El ritmo español multiplica con creces el de las grandes plazas del continente. Mientras el mercado español avanzó un 13,7%, el Reino Unido creció un 4,8%, Francia un 3,7% y Alemania un 1,7%, lo que confirma a España como uno de los motores de crecimiento de la música grabada en Europa. El país ocupa el decimocuarto puesto del ranking mundial, pero su velocidad de expansión lo sitúa por delante de mercados de mayor tamaño y madurez.

El impulso español se apoya en dos pilares. El primero, el streaming: el consumo de audio en plataformas superó los 103.600 millones de escuchas en 2025, un 5,2% más que un año antes, y el entorno digital ya concentra el 87,9% de la música consumida en España. El segundo, la sorprendente resistencia del formato físico de la mano del vinilo: se vendieron 2,18 millones de discos, un 30% más que en 2024 y un 77,8% más que en 2020, en una tendencia que ya reflejaba el récord de consumo musical de España en 2025 y que ha tenido continuidad en el crecimiento del primer semestre de 2026.

A escala europea, el informe dibuja un ecosistema que combina influencia cultural, innovación tecnológica y crecimiento económico. Nueve de los veinte mayores mercados de música grabada del mundo están en la UE y suman 5.100 millones de euros; los ingresos comunitarios crecieron en 293 millones durante 2025. El streaming aporta alrededor del 66% de la facturación europea, y el repertorio local mantiene un peso notable: el 53,5% de los temas que aparecen en los Top 10 anuales de cada país son de artistas nacionales, un dato que subraya la fortaleza de la creación doméstica —también la española, con el auge global de la música en español—.

El estudio destaca, además, el margen de crecimiento que aún tiene el continente. La penetración de las suscripciones de pago en la UE se sitúa en el 27%, muy por debajo del 54% de Estados Unidos y del 47% del Reino Unido. Para la industria, esa brecha es una oportunidad: hay espacio para que millones de europeos —y de españoles— den el salto del consumo gratuito o esporádico a la suscripción, la modalidad que sostiene los ingresos del sector. El buen momento se enmarca en un mercado global que creció un 6,4% en 2025, hasta los 31.700 millones de dólares, encadenando once años consecutivos de crecimiento.

«Europa sigue siendo una de las grandes historias de éxito de la música del mundo. El sector musical de la UE está creando empleo, impulsando la innovación, enriqueciendo la cultura y ayudando a los artistas europeos a llegar a audiencias de todo el planeta», afirmó Victoria Oakley, directora ejecutiva de la IFPI. La responsable reclamó a las instituciones europeas centrarse en «la aplicación y el cumplimiento efectivos de la legislación vigente» y apoyar una innovación responsable en inteligencia artificial «con medidas de transparencia significativas» que garanticen que los creadores puedan ejercer y beneficiarse de sus derechos.

El informe funciona así como una foto y como una hoja de ruta: certifica la salud de la música grabada en Europa —y el papel destacado de España dentro de ella— y, a la vez, avisa de que sostener ese crecimiento dependerá de proteger el valor del repertorio humano frente a la irrupción de la IA y de convertir el amplio consumo europeo en suscripciones de pago. Para España, que crece más rápido que sus vecinos pero aún tiene recorrido en penetración de suscriptores, el mensaje es doblemente alentador: el mercado vive su mejor momento en veinte años y todavía le queda margen para seguir subiendo.

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El motor del negocio sigue siendo el entorno digital, que aportó 160,5 millones de euros, un 10,5% más, y ya concentra el 88,5% del total del mercado. Dentro de él, el streaming generó 159,6 millones (+10,8%), pero el verdadero impulso llega de las suscripciones de pago, que alcanzaron los 121 millones de euros, un 15,1% más que un año antes. Esta modalidad supone por sí sola el 66,7% de todos los ingresos del sector —tres de cada cuatro euros del mercado digital— y se ha convertido en la columna vertebral de la industria.

La evolución de las suscripciones ilustra la magnitud del cambio de modelo. En el primer semestre de 2020 aportaban 45,1 millones de euros; en el de 2026, 121. Es un crecimiento acumulado del 168,2% en apenas seis años, que ha transformado por completo la estructura de ingresos de la música en España y ha dejado atrás la crisis que arrastró al sector durante la primera década y media del siglo.

No todo el terreno digital avanza al mismo ritmo. Mientras las suscripciones y el streaming de audio financiado por publicidad (19,98 millones, +7,1%) crecen, el streaming de vídeo financiado por publicidad retrocedió un 8,5%, hasta 18,66 millones, y los productos para móvil se desplomaron un 71,6%. Las descargas permanentes, en vías de desaparición, apenas se movieron (+0,4%), una muestra de que el consumo se ha desplazado casi por completo hacia el acceso frente a la propiedad.

La otra gran historia del semestre es la del mercado físico, que lejos de agonizar creció un notable 20,3%, hasta 20,9 millones de euros, y ya representa el 11,5% del total. El fenómeno tiene un nombre propio: el vinilo, que disparó sus ventas un 27,7% —hasta 15,3 millones— y acapara ya el 73% del mercado físico, muy por delante del CD, que sumó 5,6 millones (+4,3%). El formato analógico, convertido en objeto de coleccionista y en símbolo de fidelidad del fan, se ha consolidado como una fuente de ingresos estable y creciente, en línea con la tendencia observada en los principales mercados internacionales.

«Los resultados del primer semestre de 2026 confirman la fortaleza del mercado español de música grabada y la capacidad de la industria para seguir creando valor a través de la inversión en talento, innovación y desarrollo de nuevos modelos de negocio», señaló Antonio Guisasola, presidente de Promusicae, al presentar las cifras.

Los datos españoles se enmarcan en un contexto internacional de crecimiento generalizado del negocio musical, sostenido por la expansión de las plataformas de streaming y por las subidas de precios de las suscripciones que las grandes discográficas llevan tiempo reclamando. El tirón del talento local —con el auge global de la música en español y de artistas urbanos y de otros géneros— ha reforzado además la posición de España como uno de los mercados más dinámicos de Europa (una fortaleza que ya reflejaban los 156 millones de euros en royalties que Spotify pagó a los artistas españoles en 2025).

El reto, de cara al futuro, es doble. Por un lado, la industria depende cada vez más de un único formato —la suscripción de audio—, lo que la hace sensible a la evolución de los precios y a la saturación de los mercados maduros, en un momento en que el streaming global se acerca a los 1.000 millones de suscriptores. Por otro, la irrupción de la música generada con inteligencia artificial obliga a redoblar los esfuerzos por proteger el valor del repertorio humano. Con todo, el balance del semestre confirma que la música grabada en España vive su mejor momento en más de una década, con el streaming como locomotora y el vinilo como sorprendente y sólido copiloto.

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El código se articula en torno a cuatro principios: proteger la libertad artística dentro de la ley; crear espacios seguros y acogedores; garantizar que la programación y las alianzas reflejen los valores de Superstruct; y promover la inclusividad y la equidad. La compañía lo define como «una demostración de su apoyo histórico a la libertad artística y a la independencia creativa de sus festivales».

«La libertad artística está en el corazón de nuestros festivales. Son lugares para que los artistas se expresen, desafíen ideas y aporten distintos puntos de vista a las audiencias. Creemos firmemente en respaldar esa libertad», señaló Rebecca Kane Burton, directora de operaciones (COO) de Superstruct. «El Código Artístico deja clara nuestra posición y da a los artistas y a nuestros equipos unos principios comunes, con la independencia creativa en el centro».

El anuncio no llega en el vacío. Superstruct —propietaria de festivales como el húngaro Sziget o el barcelonés Sónar, entre muchos otros— ha vivido en los últimos años una fuerte tensión en torno a la expresión política en sus recintos. La entrada del fondo estadounidense KKR en su accionariado, tras la compra de la compañía en 2024, desató boicots y renuncias de artistas en varias de sus citas, que denunciaban las inversiones del fondo. A ese clima se han sumado los debates sobre pronunciamientos políticos desde los escenarios, que han situado a los grandes promotores ante el dilema de dónde acaba la libertad de expresión del artista y dónde empiezan las responsabilidades del organizador.

En ese contexto, formalizar por escrito un marco de actuación tiene una lectura evidente: dar a los equipos de cada festival una referencia común para afrontar decisiones delicadas —desde la programación hasta las declaraciones sobre el escenario— sin improvisar caso por caso. La propia Superstruct enmarca el código como una herramienta para «decidir con confianza», un reconocimiento implícito de lo resbaladizo que se ha vuelto el terreno para la industria del directo.

El movimiento se produce, además, en plena consolidación del negocio festivalero. Superstruct, respaldada por capital riesgo, ha protagonizado en los últimos años una acelerada compra de propiedades hasta reunir su enorme cartera, en una tendencia de concentración que ha reavivado el debate sobre la independencia de los festivales frente a los grandes grupos. Que el segundo operador mundial haga bandera de la «independencia creativa» de sus marcas es, en sí mismo, una respuesta a quienes advierten de que la concentración amenaza la diversidad y la identidad de cada cita.

Para el sector, la iniciativa puede marcar tendencia. Los festivales europeos afrontan un momento complejo, entre la presión de costes, los retos climáticos y una creciente politización del espacio cultural. Un marco explícito de libertad artística —siempre «dentro de la ley», matiza Superstruct— busca equilibrar dos exigencias no siempre compatibles: preservar el festival como espacio de expresión y disidencia, y a la vez garantizar entornos seguros e inclusivos para públicos y trabajadores.

La eficacia real del código dependerá, como siempre, de su aplicación práctica cuando surja el conflicto: un artista que lance un mensaje polémico, un patrocinador incómodo o una comunidad que se sienta excluida. Pero el gesto sitúa la libertad creativa en el centro del discurso corporativo de uno de los mayores actores del directo mundial, en un año en el que la cultura de festivales —también en España, con su apuesta por la proyección internacional y el apoyo público— busca reafirmar su papel como espacio de encuentro y de expresión. Queda por ver si el resto de grandes promotores sigue el ejemplo y adopta códigos similares.

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El lanzamiento llega en un momento en que los sellos compiten con dureza por la atención del público en las plataformas de streaming (DSP). Según datos de MIDiA Research citados por la compañía, el 77% de las discográficas cree que cada vez es más difícil retener el interés de la audiencia y de los fans. Frente a ese reto, Musixmatch defiende el poder de las letras como herramienta de fidelización: sostiene que los oyentes que interactúan a fondo con las letras tienen casi cuatro veces más probabilidades de comprar merchandising y el doble de asistir a conciertos.

«No se construyen relaciones duraderas con los fans simplemente pidiendo a la gente que escuche más; se construyen dándole más intimidad y emoción con las que conectar», afirmó Rio Caraeff, copresidente de Musixmatch. «Las letras convierten una escucha pasajera en algo personal, y esa conexión puede quedarse contigo el resto de tu vida. Por eso hemos creado Musixmatch Pro for Labels: para ayudar a los sellos a extraer más valor de su repertorio».

El problema que la plataforma quiere resolver es operativo. Gestionar las letras de miles de temas —compilarlas, sincronizarlas, traducirlas y distribuirlas entre múltiples artistas y lanzamientos— implica un enorme trabajo manual, y los huecos en un catálogo son difíciles de detectar. Pro for Labels reúne en un solo lugar «transcripción y sincronización temporal por IA, curación experta, distribución global e inteligencia de catálogo». Una auditoría identifica las carencias y dónde hay que actuar; los equipos pueden crear y sincronizar letras —incluso antes del lanzamiento de una canción—, gestionar traducciones y distribuirlas por la red de DSP y plataformas sociales compatibles. Todo ello puede automatizarse con la tecnología de IA de la empresa o dejarse en manos de sus curadores profesionales.

La propuesta incluye además un panel de analítica que centraliza la información de streaming y permite comparar el rendimiento de los artistas por canal y geografía, así como la creación de materiales promocionales basados en letras para redes. A través de la analítica de catálogo y de Music Lens —el agente de IA que Musixmatch lanzó en noviembre—, los equipos pueden formular preguntas y detectar oportunidades en su repertorio. Más de 400 sellos participaron en la fase beta, que se suma a los más de 1.000 que ya usan Musixmatch Pro para gestionar sus plantillas de artistas.

Con más de 16 años de trayectoria y sede en Bolonia, Musixmatch se ha consolidado como una pieza clave de la infraestructura de datos del sector: su base verificada es utilizada, según la compañía, por más de 250.000 titulares de derechos y editoriales y por casi tres millones de compositores, en más de 250 idiomas. La empresa lanzó Musixmatch Pro en 2021, cuando dio el salto a la distribución.

El movimiento se enmarca, además, en la creciente relevancia de las letras como activo estratégico en plena expansión de la IA. En octubre de 2025, Musixmatch firmó acuerdos de licencia de IA con Sony Music Publishing, Universal Music Publishing Group y Warner Chappell Music, que cubren más de 15 millones de obras. En marzo de 2026 presentó Sentinel, un servicio que detecta cuándo se usan letras protegidas en contenidos de IA y generados por usuarios; su primer cliente, en agosto, fue precisamente la plataforma de IA Suno, en un movimiento que refleja cómo la gestión de derechos sobre las letras se ha vuelto central en el pulso entre la industria y la música sintética (una tendencia que también atraviesa la detección de música con IA en las plataformas).

Con Pro for Labels, Musixmatch apuesta por convertir un elemento tradicionalmente accesorio —la letra— en una herramienta de negocio: descubrimiento, engagement y datos. En un mercado saturado, donde captar y retener la atención se ha vuelto el gran desafío, el texto de las canciones se reivindica como una vía directa a la emoción del oyente y, con ella, a su bolsillo.

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«v6 está diseñado para expandir lo que es creativamente posible y sentar las bases para lanzar nuevos productos que abran oportunidades de ingresos en todo el ecosistema musical», escribió el cofundador y consejero delegado de Suno, Mikey Shulman, en una entrada de blog. La generación v6 se compone de tres modelos: v6, el buque insignia para suscriptores Pro y Premier; v6-wild, «pensado para la exploración» y más impredecible; y v6-mini, disponible para todos y que, según la empresa, «ofrece mejores y más rápidos resultados que cualquier modelo gratuito».

El director de producto de Suno, Jack Brody, subrayó un punto sensible: los datos con los que se ha entrenado v6 «no incluyen datos de Universal ni de Sony». Ambas discográficas siguen siendo demandantes en el caso coordinado por la RIAA presentado en Boston en junio de 2024, donde alegan infracción de derechos en el entrenamiento de los modelos anteriores de Suno. De hecho, las majors ampliaron su demanda el 25 de agosto para añadir que Suno sorteó la tecnología antidescargas de YouTube, y la compañía admitió el 1 de septiembre que «obtuvo datos de audio de YouTube» con la herramienta YT-DLP, aunque cuestiona la legitimación de los sellos para reclamar y los acusa de «actividades anticompetitivas».

Brody quiso desligar la operación de la mera obtención de datos: «Creo que la forma equivocada de entender estas alianzas es verlas como la adquisición de datos para entrenar nuestros modelos. Se trata de establecer asociaciones que nos permitan construir experiencias de producto totalmente nuevas junto a la industria y los artistas». Según explicó, v6 «se entrenó por completo desde cero» con una combinación de datos licenciados por los socios, datos de preferencia de los usuarios —qué versión de una canción eligen, no audio subido— y los avances técnicos del propio equipo. Warner, precisó, «ha decidido qué música ceder» para el entrenamiento, y desde el primer día «una parte de los ingresos se compartirá con los socios».

El lanzamiento llega en plena tormenta judicial. Suno perdió un caso frente a la alemana GEMA en Múnich el 31 de julio; la danesa Koda la demandó en noviembre de 2025 y la canadiense SOCAN el 2 de septiembre; la editorial Round Hill reclamó el 17 de agosto indemnizaciones que podrían acercarse a los 1.000 millones de dólares; y el cantautor Jason Isbell, junto a otros tres artistas, presentó el 1 de septiembre una demanda colectiva por el uso comercial de sus nombres e imagen sin permiso (un contexto que ya venía marcado por la polémica sobre el rastreo de datos de Suno).

La jugada de Suno contrasta con la de su rival Udio, que tras cerrar con UMG en octubre de 2025 ha firmado con Universal, Warner, Merlin y Kobalt y ha adoptado el modelo de «jardín amurallado» defendido por UMG, en el que la música generada no puede descargarse ni distribuirse fuera de la plataforma. Suno, en cambio, se resiste a ese esquema: su director musical, Paul Sinclair, reclamó en febrero «estudios abiertos, no jardines amurallados». El mismo día del acuerdo de v6, además, UMG anunciaba su propia alianza con ElevenLabs (ver UMG firma un acuerdo global de IA con ElevenLabs), lo que evidencia la velocidad a la que se recomponen las alianzas.

Shulman adelantó que v6 es «la primera de dos fases» y que lo próximo será «un nuevo tipo de producto: experiencias opt-in construidas en torno a artistas individuales, donde los artistas pueden elegir participar y cobrar por ello». En esencia, Suno intenta transitar del conflicto a la colaboración sin renunciar a su filosofía abierta. Si lo consigue, habrá dibujado un modelo alternativo al de UMG; si no, tendrá que hacerlo mientras los tribunales de medio mundo deciden cuánto le costará su pasado.

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La cifra da la medida del pulso que se vive en el sector: la valoración de ElevenLabs, alcanzada en una ronda de Serie D de 500 millones de dólares anunciada en febrero, es más del doble de los 5.400 millones que Suno logró en junio con su propia Serie D de 400 millones. Es decir, la empresa que acaba de aliarse con la mayor discográfica del mundo duplica en tamaño a la referencia más mediática de la música generativa.

La plataforma conjunta UMG x ElevenLabs, todavía en desarrollo, «ofrecerá a los fans nuevas formas de co-crear con la música de los artistas y compositores participantes», según el comunicado. Incluirá remezclas y mashups, «nuevas interpretaciones de temas» y «experiencias vocales personalizadas», con más productos y experiencias «en los próximos meses y años». Ese servicio funcionará de forma separada de los productos musicales que ElevenLabs ya opera —su Music API para empresas y desarrolladores y su app ElevenMusic para generar y editar canciones—.

«Las posibilidades más apasionantes para la IA y la música son las que sitúan a artistas, compositores y fans en el centro», afirmó Sir Lucian Grainge, presidente y consejero delegado de UMG. «UMG y ElevenLabs coincidimos en que una IA responsable puede inspirar el descubrimiento, profundizar la conexión entre artistas y fans y desbloquear nuevas oportunidades de ingresos para la comunidad creativa». Por su parte, Mati Staniszewski, cofundador y CEO de ElevenLabs, subrayó que la alianza permitirá «crear nuevas experiencias para los fans y garantizar que los artistas sean compensados de forma justa».

El acuerdo llega apenas un día después de que Suno lanzara su suite de modelos v6, desarrollada con Warner Music, BMG y Believe (ver Suno estrena sus modelos v6 licenciados). El movimiento consolida una estrategia de UMG que arrancó con el acuerdo que puso fin a su demanda contra Udio en octubre de 2025 y que, más recientemente, la llevó a invertir —junto a Sony y Warner— en Stability AI (ver Universal, Sony y Warner invierten en Stability AI). La foto es nítida: las grandes discográficas están tejiendo una red de alianzas con desarrolladores de IA «con licencia» mientras litigan contra quienes, según ellas, entrenaron sus modelos sin permiso.

ElevenLabs, fundada en 2022 por Staniszewski y el director técnico Piotr Dąbkowski y con sede en Londres y Nueva York, se ha convertido en uno de los grandes nombres de la IA de audio. Su ronda de Serie D estuvo liderada por Sequoia Capital, con Andreessen Horowitz e ICONIQ ampliando su participación, y entre sus inversores figura NVIDIA. La empresa superó en mayo los 500 millones de dólares en ingresos recurrentes anuales —frente a los 350 millones de finales de 2025—, y Forbes estima que ganó 116 millones en 2025 con una plantilla de 450 personas. Su tecnología, que abarca modelos de voz y audio en más de 70 idiomas, se usa en dos tercios de las empresas del Fortune 500; Staniszewski avanzó en febrero que la compañía se prepara para salir a bolsa.

No todo es terreno despejado. ElevenLabs ha firmado acuerdos de licencia de voz con talentos como Matthew McConaughey —también inversor— o Michael Caine bajo un modelo basado en el consentimiento, pero también ha afrontado reclamaciones por el uso de voces sin permiso: cerró en noviembre de 2025 una demanda de dos actores de doblaje y sigue viva una acción colectiva presentada en mayo por periodistas y trabajadores de la voz.

El acuerdo con UMG marca, en definitiva, un punto de inflexión en la carrera de la IA musical: la discográfica más grande del mundo se alía con la empresa mejor valorada del sector para construir un producto «con licencia» dirigido a los fans. La incógnita es si ese modelo —creación acotada, remezclas autorizadas y compensación a los artistas— logrará imponerse como el estándar frente a las plataformas abiertas, en un mercado donde la tecnología avanza mucho más rápido que los tribunales.

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El programa «seguirá vigente mientras se mantenga en vigor la autorización de los accionistas al consejo para recomprar acciones ordinarias, incluida su renovación», explicó Spotify. La compañía precisó que el calendario y el número de títulos que recompre dependerán de factores como «la renovación de la autorización por parte de los accionistas, el precio, las condiciones generales del negocio y del mercado y las oportunidades de inversión alternativas». Las recompras podrán ejecutarse «de forma periódica y mediante distintos métodos, incluidas compras en mercado abierto», conforme a las normas de la SEC estadounidense. El plan no obliga a la empresa a adquirir un número determinado de acciones y «puede suspenderse o interrumpirse en cualquier momento».

Spotify lanzó su primer programa de recompra en 2021, cuando su consejo aprobó adquirir hasta 1.000 millones de dólares en acciones ordinarias tras el visto bueno de la junta de accionistas. En julio de 2025 añadió otros 1.000 millones a esa autorización. La recompra de acciones es una herramienta con la que las empresas devuelven capital a sus accionistas y que suele interpretarse como una señal de confianza de la dirección en la solidez financiera y las perspectivas del negocio.

La operación se apoya en unas cuentas boyantes. Spotify sumó 7 millones de suscriptores Premium en el segundo trimestre de 2026, hasta alcanzar los 300 millones de usuarios de pago, y contabiliza ya 777 millones de usuarios activos mensuales en 184 mercados. Los ingresos totales del trimestre ascendieron a 4.777 millones de euros (unos 5.560 millones de dólares), un 14% más interanual, con un beneficio operativo trimestral de 655 millones de euros. El ingreso medio por usuario Premium se situó en 4,89 euros, un 7,4% más a tipo de cambio constante, y la compañía cerró el trimestre con 9.400 millones de euros en caja e inversiones a corto plazo.

Spotify no es la única gran protagonista de la industria musical que está recomprando sus propias acciones. Universal Music Group puso en marcha su primer programa de recompra, por valor de 500 millones de euros, en marzo, y duplicó esa autorización hasta los 1.000 millones al mes siguiente (ver UMG lanza su primer buyback de 500 millones). La discográfica destinó 250 millones en junio a recomprar acciones directamente al fondo Pershing Square de Bill Ackman, que salió del capital tras el rechazo de su oferta de compra de 64.000 millones de dólares, y completó el programa original en julio con 499,2 millones gastados. En agosto arrancó un tramo adicional de 250 millones.

Precisamente para financiar en parte su propia recompra, Universal confirmó en abril que vendería la mitad de su participación en Spotify, una operación con la que esperaba ingresar en torno a 1.400 millones de dólares (ver Universal vende el 50% de su participación en Spotify). Según su informe anual de 2025, la discográfica poseía a cierre de ese año casi 6,5 millones de acciones de Spotify, equivalentes a un 3,10% del capital.

El movimiento confirma una tendencia de fondo: las grandes compañías del negocio musical, tras años de fuerte crecimiento impulsado por el streaming, han entrado en una fase de madurez financiera en la que priorizan la retribución al accionista. Que Spotify amplíe su autorización hasta los 2.200 millones de dólares mientras encadena récords de suscriptores e ingresos envía una señal clara a los mercados sobre la confianza de la dirección en la generación de caja del negocio. La incógnita, como siempre en el streaming, es hasta cuándo podrá sostenerse ese ritmo de crecimiento sin que la subida de precios y la saturación de los mercados maduros terminen pesando en las cifras.

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La novedad permite a los seguidores encontrar, comprar y descargar canciones sin salir de SoundCloud. La beta arranca con aproximadamente 200 creadores estadounidenses de Artist Pro que tienen activado el sistema Fan Support. Esos artistas pueden fijar el precio de los temas elegibles, poner a la venta música disponible en streaming y seguir sus ventas a través de las herramientas Artist Studio y el panel de Fan Support. Los fans compran y descargan en el formato que facilite el artista, ya sea MP3 o WAV.

«Los artistas deberían poder construir su audiencia en un solo lugar, en una sola plataforma», afirmó Eliah Seton, consejero delegado de SoundCloud. «SoundCloud siempre ha sido donde los artistas encuentran a sus primeros fans y construyen comunidades reales. Seguimos incorporando a esa misma experiencia más de lo que necesitan para crecer, y dejamos que los fans apoyen directamente la música que aman». La compañía justifica el arranque con un grupo reducido para obtener «un circuito de retroalimentación directo: qué funciona, dónde hay fricciones y qué quieren los artistas que construyamos a continuación». El acceso se ampliará durante la fase beta hasta llegar a todos los creadores elegibles «más adelante este otoño».

La decisión responde a una demanda que la propia plataforma dice detectar en el tráfico que hoy pierde hacia otros servicios. Más de 250.000 artistas han enlazado más de 2,4 millones de temas a plataformas externas, y SoundCloud calcula que envía a más de medio millón de usuarios al año a terceros para comprar música. En su propia investigación, el 28% de los artistas encuestados ya vende descargas o quiere hacerlo, y la compañía sostiene que los superfans pueden gastar hasta cinco veces más que los oyentes ocasionales. «La necesidad ya existe. La estamos trayendo directamente a SoundCloud», resume la empresa.

El lanzamiento amplía una serie de cambios en el modelo de monetización de la plataforma. En noviembre de 2025, SoundCloud eliminó el reparto de ingresos en su servicio de distribución, permitiendo a los artistas suscriptores quedarse el 100% de sus regalías de la distribución a Spotify, Apple Music, YouTube Music, TikTok y otros servicios. Aquella revisión introdujo también el Fan Support sin comisiones, el vinilo bajo demanda, el merchandising y las tiendas de artista, parte de lo que Seton ha llamado «el próximo gran formato de ingresos» de la música. En marzo de 2026 la compañía sumó los lanzamientos exclusivos para seguidores y, en julio, adquirió Nina Protocol, una plataforma independiente que permitía a los artistas vender música directamente conservando el 100% de sus ventas.

La compra directa sitúa a SoundCloud en competencia abierta con Bandcamp, referente histórico de la venta de descargas, que aplica una comisión del 15% sobre las ventas digitales —que baja al 10% cuando el artista supera los 5.000 dólares— y del 10% en productos físicos, además de las tasas de procesamiento de pago. La promesa de «cero comisión» de SoundCloud es, por tanto, un golpe de efecto competitivo en un terreno que Bandcamp domina desde hace años (una lógica de apoyo directo de los fans que también inspira iniciativas como Spotify Reserved para superfans).

El movimiento llega, eso sí, a contracorriente de la tendencia general del formato. Las descargas y otros ingresos digitales cayeron un 5% interanual en 2025 y representan ya solo el 2,5% de los ingresos globales de la música grabada, según el Global Music Report 2026 de la IFPI: el decimotercer año consecutivo de descenso, en un ejercicio en el que el streaming supuso el 69,6% del total. La apuesta de SoundCloud sugiere que, más que resucitar la descarga masiva, la plataforma quiere capturar el gasto de los fans más fieles y convertir a los artistas en pequeños negocios dentro de su ecosistema. En un mercado dominado por la reproducción, el viejo acto de «comprar una canción» reaparece como herramienta de fidelización.

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