Disco Más Vendido: El sello que domina esta categoría es Universal, contando con el disco más vendido en 4 ocasiones, pero los sellos independientes también acumulan 4 discos más vendidos. Recordemos que esto se ha analizado desde el punto de vista de propiedad y no distribución. Si vemos los últimos años han sido dominados por sellos independientes gracias a las divas de Adele (XL Recordings) y Taylor Swift (Big Red Machine). Por su parte Sony Music gracias a su alianza con Syco suma 3 discos más vendidos, al igual que Warner Music, aunque la realidad es que 2 de estos 3 discos de Warner corresponden a discos de Coldplay bajo Parlophone cuando aún no era de su propiedad. Cabe destacar que a pesar de no ser considera normalmente una discográfica, Walt Disney cuenta con 2 discos más vendidos durante un año.

Veamos ahora si la tendencia es que los discos más vendidos al año siguiente sean premiados con el Grammy al Mejor Álbum.  Lo que podemos observar es que los últimos quince años, esto ha ocurrido solo en un par de ocasiones: con Adele (21) y aunque dos años después de su lanzamiento, con Taylor Swift (1989), y quizás es apresurado pero seamos sinceros, las posibilidades de que Adele repita el año que viene son bastante altas.

En cuanto a sellos, en los últimos 15 años, el dominio de la categoría de Mejor Álbum del Año en los Grammy ha estado dominada por los sellos indie con 7 premios. Aunque recordemos que artistas con Taylor Swift o Adele, reciben distribución de multinacionales, incluso los mismo Arcade Fire, ya que la realidad es que conquistar el mundo solo con distribución independiente es algo muy complejo. Por su parte ene estos últimos años Universal Music cuenta con 6 Grammy al Mejor Álbum, Sony Music con 3 y Warner Music solo con 1 Grammy al Mejor Álbum a principio del milenio.

¿Y en los Oscar, quién domina? El sello con más premios Oscar a la mejor Soundtrack de una película en los últimos 15 años es Universal Music con 6 estatuillas , dos más que el segundo sello más galardonado, en este caso se trata de Sony Music con 4, las indies de nuevo dicen presente en este caso con 3 estatuillas, una por encima de las dos de Warner Music. Hay un par de premios que los han llevado Disney y Time Warner, multinacionales del entretenimiento, por lo que obviamente no entran en el saco de las indies, pero tampoco son consideras majors de la música.

Por último y como os adelanté, he realizado estudio de los ganadores del Grammy al Mejor Álbum de Rock de los últimos años, para encontrar que esta es una categoría en la Warner Music domina cómodamente al resto de las majors acumulando en total 8 gramófonos al rock, seguimos por Sony Music con 6 Grammy y más atrás aparece Universal Music que esta ocasión no es la major dominante y cuenta con 3 Grammy.

Llama la atención como el Rock es una categoría en donde las indie no han logrado ninguna representación en los últimos años. Por su parte Foo Fighters (Sony Music) es la banda más premiada en los últimos años con 4 gramófonos, le siguen Green Day (WMG), Muse (WMG) y U2 (UMG) con 2 Grammy cada uno.

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Históricamente fanfarronear entre los fans de la música sobre quién descubrió a una superestrella primero, siempre ha sido un elemento de subidón de ego interesante.  Al final es un especie de juego a ver quién tiene potencial de A&R, booking o cazatalento.

Spotify como empresa de música es muy consciente de ello y por eso ha presentado un nuevo microsite llamado «Found Them First» donde pone en práctica su capacidad de minería de datos.  Es así como luego de una solicitud de permisos, el sistema analiza el perfil de cada usuario de Spotify, para estudiar el historial de consumo y así detectar qué artistas fueron escuchados por el usuario antes de que estos se hicieran famosos. En mi caso el sistema refleja que he descubierto a 30 artistas antes de que estos saltaran al estrellato.

A partir de allí te muestra cada uno de esos artistas y tu ubicación dentro del porcentaje de fans que lo descubrieron primero, por ejemplo en el caso de Hozier me ubico entre el primer 1% que lo escuchó, e incluso la aplicación refleja la primera escucha que se tuvo del artista, en este caso el 6 de diciembre de 2013. En general lo veo como algo fantástico para un fan de la música.

No solo esto, con la lista de los 30 artistas (Hozier, Sam Smith, Glass Animals, Years & Years, James Bay, Clean Bandit, CHVRCHES, Echosmith, Bastille, Lorde, Vance Joy, Bleachers, London Grammar, RAC, Josef Salvat, MKTO, Odeza, G-Eazy, The 1975, Twenty One Pilots, Big Data, Robert Delong, Catfish and The Bottleman, Dan Croll, NONONO, Peace, RY-X, Banks, Kodaline y AlunaGeorge) la aplicación genera una nueva lista con artista que te podrían gustar (algunos puede que ya los conozcas, eso lo hacen intencionalmente para generar confianza en la playlist), y así como con la lista semanal de Discovery, es realmente impresionante como ha mejorado la curaduría de Spotify, cada vez es más acertada. Aunque lo «malo» es que si alguno de estos nuevos artistas llega al estrellato, ya no será mérito del fan o melómano, sino de la curaduría algoritmo/humana de Spotify.

Con esta campaña Spotify incrementa el engage, y mejora la experiencia de usuario, pero no solo eso, tmabién demuestra la profundidad con la que conoce a sus usuarios. Aunque parece que toda la data es desde el 2013 en adelante, cuando se piensa en el nivel de consumo y número de usuarios, eso es mucha data.

Recientemente por motivo de las próximas fechas que tendrá Foo Fighters en Reino Unido, Spotify lanzó su primera campaña hipersegmentada de la mano de la banda para llegarle mejores fans de la agrupación. Con esto se abren una gran cantidad de oportunidades de atacar a los hardcore fans, aquellos que más escuchan un grupo o aquellos que sean los primeros es interactuar con un artista, su base de fans.

Imaginen enviar una campaña de publicidad solo a ese 1%, diciéndoles: «gracias a ti hoy somos lo que somos,por eso tenemos esta sorpresa para ti»…repito, se abren muchas posibilidades!

PS: No sé si de dieron cuenta, pero aproveché para «fanfarronear» con los artistas que descubrí antes de fuesen super estrellas 😉

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Estos resultados financieros vienen a reafirmar que el negocio de la música en directo sigue fortalecido, en todos los géneros, para artistas nuevos y veteranos.

Live Nation se encuentra en la punta de las promotoras más rentables: solamente en los Estados Unidos su división de conciertos ha vendido más de 25 millones de entradas y ha generado $1.5 mil millones en ingresos de taquilla. Bob Roux co-presidente de esta división pronostica que esta tendencia se mantenga en lo que resta de 2015. «Hasta ahora todo indica que estamos en camino a tener nuestros mayores números en la historia», indicó Roux.

Entre los recintos de gran capacidad (+15000 personas) más rentables alrededor del mundo se encuentran el O2 Arena de Londres, el Manchester Arena y el Madison Square Garden en New York

Aún cuando los shows más grandes y festivales se dan lugar en estadios y grandes recintos, muchos conciertos todavía se presentan en anfiteatros y arenas, parte fundamental de la industria del directo. En este sector Live Nation también lidera como promotora en los EEUU. «La cantidad de shows ha crecido comparado con el año pasado, en el cual obtuvimos un récord y este año nuestro negocio en estos recintos se perfila como el más fuerte que pueda recordar», indicó Roux.

Fuente: Billboard

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El pasado 12 de junio Dave Grohl, cantante y líder de la agrupación Foo Fighters, sufrió una caída en medio del escenario en un show en Suecia en la que se partió la pierna, aún así fiel a sus principios Grohl fue capaz de terminar el show esa noche. Sin embargo, el grupo se vio obligado a cancelar su gira europea la cual incluía eventos míticos como dos noches en Wembley o el festival de Glastonbury.

Al ser Foo Fighters una de las bandas más importantes del planeta, las pérdidas y los costos económicos de tal cancelación puede ser muy significativos, no solo eso, lo peor podría ser la cancelación de la parte norteamericana de la gira. Por ello la revista Billboard ha realizado una estimación de los daños y costos ocasionados.  Para empezar la banda está en niveles de llenar estadios y por ello cobran 1$ millón por show o más como cabezas de cartel de festival. Por motivo de la cancelación habrán perdido dinero en costos de trasporte y equipos que hubiesen tenido que pagar, pero tras ser amortizados en los shows, se calcula que el charter para enviar los equipos de vuelta a Estados Unidos sea de aproximadamente $200 mil. Otro costo importante en estas situaciones, son los salarios, hoteles, y demás que no podrán ser compensados con las ventas de entradas, gastos de relaciones públicas y marketing y todas las horas previas de trabajo, traslados y demás que son necesarios para preparar shows de estas magnitudes.

En general muchos de estos gastos deben estar cubiertos con seguros de contingencia, pero a veces no es así. En líneas generales las pérdidas irán en relación a los niveles cubiertos por los seguros contratados para la gira. Para que los seguros cubran deberán ser por una razón más allá del control del asegurado, y el artista debe ser incapaz de hacer el show. En este caso un peroné roto, sin duda, parece calificar como elemento para el cobro del seguro. Aunque ni su manager John Silva o su agente quisieron declarar para Billboard.

De momento la gran interrogante es cómo quedará el resto de la gira en los shows planteados en los Estados Unidos y a final de año en Europa.  Este es el panorama de pérdidas económicas:

• $200 mil por el charter y traslado de equipos. 
• $5-10 millones en ventas no ejecutadas de merchandise 
• $50 millones en ingresos brutos por los 44 shows en Estados Unidos 
• 10$ millones en ingresos por los shows cancelados en Europa 

Además de esto no está calculado, pero normalmente las giras impulsan el consumo de productos fonográficos, vía compras, descargas o en streaming, por lo que sería una pérdida indirecta. Como podemos ver, cuando se trata de un fractura a uno de los grandes del rock en plena gira, los costos y daños, pueden ser millonarios.

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Cuando Jones le expuso sus dudas sobre la actual industria musical y las formas de monetización «¿Qué le dirías a cuatro músicos en un garaje con unas cuantas buenas canciones, qué le dirías?»

«Que vayan y toquen en directo, simplemente toquen en directo» contesta de manera tajante Grohl. 

El artista le da un alto valor a la interpretación en directo y atribuye el éxito que la banda pueda tener por su buen trabajo y sus buenas canciones en vivo dejando a un lado las estrategias de marketing, discográficas o caza talentos.

“No importa si tocas en un antro o si estás en un escenario en el Bonnaroo o eres un cabeza de cartel del Lollapalooza. Si eres una buena banda con buenas canciones, la gente lo notará. Eso es todo! Es todo lo que es ¡Es así de simple! A la m*** el product placement, las discográficas o las personas de A&R y toda esa basura, lo juro por Dios. No importa!”…«y si a eso le sumas que simplemente la idea de tocar en vivo esas grandes canciones con tu gran banda, es suficiente recompensa para ti, entonces estás listo, pero tienes que ser muy bueno, realmente tienes que ser bueno. Son las otras cosas las que ayudan con tus carencias musicales»

Dave comenta lo importante de concentrarse en la calidad y la pasión en la interpretación, centrándose en la comunicación a través de su instrumento como vehículo para ganar audiencia “Como baterista nunca me propuse estar en la portada de Modern Drummer Magazine. Yo solo pensaba que si me ponías en un escenario sin amplificación o monitores de piso en un club pequeño golpearía tan duro mi batería, tanto, que la gente diría – ¡Joder! viste ese baterista?!-«

Y extendió su consejo a todos aquellos músicos que quizás no se sienten identificados, ya que él es hoy en día una súper estrella y parece fácil para él decirlo hoy en día, pero a ellos les dice «Sé que muchos piensa sí para ti es fácil decirlo, pero estaba en la misma p*** posición en la que estás tú hoy en día, hace 24 años, eso era todo simplemente tocando en un garaje buscando que a las personas le gustara mi música»….»Y por eso digo que si eres apasionado, mantienes el impulso y el foco en lo que haces y eres realmente bueno, la gente lo notará»

El artista miembro del Rock & Roll Hall of Fame aclaró que su posición y su trayectoria actual no se debían a otra cosa diferente que al trabajo duro y tocar para que a las personas le gustara su música.

“No entiendo la industria, no entiendo hacia dónde va la música, realmente no entiendo la tecnología. Yo solo sé que cuando entras a un club y escuchas una banda que te vuela la cabeza, tú vas a seguir esa banda!, vas a comprar su CD, o los buscarás online o irás a su próximo concierto”

El líder de Foo Fighters también comento acerca de los concursos televisión para interpretes y se mostró escéptico al respecto: “No tienes que ponerte en la fila en un concurso de televisión para convertirte en un músico popular. Pararte en frente de algún juez que ni siquiera toca un p*** instrumento en su propio álbum diciéndote- «No, no eres lo suficientemente bueno»- a la m*** con eso! Ve e impresiona a la gente en su cara! ”

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Live Nation

IM: ¿Cómo cambia la figura de un promotor independiente al entrar bajo el paraguas de Live Nation? ¿Qué cambió en tu forma de trabajo?

RG: Yo realmente no he cambiado mi manera de trabajar, yo me considero un intermediario entre los artistas y el público, entonces intento hacer mi trabajo teniendo en cuenta esas dos máximas. A los artistas les cuido no solo a nivel de marketing, sino que además se lo pasen bien y tengan feedback real de lo que pasa. Aunque con muchos artistas no puedes pasar la frontera porque son artistas top.  Y luego al público darles el mejor servicio, atenderles.

Antes de Live Nation yo ya llevaba tiempo bajo Gamerco con una estructura más o menos grande, donde estaba mi compañía Iguapop, Gay Mercader y Pino Saglioco y bajo ese paraguas éramos tres empresas que funcionábamos cada una con su label y así compartíamos una estructura financiera y administrativa. Luego llegó Live Nation y nos hizo una oferta a cada una y al final entre todos entramos en la estructura de Live Nation.

Yo como digo hay 3 líneas de trabajo: básicamente hay unos artistas de giras mundiales de Live Nation tipo U2, o Madonna que las hace el departamento de Global Touring que son giras mucho más estandarizadas, donde el departamento de Global Touring asume el riesgo. Entonces actuamos como meros ejecutores con poco margen a la creatividad. En este sentido se firman acuerdos internacionales y nos consultan nuestra opinión sobre una foto de lo que es el mercado local para luego ejecutarlo, pero tiene todo más o menos marcado.

Luego hay otro tipo de giras, que desde el departamento Internacional que está en Londres y nosotros intentamos intercambiar mucha información y siempre que podemos, hacer ofertas conjuntas, ya que no es lo mismo hacer ofertas individuales que packs de veinte o treinta shows. Así siempre tenemos más fuerza y músculo para competir con promotoras «independientes». Pero luego hay otra vía de negocio que es la que yo digo como giras independientes.  Nosotros seguimos trabajando con bandas como Arcade Fire o Franz Ferdinand, Jamie Cullum, Foo Fighters, pero luego mucho más pequeñas como Yo La Tengo, Cat Empire, James Arthur, Black Label Motorcycle, Eels entre algunas recientes y ese trabajo de promotor independiente, lo seguimos haciendo y para mi sigue siendo muy importante cuidar al artista, a su equipo y que luego no haya un desfase entre lo que quiere el artista y sus fans.

Dicho esto, muchas veces tenemos la reputación de ser «caros» a la hora de hacer los números, pero a veces son los mismos artistas que te obligan a marcar esos precios de entrada. También muchas veces es causa de la especulación, a veces te dejas llevar y a veces hay que decir hasta aquí llego.

Live Nation es una empresa que tiene mucho volumen, que busca crecer en otras vías de negocio que no sea puramente la venta de entradas. En Estados Unidos se vende mucha publicidad, es la tercera web de música con más visitantes, luego está también el e-commerce, pero para eso tienes que tener volumen, pero hay que ver a qué precio te cuesta ese volumen. Si tienes que hacer una gira de Beyoncé y pierdes 500.000 dólares pues no te compensa.

IM: ¿Podríamos decir que Live Nation es la promotora más importante de España? Y si es así, qué hay de artistas como Rolling Stones, Bon Jovi o Bruce Springsteen que trabajan con otras promotoras. 

RG: Yo creo que aunque las empresas tenga mucho peso, la relación personal también pesa mucho, por ejemplo AC/DC es una banda que siempre que ha venido a España, ha venido con Gay Mercader, le tienen un aprecio muy grande, entonces van a trabajar con él independientemente de en qué empresa esté. Por ejemplo Bruce Springsteen está trabajado con la competencia, aunque ya lo hizo Gay hace mucho tiempo y luego se separaron y empezaron a trabajar con Doctor Music y desde entonces mantienen la relación.

Hay artistas que son fieles, no todos, sobre todo la vieja escuela. Yo por ejemplo tengo una relación excelente con Foo Fighters y tengo la tranquilidad que no van a buscar otras ofertas, a menos que yo los insulte y les diga ‘tienes que tocar y tal cual… que me dirán oye qué está pasando’. Pero es muy difícil que te intenten dar la vuelta si hay una relación de lealtad y confianza.

Siempre me quejo que hay mucha competitividad, pero también dejo claro que hay también lealtad por algunos agentes, managers y artistas.  El caso de los Rolling Stones pues ha sido un caso, un poco más de política. La gira quien la ha estado comercializando es AEG, y aunque ellos no están negados a hacer shows con promotores de Live Nation, porque de hecho han hecho shows con promotores de Live Nation, ya sea porque era el único player en el país o porque tenían festivales como el caso de Rock Werchter o Roskilde, pues han dicho, esos festivales aunque están producidos por Live Nation vamos a por ello.  En el caso de aquí, creo que también Doctor Music ha hecho un trabajo mucho más agresivo y si sumas eso al peso de tener a AEG detrás, prefirieron no darle cancha a la competencia y por eso tienen a Doctor Music aliado, yo creo que esos han sido un poco las pautas.

IM: Quizás se entiende a Doctor Music como competencia, sin embargo ya en el pasado durante la gira U2 360º trabajaron juntos ¿A qué se debió eso y cuál fue tu valoración al respecto?

RG: Eso se dio porque U2 es una artista de Live Nation Touring y Doctor Music había sigo el promotor histórico y entonces el manager y el artista no quisieron dejar de lado a Doctor Music, entonces es cierto que a veces hay muchos recelos. Pero allí lo manejé yo y creo que nos manejamos bien, fue un win win para todos. Creo que hay muchos problemas de ego, pero allí nos pusimos de acuerdo. A mí no me gusta precisamente cortar, y decir no esto es Live Nation y tal, y si de repente por ejemplo Coldplay con los llevo trabajando desde el día uno, se van a la competencia, a mi me gustaría que me respetasen, entonces intento hacer lo mismo con mi competencia.

Festivales

IM: Hoy en día el mundo del directo parece estar más competitivo que nunca, por lo que SFX ha adquirido el 50% de Rock in Rio un festival que ustedes venían trabajando y que este año se ha visto interrumpido. Queríamos saber si este acuerdo tuvo algo que ver con dicha decisión.

No tuvo nada que ver con eso. Las condiciones del país no eran las adecuadas, ya que no se cumplieron las expectativas y esperamos a ver si puede volver en próximos años.

IM: Y conversando de festivales y de Madrid, ¿Por qué no hablamos del Dcode? El año pasado durante la preparación del festival  dejaste el siguiente comentario: “Madrid siempre ha tenido un problema de recintos. Lo que se ha hecho ha sido casi siempre fuera de la ciudad”…“El Ayuntamiento y la Comunidad nos ayudan con la promoción, cediendo soportes, pero aún estamos muy lejos de los apoyos de otras regiones, como Murcia, Cataluña y el País Vasco”. Y ahora bien, un año después cómo evalúas la situación.

RG: Las cosas están cambiando, creo que Madrid se merece un festival de primera categoría y con continuidad, ese es el objetivo de Dcode. De hecho en reuniones con el Ayuntamiento ya hay una estrategia para recuperar la actividad cultural que repercuta en actividad turística e ingresos en la capital de España. Desgraciadamente el lamentable suceso del Madrid Arena ha levantado algunos miedos a poder hacer nuevas cosas y también algunas trabas más a nivel administrativo. Nosotros hemos ido de más (días) a menos, de hacer un festival de 2 días de 30 o 40 mil personas en ediciones pasadas, que pueda tener un impacto económico en la ciudad y propiciar más actividades, a un festival de 1 día en las 2 últimas ediciones, aunque nos vemos como festival de 2 días en un futuro si la situación mejora a todos los niveles.

Aunque no nos identificamos excesivamente con el Primavera Sound o el Sónar, en Barcelona son puntos de referencia de la ciudad muy importantes,  son festivales que se integran en la ciudad y la posicionan, sí que pensamos que Madrid necesita algo parecido y adaptado a su idiosincrasi. Es una ciudad ideal para otro tipo de turismo, tanto nacional como extranjero, muchos saben qué existe Madrid, pero no la conocen. Nuestra apuesta es seria,  por la situación económica hemos decidido hacerlo 1 día este año, pero nuestra idea es relanzarlo el año que viene con dos días y hacer acampada. Insisto las instituciones no nos aportan todavía nada económicamente, pero la actitud ha mejorado, lo están haciendo más suyo y ven nuestro esfuerzo y apuesta por poner Madrid en el calendario europeo de grandes festivales; con profesionalidad y dedicación desaparece el miedo a hacer cosas.

España, Latinoamérica, la radio y el puente entre industrias

IM: Y en base a todo lo que nos comentas ¿Qué puede aprender Latinoamérica de España?

RG: Se puede aprender a nivel profesional, pero a nivel de industria hay países en Latinoamérica más sanos y comprometidos con la música en directo, en parte porque el público está mucho más hambriento y con muchas más ganas. Uno de los defectos en el ámbito español es la falta de apoyo de las radios y televisiones (con pocas excepciones) a todo lo que se salga de su ya repetido “discurso”, además de que la música a veces se le trata aquí como la “hermanita fea” de las artes, además de la falta de salas de rock.

Por ejemplo, un país que conozco mucho por experiencia como promotor independiente fuera de Live Nation es México. En México tienes 3, 4 o 5 radios de rock. Allí hay artistas como Interpol que en España meten 2500 personas y allá venden 20 mil entradas. Hay un mayor potencial y apoyan mucho más no solo la industria local, con grupos como Zoé que llena un estadio, sino también el rock americano o británico.

A veces pienso que España es más “latina” que Latinoamérica y en realidad somos un gran país donde el mercado anglosajón (o europeo) y el latinoamericano pueden convivir perfectamente y crear un mercado de música en directo potentísimo, somos puente y pertenecemos a ambos mundos…algo que por ejemplo Hungría no tiene.

Aquí nos hemos quedado atrás, hay mucha gente que dice «no la gente joven no escucha radio…»  pero piensa en Love of Lesbian, Vetusta Morla, Los Planetas, ninguno ha pasado de nivel, pocas de estas bandas se atreven hacer un Palacio de los Deportes, sin embargo, hay grupos que sí han pasado de nivel, a salas de grandes capacidades como Malú, Dani Martin, los que sí suenan en las radios.

En los 80 triunfaron grupos como Golpes Bajos, Gabinete Caligari, Alaska y Dinarama porque había en la radio un señor que ponía esas canciones. ¿Entonces es importante la radio? Pues sí que es importante la radio,  con la radio hay un punto de ruptura muy importante. Y también los medios musicales, que son muy especializados, pensemos en la prensa británica que ponen arriba a sus artistas Arctic Monkeys, Kasabian y luego se lo venden a todo el mundo, hay que crear-creer en esta industria que genera miles de puestos de trabajo y que es una de las industrias más importantes en países como Reino Unido, Francia, Suecia…estos dos últimos con importante apoyo público. Somos cultura, pero somos industria, ambas cosas deben ir de la mano y poner a España donde se merece.

Aquí ni los artistas se lo creen, ni los managers se lo creen,  me frustra mucho porque creo que es un país con un potencial increíble y se ha demostrado en el pasado. Pero estamos un poco atontados y sin estrategias comunes, ni a nivel privado y ni a nivel público.  Me pregunto cómo hacerlo, cómo cambiar esta tendencia, creo que portales como el vuestro están sacando estos temas a la superficie y eso es beneficioso para todos.

IM: José María Barbat presidente de Sony Music comentó que muchas veces se le dio la espalda a Latinoamérica y ahora España necesita de ella para poder ampliar y hacer crecer a su industria.

RG: El problema es quién hace el toma y dame, y si el puente toca hacerlo aquí a nivel de industria, imagínate con Latinoamérica, porque yo noto que aquí vamos mal. Pero es que hay una demanda, y aparte de Radio 3 que es un poco nicho no hay ninguna radio donde puedas escuchar Franz Ferdinand, Jamiroquai, AC/DC, Arcade Fire o todo el plantel nacional que es de alta calidad. Aunque sé que en Kiss FM, Ramon Tapias tiene intenciones de empezar hacer cambios. Una radio independiente con un carácter comercial funciona bien seguro. Si vemos por ejemplo entre estas bandas locales que te digo, fíjate en Lori Meyers una gran esperanza, pero ninguna pasa, se quedan capados. Y en los 80 no solo había radio, sino también muchos programas televisión, yo cuando tocaba con mi banda hacia muchos programas y eso que era un grupillo pequeñito. Se dice que está el Internet, pero está muy disgregado, la radio hace ese trabajo más de masa social que hace muchísima falta.

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well, well, well…@foofighters_rva @rvadonuts @browns_vdubs @Crowdtilt See ya soon…let’s have a good time.#RVA pic.twitter.com/D4e873tXJG

— Foo Fighters (@foofighters) junio 14, 2014

La campaña fue creada y lanzada por el director creativo y redactor freelance Andrew Goldin a través del sitio de crowfunding Crowdhoster en marzo. Goldin y sus compañeros organizadores Brig Blancas, John McAdorey y Lucas Krost tenían como objetivo traer de vuelta a los Foo Fighters a tocar en Richmond, donde no tocaban desde más de 15 años.

Los cuatro se fijaron el objetivo de vender 1.400 entradas a 50 dólares para un concierto aún sin confirmación con la idea de convencer a la banda que volviera a la ciudad donde el vocalista Dave Grohl creció. Como de costumbre en una campaña de este tipo el cargo solo se haría efectivo si se cerraba el show.

Un total 515 fans lograron sumar un total de 70.026 dólares, superando su meta de $ 70.000. Dos empresas locales de Richmond, Volkswagen de Brown y Sugar Shack Donuts, han donado cada uno 5.000 dólares para la causa y planean regalar sus 100 entradas a sus clientes.

«Estamos a sólo unos pocos amigos y fans que buscan hacer que esto suceda», dijo Goldin SPIN en abril. El lugar y la fecha para el espectáculo aún no se han determinado, pero en sus organizadores vídeo de la campaña esperan que el espectáculo tendrá lugar «en algún lugar en Richmond en algún momento de 2014.» Ahora queda por ver si el éxito de la campaña demuestra una lata de gusanos como los fans de otros grupos lanzan su propia cuenta.

«Somos solo algunos amigos y fans tratando de hacer esto posible» comentó en abril Goldin a SPIN. La locación y la fehca para show aún está por concretarse, pero a través de su video los organizadores esperan que se pueda dar en algún lugar de Richmond durante el 2014.

Sin duda una gran jugada que una banda de la talla de Foo Fighters aceptara un show como este, quizás sea el inicio de más campañas similares a esta para llevar a súper estrellas a lugares menos obvios dentro de sus grandes giras.

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Aunque el primer record lo marcó Justin Bieber con ser el primero el lograr el  millón de likes. Veremos casos artistas y bandas como John Mayer, Hey Marseilles, Foo Fighters, Phoenix, Michael Franti, Questlove, Atlas Genius, Emblem3, John Legend, y Madonna.

Así utilizan los artistas los vídeos en Instagram 

Generando Expectativas:  Estos artistas están generando ruido y emocionando a sus fans para crearles expectativas y salgan a comprar sus nuevos discos y entradas al mostrarles adelantos del material por venir:

• @mrjcmayer dio un vistazo exclusivo a una nueva canción de su próximo álbum. Paradise Valley
• @heymarseilles  también dio una muestra de un tema inédito de uno de sus discos en vinlo edición deluxe.
• @foofighters empiezan a generar expectativa sobre un nuevo lanzamiento por venir y los fans se están volviendo locos.

Tras bastidores: los artistas muestran la vida desde su perspectiva

• @wearephoenix dieron un los fans un tras  cámara de su próximo video.
• @michaelfranti gracias al video dio  acceso a un pequeño concierto privado en una promo de radio
• @Questlove  compartió la reacción del público en uno de sus shows.

Shows en vivo:  Ellos han decidido mostrar cómo es la experiencia sus conciertos

• @atlasgenius promocionaron su próximo tour por Estados Unidos.
• @emblemthree compartieron el momento en que subían al escenario going on stage to a roaring crowd.
• @JohnLegend montó un video de su actuación en “Good Morning America.”

Momentos privados para los fans: Ellos decidieron hacer algo en privado especial para sus fans y compartirlo

• @madonna se mostró bailando en su baño.
• @mrjcmayer se grabó con una mano mientras tocaba guitarra con la otra.

Ejemplo: AllFacebook

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