realidad no lo están. Puede que vistan con poca ropa en el escenario, pero sus letras hablan sobre independencia, no sobre sexo. Se enorgullecen en ser mujeres fuertes. En el caso de Miley Cyrus, ella parece atribuirse sus propias provocaciones, aún cuando es probable que sean lo que la defina en el largo plazo, pero no creo que ningún equipo de marketing la esté obligando a comportarse como lo hace.

Estas mujeres no hacen nada distinto a lo que algunos artistas masculinos han estado haciendo a lo largo de la historia. «Boy bands» sin camisa, estrellas de rock coleccionando groupies públicamente, esto no es algo nuevo. Rihanna, por ejemplo, se enorgullece en ser una mujer fuerte, cambiando de pareja con regularidad, tomándose fotos medio desnuda sin avergonzarse nunca de lo que proyecta.

Podemos hablar de «hiper-sexualización» cuando un artista es obligado a solo jugar la carta de su sexualidad con el propósito de desarrollar una imagen. Una Britney Spears de 15 años vestida como una colegiala japonesa es «hiper-sexualización». Aquí, se jugó con la imagen de una chica menor de edad para vender un track y lo peor es que esa imagen se proyectó sobre adolescentes y fue vendida como lo más cool de la tierra. ¿Hubiese sido distinto si hubiesen más mujeres en su equipo de management? Por supuesto que sí. Las mujeres siguen siendo consideradas solo como cuerpos.

El verdadero problema, sin embargo, es el estatus de las mujeres. Tener a Robin Thicke cantando una apología al abuso sexual «I know you want it» en un vídeo en el que mujeres desnudas lo rodean (mientras los derechos de las mujeres están en riesgo de forma cotidiana) y que esto haya tenido aprobación pública, es un verdadero problema. Aún así su último álbum fue un fracaso y fue crucificado en Twitter.

En relación al público de Iggy Azalea, lo que se cuestiona no es su ropa ni que esté hiper-sexualizada su imagen, sino que el público no la respeta y esto es, tristemente, un reflejo del acoso al que son sometidas las mujeres en las calles todos los días en la vida real.

IM: Existe también una falta de representación femenina en posiciones técnicas dentro de la industria, como por ejemplo, en ingeniería de sonido o producción. ¿Por qué crees que esto sucede? ¿Crees que es otra consecuencia de las estrategias de marketing en las que la mujer es presentada mayormente como artista/intérprete, haciendo que otras áreas de la industria no sean atractivas para ellas?

VB: En este sentido el verdadero problema no tiene que ver con las estrategias de marketing. Durante los últimos meses, el tema sobre la igualdad de género ha generado gran cantidad de atención en los medios, y el público parece estar más sensibilizado al respecto. Esto es un reflejo dl acelerado incremento de conocimiento sobre las discriminaciones que afectan a las mujeres en todas las áreas de creación artística. Dentro de los sectores artísticos y culturales, la fuerte presencia y la excelencia de jóvenes mujeres estudiando carreras artísticas no impide que se produzca un «efecto techo de vidrio». Las estadísticas de mujeres en cargos gerenciales en sectores artísticos financiado con fondos públicos, son alarmantes: solo hay un 20% de gerentes femeninas en instituciones públicas, 25% en centros de danza y recintos nacionales o regionales. En el caso de disciplinas teatrales, sólo un 8% de los cargos directivos son ocupados por mujeres y estos números siguen disminuyendo. Según Women’s Audio Mission, existen menos de 5% de mujeres productoras o ingenieros de sonido y según Billboard, solo existen 6% de mujeres en posiciones directivas. Parece que confundimos mezcla de géneros con igualdad. Los puestos están abiertos a ambos sexos, pero no de forma igualitaria. Las estrategias de marketing son una consecuencia de esto.

IM: ¿Qué papel juega el público en la percepción de la mujer en la industria musical?

VB: Una encuesta reciente arrojó que las mujeres dominan las listas (sin referirnos de nuevo al tema de la hiper-sexualización). Cada semana salen artículos en The Guardian o NY Times sobre el sexismo en la música – un ejemplo claro es la escena del EDM: Erika Foster de Au Revoir Simone explicó recientemente como se le percibe con frecuencia como solo una groupie que se encarga del merchandising. Adele, Marina and the Diamonds, Solange Knowles, M.I.A., todas han hablado sobre el sexismo en la industria con palabras muy fuertes. Adele, por ejemplo, ha explicado que le tomó mucho tiempo tener éxito debido que constantemente le pedían que bajara de peso.

Billboard ha hecho análisis sobre la poca presencia de mujeres en los carteles de festivales. En Coachela, por ejemplo, dependiendo del año, entre 16% y 25% del cartel es femenino. Y solo 2 artistas femeninos han estado en el escenario principal: Björk en 2002 y Portishead en 2007. Incluso Buzz Feed hizo un gráfico sobre esto.

Nos enfrentamos a una pregunta del tipo «el huevo o la gallina»: ¿estamos respondiendo a las demandas del público? ¿Creemos que respondemos a sus gustos o simplemente les vendemos estos carteles sin saber si existe la demanda previa? Si nos fijamos en Adele, su álbum es un éxito mundial gracias a la calidad de su música y no a su apariencia. Una vez más, la música refleja el lugar y la imagen de la mujer en la sociedad. Pero el público está evolucionando: si miramos las reacciones de la gente acerca de Robin Thicke nos damos cuenta que las mujeres cada vez más expresan su opinión en cuanto a estos temas y obtienen respaldo. Esto no ocurría hace apenas un par de años.

IM: ¿Conoces alguna iniciativa, sea privada o pública, para incentivar a las mujeres, o para facilitar su entrenamiento  y participación en las áreas ejecutivas o técnicas de la industria? ¿Cuál crees que es la mejor forma de atraer a mujeres hacia estos sectores?

VB: En lo que concierne al Reino Unido, es el país que se encuentra al frente de esta batalla, liderada por PRS y AIM. Un estudio nacional sobre las destrezas creativas y culturales en UK muestra claramente una evidente falta de mujeres en los cargos más altos: 67.8% son hombres y 32.2% mujeres (en Francia: 63% vs 37%). PRS indica que entre sus miembros, solo el 12% son mujeres compositoras, autoras o editoras. La AIM ha revelado que solo el 15% de sus miembros son mujeres y solo existen 26 directoras artísticas mujeres en todo el Reino Unido. La industria en este país firmó un decreto para que las cosas evolucionen y honestamente espero que este tipo de iniciativas puedan ser implementadas en el resto de Europa.

IM: ¿Cuál es tu opinión sobre eventos como el Future Music Forum? ¿Crees que añaden valor a la industria musical hoy en día?

VB: El FMF es probablemente mi evento favorito, junto con SXSW. Ambos no se comparan en términos de escala, pero encuentro que son igual de poderosos. El FMF nos permite compartir contenido de alta calidad en grupos pequeños. Este tipo de eventos son vitales porque permiten compartir información de gran importancia y transmitir mensajes de impacto dirigidos a los que toman las decisiones.

IM: ¿Qué tan importante crees que es discutir el rol de la mujer dentro de la industria en este tipo de eventos? ¿Crees que es el lugar apropiado o crees que existen espacios mejores para tener este tipo de conversación?

VB: Es vital discutir el rol de la mujer en estos eventos en los que los que están presenten los grandes que toman las decisiones y crean los cambios. Curiosamente estos eventos raramente respetan una paridad femenina-masculina (la junta ejecutiva del FMF no incluye mujeres, por ejemplo). Es muy importante discutir estos temas con las personas que tienen el poder de cambiar las cosas.

Por otro lado, esta batalla por la igualdad entre hombres y mujeres en las artes es fundamental para la sociedad en general. ¿No es algo curioso que en un sector de la actividad humana que promueve la emancipación, la apertura, la crítica e incluso la subversión, la representacion femenina es inferior a la representación en el mercado laboral a nivel global? ¿Las jovencitas que se dedican a una carrera artística están destinadas a ser únicamente musas, objetos de deseo, colaboradoras, tan dedicadas como invisibles?

Jeannette Lee, co-manager de Rough Trade (The Smiths, Pulp, The Strokes …), recientemente reprendió a la industria por fallar en reonocer el talento femenino escondido detrás del escenario, subrayando que, a lo largo de los años, ella había sido a menudo considerada como secretaria de su asociado Geoff Travis.

¿Desde cuando la ambición tiene género?

IM: Cuéntanos un poco sobre ti y cómo empezaste en la industria de la música.

VB: Llevo trabajando en la industria más de 15 años. Me involucré desde muy joven, mientras estudiaba llevaba una «fanzine» sobre música independiente en mi ciudad Auvergne. Luego de culminar un Master + MBA trabajé para grandes compañías en donde aprendí a perfeccionar mis habilidades (Microsoft, Omnicom, NRJ y luego Myspace como Marketing Manager). Siempre he combinado música y tecnología y mi trabajo se trata de desarrollar música y tecnología en forma conjunta.

IM: ¿Cómo contribuye tu trabajo a la industria en general? ¿Cuál consideras que ha sido tu mayor logro hasta ahora?

Fui la primera en Francia en explicar que un artista se puede desarrollar a través de la tecnología, con o sin una compañía discográfica. Antes de fundar mi agencia, lancé un blog llamado «Don’t believe the Hype» que sigue siendo el 1er blog en francés sobre marketing musical. También escribí un libro sobre estrategia musical digital, el cual fue best seller en Francia. Mi llegada no fue bien recibida por la industria al principio, pero a través de los años me he convertido en una experta reconocida, y represento a mi agencia con una gran variedad de tecnologías al servicio de artistas, desde producción hasta distribución(Twitter, Mixgenius, Bandzoogle, Playpass..), y también trabajo con artistas y sellos.

Luego, como mujer fundadora de mi propia agencia y reconocida en mi área, siento que es mi responsabilidad abrir el camino a otras. ¿Por qué existe una representación tan anormalmente baja de mujeres en el mundo de las artes y la cultura? ¿Por qué motivo no hemos alcanzado aún una paridad femenino-masculina en la industria discográfica, tanto desde el punto de vista artístico-creativo (productores, ingenieros e incluso músicos instrumentalistas, con la excepción de vocalistas femeninas) como desde el punto de vista del negocio? ¿Son un mito los artistas que están adelantados a su tiempo? Esa es una pregunta genuina.

¿Te gustaría conversar con Virginie sobre este tema y más? Asegúrate de asistir al Future Music Forum el 17 y 18 de Septiembre.

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En la antesala al Future Music Forum Barcelona nos hemos puesto en contacto con Pascal Perez para conocer un poco su visión y saber así qué nos vendrá a ofrecer durante el evento en el que formará una parte activa.

IM: Hola Pascal gracias por la oportunidad, primero que nada quisiéramos saber cuál es tu punto de vista sobre el momento actual de la industria de la música en Francia y su escena del hip hop.

¡La industria musical francés sufrió la revolución de Internet, como el resto del mundo! Algunas compañías grandes pudieron navegar este tsunami diversificando de su oferta, pero muchos de ellos se derrumbaron. Fue demasiado drástico para los sellos independientes que no pudieron sobrevivir el impacto.

La escena Hip-Hop francés sigue con exactitud el patrón de Hip-Hop americano: El rap comercial pasó de la diversidad y la creatividad a la normalización y formato: ¿Te imaginas Rakim o Big Daddy Kane rapear sobre un ritmo euro-dance? Pero hasta hoy, el Hip-Hop underground se ha mantenido real y fuerte, sobre todo en Internet, faltando su presencia en los medios de comunicación de gran difusión.

IM: A tus 54 años y después de haber visto diferentes épocas de la industria de la música como músico, ¿cuál es tu opinión frente a los nuevos servicios de streaming?

Cuando lanzamos nuestro primer disco con IAM en 1990 (siglo 20!), No tenía ni reproductor de CD! Se trataban de vinilos y cintas! Entonces salió el CD al escenario y los videntes predijeron la muerte de vinilo … Hoy en día, si quieres tener una unidad de CD en tu portátil debes pedirla  y me llevó años para archivar en unidades de mis CDs vintage!

Sin embargo, mi colección de vinilos sigue intacta y suenan mejor que nunca. Ese es mi punto, soy un amante de sonido: De vinilo a CD, he perdido mucho y no los he podido recuperar del Internet ¡Lo siento, pero  hablando de sonido, el mp3 y el AAC perdieron el juego contra el vinilo! La curiosa conclusión es que, hoy en día, el vinilo vuelve y pega fuerte de nuevo y la clientela más joven ni siquiera tiene tocadiscos para escucharlos! Y yo todavía escucho cintas de cassette de 30 años en mi auto estéreo, de verdad!!!

IM: ¿Cómo evalúa las regalías y los pagos que los artistas están recibiendo de los nuevos modelos de negocio?

Las regalías y los pagos de las ventas en línea están  bien… Pero cuando YouTube, Deezer, Dailymotion o Spotify transmiten música en la web, lo que pagan a los artistas son cacahuetes. Además en Francia, SACEM (Société des Auteurs, Compositeurs et Editeurs de musique) no se anticipó lo suficiente a la evolución de nuevos modelos de negocio y todavía están lentos! Última pregunta: ¿Cómo pueden las principales compañías ofrecer mi música como un regalo para vender suscripciones de Internet o por teléfono?

IM: ¿Cómo crees que será en el futuro  la relación entre los sellos, los artistas y sus fans?

Relación será más estrecha y lineal… Cuando el público se conecta directamente a los artistas, la comunicación y la información es eficaz y rápida. Pero los nuevos artistas necesitan sellos para llegar a los oyentes e incluso artistas experimentados necesitan la fuerza de ataque de marketing y publicidad de las grandes empresas. La radio y la televisión siguen llegando a más personas que la Internet, pero por cuánto tiempo,

IM: Pascal tendrás el honor de dar  el discurso de clausura del Future Music Forum Barcelona de este año, ¿Qué esperas del evento y que buscas compartir con el público?

Espero actualizarme a Imhotep 2.0! En serio, mis prácticas web necesitan ser puestos al día, pero aún quiero conservar mis activos vintages: AKAï MPC 3000, EMU SP1200, NEVE mezcladores analógicos, vinilos, verdaderas presentaciones en directo… Eso es lo que me gustaría compartir con el público: ¡Vayamos rumbo a un futuro mejor, pero no perdamos la mejor parte del pasado!

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Con motivo del próximo Future Music Forum que se celebrará en Barcelona los días 17, 18 y 19 de Septiembre, hemos podido conversar con Mark Williamson, responsable de Spotify for Artists en Europa.

Mark, que estará presente en una de las mesas de debate, se encarga de ayudar a los artistas a entender el modelo de negocio de Spotify, y les ayuda a utilizar Spotify para crecer en sus carreras.

IM: Hola Mark, muchas gracias por atendernos. Para un artista independiente, Spotify cómo debería ser visto, ¿Cómo una plataforma de promoción o como plataforma de monetización?

¡Spotify es ambas! Durante mucho tiempo los dos han estado muy separados. Sin embargo, el modelo de Spotify fue diseñado de manera diferente. No es suficiente para nosotros decir «oye, artistas, den su música en streaming y hagan dinero vendiendo entradas para conciertos y merchandise«. En el corazón del modelo de Spotify está el compromiso de pagar a los artistas cada vez que su música sea escuchada, devolviendo el valor por regalías de música grabada.

Y lo hemos hecho con mucho éxito hasta el momento, hemos generado más de $1000 millones de dólares en regalías animando a todas aquellas personas que habían dejado de pagar por la música, a través de suscripciones o al escuchar los anuncios en el servicio gratuito.

Sin embargo, nadie va a reproducir una banda si no se descubre su música, por lo que también es muy importante tener una plataforma de promoción junto a esta plataforma de monetización. El modelo de acceso de Spotify es un juego de meritocracia donde la música está a un sólo un clic de distancia de más de 40 millones de personas de todo el mundo. Con nuestras herramientas de descubrimiento y monetización podría decirse que es la primera verdadera combinación de promoción y monetización.

IM: La relación entre los servicios de streaming y los artistas sigue siendo a veces difícil. ¿Cómo está trabajando Spotify para evitar situaciones como lo ocurrido con la ausencia del último disco de Coldplay «Ghost Stories o» Turn Blue «de The Black Keys?

El modelo de Spotify es el primer nuevo modelo de negocio en la industria de la música durante casi un siglo. Estamos no sólo creando una nueva forma de escuchar música (acceso en vez de propiedad) sino que al hacerlo, hemos tenido que crear una forma completamente nueva para que los consumidores paguen por la música y, a su vez una nueva forma de remunerar a los artistas por su trabajo.

Nuestro modelo (que se basa en una participación en los ingresos en comparación con un adelanto en regalías por cada unidad) requiere un poco de tiempo para acostumbrarse. Sin embargo, también entendemos que es nuestra responsabilidad trabajar con la comunidad de artistas para ayudarles a entender estos cambios y cómo afecta a su carrera y su arte.

Para ayudar a hacer esto creamos el equipo de «Artist Services» hace unos años. El equipo está aquí para explicar cómo este nuevo modelo impacta en la vida financiera y creativa de un artista. Estamos trabajando con artistas de todos los tamaños para explicar cómo funciona Spotify y cómo les afecta.

Hace un par de años hubo una gran cantidad de artistas que no lo entendió, pero, como hemos crecido y hemos trabajado con más artistas conseguimos definitivamente darle la vuelta. Si bien todavía hay algunos artistas que nos encantaría trabajar con conseguir que estén en Spotify, la gran mayoría ya han venido a Spotify. En el último par de años hemos visto como Metallica, Pink Floyd, The Eagles, y mi banda favorita de Led Zeppelin, han venido a Spotify.

IM: Hablemos de SpotifyArtists.com. ¿Cómo evaluarías el impacto de esta plataforma en los artistas?

Spotify Artists está directamente relacionado con la pregunta anterior. Somos un nuevo modelo para la industria de la música moderna y tenemos que hacer nuestro mejor esfuerzo para explicar y educar a los artistas y sus equipos en cuanto a cómo estamos afectando su arte y sus carreras.

La página web SpotifyArtists.com es una iniciativa que tiene como objetivos:

1. Explicar cómo funciona este nuevo modelo para que los artistas entienden la economía subyacente detrás de streaming.
2. Explicar cómo los artistas pueden utilizar Spotify para llegar a nuevos fans y generar ingresos para que puedan seguir haciendo música.
3. Proporcionar herramientas para los artistas entiendan a su público (analytics), generar más ingresos (merchandise) y participar con sus fans (verificación y otras herramientas de Spotify)
4. Establecer un diálogo entre Spotify y la comunidad de artistas. Este nuevo modelo tiene  menos de 6 años de edad. Aún no es perfecto y tiene una necesidad imperiosa de trabajar con la comunidad de artistas para construir el mejor futuro posible para todas las partes.

Además de la página web, también hemos dedicado tiempo a que la gente de todo el mundo del equipo de Artists Service se encuentre con los artistas y sus equipos para que trabajen a diario conjuntamente.

IM: ¿Qué resultados están dando a las plataformas de merchandise y de venta de entradas (Topspin, GrndCtrl, MyPlay Direct, Fanfire / Songkick, Bandsintown) en Spotify?

La venta de entradas y el merchandising dentro de Spotify se encuentra todavía en los primeros días, pero estamos viendo grandes resultados ya. Tenemos miles de artistas que venden merchandise en Spotify y éstos tienen sus conciertos que se muestran dentro de Spotify a través de Songkick. Por ejemplo, cada mes que estamos viendo más de 2 millones de clicks en conciertos en Spotify.

Estamos en una posición única en la historia de la industria de la música; que es el primer lugar donde se puede descubrir un artista por primera vez, explorar todo su catálogo, encontrar un concierto cercano, enamorarte de ellos y cuando llegas a casa, comprar una camiseta. Luego al año siguiente, cuando el artista saque un nuevo álbum te enviaremos una notificación y vuelva a empezar así el ciclo, y claro, todo esto pagando al artista.

IM: Desde tu punto de vista, ¿Cuál es el futuro de los servicios de streaming?

Los servicios de streaming han llegado a un punto de inflexión, este año 2014 y en los próximos años vamos a ver el streaming todavía de una forma más convencional. Por ejemplo, hace poco tiempo,que los streams de Spotify se incluyeron en las listas oficiales del Reino Unido por primera vez y generaron 20% de todas las «ventas». Durante el próximo par de años vamos a ver este aumento más rápidamente, al igual que hemos visto como los ingresos de los sellos por streaming ya representan en muchos casos el 40-50% del digital.

IM: Aprovechando tu asistencia en el FMF’14 que se celebrará en Septiembre en Barcelona. Cuéntanos un poco sobre ti y cómo te involucraste en Spotify ¿Cómo es tu rutina diaria?

Me uní a Spotify hace unos años en un equipo llamado “Special Projects” y parte de mi función consistía en ayudar a lanzar Spotify en los EE.UU. Durante nuestro lanzamiento vimos que una gran brecha entre nuestro conocimiento de cómo los servicios de streaming trabajamos y cómo los artistas nos percibían.

Así, que a partir de aquí configuramos el equipo de Artist Service que sería responsable de la construcción de una mejor comunicación y relaciones con la comunidad de artistas. Desde entonces he pasado casi todas las horas de todos los días a trabajando directamente con los artistas y con sus equipos. Nosotros no queremos ser esa empresa de alta tecnología que en su camino sólo arrasa como una aplandora hasta entrar en la industria de la música, queremos trabajar con la gente que tiene el poder en la industria (los músicos) para crear un mundo en el que todos se beneficien y la música pueda florecer.

IM: ¿Cómo contribuye a la industria de la música tu trabajo? ¿Cual consideras que es tu mayor logro profesional hasta el momento?

Fundamentalmente, lo más importante es que Spotify puede hacer a la industria crecer, y crecer rápidamente. Cada nuevo usuario único significa más ingresos y más regalías pagadas. Por lo tanto, es un negocio del que estamos increíblemente orgullosos. Nosotros hemos llegado hasta aquí con 40 millones de usuarios, 10 millones de usuarios de pago que pagan por música cada mes, esto significa que ahora somos la segunda fuente de ingresos para la industria de la música en muchas países, después de haber pagado más de mil millones en regalías.

En una nota más personal, sé que el equipo de atención al artista está orgulloso del trabajo que hemos hecho para mejorar la transparencia a través de nuestro trabajo en SpotifyArtists.com y también por la construcción de un equipo abierto que trabaja con artistas de todos los tamaños y formas. Estamos trabajando todos los días para reducir la brecha entre las personas increíbles que hacen música y sus fans. Vamos a seguir trabajando duro para hacer esto mejor y mejor.

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Este año, el FMF volverá a instalarse en la famosa Antigua Fábrica de Estrella Damm y se centrará en las cuestiones más urgentes del sector de la música digital, como la recomendación y el descubrimiento, tendencias de inversión en la música digital, tendencias de la música digital, cómo utilizar el Big Data, crowdfunding y gigfunding, innovación en el sector móvil, curaduría de contenidos para los artistas, música y marcas; y más.

La quinta edición sigue creciendo después de 4 años, en el que se ha visto una impresionante variedad de compañías de música, tecnología, empresarios, músicos y ejecutivos de la industria musical que han pasado por Barcelona. Este año planean ser mayores aún y entre los ponentes estarán Spotify, Rdio, Next Big Sound, Universal Music, Vice, Mark Mulligan, The Orchard, Pledge Music, Music Xray y muchos muchos más.

FMF sirve como plataforma profesional, pero en un ambiente distendido para explorar, participar y discutir estos temas con un selecto grupo de futuristas de la música, propietarios de sellos, managers, emprendedores de la música y las tecnologías; y analistas del consumo digital musical.

Si estás involucrado en la industria de la música y te gustaría ampliar tu conocimiento sobre las tendencias actuales y ampliar la red de contactos con gente del sector, el Future Music Forum Barcelona es el evento adecuado.

 Visita la web  del FMF’14 para más información y para reservar la asistencia www.futuremusicforum.com

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