Una vez dicho esto, lo que te puedo garantizar es que todos los artistas que llegan al éxito y se mantienen, tienen algo en común, la inteligencia. Si eres artista o músico no quiere decir que si no tienes éxito no seas inteligente, claro que existen otros factores en juego, pero para lograrlo y tener éxito además de talento debes poseer un buen grado de inteligencia). No basta con tener solo talento artístico, la industria de la música es algo mucho más complejo que requiere multidisciplinariedad o la capacidad para entender que hace falta un equipo y que hace falta estar abiertos a escuchar lo que tenga que decir cada uno de esos elementos del equipo. A continuación, ilustraré algunos de los errores más frecuentes que nos encontramos en el día a día (tanto en la agencia como en las distribuidoras), que a mi modo de ver, merman las posibilidades de los artistas de dar un salto en sus carreras:

Querer hacerlo todo ellos solos, por no ceder un % de sus ingresos: Estimado artista, entiende que el 100% de 400€ son 400€, pero el 65% de 10.000 son €6.500 ¿qué prefieres? esto que aquí es solo un ejemplo que ilustra la diferencia entre sumar a las personas o empresas correctas al equipo o no hacerlo. Y eso va o se palpa desde un manager profesional versus tu herma@, o una distribuidora digital que te pida un % a cambio de marketing, versus una DYI donde pagas y te quedas el 100% de los ingresos. Sí lo sé hay casos en los que carreras artísticas han sido bien llevadas por algún familiar (aunque malas historias hay muchas) y también hay algunos que desde una distribuidora do it yourself han conquistado el mercado como Chance The Rapper, pero sabemos que no es la norma. Entonces quizás debas pensar bien a quién puedes sumar a tu proyecto para que te haga crecer y hacer así el pastel más grande.

Entender la importancia del timing: Que tú hayas estado en el estudio con un tema ya más de un año o incluso solo tres días, grabando, produciendo, mezclando y masterizando, no implica que haya que sacarlo al día siguiente de tenerlo listo. Las cosas requieren y toman su tiempo, por ejemplo, para las plataformas de distribución digital un mínimo de 2 o 3 semanas para poder presentar correctamente el track a las plataformas de streaming. La diferencia entre trabajarlo con tiempo puede ser del cielo a la tierra. Te lo puedo asegurar en primera persona con proyectos que hemos manejado directamente, quizás el más claro de ellos, el del propio Nil Moliner donde de manera asertiva se dejó aconsejar y en lugar de sacar todo su material el pasado mes de septiembre (2017), fuimos espaciando la salida de su EP ‘Hijos de la Tierra’ hasta desde la independencia llegar a ser portada de Pop con Ñ (la playlist de Pop español más importante en Spotify España) en diciembre, 3 meses más tarde.

Leer los contratos: Aunque parezca mentira, no se imaginan la cantidad de artistas que se les habla de contratos que ya han firmado y ni se los han leído y mucho menos se han asesorado por un abogado. Por se empático, entiendo que nadie o casi nadie se lee los términos y condiciones que rondan por internet o incluso los de nuestros propios bancos, aquellos que cuentan con cientos de páginas. No quiere decir que esto esté bien,  no lo justifica, pero supongo se trata de optimizar nuestro tiempo, sin embargo, cuando tu carrera y futuro depende de las próximas 6 o 12 páginas de tu próximo contrato discográfico, de booking o de distribución, creo que ameritan ser leídas y tener asesoría ¿no?

Saber escuchar consejos: No tienen idea cuántas veces hemos tenido reuniones con proyectos que piden asesoramiento, se les brinda el asesoramiento, se justifican las acciones a seguir y aún así en muchos casos obvian los consejos y toman decisiones propias poco sustentadas, logrando así una décima parte del impacto potencial. Lo peor del caso es que luego en algunos se quejan de no haber alcanzado resultados. Me pregunto qué hubiese pasado si Nil hubiese obviado el consejo y hubiese sacado todo su material de golpe en septiembre sin llegar a ser presentado correctamente en plataformas como Spotify. Nil tiene mucho talento y quizás de igual forma hubiese logrado buenos resultados, quién sabe nunca lo sabremos, pero de seguro hubiese jugado con las probabilidades en contra. Lo que sí sabemos es que jugar con las probabilidades a nuestro favor ayudó muchísimo al proyecto.

Entender que se trata de un juego de probabilidades: Como he dicho anteriormente no es que piense que nosotros tenemos una varita mágica del éxito, pero sí tenemos claro que éste es un juego de probabilidades y hay que jugarla a favor. A Spotify se suben diariamente entre 20 mil y 24 mil canciones, y por ende necesitan la información de un lanzamiento con un mínimo de 7 días para revisar bien editorialmente los contenidos y considerarlos para sus playlists. Si luego de saber esta información tú vas y los quieres entregar 3 días antes y no te llamas J Balvin o Drake, pues lamentablemente has puesto las probabilidades de éxito aún más en tu contra. Si llega el viernes y no estas en Novedades Viernes o en otra playlist, lo siento mucho, pero no te quejes. Se te explicaron las reglas del juego y pensaste que coordinarlo con la salida del video en YouTube era más importante (uno de tantos ejemplos) que conseguir a lo mejor 10K streams el día de salida y entrar en el radar de los editores, pues bien por ti.

Por no hacerlo muy largo, en esta ocasión lo dejamos hasta aquí, pero creo que el punto quedó claro y espero poder ayudar con ello, aunque antes de despedirme quiero añadir que entiendo me he centrado con ejemplos en el streaming, pero es importante entender que una carrera artística no puede depender de estar solo en playlists, se deben trabajar todos los aspectos de ella y enfrentarse al público en la tarima es quizás el elemento más importante de todos, así que ánimos y a por ello!

Por último, me encantaría conocer sus opiniones tanto si estas del lado del profesional del sector como si lo estas del lado artístico o creativo.

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La comisión Europea ha abierto una directiva sobre el mercado único digital europeo para regular y definir las obligaciones y responsabilidades que tendrían o deberían tener las plataformas digitales con distribución de contenidos. “Pero sobre todo aquellas plataformas que tienen relación con sus usuarios que suben sus propios contenidos gratuitamente y sin ningún tipo de control alguno”, afirma Loscos. Estamos hablando de plataformas como YouTube o SoundCloud. De hecho, en la comisión antes mencionada, está negociando hasta qué punto se responsabilizan estas plataformas de los contenidos que se suben en sus respectivos portales. “Se tiene que negociar si tal y como está redactado se aprueba y pasa a ser de aplicación obligatoria a todos los estados miembros de la Unión Europea, o se hacen modificaciones hasta dejar el texto descafeinado”. El recorrido conlleva que la comisión europea escribe una propuesta directiva, la envía al parlamento Europeo y este lo debate, lo discute y lo resuelve.

¿Y porqué todo este revuelo?

Por una parte, los autores quieren más transparencia con el que pasa con su música y con lo que se hace con ella. También más transparencia con el reparto de los derechos de autor y que estos estén protegidos y regulados.

Por otra parte, la industria cultural también quiere que se regule su contenido artístico. Quiere que se establezca un marco legal de protección más sólido del que pueda haber en cualquier país del mundo. “Y seguramente esto sería un intensivo potencial porqué las industrias creativas encuentren aquí un lugar donde expandirse. Si creen que las reglas son mejores, más justas, están mejor definidas y de alguna manera la explotación de sus contenidos está bien establecida, puede ser un enorme punto de encuentro y de atracción para ellas. Se transformaría en un mercado muy atractivo”.

“Sino protegemos el valor principal de la cadena (el creativo) es imposible que haya una industria justa y sólida. Europa no crecerá por fabricar más barato que China. Europa crecerá por ser capaz de crear contenido, de innovar y de generar riqueza en un entorno regulado y honesto”, concluye Loscos.

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Hoy vivimos y nos dirigimos aún más a un mundo donde en algunos aspectos tendremos esa sensación de control y decisión, pero que en realidad es una especie de espejismo. No quiere decir que no me guste el espejismo, solo que me gusta saber que no es algo real. A lo que vamos, el debate central de la cuestión es: ¿Hoy en día descubrimos música o la música nos descubre a nosotros?

Ya lo apuntaba en mi reseña de «Found Them First»,  la aplicación de Spotify que nos indica a cuántas estrellas de la música descubrimos antes de que fuesen famosas. Creo que empieza a perder el sentido en la mayoría de los casos el atribuirse un descubrimiento artístico, tenemos la falsa ilusión de que lo hemos descubierto nosotros, pero en realidad, es la inteligencia artificial de en este caso Spotify la que nos lo ha servido.

Sin embargo es muy importante, que este proceso parezca natural, e incluso que nos sintamos partícipes de ello, si se fijan las nuevas listas se llaman «Descubrimiento semanal», pero si América hubiese estado esperando a Colón a la puerta trasera de su casa, me gustaría ver si aún le atribuiríamos el descubrimiento de un nuevo continente (sí sé que es un ejemplo muy extremo). Empieza a ser algo como ir al supermercado y llegar a casa diciendo que hemos descubierto un lugar con comida, ya descubrir nueva música en las plataformas de streaming es algo tan evidente y fácil de hacer que me hace pensar si en verdad soy yo el que descubre algo o ellos nos descubren a nosotros. 

Leía en la última columna de Bob Lefsetz como elogiaba las palabras de Eric Schmidt antiguo CEO de Google al abordar el tema de la nueva generación de software y la inteligencia artificial de los mismo. Para ejemplificarlo Schmidt comentó:

«Hace una década, para lanzar un servicio de música digital, probablemente habrías alistado un puñado de creadores de tendencias de élite para recopilar la música novedosa. Hoy en día es mucho mejor construir un sistema que pueda aprender del mundo real – de lo próximo a lo que los oyentes son más propensos disfrutar – y ayudarte a predecir quién y dónde podrá estar la próxima Adele» 

En ese sentido, si ya los grandes curadores pasan a un segundo plano es una evidencia de que algo está cambiando en cómo abordamos el tema del descubrimiento y música.

Una vez dicho esto, no quiere decir que la figura humana no sea importante, pero lo importante no es la figura humana en sí, sino cómo ésta ayuda a la tecnología a entendernos y abordarnos de la manera más natural posible. No solo eso, se trata también del know how de la naturaleza humana, la cual solo se la puede dar al algoritmo un humano. Por ello Spotify distingue entre la música que escuchamos y la que verdaderamente nos gusta. El que uno ponga música clásica para trabajar, no implica que esté esperando recomendaciones de música clásica, ni que vaya a asistir a conciertos de música clásica, esto es un tipo de información que Spotify controla y que le da ese carácter humano a su comportamiento mediante la creación de perfiles de comportamiento y escucha.

De igual forma, se ha estudiado el arte de crear playlists, buscando cumplir una hipótesis detrás de cada una como por ejemplo «domingos en la cama», «café y libros» aunque siempre usando la data como soporte para analizar el funcionamiento de las playlists e incluso en la selección de los temas.

La próxima vez que estés escuchando música en streaming y escuches esa nueva canción que te cautive, piensa si tú la descubriste o ella te descubrió a ti. Piensa también en el apego que tenías a lo que descubrías por ti solo frente al apego que le tienes a la nueva música que descubres ahora de manera casi automática…

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Sin embargo, no basta con que los servicios estén integrados a las redes sociales, es importante que estén bien integrado, Apple esto es contigo, ya que como podemos ver al ser compartida una canción desde Apple Music en Facebook la imagen sale pixelada.

Pero no solo eso, al darle en el enlace en la versión de escritorio, no nos lleva directamente a Apple Music, sino que vamos a una página en iTunes, en la que ni siquiera se comparte la canción, sino todo el álbum y además no se indica que es un servicio de streaming, es simplemente iTunes de toda la vida. Esto para impulsar la conversión y el awareness de Apple Music fuera del ecosistema mobile de Apple, será un gran problema.

En este sentido plataformas como Deezer o Spotify están mucho mejor integradas en las redes sociales, sin embargo ninguna ofrece una integración con Instagram, la red en la que me quisiera centrar aquí. Seguramente existen complicaciones técnicas, pero me gustaría resaltar algunas razones por las que pienso, sería la integración más lógica a seguir en el camino de streaming social.

Razones por las que Spotify se debería integrar con Instagram

1. Porque Spotify tiene a Sean Parker en la junta directiva, quien también es fue fundador de Napster y figura clave de Facebook, que ya en una ocasión materializó la alianza entre Facebook y Spotify
2. Ya que mientras que el ratio de engage en Facebook oscila el 0.5% – 1% y en Twitter puede estar entre el 1% y el 2% Instagram es una red social que cuenta con un niveles de engage mucho mayores se que ubican entre el 3% y el 6%.
3. Por el uso de micro vídeos o audios + imagen de 15 segundos los cuales pueden impulsar la promoción de artistas y de la propia plataforma en sí.
4. Por el carácter visual de la plataforma en la que el arte de los discos o combinaciones estilo mosaico de las playlist pueden jugar un papel atractivo para compartir música entre amigos, pensemos en algo al estilo de lo hecho por Rhapsody y Twitter. Todo esto en un ambiente de mayor atención que en otras redes donde la competencia por el espacio en la pantalla es mayor
5. Instagram es una de las redes sociales que mayor crecimiento está teniendo y como vimos, en diciembre ya superó a Twitter número de usuarios. 
6. Spotify permite compartir música, en Facebook, Tumblr, Twitter, Whatsapp, pero no en Instagram, también cabe acotar que Instagram no permite compartir enlaces, por ello la primera razón de esta lista aboga a las influencias internas.
7. Instagram es una plataforma centrada en la experiencia mobile, el lugar donde Spotify conseguiría mayores conversiones a premium.
8. 70% de los usuarios de Instagram se ubican fueran de los Estados Unidos, mientras que el 90% de los usuarios de Spotify se ubican también fuera de los Estados Unidos.
9. Se podrían compartir diseños con letras de canciones que generen reproducciones, como se intentó en su momento con aplicaciones internas Spotify
10. Las intenciones de tener Instagram en tener una mayor conexión con la música tras la creación de @Music, una cuenta dedicada a la música.

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Mucho es lo que se hablado sobre el pago de los servicios de streaming, especialmente con críticas a Spotify o Pandora, diferentes son los medios que han cubierto la temática incluido éste, haciendo eco de declaraciones negativas, positivas y neutras. En este caso mi intención no es posicionarme, sino más bien aclarar algunos detalles que pienso se deberían contemplar, antes de abordar el tema.

Quisiera centrarme en el caso de los pagos en Spotify, ya que el modelo de Pandora rige los pagos por estatus regulatorios norteamericanos.

Para empezar debemos entender que el pago por stream en una cifra muy variable, en la que entran en juego diferentes factores que determinan los pagos por streaming, así lo expone oficialmente Spotify:

• En qué país se generó la escucha
• % total de usuarios de pago de Spotify que reprodujeron una canción, mientras más alto es el % mayor será el pago
• Precio relativo de la tarifa de premium y cambios de divisas en los diferentes países
• El rotalty establecido para el artista

Formula de pago

De igual forma, no basta con saber esto, debemos entender también que el pago por streaming no es una tarifa fija, sino más bien fluctuante, incluso dentro de un mismo país, sin cambios de divisas, ni ningún otro agente externo, solo en base al ritmo de consumo por parte de los propios usuarios puede alterar significativamente dicha cifra.  A continuación vemos la fórmula por la cual se determina el pago por streams en Spotify, aunque no me extrañaría sea una fórmula que en su estructura podríamos aplicar a otros servicios.

Para obtener el pago que recibe un artista, debemos contemplar, primero que nada los ingresos mensuales de Spotify, el cual varía entre países y contempla los ingresos por suscripciones y publicidad. Luego debemos multiplicarlos por la cuota de mercado que el artista ocupa en la plataforma, lo que indica su popularidad frente al resto, dividiendo las reproducciones de un determinado artista, entre el total de reproducciones. Con este número se calcula aproximadamente 70% de los ingresos brutos, el cual es pagado directamente a los propietarios de derechos, dueños de másters y derechos editoriales (derechos mecánicos y comunicación). Una vez estos tiene el monto deben, en base sus contratos determinar los pagos por regalías de sus artistas, esto en el caso de artistas firmados por sellos discográficos. Para ello se toma en cuenta diferentes elementos como adelantos y recuperaciones, lo que explica las diferencias entre unos y otros. Por su parte,  los artistas independientes pueden recibir el 100% de sus ingresos dependiendo de los acuerdos que tengan con agregadores o distribuidoras digitales.  El resultado final de todo esto es lo que reciben los artistas tras royalties y deducciones. 

Debemos enfocarnos en lo importante

Ahora bien, según datos presentados por Spotify hace ya algunos meses, la media de pagos por streaming se ubica entre 0.006$ y 0.0084$. Sin embargo, les digo que no debemos tomar esto como referencia absoluta, pues evoluciona y menos aún en países hispanos, donde los pagos por tarifas premium, suelen ser más bajos, lo mismo que los CPM de pagos por publicidad. Incluso esa cifra variará en la medida que los usuarios consuman más y más horas de música, haciendo que baje la cifra, más no el monto global.

Pero lo que me parece más importante es entender el por qué NO tiene sentido comparar pagos por streams entre diferentes servicios. Creo que la manera más fácil de ver lo irrelevante de esta cifra en sí es a través de un ejemplo. 

Ejemplo Spotify vs un Servicio X

¿Qué pasa si el «Servicio X» paga 0.0095$ por reproducción y Spotify paga 0.006$ por reproducción, pero por el bajo engage que tiene el Servicio X se debe ser tan popular como Taylor Swift para llegar al millón de reproducciones, mientras que en Spotify casi cualquier artista popular promedio puede llegar al millón de reproducciones?

Tendremos por ejemplo:

Servicio X: 300.000 reproducciones * 0.0095$ =  2850$ 

Spotify: 1.000.000 reproducciones * 0.006$ =  6000$  

Así podemos ver claramente como Spotify teniendo un pago por reproducción un 58% más bajo, es capaz de generar 210% más ingresos que otro servicio. Y esto mismo se le puede aplicar también a servicios con mucho engage y usuarios como puede ser el mismo YouTube, donde posiblemente el pago por reproducción es menor que en Spotify, pero donde llegar al millón de reproducciones es quizás aún más fácil.

En vista de esto, les invito a enfocar la conversación entorno a lo que es realmente importante: ¿Qué tan justos son los acuerdos entre sellos/artistas? ¿ Cuál es el valor justo que deben recibir los compositores/editoriales en relación a los interpretes/sellos? Incluso, ¿es realmente justo el modelo de pago actual? ¿cuál es la importancia de los usuarios de pago? ¿compiten los servicios en igualdad de condiciones? ¿cuál es el mayor motor de contenido ilegal hoy en día, está avalado por la misma industria? En fin como vemos, son muchas las interrogantes que se deben abordar antes de centrar la lupa solo en el pago por reproducciones. 

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Pero más allá del show en sí, qué podemos decir de esta nueva iniciativa de Jay-Z. A continuación les compartiré algunas aclaratorias, ideas e impresiones que me vinieron a la mente tras la presentación:

• La primera impresión fue de haber presenciado una presentación en la que se abogaba al arte, pero en la que solo estaban representados grandes súper estrellas del mainstream con una amplia mayoría del género pop y que tenía un cierto aire demagogo con intereses monetarios y rivalidades de ego entre Iovine, Dr.Dre y Jay-Z.  La pregunta es ¿Cómo ese selecto grupo representará los intereses de la amplia comunidad de artística? ¿Qué los diferenciará del resto de plataformas? Ante dicha interrogante encontré una respuesta de Jay-Z para Billboard que sería interesante estuviese en el manifiesto firmado por todos y es que según el rapero los artistas ganarán más dinero con Tidal incluso si eso representa menor beneficios para la empresa.
• Por lo que llegamos a otro punto, cómo se va a lograr eso, ya que las plataformas actuales destinan sobre el 70% y en casos 80% de sus ingresos a la licencias de derechos. Ya cuenta con márgenes bastante justos y actualemente ninguna plataforma ha alcanzado la rentabilidad global. ¿Qué hará diferente Tidal para solventar esto?
• Sobre esto podríamos pensar que al estar los artistas al mando ellos podrían controlar la gestión de las regalías, pero no es así, al final eso quedará sujeto a cada acuerdo que las discográficas tengan por contrato con cada uno de sus artistas, licencias que por cierto ya están firmadas con la plataforma.  Estamos hablando de que para gestionar un catálogo de 25 millones de canciones y los pagos por streams, hará falta mucho más que 16 súper estrellas.
• Por otra parte, también surgen dudas en qué pasará con aquellos artistas independientes o que no figuran en la elite mundial, ya que es muy difícil respaldar el planteamiento de que es de los artistas y para los artistas, cuando en verdad es un colectivo muy cerrado. Por ejemplo si se fijan no hay ni un artista latino entre la junta directiva. De nuevo en palabras de Jay-Z la idea es ir realizando rondas de participación cada vez menores en la que los artistas se vayan sumando poco a poco, lo cual realmente suena bien, solo que es un poco utópico como él mismo lo refleja.
• Una vez dicho esto me parece una acción increíble y que marca precedentes en los artistas de peso, es la continuación al plan de Will.i.am  de realizar desde la propia industria elementos que capitalizan el valor de la música, en este caso Will.i.am se centró en el hardware como idea para el nacimiento de Beats, capitalizando tras la venta a Apple. Ahora Jay-Z y su equipo ven en el streaming el último formato que prevalecerá sobre el resto por todas sus ventajas y los músicos querían ser una parte activa de ello. 
• Grandes retos les quedan por delante, el primero es superar la barrera del freemium, captar usuarios de pago, ya que es un servicio que cuenta con la mayoría de sus clientes en acuerdos con telefónicas.
• Además de esto tendrán el reto de democratizar la plataforma y que no sea solo para la promoción de aquellos allegados a la junta directiva.
• Y no olvidar que aunque la majors cuentan con participación en Tidal, deberán gestionar su relación con el resto de plataformas donde las majors tienen participación e inversión importante como es el caso de Spotify o Deezer.

Quizás podría seguir levantando interrogantes o resaltando puntos claves, pero creo es tiempo de darles margen de maniobra y ver cómo se desarrolla esta nueva etapa del streaming y sus consecuencias. Pero no olvidemos que este es un mercado muy competitivo, en el que se ha visto que hace falta mucho más que anuncios en el Super Bowl o apoyo de grandes artistas para convenser y convertir a los fans de la música en usuarios de pago.

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Aquí tienes algunos consejos que vale la pena tener en cuenta  para lidiar con cualquier crítica negativa que recibas como artista:

– Cualquier crítica puede servir como aprendizaje: Ponte en el lugar del crítico -sobre todo si es un profesional de la música-, puede ser que la crítica, a pesar de ser negativa, sea a su vez constructiva. Piénsalo, quizás el crítico tenga algún argumento válido, ya sea sobre la calidad de tu música grabada como de tu show en directo. Si bien es cierto que numerosas veces las críticas negativas no tienen un fundamento real, es posible que en este caso la persona tenga razón. Plantéatelo y, si finalmente crees que el crítico no está tan desencaminado, trabaja por mejorar el resultado en próximas grabaciones o actuaciones.

– Recuerda que no siempre llueve a gusto de todos: Es decir, es posible que tu música no le guste a alguien, y por eso la critique. No es nada malo, simplemente es cuestión de porcentajes, habrá gente que piense que tu música es la mejor del mundo y otra que, o bien la odie o la resulte indiferente. Obviamente sería mucho mejor que la gente a la que no le gusta no dijera nada en contra de la misma, pero por desgracia habrá gente que lo haga… No te sientas ofendido, seguro que tú también tienes artistas o estilos de música que detestas…

– Todo el mundo tiene un mal día: Es cierto, y puede ser que tú lo tuvieras en un concierto (o quizás alguien de tu banda) y por eso has recibido una mala crítica. Si es así, trabaja porque los errores no se repitan y… ¿por qué no? Invita a la persona que criticó tu actuación a tu próximo concierto y dale la oportunidad de ver lo que vales realmente.

– Mantente calmado: Si bien es cierto que quizás lo mejor es no contestar a las críticas negativas, si lo haces recuerda que lo mejor es que no lo hagas cuando acabas de leer la crítica y los nervios están a flor de piel… Cálmate, reflexiona y, si consideras que la crítica merece una contestación, recuerda mantener tus modales y piensa muy bien lo que vas a decir. Si contestas de mala manera tu reputación puede verse afectada, no sólo con la publicación o las personas que te han criticado, sino con sus asociados, conocidos, etc., por lo que es probable que la contestación sea contraproducente.

– Deja que tus fans te defiendan: Esta es una oportunidad de oro para ver quienes son tus fans más acérrimos, ya que, probablemente ellos estarán tan afectados por las malas críticas como tú y, es muy posible que utilicen dicha crítica para defenderte. ¡Déjalos! Estos fans pueden convertirse en tu voz si decides que lo mejor es quedarte callado y no contestar a la crítica.

– Piensa en la publicidad: Como dicen en inglés, «any press is good press» (cualquier prensa es buena prensa»), y, si lo piensas fríamente, una crítica puede dirigir a nuevos oyentes a tu música. Algunos de estos oyentes estarán de acuerdo con el crítico, mientras que otros pensarán que tu música no está tan mal y es probable que se conviertan en fans.  ¡Genial!

– Si te ves con fuerzas, da las gracias: Ya sea una publicación o un medio de comunicación, parece mentira pero la mayoría de ellos aprecian un «gracias» a tiempo, aunque su crítica sea mala. Esto puede que sea la diferencia entre una retahíla de malas críticas posteriores o buena(s) crítica(s) posterior(es). Por mucho que te cueste, a veces vale la pena ser humilde y darles las gracias por tomarse el tiempo de escuchar y escribir (o hablar) sobre tu música. No sería la primera vez que una mala crítica se convierte en una positiva.

– Prueba al crítico que está equivocado: Como ya he dicho en el primer punto, cualquier crítica puede ser constructiva. Trabaja por mejorar tu música, tu show o lo que sea que ha recibido malas críticas e invita al crítico a escuchar tu nuevo trabajo, venir a tu nuevo show o, ¿por qué no? a entrevistarte para que vea que no eres tan mal artista.

Así pues, recuerda, siempre hay cosas positivas que sacar de una mala crítica: lee (o escucha), reflexiona, actúa (o no), mejora y ¡demuestra lo que vales! ¡Mucha suerte!

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Bajo ese marco y como ex alumno se me pidió junto con otros 6 compañeros (Ami Bondía, Joaquín Fernández, Tòfol Martínez, Marçal Lladò, Inés Guerrero y Pau Corbalán) participar en un pequeño discurso en el cual aportamos nuestra visión sobre la industria, estado actual de la industria, tendencias y retos, todo esto en 3 breves minutos. Así lo hice y hoy quisiera compartirlo por esta vía con ustedes:

Estado actual de la Industria Musical:

• La industria actual se encuentra aún en un in-pass entre la propiedad y el acceso. A pesar de que el 2015 será un gran año para el streaming el in-pass al mainstream no será tan corto por lo que veremos como la industria fonográfica verá sus ingresos en cierta forma estancados, pero tras unos 3 o 5 años saldrá mucho más fortalecida. Los grandes catálogos ampliarán su poder y posición ventajosa en el mercado.
• A nivel local (España) puedo decir que si la situación de país mejora, eso ayudará al sector del entretenimiento, muchos economistas coinciden en que los sueldos volverán a subir a partir del 2017, así que falta cada vez menos para ver un aumento en el consumo de entretenimiento, pero aún hay que seguir buscando nuevas vías y formas de contrarrestar las adversidades. De igual forma, es importante acelerar la adopción y entendimiento de las estrategias del entorno digital y la tecnología

Tendencias:

• Mayor penetración de la tecnología y el social media en eventos del directo. Continuaran las fusiones y el dominio marcas multinacionales del directo con mayor alcance.
• Se mantiene el incremento de las ventas del vinilo y del streaming
• Ajustes de precios en los servicios de música. Creación de nichos de consumo de alta fidelidad con mayores márgenes de beneficio
• Un rol más activo en inversiones controladas de capital de riesgo por parte grandes empresas y artistas.
• La tecnología al servicio de la internacionalización de la música más allá de las barreras culturales y del idioma
• Nuevas oportunidades de monetización e interconexión, mayor entendimiento del consumo y elementos de éxito gracias los grandes bancos de información.
• Nuevas entidades de gestión premium o boutique, más especializadas y ágiles en entornos digitales

Retos:

• Retos para grandes promotores independientes. Encontrar actos que llenen estadios, reestructurar los modelos de negocio entorno redes de festivales, fortalecer el branding, buscar y explotar nuevos nichos y territorios.
• Ganar la confianza de los artistas, poner a disposición de los artistas mayor transparencia de pagos y sistemas de royalties
• Captar la atención y el dinero de los fans, ser trascendentes y relevantes. Recordemos que este año Sam Smith fue el único artista en vender más de un millón de copias en EEUU y Reino Unido.
• Pensar aún más en el desarrollo tecnológico (software y hardware) dentro de la misma industria y no siempre tener que ser liderados por la grandes empresas de Silicon Valley
• Acelerar la conversión al streaming, entender y adaptarse a los nuevos ciclos económicos y de consumo
• No creerse todopoderoso y actuar de manera justa (esto va con las grandes multinacionales tecnológicas y en algunos casos multinacionales del sector, ya que las economías colaborativas operativas no están lejos de ser una realidad).
• Mejorar los sistemas de pagos por royalties digitales, que sea un sistema más justo para las partes, más equitativo entre derechos fonográficos y editoriales. Lo que implica también inversión en tecnología que permita hacer las identificaciones de derechos necesarias para que no haya dinero sin reportar.

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