El informe Global de Música 2026 de la IFPI, publicado esta semana, ha puesto cifras a un problema que la industria musical digital lleva meses intentando atajar. El fraude en el streaming mediante contenido generado por inteligencia artificial se ha convertido en una de las mayores amenazas para los ingresos de artistas y titulares de derechos en todo el mundo, desviando millones de dólares en royalties hacia actores fraudulentos que inundan las plataformas con música producida en masa por algoritmos.

Las cifras del fraude: una avalancha de contenido artificial

Los datos son contundentes. Deezer, la plataforma francesa de streaming, reveló a principios de 2026 que recibe más de 60.000 pistas completamente generadas por IA cada día, lo que equivale aproximadamente al 39% de todo el contenido que se sube diariamente a la plataforma. En total, más de 13,4 millones de pistas generadas por IA fueron detectadas y etiquetadas en la plataforma durante 2025. Lo más alarmante es que hasta el 85% de todas las reproducciones de música generada por IA fueron identificadas como fraudulentas y, en consecuencia, desmonetizadas y eliminadas del pool de royalties.

El mecanismo del fraude es relativamente sencillo pero enormemente dañino: actores malintencionados utilizan herramientas de IA para generar miles de pistas musicales de forma masiva y luego emplean bots y granjas de reproducciones para inflar artificialmente sus cifras de streaming. Cada reproducción fraudulenta que reciben estos contenidos artificiales reduce proporcionalmente el pago que reciben los artistas legítimos, ya que los modelos de reparto de royalties en streaming se basan en la cuota de mercado de reproducciones totales.

Según un estudio realizado por CISAC y PMP Strategy, hasta el 25% de los ingresos de los creadores podrían estar en riesgo para 2028, lo que podría suponer pérdidas de hasta 4.000 millones de euros en ese momento.

Deezer y Qobuz: tolerancia cero contra el contenido artificial

Deezer se ha posicionado como la plataforma más agresiva en la lucha contra el fraude por IA. No solo etiqueta y excluye el contenido generado por inteligencia artificial de sus recomendaciones, sino que ha dado un paso más allá al comercializar su tecnología de detección de IA, ofreciendo al resto de la industria una herramienta para identificar y combatir este tipo de contenido fraudulento. La compañía ha sido pionera en desmonetizar las pistas detectadas como artificiales, eliminándolas directamente del cálculo de royalties para proteger los ingresos de los artistas reales.

Qobuz, el servicio francés de streaming de alta resolución, se ha unido a esta lucha con una política igualmente firme. La plataforma ha comenzado a eliminar las pistas generadas por IA que parecen haber sido subidas de forma fraudulenta, incluyendo aquellas que suplantan la identidad de artistas existentes o manipulan la actividad de streaming. Además, Qobuz ha anunciado que excluirá el «contenido de IA industrial» de sus recomendaciones editoriales para garantizar la visibilidad y una compensación justa para los artistas reales.

Mientras tanto, plataformas como Suno y Udio, especializadas en la generación de música con IA, sostienen que su actividad está amparada por la excepción de «uso justo» del derecho de autor estadounidense, un argumento que enfrenta creciente oposición tanto de la industria como de los legisladores. La regulación de la IA en la creación musical se ha convertido en una prioridad legislativa en múltiples jurisdicciones, y la próxima ola de regulación podría definir de forma determinante el equilibrio entre innovación tecnológica y protección de los derechos de los creadores.

El debate está lejos de resolverse, pero las cifras del informe de la IFPI y las acciones de Deezer y Qobuz envían un mensaje claro: la industria musical no está dispuesta a quedarse de brazos cruzados mientras el fraude por IA erosiona los ingresos de sus artistas.

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Grainge participó en una conversación con Richard Kerris, vicepresidente y director general de Media & Entertainment de Nvidia, bajo el título Building the Future of Music and AI, en el Centro de Convenciones de San José (California). Que una figura de la industria musical fuera invitada a este escenario es una novedad histórica: en sus más de dos décadas de historia, el GTC nunca había incluido a un ejecutivo del sector musical entre sus ponentes. Para una compañía como Nvidia, cuya capitalización de mercado ronda los 4,4 billones de dólares, esto supone también una declaración de intenciones sobre el lugar que ocupa la música en su agenda de IA.

«Me encanta la disrupción»

Grainge no llegó al GTC con un discurso cauteloso. «Me encanta el cambio. Me encanta la disrupción. Me gusta en mi empresa. Me gusta en mi vida personal», afirmó ante una audiencia acostumbrada a escuchar exactamente ese tipo de lenguaje de boca de ingenieros y emprendedores tecnológicos, no de jefes de sellos discográficos. Con esa actitud, el máximo responsable de UMG situó a la industria musical no como víctima de la revolución de la IA, sino como participante activa y entusiasta.

Sin embargo, Grainge también dejó clara su posición sobre los límites que la IA debe respetar. «Un artista tiene derecho a que su voz y sus letras sean su obra, y no deberían ser utilizadas en la música de otra persona. Las salvaguardias tienen que ver con la expresión artística, el respeto y la monetización», subrayó. Este equilibrio entre apertura al cambio y defensa de los derechos creativos resume la postura pública de UMG en los últimos años: no rechazo frontal a la IA, pero tampoco adopción sin condiciones.

Hiperpersonalización y el futuro de la experiencia musical

Uno de los momentos más concretos de la conversación fue cuando Grainge describió el potencial de la hiperpersonalización en la música. Puso como ejemplo un videojuego en el que la música se adapta en tiempo real a las acciones del jugador: «Puede ser un artista de hace 40 años, o uno que hemos fichado esta misma tarde. Un fan interactúa con él e hiperpersonaliza la experiencia dentro del videojuego. Cuando gira en una curva del circuito, la canción sincopa al estribillo, a la estrofa o a la letra que tiene un significado especial para él». Esta visión apunta a un modelo en el que la música deja de ser un producto estático para convertirse en una experiencia adaptable y reactiva.

La aparición de Grainge en el GTC no fue espontánea. En enero de 2026, UMG y Nvidia anunciaron una alianza estratégica para desarrollar «IA responsable para el descubrimiento, la creación y el engagement musical». En el marco de este acuerdo, ambas compañías trabajan en ampliar Music Flamingo, el modelo de IA de Nvidia diseñado para escuchar, interpretar y razonar sobre música, utilizando el catálogo de más de tres millones de canciones de UMG como base de entrenamiento.

El acuerdo también contempla la creación de un incubador de artistas —con participación directa de músicos, compositores y productores— para codesarrollar herramientas de IA que potencien la originalidad y la autenticidad. Como espacios de referencia se han designado Abbey Road Studios en Londres y Capitol Studios en Los Ángeles. La iniciativa se presenta explícitamente como un «antídoto al AI slop genérico», la expresión que define la avalancha de contenido generado por IA sin valor artístico diferenciador.

La presencia de Grainge en el escenario del GTC marca un punto de inflexión simbólico: la industria musical ya no observa la revolución de la IA desde fuera. Está en la sala, tiene voz propia y, al menos en el caso de UMG, lleva meses construyendo el marco en el que esa revolución deberá operar.

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La demanda, presentada el 6 de marzo de 2026 ante un tribunal federal, alega que Google copió al menos 44 millones de clips y 280.000 horas de música de su propia plataforma YouTube para alimentar el modelo Lyria 3, lanzado el 18 de febrero como el sistema de generación musical por IA «más avanzado» de la compañía. El modelo opera dentro de la aplicación Gemini de Google y permite a los usuarios crear pistas de 30 segundos a partir de indicaciones de texto o imágenes.

De distribuidor a competidor

El argumento central de los demandantes es particularmente relevante para la industria: Google, que a través de YouTube actúa como una de las mayores plataformas de distribución musical del mundo, habría utilizado su posición privilegiada para «pasar de distribuidor a competidor». Los artistas sostienen que la empresa extrajo elementos de audio de los vídeos de YouTube y los introdujo en el conjunto de datos de entrenamiento de Lyria sin pagar a los creadores ni obtener su consentimiento.

La demanda incluye cargos por infracción de derechos de autor sobre grabaciones sonoras y composiciones musicales, eliminación de información de gestión de derechos de autor, elusión de controles de acceso tecnológicos y publicidad engañosa bajo la Ley Lanham. Además, se invocan varias leyes de privacidad y protección al consumidor del estado de Illinois, incluida la Ley de Privacidad de Información Biométrica (BIPA), por la supuesta extracción y almacenamiento de huellas vocales utilizadas para desarrollar el modelo.

Cuarta demanda contra la IA musical

Este caso convierte a Google en el cuarto objetivo legal importante en el ámbito de la IA musical, sumándose a las acciones legales previas contra otras empresas tecnológicas por el uso no autorizado de música protegida para entrenar modelos de inteligencia artificial. Los demandantes argumentan que Google «tuvo todas las oportunidades de entrenar su IA legalmente, pero eligió hacerlo de la manera más barata».

El caso tiene implicaciones significativas para toda la industria musical, especialmente en un momento en que el fraude por streaming vinculado a la IA está en aumento. Según datos recientes de Deezer, la plataforma recibía más de 60.000 pistas generadas por IA cada día durante enero de 2026, y el 85% de las reproducciones de música generada por IA en 2025 fueron fraudulentas.

Para los mercados hispanohablantes, donde la adopción de plataformas digitales crece a un ritmo acelerado, este caso sienta un precedente importante sobre cómo se regularán las herramientas de IA generativa y cómo se protegerán los derechos de los artistas independientes frente a las grandes tecnológicas. La resolución de esta demanda podría definir las reglas del juego para el futuro de la creación musical en la era de la inteligencia artificial.

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La Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) publicó este 18 de marzo su informe anual Global Music Report 2026, que confirma el undécimo año consecutivo de crecimiento para el negocio de la música grabada. Los datos reflejan una aceleración respecto al 4,8% registrado en 2024 y sitúan a la industria en su mejor momento desde que comenzó la era digital.

Latinoamérica, motor del crecimiento mundial

La región latinoamericana fue protagonista absoluta del informe. Con un crecimiento del 17,1%, acumula ya 16 años consecutivos de expansión y se posiciona como la zona geográfica más dinámica del planeta en términos de ingresos por música grabada. El streaming representa el 88,1% de los ingresos de la región, un porcentaje que supera ampliamente la media global.

Brasil creció un 14,1% y escaló al octavo puesto del ranking mundial de mercados musicales, mientras que México registró un incremento del 13,3% y se colocó como el décimo mercado más grande del mundo. Ambos países demuestran el enorme potencial que sigue teniendo la industria musical en el mundo hispanohablante.

Otras regiones también registraron cifras destacadas: Oriente Medio y Norte de África junto con el África Subsahariana crecieron un 15,2% cada una, mientras que Asia avanzó un 10,9%. Todas las regiones del mundo registraron crecimiento, un dato que subraya la salud global de la industria.

El streaming supera los 22.000 millones de dólares

El streaming por suscripción sigue siendo el motor principal del negocio. Los ingresos por streaming superaron los 22.000 millones de dólares, representando el 69,6% del total de ingresos por música grabada a nivel global. El número de usuarios de cuentas de suscripción de pago alcanzó los 837 millones, un aumento de 73 millones respecto a los 764 millones contabilizados en el informe del año anterior.

Taylor Swift fue la artista con mayores ventas globales en 2025, manteniendo el primer puesto por cuarto año consecutivo. Le siguen Stray Kids, Drake, The Weeknd y Bad Bunny, este último consolidando una vez más la presencia de la música latina en la élite mundial.

Sin embargo, el informe también pone de manifiesto los desafíos que enfrenta la industria. El fraude en streaming se ha convertido en una preocupación creciente. En enero de 2026, Deezer informó que recibía más de 60.000 pistas generadas íntegramente por inteligencia artificial cada día, y que el 85% de las reproducciones de música generada por IA en su plataforma durante 2025 fueron fraudulentas, un aumento del 70% respecto al año anterior.

El informe de la IFPI confirma que la industria musical vive un momento de expansión sostenida, con Latinoamérica como la región más prometedora. El crecimiento de mercados como Brasil y México, junto con la adopción masiva del streaming en la región, auguran un futuro optimista para los profesionales de la industria musical en el mundo hispanohablante. No obstante, la amenaza del fraude por IA y la necesidad de proteger los derechos de los creadores serán temas centrales en los próximos años.

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Después de 18 años al frente de Spotify, Daniel Ek cedió el puesto de consejero delegado a principios de 2026, dando paso a una inédita estructura de co-liderazgo entre Alex Norström y Gustav Söderström, dos veteranos con más de 15 años en la compañía. Una de sus primeras decisiones estratégicas apunta directamente al corazón del negocio: el algoritmo de recomendación.

Más control para el usuario

Taste Profile es una función que permite a los usuarios de Spotify Premium ajustar manualmente sus preferencias de contenido, indicando a la plataforma qué tipo de música, podcasts o audiolibros desean que el algoritmo les recomiende con mayor o menor frecuencia.

A diferencia del sistema actual, donde las recomendaciones se generan casi exclusivamente a partir del historial de escucha y el comportamiento del usuario, Taste Profile introduce una capa de personalización activa impulsada por inteligencia artificial.

Söderström presentó la función durante el festival SXSW en Austin, explicando que la herramienta responde a una demanda creciente de los usuarios que quieren más control sobre lo que escuchan. La función se encuentra actualmente en fase beta y estará disponible inicialmente para suscriptores premium en Nueva Zelanda en las próximas semanas, antes de expandirse a otros mercados.

El lanzamiento de Taste Profile se produce en un contexto de creciente debate en la industria musical sobre el papel de los algoritmos en el descubrimiento de nuevos artistas. Muchos músicos y sellos discográficos han denunciado la llamada “fatiga algorítmica”, es decir, la tendencia de las plataformas de streaming a priorizar contenido de artistas ya consolidados o canciones virales, limitando la visibilidad de propuestas emergentes o de nicho.

Cifras récord y nueva visión

La nueva dirección de Spotify hereda una compañía en su mejor momento financiero. En el cuarto trimestre de 2025, la plataforma alcanzó 751 millones de usuarios activos mensuales y 290 millones de suscriptores de pago, lo que supone un incremento del 10% interanual.

Los nuevos co-CEOs han declarado que 2026 será el “año de elevar la ambición”, con el objetivo de convertir al 15% de la población mundial en suscriptores de pago.

Para el mercado hispanohablante, las implicaciones son significativas. España y América Latina son regiones donde Spotify mantiene un liderazgo claro frente a competidores como Apple Music, Amazon Music y YouTube Music.

La posibilidad de que los usuarios personalicen sus recomendaciones podría beneficiar a artistas latinos, especialmente aquellos que actualmente quedan fuera de las playlists algorítmicas dominadas por el pop anglosajón, siempre que sepan aprovechar estratégicamente estas nuevas herramientas.

La gran incógnita es si Taste Profile será una herramienta real de empoderamiento del usuario o una respuesta a las críticas sobre la opacidad del algoritmo. Lo que sí parece claro es que, bajo su nuevo liderazgo, Spotify está dispuesta a redefinir el funcionamiento del sistema que la convirtió en la plataforma de streaming musical más grande del mundo.

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El acuerdo busca integrar la infraestructura avanzada de IA de NVIDIA con el extenso catálogo musical y la red global de artistas de UMG, con el objetivo de mejorar el descubrimiento musical, optimizar los flujos creativos y enriquecer la experiencia del consumidor sin comprometer los derechos de autor ni la creatividad humana.

Esta colaboración se enmarca en el posicionamiento de UMG como uno de los actores más activos en la defensa de una IA ética y centrada en el artista, en un contexto de creciente preocupación por el uso indiscriminado de contenidos protegidos para el entrenamiento de modelos generativos.

Innovación tecnológica: el modelo NVIDIA Music Flamingo

El núcleo tecnológico de la alianza es la expansión del modelo NVIDIA Music Flamingo, una evolución del sistema Audio Flamingo, diseñado para comprender música a un nivel profundo y contextual.

A diferencia de las herramientas tradicionales de reconocimiento musical, Music Flamingo es capaz de analizar pistas completas de hasta 15 minutos, aplicando un razonamiento de tipo chain-of-thought que le permite interpretar:

• Progresiones armónicas y estructuras musicales complejas

• Arcos emocionales y dinámicas narrativas

• Timbres, instrumentación y estilos interpretativos

• Contexto cultural y lingüístico de las letras

Esta capacidad sitúa al modelo por encima de los estándares actuales en tareas como la transcripción multilingüe de letras, el reconocimiento de instrumentos y la descripción musical avanzada (music captioning), facilitando nuevas formas de búsqueda y descubrimiento basadas en emociones, estados de ánimo y narrativas, más allá de las etiquetas de género tradicionales.

IA aplicada al descubrimiento y la experiencia del consumidor

Desde la perspectiva del negocio, esta tecnología permitirá a UMG explorar nuevos modelos de descubrimiento musical inteligente, mejorando la conexión entre artistas y audiencias a través de recomendaciones más precisas, contextuales y respetuosas con la propiedad intelectual.

El enfoque no se limita al consumo: la colaboración también contempla aplicaciones en archivo, catalogación avanzada y gestión de metadatos, áreas críticas para la monetización eficiente del repertorio a largo plazo.

Incubadora de artistas y flujos de trabajo creativos reales

Para garantizar que la innovación tecnológica responda a necesidades reales del sector creativo, UMG y NVIDIA pondrán en marcha una incubadora de artistas. Este laboratorio reunirá a compositores, productores y artistas para co-diseñar, probar y refinar herramientas de IA integradas en flujos de trabajo profesionales.

El objetivo declarado es fomentar la originalidad y actuar como contrapeso a la proliferación de contenidos genéricos de baja calidad generados por IA, comúnmente denominados AI slop. En este modelo, los artistas no son meros usuarios finales, sino participantes activos en el diseño de la tecnología.

UMG aprovechará además sus infraestructuras de referencia internacional, incluyendo Abbey Road Studios en Londres y Capitol Studios en Los Ángeles, como espacios de experimentación y colaboración entre creatividad humana e inteligencia artificial.

Visión ejecutiva y compromiso con el copyright

Sir Lucian Grainge, presidente y CEO de Universal Music Group, subrayó la importancia estratégica de la alianza con NVIDIA, destacando que el desarrollo de IA en la música debe basarse en principios claros de respeto y compensación:

“Nuestra misión compartida es aprovechar el potencial transformador de la inteligencia artificial para servir a los artistas y a sus fans, estableciendo nuevos estándares de innovación que protejan y respeten los derechos de autor y la creatividad humana.”

Por su parte, Richard Kerris, vicepresidente de Medios y Entretenimiento de NVIDIA, afirmó que esta colaboración permitirá explorar el catálogo musical de UMG como un “universo inteligente”, siempre bajo salvaguardas que garanticen la atribución correcta y la protección del trabajo creativo.

El laboratorio interno de UMG, Music and Advanced Machine Learning Lab (MAML), que ya operaba sobre infraestructura de NVIDIA, intensificará ahora el desarrollo de procesos creativos y comerciales entrenados de forma responsable bajo este nuevo marco de cooperación.

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El acuerdo marca un paso relevante en la evolución de la IA aplicada a la música, en un momento en el que la industria busca equilibrar innovación tecnológica y sostenibilidad creativa. Ambas compañías han señalado que el objetivo principal es ofrecer soluciones que empoderen a los músicos, en lugar de sustituirlos.

Tecnología de alta fidelidad con control creativo

El núcleo de la colaboración se basa en la combinación del ecosistema artístico y el catálogo global de UMG con la infraestructura tecnológica y de creación musical de Splice. A partir de esta sinergia, las compañías trabajarán en el desarrollo de herramientas comerciales avanzadas que permitan una expresión artística precisa y una calidad sonora de alta fidelidad.

Entre las líneas de trabajo anunciadas se encuentran nuevos instrumentos virtuales impulsados por IA, así como herramientas que permitirán a los artistas de UMG integrar sus propios sonidos y grabaciones directamente en los flujos de trabajo creativos de Splice. De forma destacada, los artistas participarán activamente en el proceso de desarrollo, aportando criterios creativos y técnicos que guiarán el diseño final de los productos.

IA responsable y monetización justa

La alianza refuerza el posicionamiento público de ambas compañías en favor de un uso responsable de la Inteligencia Artificial en la música. Michael Nash, vicepresidente ejecutivo y director digital de Universal Music Group, afirmó que esta colaboración busca “alinear innovación y ética”, asegurando que la adopción de nuevas tecnologías no comprometa los derechos ni los intereses de la comunidad creativa.

Por su parte, Kakul Srivastava, CEO de Splice, subrayó que la plataforma ha invertido tiempo y recursos en construir herramientas de IA diseñadas para compensar de forma justa a los creadores y mantenerlos en control de su obra. Según Srivastava, el objetivo es ofrecer soluciones comerciales fiables que los artistas puedan adoptar con confianza a escala global.

Un movimiento alineado con la evolución del sector

Este acuerdo se produce en continuidad con los “Principios para la Creación Musical con IA”, firmados en junio de 2024, iniciativa en la que Splice se sumó a Universal Music Group y otros actores clave de la industria para defender una IA transparente que no sustituya a los creadores humanos.

En el último año, Splice ha reforzado su posicionamiento dentro del mercado profesional mediante la integración de flujos de trabajo con DAWs líderes como Ableton y Pro Tools, así como con la adquisición de Spitfire Audio, ampliando su alcance hacia compositores y productores de alto nivel.

Con esta alianza, UMG y Splice buscan establecer un nuevo estándar para la IA musical comercial, donde innovación tecnológica, ética y valor artístico convivan como pilares del futuro creativo de la industria.

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Tanto Universal Music Group (UMG) como Warner Music Group (WMG) han defendido públicamente que estas alianzas “protegerán y empoderarán” a artistas y compositores. Sin embargo, ECSA sostiene que se han ofrecido muy pocos datos concretos, lo que genera inquietud entre los autores de canciones.

Riesgo de repetir el modelo de streaming

La principal preocupación de ECSA se centra en cómo se repartirán los ingresos derivados de estos acuerdos entre los derechos de grabación y los derechos de edición. La organización alerta de un “riesgo real” de que las majors repliquen el mismo modelo de reparto que domina en el streaming, donde aproximadamente el 80% de los ingresos va a las grabaciones y solo el 20% a las canciones.

Este desequilibrio se originó cuando los primeros acuerdos de música digital heredaron el modelo económico de la industria del CD, que privilegiaba las grabaciones frente a las composiciones.

La demanda clave de ECSA: paridad entre derechos

ECSA afirma que cualquier acuerdo de licencia de IA debe garantizar paridad entre los derechos de grabación (masters) y los derechos de edición (obra musical).

Como referencia, señala el modelo que se cree aplicado en el acuerdo entre Kobalt, Merlin y Elevenlabs, donde los derechos de la canción reciben una compensación equivalente a la de las grabaciones. Para los compositores, este equilibrio es esencial, ya que los acuerdos de edición suelen destinar al autor una parte mayoritaria de los ingresos, a diferencia de los contratos discográficos tradicionales.

Si las majors impone un modelo centrado en las grabaciones, advierte ECSA, las sociedades de gestión colectiva se verían en desventaja al negociar con las compañías de IA, que podrían alegar haber comprometido ya la mayor parte de sus presupuestos en licencias de derechos de grabación.

ECSA insta a Universal, Warner y Sony a que revelen los términos bajo los cuales han negociado estos acuerdos de IA en nombre de los autores, y a que garanticen una remuneración justa para los creadores. La organización recuerda que estas mismas majors han exigido transparencia a las plataformas de IA respecto a los datos musicales con los que entrenan sus modelos, por lo que ahora deberían ofrecer esa misma claridad al sector creativo.

Por último, ECSA pide a los reguladores europeos que supervisen el impacto competitivo de estos acuerdos de gran escala y analicen sus consecuencias para el mercado musical de la UE. En particular, solicita que se examine el mercado emergente de música generada por IA mientras la Comisión evalúa la propuesta de UMG para adquirir Downtown Music, una operación que, según ECSA, podría tener graves consecuencias para la libre competencia en el sector.

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