La primera medida quedó recogida en el Real Decreto-ley 12/2026, de 26 de mayo, publicado en el Boletín Oficial del Estado el día 27. El texto otorga a los cuatro festivales los beneficios fiscales máximos previstos en el artículo 27 de la Ley 49/2002, la norma que regula los incentivos al mecenazgo en España. En la práctica, empresas e inversores que apoyen económicamente estos eventos podrán acceder a deducciones fiscales significativas, facilitando la captación de patrocinios y una mayor estabilidad financiera para los organizadores.

Los festivales beneficiados son cuatro referencias del panorama musical español: el 10.º aniversario del Mad Cool Festival (Madrid), consolidado en una década como referente internacional de las músicas actuales; el 30.º aniversario del Sonorama Ribera (Aranda de Duero, Burgos), uno de los grandes festivales de la escena española con notable impacto sociocultural en entornos no urbanos desde 1998; el 15.º aniversario del Festival PortAmérica (Galicia), descrito en el BOE como «puente cultural entre Galicia y Latinoamérica»; y el 60.º aniversario del Festival Internacional de Jazz de Barcelona, activo desde 1966 y uno de los festivales de jazz más veteranos de Europa.

Cuatro festivales, con tres años de apoyo fiscal

La declaración de «acontecimiento de excepcional interés público» no implica financiación directa del Estado, sino un marco fiscal que incentiva la inversión privada. Los programas de apoyo tendrán una duración de tres años: los de Mad Cool y Sonorama Ribera van del 1 de septiembre de 2026 al 31 de agosto de 2029; el de PortAmérica, del 1 de octubre de 2026 al 30 de septiembre de 2029; y el del Festival de Jazz de Barcelona, del 1 de julio de 2026 al 31 de diciembre de 2028.

La declaración se inserta en un decreto que incluye 25 iniciativas culturales, deportivas y científicas, entre ellas el 30.º aniversario de la reapertura del Teatro Real, el 75.º del Festival Internacional de Santander o el 120.º aniversario del Palau de la Música Catalana. La vía del decreto-ley se justificó por la urgencia de que los festivales pudieran planificar con los beneficios ya en vigor de cara a sus próximas ediciones.

El Plan Exterior: cultura como diplomacia y palanca económica

Dos días después, el 29 de mayo, Sánchez presentó en el Instituto Cervantes el Plan Nacional de Acción Cultural en el Exterior 2026-2028, calificándolo como una herramienta que «ayudará a mejorar las industrias culturales, a abrir mercados y ganar más presencia internacional». Según el Global Soft Power Index de 2026, España es ya la cuarta potencia mundial en cultura y patrimonio, solo por detrás de Italia, Francia y Japón. El plan se articula en torno a tres ejes principales:

Los objetivos específicos del plan son:

• Promover la proyección internacional de todos los sectores creativos y culturales: visibilidad equitativa y diversidad sectorial.
• Aumentar la exportación de bienes y servicios culturales y la proyección de creadores, gestoras culturales, empresas e industrias.
• Consolidar el nivel de influencia del soft power cultural español.
• Reforzar los lazos e intercambios culturales con otros países.
• Fomentar el multilateralismo a través de la cultura: diplomacia cultural como herramienta para la paz, el entendimiento y la cooperación.
• Promover los derechos culturales y el acceso a la cultura como bien público mundial.
• Diseñar y posicionar el sello «cultura española» en el escenario internacional como marca de excelencia.
• Aumentar el posicionamiento internacional de la creación cultural en español, aprovechando la capacidad de impacto del idioma.
• Incluir el español y sus lenguas cooficiales en escenarios de excelencia: organismos internacionales, universidades, ciencia, tecnología e inteligencia artificial.
• Fortalecer la cooperación cultural para el desarrollo sostenible, concibiendo la cultura como un derecho humano.

El director del Instituto Cervantes, Luis García Montero, subrayó que «la cultura es la mejor carta de presentación de un país ante el mundo como expresión de creatividad y capacidad de diálogo.» El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, celebró que España se encuentre «en un momento increíble de proyección cultural», mientras que el ministro de Exteriores, José Manuel Albares, destacó que «los grandes embajadores de España son aquellos que hacen la cultura.»

Tomadas en conjunto, ambas iniciativas dibujan un enfoque coherente: los festivales de música en vivo reciben incentivos para crecer y atraer patrocinadores, mientras el plan exterior crea el marco institucional para que la cultura española —incluida la musical— llegue más lejos. El mensaje del Gobierno es claro: la industria cultural no es solo patrimonio, sino también palanca económica y diplomática en un mundo cada vez más competitivo.

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La adquisición refuerza una relación que ambas empresas comenzaron a construir a principios de este año. En enero de 2026, Live Nation firmó un acuerdo de diez años para obtener derechos exclusivos de presentación y naming en el Estadio Más Monumental de Buenos Aires, el emblemático campo del club de fútbol River Plate. El contrato, valorado en unos 110 millones de dólares, involucró tanto a Dale Play Live como a la otra gran promotora argentina, DF Entertainment. El acuerdo entrará en vigor el 1 de enero de 2027 y otorga a Live Nation los derechos de presentación para todos los espectáculos en directo en el estadio, con capacidad para 85.000 personas.

Con la nueva estructura, ambas promotoras asumen roles claramente diferenciados: DF Entertainment —cuya mayoría fue adquirida por Live Nation en 2018— se centrará en los eventos internacionales, mientras que Dale Play se enfocará en el desarrollo de artistas de habla hispana y el contenido local.

Dale Play: de Buenos Aires al mundo

Fundada en 2018 por Federico Lauria, Dale Play comenzó como una promotora de conciertos en Argentina, donde actualmente vende más de un millón de entradas al año. En poco tiempo se ha convertido en una de las fuerzas más relevantes de la escena musical latinoamericana. Su estructura va más allá de la promoción: incluye una división de gestión artística (Dale Play Management) y el sello discográfico Dale Play Records, cuyo catálogo reúne a algunos de los nombres más influyentes del género urbano en español.

Entre los artistas vinculados al sello figuran Duki y Nicki Nicole, además del productor Bizarrap, cuyas Bzrp Music Sessions acumulan cientos de millones de reproducciones en plataformas. El año pasado, Rimas Entertainment, la casa discográfica de Bad Bunny, adquirió una participación «significativa» en Dale Play Records, sumando otro actor global de primer nivel al ecosistema de la compañía.

Michael Rapino, presidente y CEO de Live Nation Entertainment, destacó el peso del mercado: «Buenos Aires es el segundo mercado musical más grande de América del Sur y una prioridad para Live Nation. La incorporación de Dale Play complementa nuestra asociación con DF Entertainment y refuerza nuestro compromiso con Argentina y el crecimiento de la música en español en la región y en todo el mundo.»

Por su parte, Lauria señaló que la alianza abre una nueva etapa: «Dale Play fue fundada con la visión de apoyar a los artistas y construir una plataforma que les permita crecer local y globalmente. Ser socios de Live Nation representa una tremenda oportunidad para continuar expandiendo a los artistas de Argentina y América Latina hacia el mundo.»

La expansión imparable de Live Nation en Latinoamérica

La operación se enmarca en una estrategia regional sostenida. En enero de 2026, Live Nation tomó también una participación mayoritaria en Bizarro Peru, una promotora limeña especializada en música en español. Anteriormente, en el verano de 2025, elevó su participación en la mexicana OCESA al 75% en una transacción de 646 millones de dólares; sumadas ambas operaciones en OCESA, el total invertido supera los 1.000 millones de dólares. En diciembre de 2025 tomó además una participación mayoritaria en el Movistar Arena de Santiago de Chile.

A esta cadena de adquisiciones se añaden la colombiana Páramo Presenta —productora del festival Estéreo Picnic, incorporada en 2023— y la dominicana SD Concerts, sumada en mayo de 2025. El patrón es inequívoco: Live Nation está apostando de manera decidida por consolidarse como el actor dominante del negocio del espectáculo en vivo en América Latina, una región con un crecimiento acelerado del consumo musical y una audiencia urbana cada vez más activa en el entretenimiento en directo.

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La cifra supera ampliamente los 250 millones inicialmente anticipados cuando la operación fue adelantada por medios especializados a principios de mayo. La nueva valoración más que duplica la de 2.450 millones de dólares que Suno obtuvo hace apenas siete meses, cuando cerró su ronda Serie C en noviembre de 2025. El CEO y cofundador de la compañía, Mikey Shulman, explicó en un comunicado que el capital obtenido se destinará a acelerar la contratación de personal, desarrollar nuevos productos y continuar el crecimiento de la plataforma.

En declaraciones a Bloomberg, Shulman añadió: «Tener más capital nos permite operar el negocio de manera diferente y dar pasos más ambiciosos.» En la actualidad, Suno cuenta con unos 200 empleados y prevé aumentar su plantilla hasta un 70% antes de que finalice 2026. La compañía también reportó que las tasas de cancelación han bajado y que el compromiso de los usuarios ha aumentado: «Una proporción mayor de usuarios se enamora del producto y vuelve», señaló el directivo.

Un crecimiento que desafía al escepticismo de la industria

Los números respaldan la confianza de los inversores. En febrero de 2026, Suno superó los 2 millones de suscriptores de pago y Shulman declaró que la empresa estaba en camino de alcanzar 300 millones de dólares en ingresos anuales. La nueva ronda convierte a Suno en una de las compañías de inteligencia artificial aplicada a la música con mayor capitalización del mercado.

Daegwon Chae, socio general de Bond Capital, explicó la apuesta comparando a Suno con las herramientas de programación que han permitido a personas sin formación técnica crear sus propias aplicaciones: «Suno desbloquea una nueva parte del mercado del entretenimiento basada en la participación activa, la creación y el compromiso.» La analogía apunta directamente a uno de los argumentos centrales de la compañía: que la creación musical no debería estar reservada a quienes tienen formación formal.

En su comunicado, Shulman también anticipó el lanzamiento de nuevos productos fruto de su colaboración con la industria musical: «En los próximos meses comenzaremos a lanzar nuestro primer modelo musical desarrollado en colaboración con la industria musical», con el objetivo de crear «nuevas experiencias para los fans al tiempo que ayudamos a los artistas a llegar a audiencias, construir comunidad y desbloquear nuevas posibilidades creativas y económicas.»

Demandas activas, pero también el primer producto con Warner

La ronda llega en medio de un panorama legal todavía complejo. La RIAA, actuando en nombre de las tres grandes discográficas, demandó a Suno y a su competidor Udio en 2024 por presunta «infracción masiva» de derechos de autor. Udio ha llegado ya a acuerdos con Universal Music Group y Warner Music Group. Suno, por su parte, cerró un acuerdo con Warner en noviembre de 2025, pero mantiene litigios activos con Universal Music Group y Sony Music Entertainment, así como con la organización danesa Koda y la alemana GEMA.

El mes pasado, UMG y Sony solicitaron al tribunal añadir más de 61.000 grabaciones adicionales a su demanda, después de usar tecnología de huella de audio para identificar sus registros en los datos de entrenamiento de Suno. Según el Financial Times, las negociaciones de licencia entre Suno y los sellos demandantes se encuentran estancadas, sin aparente solución a la vista.

A pesar de este contexto, Suno avanza en paralelo con su socio Warner. Según Bloomberg, la compañía ya está probando productos derivados de ese acuerdo y prevé lanzar el primero en los próximos meses. El producto inicial permitirá a los usuarios referenciar e incorporar canciones del catálogo de Warner en sus creaciones, lo que lo convertiría en el primer caso concreto de colaboración licenciada entre una plataforma de IA generativa musical y un gran sello. La apuesta posiciona a Suno como un actor que busca simultanear el litigio con la construcción de puentes con parte de la industria, a la espera de que los acuerdos pendientes puedan cerrarse.

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La mecánica es sencilla pero potente: cuando un artista anuncia una gira, Spotify identifica a sus oyentes más fieles —los llamados superfans— y les ofrece la posibilidad de reservar hasta dos entradas antes de que el resto del público pueda comprarlas. Para determinar quiénes son esos fans prioritarios, la plataforma analiza datos de comportamiento como el historial de reproducción, las interacciones con el contenido del artista y, según indicaron desde la empresa, también la ubicación geográfica del usuario.

Los fans seleccionados recibirán una notificación con una ventana de compra de aproximadamente 24 horas. Si no aprovechan esa oportunidad, las entradas se liberan para el público general. Spotify aclaró que la función no implica ningún costo adicional para los usuarios: la plataforma no cobra comisiones por el acceso anticipado, sino que actúa como puente entre el artista y sus seguidores más activos.

Sin colas, sin bots, sin cargos adicionales

Uno de los objetivos declarados de Reserved es combatir los problemas endémicos del sector de las entradas en vivo: los bots que acaparan tickets en segundos y los revendedores que los comercializan a precios abusivos. Al reservar entradas directamente para los fans verificados a través de la plataforma, Spotify busca garantizar que quienes más escuchan a un artista tengan una oportunidad real de verle en directo.

Sin embargo, la empresa fue cuidadosa en sus comunicaciones: no todos los fans que cumplan los criterios recibirán necesariamente una oferta. El número de entradas disponibles en cada show es limitado, y la función funcionará como una capa de acceso prioritario, no como una garantía universal de compra.

En cuanto a los costos, Spotify insistió en que Reserved no añade ninguna tarifa extra. Las entradas se venderán al precio habitual del promotor, y la plataforma no percibe un margen adicional por gestionar el acceso anticipado. Esto contrasta con algunas iniciativas similares de otras empresas del sector, que han sido criticadas por cobrar tarifas de «membresía» o «acceso VIP» para justificar el servicio.

La alianza con Live Nation y el contexto de la reventa

Para el lanzamiento, Spotify ha firmado un acuerdo exclusivo con Live Nation, la mayor promotora de conciertos del mundo. Esta colaboración permitirá que Reserved debute con algunos de los artistas y recintos más relevantes del mercado estadounidense durante el verano de 2026. La función estará disponible inicialmente para los suscriptores de Spotify Premium mayores de 18 años en Estados Unidos.

El lanzamiento llega en un momento de fuerte presión regulatoria y social sobre el sector de la venta de entradas. En los últimos años, varios escándalos de reventa masiva —especialmente los vividos en giras de artistas de primer nivel— han puesto en el punto de mira a las plataformas de ticketing y a los revendedores. Spotify entra en este ecosistema con una propuesta que, según la compañía, pone al fan en el centro.

La alianza con Live Nation no está exenta de complejidad. La promotora está actualmente bajo escrutinio antimonopolio en Estados Unidos, lo que añade un elemento de incertidumbre a cualquier asociación de largo plazo en el sector de los espectáculos en vivo. Por ahora, la colaboración se ha presentado como un lanzamiento inicial sin que se hayan revelado los términos del acuerdo.

Reserved se suma a una serie de iniciativas de Spotify orientadas a fortalecer el vínculo entre artistas y superfans. En el mismo Investor Day, la compañía anunció un acuerdo con Universal Music Group para permitir a los usuarios crear versiones con IA de canciones de artistas que hayan dado su consentimiento, como complemento de pago dentro de la suscripción Premium. Ambas iniciativas apuntan en la misma dirección: convertir a Spotify en algo más que una plataforma de streaming, acercándola al papel de mediador activo en la relación entre músicos y su público.

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El acuerdo abarca tanto licencias de grabaciones como derechos de edición musical, y sienta las bases para la primera capacidad generativa nativa dentro del ecosistema de Spotify. Los fans podrán usar la herramienta para crear covers e interpretar canciones del catálogo de sus artistas favoritos, siempre bajo un marco que ambas compañías describen como basado en tres pilares fundamentales: consentimiento, crédito y compensación. Ni Spotify ni UMG han confirmado aún qué tecnología de IA sustentará la función, ni su precio exacto ni la fecha de lanzamiento.

Consentimiento, crédito y compensación para los artistas

La participación en el programa será completamente opcional. Solo los artistas y compositores que decidan sumarse verán su catálogo disponible para ser reinterpretado por los fans. A cambio, recibirán una nueva fuente de ingresos adicional a lo que ya generan en Spotify a través del streaming convencional. «Lo que estamos construyendo está basado en el consentimiento, el reconocimiento y la compensación para los artistas y compositores que participen», afirmó Alex Norström, co-CEO de Spotify.

Por su parte, Sir Lucian Grainge, CEO de Universal Music Group, describió el movimiento como «artista-céntrico y basado en una IA responsable», subrayando que el objetivo es fortalecer los lazos entre los creadores y sus audiencias al tiempo que se abren nuevos canales de ingresos. Todos los usuarios de Spotify —no solo los Premium— podrán reproducir las creaciones generadas con esta herramienta, aunque la función de creación en sí será un complemento de pago.

El acuerdo llega en un contexto especialmente significativo. Plataformas de IA generativa como Suno y Udio han crecido de forma acelerada, y su capacidad para reproducir estilos musicales protegidos ha generado una oleada de demandas por infracción de derechos de autor. Spotify y UMG apuestan por un modelo diametralmente opuesto: en lugar de operar en los márgenes de la legalidad, construyen un sistema de licencias consentido donde los artistas son socios activos del proceso creativo de sus fans.

El mercado celebra el acuerdo: SPOT sube un 14%

La reacción del mercado fue inmediata y contundente. Las acciones de Spotify (SPOT) se dispararon cerca de un 14% durante la sesión del 21 de mayo, alcanzando los 493,75 dólares por título. El anuncio del acuerdo con UMG coincidió con la presentación de los ambiciosos objetivos de la compañía para 2030: alcanzar los 1.000 millones de suscriptores, generar ingresos de 100.000 millones de dólares, y mantener márgenes brutos de entre el 35% y el 40% con un margen operativo superior al 20%. La combinación de un acuerdo estratégico en IA y unas proyecciones de crecimiento sólidas convenció a los inversores de que Spotify está bien posicionada para liderar la próxima fase del streaming.

Lo que queda claro con este acuerdo es que Spotify no se conforma con ser una plataforma de reproducción: aspira a convertirse en un ecosistema creativo donde los fans no solo consumen música, sino que participan activamente en ella. Si otras majors y distribuidoras se suman al modelo, la industria podría haber encontrado el mecanismo que lleva años buscando para integrar la IA sin destruir el valor de la música. El reto ahora está en los detalles: qué voces y estilos quedan disponibles, cómo se reparten los ingresos y hasta qué punto los artistas sentirán que este modelo realmente los beneficia.

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La novedad llega en un momento en que YouTube refuerza sus herramientas de resolución de conflictos entre creadores y titulares de derechos. Hasta ahora, cuando un vídeo era reclamado por Content ID —la tecnología de reconocimiento de huellas digitales de audio que YouTube utiliza para identificar contenido protegido—, el creador disponía de tres opciones básicas: impugnar la reclamación, silenciar la pista o buscar manualmente en la biblioteca de audio libre de YouTube una alternativa. Ninguna de ellas era especialmente ágil ni eficaz para creadores con poco tiempo o recursos.

Cuatro opciones de música con IA en un solo clic

Con la nueva función, el proceso se simplifica radicalmente. Al acceder a la sección de reclamaciones en YouTube Studio desde el escritorio, el creador selecciona el vídeo afectado, entra en «Reemplazar canción» y pulsa el nuevo botón «Crear». El sistema genera entonces cuatro opciones de música instrumental, adaptadas en duración y estilo al tipo de contenido, que el usuario puede previsualizar antes de aplicar la sustitución. La música generada es completamente libre de derechos y no producirá nuevas reclamaciones.

De momento, la función está disponible únicamente para usuarios en Estados Unidos y en la versión de escritorio de YouTube Studio. La plataforma ha confirmado que su expansión a otros países y dispositivos está prevista para más adelante en 2026.

Content ID y el coste invisible para los creadores

La herramienta llega en respuesta a una problemática que lleva años generando fricciones dentro de la plataforma. Content ID procesa más de 2.000 millones de reclamaciones anuales, según datos de la propia compañía, y la precisión del sistema —diseñado para proteger los derechos de la industria musical— ha generado situaciones paradójicas: vídeos reclamados porque se escucha una canción de fondo durante apenas unos segundos en un restaurante, en un evento público o emitida por el televisor de un salón. Para muchos creadores, la experiencia de recibir una reclamación de Content ID sobre un vídeo que apenas incluye música ha resultado profundamente frustrante.

Cuando se produce una reclamación, el titular de los derechos puede optar por monetizar el vídeo del creador, lo que significa que todos los ingresos publicitarios generados por ese contenido pasan a manos del dueño del copyright, no de quien lo produjo. Esta dinámica ha sido una fuente constante de tensión, especialmente para los canales más pequeños que no disponen de presupuesto para licencias musicales de pago. YouTube, por su parte, ha pagado más de 70.000 millones de dólares a la industria musical desde 2016, lo que la convierte en uno de los mayores canales de ingresos para sellos y distribuidores.

El lanzamiento, sin embargo, no está exento de implicaciones para el ecosistema musical. Empresas especializadas en música de producción libre de derechos orientada a creadores —como Epidemic Sound o Artlist— podrían ver reducida parte de su demanda si YouTube ofrece gratuitamente una alternativa funcional e integrada en el flujo de trabajo del editor. La pregunta que se abre es hasta qué punto una herramienta de este tipo puede competir en calidad y personalización con catálogos curados por humanos.

El debate de fondo sigue siendo el mismo que atraviesa toda la industria: ¿la música generada por IA resuelve un problema real, o simplemente desplaza el valor que antes creaban los músicos? YouTube, que se ha posicionado como plataforma pro-creadores con iniciativas como YouTube Music o su programa de reparto de ingresos, presenta esta herramienta como un avance en conveniencia. La industria musical tendrá que decidir si lo interpreta como una amenaza o como la evolución inevitable de un ecosistema que lleva años transformándose a gran velocidad.

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El mensaje enviado desde Songkick informaba que los datos personales almacenados por la plataforma «serán transferidos a Suno, quien asumirá la responsabilidad de su tratamiento a partir de ese momento». Entre la información que cambia de manos se encuentran los datos de cuenta, las preferencias de artistas y localización, y los ajustes de alertas de conciertos acumulados durante años de seguimiento activo. También se incluye la información generada a través de la integración de Songkick con Spotify, lo que representa un valioso grafo de comportamiento musical que conecta gustos de escucha con asistencia a eventos en vivo.

Un director general para conectar el directo con la IA generativa

Para gestionar la fusión estratégica de ambas plataformas, Suno ha publicado una oferta de trabajo para contratar a un director general (General Manager) de Songkick. La descripción del puesto solicita a los candidatos que desarrollen y ejecuten una hoja de ruta de integración que conecte el «grafo de música en vivo de Songkick con el ecosistema de artistas y creación de Suno». El objetivo declarado: llevar a un fan desde la creación de música con IA hasta la vivencia de experiencias en directo, todo dentro del mismo ecosistema tecnológico.

Esta maniobra tiene su origen en noviembre de 2025, cuando Warner Music Group (WMG) y Suno anunciaron un acuerdo histórico que puso fin a la demanda por infracción de derechos de autor que el sello había interpuesto contra la startup. El pacto incluyó un acuerdo de licencias para entrenar los modelos de IA de Suno con música de WMG —con pleno control de los artistas sobre el uso de su voz, nombre e imagen— y la transferencia de la propiedad de Songkick a Suno por una cantidad no revelada. Con esa adquisición, la empresa de Boston se hacía con algo mucho más valioso que una simple app de conciertos: una base de datos masiva de fans con preferencias musicales detalladas, construida durante más de una década.

La transferencia de datos activa ahora la segunda fase de esa estrategia: integrar el conocimiento del comportamiento del fan con las capacidades generativas de la IA. La visión que emerge es la de un ecosistema circular en el que los usuarios crean música con inteligencia artificial, descubren a los artistas que inspiran sus creaciones y, finalmente, asisten a sus conciertos. Todo, en principio, dentro del mismo entorno.

Polémica, privacidad y la sombra del «estudio pirata»

Suno atraviesa además un momento de fuerte expansión financiera. Según informaciones recientes, la compañía estaría ultimando una nueva ronda de financiación de más de 250 millones de dólares a una valoración de 5.000 millones, lo que la situaría entre las startups de IA más valiosas del sector musical global.

Sin embargo, el movimiento no ha estado exento de polémica. En comunidades de Reddit vinculadas a Songkick, numerosos usuarios han expresado su malestar por la transferencia de sus datos a una empresa a la que consideran controvertida. El CEO de Believe, Denis Ladegaillerie, ha calificado públicamente a Suno de «estudio pirata» y ha anunciado que los temas generados con IA sin licencia serán bloqueados en distribución. Organizaciones de derechos digitales también han puesto el foco en si esta transferencia cumple con normativas de privacidad vigentes como el RGPD europeo.

Lo que está claro es que Suno no está construyendo simplemente una herramienta para hacer música: está trazando un mapa completo del fan —gustos, ubicación, hábitos de asistencia— y apostando a que la inteligencia artificial pueda conectar todos esos puntos. El sector musical observa con atención si este modelo puede prosperar sin generar nuevas fricciones legales y éticas.

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Una estrategia construida sobre tres pilares

Según la revista TIME, la política de WMG en materia de IA se sustenta en tres ejes fundamentales. El primero es el impulso legislativo: la compañía ha apoyado activamente la NO FAKES Act, una propuesta de ley presentada en el Congreso de Estados Unidos en abril de 2025 —con el respaldo de las tres grandes majors discográficas y de empresas tecnológicas como Google, Amazon y OpenAI— que busca proteger el nombre, la imagen, la voz y la semejanza de los artistas frente a su uso no autorizado en herramientas de inteligencia artificial generativa.

El segundo pilar son las asociaciones estratégicas. Tras años de litigación, WMG optó por una vía diferente: llegar a acuerdos de licencia con empresas de IA musical. En noviembre de 2025, la major firmó un acuerdo histórico con Suno, uno de los principales generadores de música con IA, liquidando simultáneamente la demanda por infracción de derechos de autor que tenía abierta contra la plataforma. Poco antes, también cerró un pacto similar con Udio, otro generador de IA musical. Estas alianzas se suman a acuerdos previos con Klay y Stability AI, completando un ecosistema de socios tecnológicos que comparten el modelo de uso de música licenciada.

El tercer pilar es la protección individual de los creadores: cada acuerdo firmado con empresas de IA incluye cláusulas que otorgan a los artistas y compositores el derecho a decidir si sus nombres, imágenes, semejanzas y voces pueden ser utilizadas en canciones generadas por inteligencia artificial. Es un modelo de opt-in/opt-out que sitúa el control en manos de los propios creadores.

El acuerdo con Suno: un nuevo estándar para la industria

El pacto con Suno es especialmente significativo. Bajo el acuerdo, Suno lanzará nuevos modelos de IA entrenados exclusivamente con música licenciada, mientras los modelos anteriores serán retirados progresivamente. Los artistas conservan el control total sobre si sus obras —y su identidad— pueden usarse para entrenar o generar contenido en la plataforma. Este modelo, descrito por ambas partes como un nuevo estándar para la industria, refleja el giro estratégico de WMG: pasar de combatir la IA en los tribunales a intentar moldearla desde dentro.

Robert Kyncl, CEO de Warner Music Group, ha sido el principal arquitecto de esta transformación. Desde que asumió el cargo en 2023, ha apostado por convertir a la major en una compañía que no solo reacciona ante los cambios tecnológicos, sino que participa activamente en la definición de sus reglas. El reconocimiento de TIME avala ese planteamiento.

El TIME100 de 2026 también incluye a otras empresas con presencia directa en el ecosistema musical: Alphabet, Meta, OpenAI, Anthropic, Tencent, TikTok, Shopify y Discord. La presencia de WMG en esta lista —junto a compañías puramente tecnológicas— subraya que las discográficas ya no son receptoras pasivas de la transformación digital, sino actores con voz propia en la definición del ecosistema creativo del futuro.

Para la industria musical, el modelo de WMG representa una referencia de cómo los sellos pueden abordar la IA sin renunciar a la protección de sus artistas: negociando, legislando y construyendo marcos que garanticen que la tecnología trabaje para los creadores, y no en su contra. Una posición que, con este reconocimiento, gana credibilidad e influencia a escala global.

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