Dentro de BIME Pro, la programación profesional del evento, destaca la presencia de Ana Mena, una de las artistas de pop latino con mayor proyección internacional, y de Justin Quiles, cantante y compositor puertorriqueño de referencia en el reggaetón y el trap, con créditos de escritura en éxitos de J Balvin, Maluma y Karol G. Se suma también Sat Bisla, figura con cuatro décadas de trayectoria en el desarrollo artístico y responsable del descubrimiento de nombres como Adele, Coldplay, Katy Perry, Muse, Lorde o Sia.

El cartel profesional incorpora además a Leon Farrel, analista sénior de MIDiA Research, y a Maria Arnal, una de las creadoras más innovadoras de la escena española actual, nominada a un Goya y ganadora del Premio Gaudí a la Mejor Música Original por Polvo Serán.

Las conversaciones de BIME Pro este año pondrán el foco en algunos de los debates que atraviesan la industria: la compatibilidad entre el derecho al descanso de las ciudades y una vida cultural activa, el papel de los festivales rurales y las salas independientes en el futuro de la música en directo, y las tensiones de un negocio que encadena cifras récord mientras busca nuevas vías de crecimiento. El programa mirará también hacia mercados como América Latina y África, y explorará cómo el intercambio entre culturas está generando nuevos sonidos e identidades, con la participación de la compositora y productora Clara Aguilar, el project manager de Gallery Sessions y Gallery Studios Genís Pena, la directora artística del festival francés Art Rock Alice Bonet, y el DJ y activista Robe Van Boggaert, de Human Power.

En paralelo, BIME Live suma nuevas confirmaciones a su programación de música en directo: Axolotes Mexicanos, banda asturiana de espíritu punk; Cervatana, el proyecto impulsado por integrantes de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba que explora el cruce entre kraut rock, techno, ambient y big beat; y Erik Urano, una de las voces más singulares del rap experimental español, que presenta su quinto álbum, STALKER. Desde Latinoamérica llegan Estamos Perdidos, banda quiteña de garage rock, post-punk y shoegaze, y Marttein, cantante, compositor y productor surgido de la escena underground rave de Buenos Aires. Desde Euskadi se incorpora además Sara Zozaya, cantante, compositora y multiinstrumentalista.

BIME Live cuenta con el respaldo del Ayuntamiento de Bilbao y de entidades como Sounds From Spain, BASQUE. MUSIC., Navarra Music Commission, AIE, Catalan Arts, Dutch Music Export o Swiss Music Export, entre otras organizaciones dedicadas a impulsar la internacionalización del talento musical.

El anuncio llega acompañado de la apertura de tres convocatorias para que artistas, proyectos y empresas presenten sus propuestas ante la industria: Soundcheck, que seleccionará cuatro proyectos con potencial para colaborar con marcas; El Pitch Perfecto, que conectará doce canciones con supervisores musicales y profesionales del cine, la televisión y la publicidad; y, por primera vez, el Pitch Global, un espacio para presentar ideas, proyectos y modelos de negocio ante la industria durante los días del evento.

La programación se completa con otras citas paralelas: el 28 de octubre, la III Jornada de Impacto situará la cultura y la inversión de impacto en el centro del debate, con el apoyo de la Fundación Daniel y Nina Carasso, y ese mismo día se celebrará la segunda edición del Congreso Internacional de Investigación en Industrias Creativas, organizado junto a la Universitat Internacional de Catalunya. El 29 de octubre, a las 12:30 horas, Euskalduna Bilbao acogerá la tercera edición de los Reconocimientos AUPA!, que distinguen a personas, empresas y proyectos que impulsan la industria musical desde la creatividad y la innovación.

Con este nuevo bloque de programación, BIME reafirma su vocación de convertir Bilbao en un punto de encuentro entre artistas, profesionales, empresas e instituciones de distintos territorios, con el respaldo del Departamento de Promoción Económica de la Diputación Foral de Bizkaia, el Ayuntamiento de Bilbao, el Ministerio de Cultura, el Gobierno Vasco y Heineken. La cita, que este año celebra su decimocuarta edición, confirma además su expansión internacional con una nueva parada en Bogotá, prevista del 4 al 6 de mayo de 2027.

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El peso del catálogo representado da la medida de la iniciativa. Entre los artistas cuyos equipos forman parte de FORMA figuran nombres como Amaia, Amaral, Arde Bogotá, Bad Gyal, C. Tangana, Dani Fernández, Dellafuente, Kiko Veneno, La M.O.D.A., Lia Kali, Los Planetas, Mala Rodríguez, Rodrigo Cuevas, Rufus T. Firefly, Sanguijuelas del Guadiana, Vetusta Morla o Violadores del Verso. Con esa base, la asociación nace con vocación de convertirse en interlocutor imprescindible ante instituciones y resto de la industria.

Su presidente, Joan Vich (Ground Control), resumió el espíritu del proyecto durante la presentación con una declaración de intenciones: «Queremos que el foco vuelva a lxs artistas». La misión general de la entidad pasa por contribuir a construir una industria musical «más humana y sostenible».

Entre sus objetivos estratégicos, FORMA sitúa en primer plano el reconocimiento del mánager como motor y catalizador del talento, y la clarificación de la situación laboral y fiscal de artistas y creadores, una reivindicación histórica del sector. La asociación defiende también más apoyos a las giras, a la movilidad internacional y al desarrollo de carreras; una remuneración justa para los creadores y sus equipos; la protección de los derechos de los artistas —con especial atención al consentimiento y al control en el uso de nuevas tecnologías como la inteligencia artificial—, y el reconocimiento de la música como sector estratégico, tanto cultural como económico.

La vocación de la entidad es también internacional. Desde el pasado febrero, FORMA es miembro activo de EMMA (European Music Managers Association), la federación que agrupa a las asociaciones de mánagers de Europa y que en los últimos años se ha consolidado como interlocutora de plataformas y administraciones, como reflejó su alianza con YouTube Music. Su directora general, Jess Partridge, celebró la incorporación del mercado español, al que describió como uno de los más colaborativos y participativos del continente.

La junta directiva para el periodo 2026-2028 la preside Joan Vich Montaner (Ground Control), con Keina García Varela (Ártica) como vicepresidenta, María Isabel Moya Teruel (Emerge) en la tesorería y Aitor Costas Pena (Nuevacosta) como secretario. Completan el equipo los vocales Marcos García Martín (Ayuken), Luis Gómez Gómez (Black Izar), Catalina Rosselló Alcina (As de Guía) y Marina Roveta Vela (Producciones Submarinas), con Nuria Castañer Carrasco (LaRubiaProducciones) en la gerencia. La Unión Fonográfica Independiente (UFi) ha dado ya la bienvenida a la nueva entidad y ha subrayado que el trabajo conjunto entre sellos y mánagers es clave para un sector más fuerte y unido.

El nacimiento de FORMA llega en un momento en el que el oficio ha cambiado profundamente. La figura del mánager tradicional ha dado paso a estructuras 360º que combinan edición, booking, marketing y gestión de carreras, y cuya relación con artistas y autores es cada vez más compleja, sobre todo cuando se sale al extranjero. Así lo recoge el reciente estudio del Instituto de la Música sobre la exportación de la música española, que describe un sector atomizado y con dificultades para fijar objetivos compartidos, precisamente el tipo de carencia que una asociación de este perfil aspira a corregir.

El reto de FORMA será convertir su amplia representatividad en capacidad de influencia real: en la negociación de un marco laboral y fiscal adaptado a la intermitencia de la profesión, en las políticas de apoyo a la movilidad —un terreno en el que ya se han dado pasos como la guía de movilidad internacional del Instituto de la Música— y en el debate sobre la IA, donde los equipos de los artistas reclaman voz propia. Si logra articular esa agenda común, el management español dejará de ser el eslabón menos visible de la cadena para sentarse, por fin, en la mesa donde se decide el futuro de la industria.

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El motor del negocio sigue siendo el entorno digital, que aportó 160,5 millones de euros, un 10,5% más, y ya concentra el 88,5% del total del mercado. Dentro de él, el streaming generó 159,6 millones (+10,8%), pero el verdadero impulso llega de las suscripciones de pago, que alcanzaron los 121 millones de euros, un 15,1% más que un año antes. Esta modalidad supone por sí sola el 66,7% de todos los ingresos del sector —tres de cada cuatro euros del mercado digital— y se ha convertido en la columna vertebral de la industria.

La evolución de las suscripciones ilustra la magnitud del cambio de modelo. En el primer semestre de 2020 aportaban 45,1 millones de euros; en el de 2026, 121. Es un crecimiento acumulado del 168,2% en apenas seis años, que ha transformado por completo la estructura de ingresos de la música en España y ha dejado atrás la crisis que arrastró al sector durante la primera década y media del siglo.

No todo el terreno digital avanza al mismo ritmo. Mientras las suscripciones y el streaming de audio financiado por publicidad (19,98 millones, +7,1%) crecen, el streaming de vídeo financiado por publicidad retrocedió un 8,5%, hasta 18,66 millones, y los productos para móvil se desplomaron un 71,6%. Las descargas permanentes, en vías de desaparición, apenas se movieron (+0,4%), una muestra de que el consumo se ha desplazado casi por completo hacia el acceso frente a la propiedad.

La otra gran historia del semestre es la del mercado físico, que lejos de agonizar creció un notable 20,3%, hasta 20,9 millones de euros, y ya representa el 11,5% del total. El fenómeno tiene un nombre propio: el vinilo, que disparó sus ventas un 27,7% —hasta 15,3 millones— y acapara ya el 73% del mercado físico, muy por delante del CD, que sumó 5,6 millones (+4,3%). El formato analógico, convertido en objeto de coleccionista y en símbolo de fidelidad del fan, se ha consolidado como una fuente de ingresos estable y creciente, en línea con la tendencia observada en los principales mercados internacionales.

«Los resultados del primer semestre de 2026 confirman la fortaleza del mercado español de música grabada y la capacidad de la industria para seguir creando valor a través de la inversión en talento, innovación y desarrollo de nuevos modelos de negocio», señaló Antonio Guisasola, presidente de Promusicae, al presentar las cifras.

Los datos españoles se enmarcan en un contexto internacional de crecimiento generalizado del negocio musical, sostenido por la expansión de las plataformas de streaming y por las subidas de precios de las suscripciones que las grandes discográficas llevan tiempo reclamando. El tirón del talento local —con el auge global de la música en español y de artistas urbanos y de otros géneros— ha reforzado además la posición de España como uno de los mercados más dinámicos de Europa (una fortaleza que ya reflejaban los 156 millones de euros en royalties que Spotify pagó a los artistas españoles en 2025).

El reto, de cara al futuro, es doble. Por un lado, la industria depende cada vez más de un único formato —la suscripción de audio—, lo que la hace sensible a la evolución de los precios y a la saturación de los mercados maduros, en un momento en que el streaming global se acerca a los 1.000 millones de suscriptores. Por otro, la irrupción de la música generada con inteligencia artificial obliga a redoblar los esfuerzos por proteger el valor del repertorio humano. Con todo, el balance del semestre confirma que la música grabada en España vive su mejor momento en más de una década, con el streaming como locomotora y el vinilo como sorprendente y sólido copiloto.

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El código se articula en torno a cuatro principios: proteger la libertad artística dentro de la ley; crear espacios seguros y acogedores; garantizar que la programación y las alianzas reflejen los valores de Superstruct; y promover la inclusividad y la equidad. La compañía lo define como «una demostración de su apoyo histórico a la libertad artística y a la independencia creativa de sus festivales».

«La libertad artística está en el corazón de nuestros festivales. Son lugares para que los artistas se expresen, desafíen ideas y aporten distintos puntos de vista a las audiencias. Creemos firmemente en respaldar esa libertad», señaló Rebecca Kane Burton, directora de operaciones (COO) de Superstruct. «El Código Artístico deja clara nuestra posición y da a los artistas y a nuestros equipos unos principios comunes, con la independencia creativa en el centro».

El anuncio no llega en el vacío. Superstruct —propietaria de festivales como el húngaro Sziget o el barcelonés Sónar, entre muchos otros— ha vivido en los últimos años una fuerte tensión en torno a la expresión política en sus recintos. La entrada del fondo estadounidense KKR en su accionariado, tras la compra de la compañía en 2024, desató boicots y renuncias de artistas en varias de sus citas, que denunciaban las inversiones del fondo. A ese clima se han sumado los debates sobre pronunciamientos políticos desde los escenarios, que han situado a los grandes promotores ante el dilema de dónde acaba la libertad de expresión del artista y dónde empiezan las responsabilidades del organizador.

En ese contexto, formalizar por escrito un marco de actuación tiene una lectura evidente: dar a los equipos de cada festival una referencia común para afrontar decisiones delicadas —desde la programación hasta las declaraciones sobre el escenario— sin improvisar caso por caso. La propia Superstruct enmarca el código como una herramienta para «decidir con confianza», un reconocimiento implícito de lo resbaladizo que se ha vuelto el terreno para la industria del directo.

El movimiento se produce, además, en plena consolidación del negocio festivalero. Superstruct, respaldada por capital riesgo, ha protagonizado en los últimos años una acelerada compra de propiedades hasta reunir su enorme cartera, en una tendencia de concentración que ha reavivado el debate sobre la independencia de los festivales frente a los grandes grupos. Que el segundo operador mundial haga bandera de la «independencia creativa» de sus marcas es, en sí mismo, una respuesta a quienes advierten de que la concentración amenaza la diversidad y la identidad de cada cita.

Para el sector, la iniciativa puede marcar tendencia. Los festivales europeos afrontan un momento complejo, entre la presión de costes, los retos climáticos y una creciente politización del espacio cultural. Un marco explícito de libertad artística —siempre «dentro de la ley», matiza Superstruct— busca equilibrar dos exigencias no siempre compatibles: preservar el festival como espacio de expresión y disidencia, y a la vez garantizar entornos seguros e inclusivos para públicos y trabajadores.

La eficacia real del código dependerá, como siempre, de su aplicación práctica cuando surja el conflicto: un artista que lance un mensaje polémico, un patrocinador incómodo o una comunidad que se sienta excluida. Pero el gesto sitúa la libertad creativa en el centro del discurso corporativo de uno de los mayores actores del directo mundial, en un año en el que la cultura de festivales —también en España, con su apuesta por la proyección internacional y el apoyo público— busca reafirmar su papel como espacio de encuentro y de expresión. Queda por ver si el resto de grandes promotores sigue el ejemplo y adopta códigos similares.

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En su vertiente profesional, BIME Pro, el evento contará con la presencia del cantautor uruguayo Jorge Drexler, ganador de un Óscar y figura de referencia de la canción en español, junto a artistas como Ángeles Toledano, Raül Refree y Rocío Márquez. A ellos se sumarán perfiles clave de la industria global: Brandon Young, responsable global de música en Activision —la compañía tras sagas como Call of Duty—, y A.J. Ramos, encargado de alianzas de contenido musical en YouTube. El programa incluye también al abogado JJ Sunday, al compositor Yassir y al investigador en economía cultural Justin O’Connor, en una apuesta por cruzar las miradas creativa, tecnológica y académica del sector.

La presencia de responsables de Activision y YouTube ilustra una de las líneas de fondo del encuentro: la creciente conexión entre la música y otras industrias como los videojuegos, la tecnología y las plataformas de vídeo, donde se libra buena parte de la batalla por la atención del público y por nuevas fuentes de ingresos para los artistas.

En su faceta de festival, BIME Live ha avanzado un primer cartel deliberadamente diverso y transatlántico. Entre los nombres confirmados figuran los portugueses Expresso Transatlântico, la francesa LinLin, la artista hispano-marroquí restinga, el proyecto ucraniano SadSvit, la banda colombiana TIMØ y el colectivo argentino Tussiwarriors. La programación se completa con la española Zahara, que presentará ZAHARAVE: LITE, una versión enfocada a la pista de baile de su universo electrónico. La selección confirma la vocación de BIME de servir de escaparate para propuestas emergentes de ambas orillas del Atlántico.

Más allá del cartel, BIME ha anunciado una expansión de su ecosistema de innovación con el lanzamiento de Desafía Music Tech Miami 2026, un programa impulsado junto a ICEX, Red.es y la Oficina Económica y Comercial de España en Miami. La iniciativa acompañará a startups españolas especializadas en tecnología aplicada a la música en su proceso de internacionalización, tomando Miami como plataforma de acceso a los mercados de Estados Unidos y América Latina.

Ese desembarco en Florida refuerza el papel de BIME como puente entre Europa y el continente americano, en línea con la estrategia de proyección exterior de la industria cultural española (ver España impulsa su cultura: festivales y proyección global). La cita bilbaína aspira a consolidarse no solo como un festival, sino como un nodo de negocio y conocimiento capaz de conectar el talento iberoamericano con la inversión, la tecnología y los grandes mercados internacionales.

Desde su nacimiento, BIME ha buscado equilibrar las dos almas del evento: la del profesional que acude a cerrar acuerdos, detectar tendencias y tejer alianzas, y la del público que descubre en directo a los artistas llamados a despuntar en los próximos años. Esa doble condición —congreso y festival— es precisamente la que le ha permitido diferenciarse en un calendario europeo saturado de citas del sector.

Con estas primeras confirmaciones, la organización marca el tono de una edición que quiere subrayar dos ideas fuerza: la innovación tecnológica como motor de la música del futuro y la conexión internacional, con especial atención al eje que une Bilbao con Latinoamérica y con los mercados hispanos de Estados Unidos. A la espera de nuevos anuncios que completen tanto el programa profesional como el cartel de conciertos, BIME Bilbao 2026 se perfila como uno de los grandes puntos de encuentro del año para una industria en plena transformación, donde la tecnología, la internacionalización y las nuevas voces marcan la agenda.

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Nuevas herramientas de IA integradas en el flujo creativo

La nueva suite de Splice se integra directamente en las estaciones de trabajo de audio digital (DAW) a través de sus plugins, permitiendo a los productores transformar sonidos existentes sin perder su licencia para uso comercial. Las herramientas presentadas incluyen:

• Variations: Disponible en Splice Sounds, permite generar hasta cinco versiones alternativas de un sample ajustando parámetros como tonalidad, BPM y complejidad, manteniendo la esencia del sonido original.
• Craft: Integrada en el plugin INSTRUMENT, transforma samples en instrumentos virtuales interpretables, ampliando las posibilidades creativas en la composición.
• Magic Fit: Prevista para verano de 2026, adaptará automáticamente cualquier sonido al contexto armónico y rítmico del proyecto musical.

Estas funcionalidades apuntan a un objetivo claro: optimizar el flujo de trabajo del productor sin sustituir la creatividad humana.

Un modelo ético de compensación en la era de la IA

En un momento en el que la industria debate intensamente sobre derechos de autor y entrenamiento de modelos de IA, Splice ha reforzado su posicionamiento con un enfoque transparente. Su catálogo —con más de 3 millones de samples— mantiene la trazabilidad completa de cada sonido. Bajo este modelo:

• El creador recibe ingresos cuando su sample se utiliza como base para generar contenido con IA.
• También percibe ingresos cuando un usuario descarga una variación generada.

El CEO de la compañía, Kakul Srivastava, destacó que este enfoque respeta la tradición del sampling, donde los productores construyen nuevas ideas a partir de materiales existentes, ahora potenciadas por IA.

Además, la compañía ha dejado claro que su estrategia no pasa por generar bibliotecas artificiales desde cero, sino por potenciar el valor de los sonidos creados por humanos.

Alianzas estratégicas y expansión en inteligencia artificial

El lanzamiento de estas herramientas refuerza la estrategia de crecimiento de Splice en el ámbito de la IA aplicada a la música.

En diciembre de 2025, la empresa anunció una alianza con Universal Music Group para desarrollar soluciones comerciales de IA centradas en el control creativo y la calidad sonora. A nivel corporativo, la compañía también ha ampliado su infraestructura mediante adquisiciones estratégicas como Kits AI o Spitfire Audio. 

El movimiento de Splice refleja una tendencia estructural en la industria: la inteligencia artificial como herramienta de asistencia creativa. Lejos de reemplazar al productor, estas tecnologías pueden:

• Aumentar la eficiencia en el estudio
• Facilitar la experimentación sonora
• Generar nuevas vías de monetización

Este enfoque podría convertirse en un estándar para el desarrollo responsable de la IA en la música, especialmente en un contexto donde la sostenibilidad económica de los creadores es un tema central.

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Para Udio, este acuerdo representa su cuarta alianza con actores clave de la industria desde octubre de 2025. La empresa ya mantiene colaboraciones con gigantes como Universal Music Group, Warner Music Group y la organización independiente Merlin.

El objetivo principal de esta nueva asociación con Kobalt es crear nuevas vías de monetización para artistas y compositores, aunque todavía no se han detallado aspectos clave como el modelo financiero o los mecanismos de participación voluntaria (opt-in).

De la controversia legal a un modelo licenciado

Este acuerdo refleja un cambio estructural en el posicionamiento de Udio dentro del sector. En sus primeras fases, la compañía utilizó contenido protegido sin licencia para entrenar sus modelos, lo que derivó en una demanda por infracción de derechos de autor impulsada por grandes discográficas.

Tras alcanzar acuerdos estratégicos, tanto Universal Music Group como Warner Music Group se retiraron del litigio, mientras que Sony Music continúa con acciones legales activas contra la plataforma.

Como resultado, Udio ha redefinido su enfoque hacia un modelo totalmente basado en contenido licenciado, eliminando la generación de canciones hiperrealistas sin autorización. La nueva plataforma permitirá crear música, remezclas y versiones únicamente con material de artistas que hayan dado su consentimiento explícito.

Desde Kobalt, su CEO, Laurent Hubert, subrayó la importancia de proteger los derechos de los autores mientras se exploran nuevas oportunidades tecnológicas. Por su parte, Andrew Sanchez, cofundador de la compañía, destacó que el objetivo es expandir los límites creativos de la música mediante IA garantizando una compensación justa para los creadores.

Contexto corporativo: movimientos en el mercado editorial

Este anuncio llega en un momento clave para Kobalt, tras conocerse la futura adquisición de parte de su negocio —incluyendo su catálogo y la entidad digital AMRA— por la firma Primary Wave.

La operación, aún pendiente de aprobación regulatoria, está prevista para cerrarse en la segunda mitad de 2026 y podría redefinir el papel de Kobalt dentro del ecosistema global de derechos musicales.

La alianza entre Udio y Kobalt confirma una tendencia clara: la inteligencia artificial se está consolidando como un eje central en la evolución del negocio musical.

El reto para los próximos años será encontrar el equilibrio entre innovación tecnológica, protección de derechos y generación de valor económico sostenible para artistas, compositores y titulares de derechos.

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Control total sobre vídeo y Canvas en todos los planes

La nueva funcionalidad estará disponible para todos los niveles de suscripción, incluyendo Premium, Basic y el plan gratuito, así como en modalidades Individual, Duo, Familiar y Estudiante.

A través del menú de configuración en la sección de “Contenido y pantalla”, los usuarios podrán activar o desactivar los vídeos asociados a canciones y podcasts, así como los conocidos visuales en bucle Canvas, ampliamente utilizados por artistas como herramienta de engagement.

Uno de los aspectos más relevantes es que esta configuración se sincroniza automáticamente en todos los dispositivos, incluyendo móviles, escritorio, web y televisores inteligentes, garantizando una experiencia coherente en todo el ecosistema digital de Spotify.

Nuevas funciones de control parental y gestión familiar

La actualización también introduce mejoras importantes en la gestión de cuentas familiares. Los administradores de los planes Family podrán ahora controlar el acceso al contenido en vídeo de cualquier miembro, ampliando significativamente las capacidades previas, que estaban limitadas a cuentas de menores.

Este movimiento refuerza el posicionamiento de Spotify como una plataforma más flexible y adaptada a diferentes perfiles de usuario dentro de un mismo entorno doméstico.

Impacto en marketing y publicidad musical

Para los profesionales de la industria, especialmente en áreas de marketing y monetización, Spotify ha aclarado un punto clave: las preferencias de visualización del usuario no afectarán al inventario publicitario.

Esto significa que:

• Los usuarios seguirán viendo anuncios en formato vídeo
• También se mantendrán elementos visuales similares a Canvas en anuncios de audio

Este detalle asegura la continuidad de las oportunidades comerciales dentro de la plataforma, independientemente de las preferencias individuales de consumo.

Datos de usuario: hacia un consumo más intencional

La decisión de implementar estos controles está respaldada por datos de comportamiento del usuario. Según estudios recientes:

• El 93% de los usuarios demanda mayor control sobre su experiencia
• El 92% afirma que Spotify conecta mejor con sus intereses
• El 86% de la Generación Z utiliza música y podcasts para mejorar su estado de ánimo

Estos datos, procedentes de estudios de Burson y Edison Research, evidencian una tendencia clara hacia un consumo más activo y personalizado.

Con esta actualización, Spotify refuerza su estrategia hacia un modelo donde el usuario no solo consume contenido, sino que decide cómo interactuar con él. La integración de controles sobre vídeo y Canvas no solo mejora la experiencia, sino que también redefine el equilibrio entre automatización y personalización en el streaming musical.

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