Sound IDs y la pérdida de ingresos para los artistas

Los Sound IDs son identificadores de audio que TikTok utiliza para rastrear las canciones dentro de la plataforma y calcular los pagos de regalías. Sin embargo, muchos de estos identificadores están mal atribuidos o manipulados por los usuarios, lo que impide que los artistas reciban los pagos que les corresponden.

Algunos ejemplos recientes han revelado que:

• Existen Sound IDs con cientos de miles de creaciones que no están acreditadas correctamente al artista original.
• TikTok ha comenzado a pagar regalías en función de las vistas, lo que hace que los videos virales sean aún más valiosos en términos de ingresos.
• El proceso para reclamar un Sound ID es complejo y limitado, lo que dificulta que los titulares de derechos corrijan errores y recuperen sus ingresos.

Ejemplos de atribución incorrecta en Sound IDs

La plataforma PEX realizó un análisis en el que se evidencia que el problema se manifiesta de distintas formas. Por ejemplo, se identificó un Sound ID que usa una versión editada de «16 Carriages» de Beyoncé. Este audio fue subido por un usuario llamado «JAYBeatz» y ha sido utilizado en más de 97,000 videos. Como resultado, Beyoncé no recibe ningún ingreso por estas reproducciones.

Situaciones similares ocurren con:

• Una versión acelerada de «Stick Season» de Noah Kahan, subida por una usuaria llamada Sara, que ha sido utilizada en 142,000 videos.
• Una versión acelerada de «OMG» de NewJeans, atribuida a un usuario anónimo con un emoji en su nombre, utilizada en 187,000 videos.

Estos casos ponen en evidencia la falta de control sobre la atribución de Sound IDs en TikTok y cómo esto afecta directamente los ingresos de los artistas.

Videos virales con millones de vistas y atribución errónea

Con el nuevo modelo de pagos basado en vistas, los errores en la atribución de Sound IDs generan aún mayores pérdidas. Algunos ejemplos incluyen:

• Un video con 21 millones de vistas que usa «Not Like Us» de Kendrick Lamar, pero cuyo Sound ID está vinculado a «snowfall» de los usuarios «Øneheart» y «discord.gg/parazit». Este video, según las tarifas de TikTok ($20 por cada millón de vistas), representa al menos $420 que no llegan al artista original. Puede parecer una suma irrisoria, pero cuando se acumulan miles de instancias en las que esto sucede, las cantidades se acumulan rápidamente.
• Un video con 3.8 millones de vistas que usa la versión acelerada de «OMG» de NewJeans sin atribuir crédito a la banda.
• Otro video con 2.5 millones de vistas con la misma problemática.

Cuando se suman miles de estos casos, las pérdidas para los artistas se vuelven significativas. Además, los usuarios que suben estas versiones manipuladas terminan recibiendo pagos que no les corresponden.

Sound IDs que los titulares de derechos no pueden reclamar

Incluso cuando los titulares de derechos identifican usos no autorizados de su música, muchas veces no pueden reclamar esos Sound IDs debido a las restricciones de TikTok. Actualmente, la plataforma permite que solo un titular de derechos reclame un Sound ID por video, lo que genera problemas cuando:

1. Un Sound ID está vinculado erróneamente a otro contenido.
2. Múltiples titulares de derechos deberían ser acreditados en un mismo Sound ID.
3. Un usuario manipula el audio para evitar la detección de derechos de autor.

Algunas opciones que los artistas tienen para solucionar esto incluyen:

• Emitir una notificación de eliminación DMCA para que se retire el video.
• Reportar el problema directamente a TikTok con la esperanza de que se corrijan las reglas de atribución.
• Contactar al creador del video o al usuario que subió el Sound ID para tratar de resolver la situación.

Ejemplos de videos virales con Sound IDs mal atribuidos incluyen:

• Un video con 10 millones de vistas que usa «Meet the Grahams» de Kendrick Lamar, pero el Sound ID está vinculado a «Redrum» de 21 Savage.
• Un video con 7.6 millones de vistas donde el Sound ID muestra «Masterpiece» de Rak-Su, aunque la música real es «Not Like Us» de Kendrick Lamar.
• Dos videos con canciones de Beyoncé que suman más de 6.5 millones de vistas sin que la artista reciba crédito ni ingresos.

Por otro lado, existen casos en los que los usuarios bajan el volumen de los tracks de la biblioteca de TikTok y añaden audio adicional para evitar reclamos de copyright o para hacer trendjacking.

¿Hacia dónde va TikTok en materia de derechos de autor?

El modelo de pagos basado en vistas de TikTok podría beneficiar a los artistas si la atribución de Sound IDs fuera precisa y justa. Sin embargo, la realidad actual muestra que muchos creadores están perdiendo ingresos debido a errores en la plataforma y al abuso de los usuarios que suben versiones alteradas de las canciones.

Para mejorar la situación, TikTok debería:

1. Implementar mejores tecnologías de detección de audio para evitar manipulaciones.
2. Permitir que múltiples titulares de derechos reclamen un mismo Sound ID cuando corresponda.
3. Agilizar el proceso de reclamación para que los artistas puedan corregir errores rápidamente.

A medida que la plataforma sigue evolucionando, la industria musical debe mantenerse alerta para garantizar que los artistas reciban lo que les corresponde. La lucha contra el fraude musical en TikTok apenas comienza.

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En la era del streaming, los ingresos de un compositor provienen principalmente de las regalías editoriales, que son considerablemente más bajas que las que reciben los artistas y sellos discográficos por los derechos de máster. En promedio, el sello puede obtener entre tres y diez veces más que el compositor. Esto crea una desigualdad que afecta directamente a los compositores, quienes ven su participación económica reducida a pesar de que sus canciones puedan ser populares.

Para tener un cotexto, los ingresos editoriales globales en 2023 alcanzaron un total de $9.03 mil millones por primera vez, lo que representó un 10.9% de aumento con respecto a 2022. Esto en comparación con los $28.6 mil millones de ingresos que reportó la industria discográfica el mismo año, da cuenta de la disparidad entre ambas ramas del negocio musical.

Esta situación es aún más complicada porque, en muchos casos, los artistas exigen una parte de las regalías editoriales, incluso si no han contribuido directamente a la composición de la canción. Además, las sesiones de composición, que solían ser más íntimas, ahora incluyen un mayor número de personas, lo que hace que los ingresos se deban dividir entre más participantes. Este conjunto de circunstancias hace que los ingresos de los compositores sean cada vez más limitados, obligándolos a luchar por escribir los éxitos principales de cada álbum si desean vivir de su arte.

Las iniciativas de los sellos independientes

Históricamente, los compositores no han recibido regalías de los másters, ya que tradicionalmente no han sido considerados parte del proceso de grabación, como sí lo son los artistas y los productores. Sin embargo, dada la precaria situación financiera de los compositores, muchos sellos independientes han comenzado a reconocer el valor crucial que aportan los compositores y han decidido ofrecerles puntos de máster para mejorar su compensación.

Facet Records, The Other Songs, Nvak Collective y Good Boy Records han implementado sistemas de puntos de máster que otorgan a los compositores una pequeña fracción de las ganancias generadas por la grabación. Este modelo de «puntos» significa que los compositores pueden recibir una parte de los ingresos netos de la grabación, tal como lo hacen los productores o los artistas.

Por ejemplo, The Other Songs ofrece cuatro puntos a los compositores en cada grabación, divididos entre los escritores que participan en la canción. En 2021, Nvak Collective también comenzó a dar el 4% de las ganancias netas de sus másters a los compositores, lo cual representa un avance en la industria. Estas iniciativas buscan ofrecer a los compositores ingresos adicionales más allá de las regalías editoriales, con la esperanza de equilibrar la balanza entre los ingresos del máster y los del compositor.

Este movimiento, si bien es una medida temporal para paliar la crisis, tiene un impacto importante en la estabilidad económica de los compositores. Según Jaime Zeluck-Hindlin, fundadora de Nonstop Management, muchos compositores con suficiente influencia logran negociar medio punto o un punto en un máster. Sin embargo, aún no se considera una norma en la industria, y solo aquellos con carreras consolidadas pueden exigir estos puntos con mayor seguridad.

La posición de los sellos grandes frente a las nuevas prácticas

Aunque algunos sellos independientes están dispuestos a implementar sistemas de puntos para los compositores, las grandes discográficas aún se muestran renuentes a adoptar estas prácticas. Los sellos grandes, en especial los que cotizan en bolsa, están más enfocados en maximizar los beneficios y son más conservadores al introducir cambios en sus estructuras de compensación. Sin embargo, algunos expertos de la industria, como Justin Tranter de Facet Records, están optimistas de que el éxito de los sellos independientes en esta área podría presionar a las grandes discográficas para que sigan el mismo camino.

Tranter destaca que existen otras medidas para hacer que los sellos sean más amigables para los compositores, como proporcionar viáticos, almuerzos gratuitos o transporte para las sesiones de grabación. Estos beneficios adicionales no solo mejorarían la experiencia de los compositores, sino que también representarían un compromiso tangible con su bienestar.

La necesidad de una reforma estructural en el modelo de streaming

El modelo de streaming, aunque conveniente para los consumidores y rentable para los sellos, ha generado una estructura de ingresos que no refleja adecuadamente el trabajo de los compositores. Las regalías editoriales son limitadas y, en gran parte, están reguladas por el gobierno en Estados Unidos, lo que dificulta realizar ajustes significativos en la distribución de ingresos. Según un informe de la Alianza Europea de Compositores y Escritores de Canciones (ECSA), en 2021, solo un 13.2% de los ingresos generados por streaming fue destinado a los compositores, mientras que los sellos recibieron el 58.6%.

La ECSA ha propuesto una serie de reformas, como honorarios por tiempo trabajado, puntos de máster y compensaciones por gastos, para brindar a los compositores una mayor participación en los ingresos generados por su trabajo. Este tipo de cambios ayudaría a restaurar la estabilidad financiera de los compositores y permitiría que sigan desarrollando sus carreras en un entorno más justo.

Otras iniciativas de apoyo a los compositores

La desigualdad en la compensación ha llevado al lanzamiento de campañas como #PaySongwriters en el Reino Unido, que busca crear conciencia sobre las dificultades que enfrentan los compositores y presionar para que los sellos adopten prácticas de compensación más justas. En otros países, como Alemania y Dinamarca, las organizaciones de compositores han iniciado diálogos con managers y sellos para fortalecer las relaciones con los intermediarios y mejorar las condiciones de negociación de los compositores.

Estas campañas reflejan un reconocimiento colectivo de la necesidad de cambiar el modelo de compensación actual. Para muchos, ofrecer puntos de máster a los compositores es solo una medida provisional que no soluciona el problema subyacente, pero representa un avance hacia una industria musical más equitativa y sostenible.

Algunos artistas independientes también han comenzado a contribuir a la causa de los compositores, cediendo una parte de sus propias regalías para mejorar la compensación de sus colaboradores. Artistas como Austin Burke  Troy Cartwright han compartido porcentajes significativos de sus ingresos de streaming con los compositores de sus canciones, lo que no solo ayuda económicamente a los compositores, sino que también establece un estándar de respeto y apoyo en la industria.

Estos movimientos, aunque aislados, podrían sentar un precedente importante. Si más artistas y productores independientes siguen este ejemplo, podría generarse una presión hacia las grandes discográficas para que reconsideren sus políticas de compensación y adopten prácticas que valoren mejor el trabajo de los compositores.

Hacia un nuevo modelo de compensación para los compositores

La situación actual de los compositores en la industria del streaming plantea preguntas urgentes sobre la equidad en la compensación y el valor del trabajo creativo. Aunque los puntos de máster y las iniciativas de artistas independientes ofrecen soluciones temporales, la industria necesita una reforma estructural que garantice una compensación justa para todos los involucrados en el proceso creativo de la música.

El trabajo de los compositores es fundamental para el éxito de la industria musical, y su labor debe ser valorada y compensada de manera adecuada. Sin composiciones no existen las grabaciones, entonces ¿por qué se valora una mucho más que la otra?

A medida que más sellos y artistas adopten políticas que incluyan a los compositores en los ingresos de los másters, se avanza hacia un modelo que honra el esfuerzo y la creatividad de quienes dan vida a las canciones.

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 ¿Qué son los Masters?

Las grabaciones maestras, a menudo simplemente denominadas «masters», son las grabaciones originales de sonido de una canción. En la era digital actual, estas son las versiones de tu música que se lanzan en plataformas de streaming como Spotify, Apple Music y Tidal. Históricamente, el término «master» se refería a la cinta maestra o fuente de audio utilizada para producir discos de vinilo, casetes y CDs para su distribución.

Para entender mejor el concepto, piensa en las grabaciones maestras como los negativos en fotografía. Así como los negativos fotográficos se utilizan para producir copias, las grabaciones maestras son la fuente a partir de la cual se realizan todas las copias de una canción.

Derechos editoriales vs. Derechos de master

Es importante no confundir los derechos editoriales con los derechos de master. Aunque ambos son esenciales en la industria musical, se refieren a aspectos completamente diferentes de una canción Los derechos editoriales pertenecen a la composición de la canción—la música y la letra; y los derechos del master se relacionan con la grabación específica de sonido de la canción.

Esta distinción es crítica cuando se trata de propiedad, pagos de regalías y asuntos legales en la industria musical.

La importancia de ser dueño de los masters

Poseer tus grabaciones maestras te da un control significativo sobre tu música y sus potenciales fuentes de ingresos. Los beneficios clave que tiene ser dueño de los masters son:

1. Recaudación de Regalías: Tienes el derecho legal de cobrar regalías por tus grabaciones.
2. Control de Licencias: Puedes licenciar tu música grabada para su uso en películas, programas de TV, anuncios y otros medios.
3. Derechos de Uso: Tienes control sobre dónde y cómo se utilizan tus grabaciones.
4. Beneficios Financieros: Recibes el monto total de las regalías por el uso de tus masters, en lugar de un pequeño porcentaje, como es el caso cuando los masters son propiedad de un tercero.

¿Quién debe ser dueño de los masters?

Históricamente, los sellos discográficos han jugado un papel crucial en la carrera de un artista al proporcionar apoyo financiero para la grabación, distribución y promoción. Sin embargo, estos beneficios a menudo vienen con un costo significativo para el artista.

Los artistas típicamente ceden sus derechos de master al sello, a menudo a perpetuidad, o por una considerable cantidad de años, aún después del fallecimiento del artista, y a menudo reciben solo un pequeño porcentaje (alrededor del 15%) de las regalías, mientras que el sello se queda con la mayor parte (alrededor del 85%).

Sin embargo el artista no comienza a recibir ese porcentaje de immediato. El adelanto entregado por el sello y los costos adicionales deben ser recuperados a través de las ventas de música, streams y licencias antes de que el artista comience a recibir su parte completa de las regalías. En algunos casos, y sobretodo antes de la era digital, los sellos incluían gastos adicionales que reducian aún más las ganancias del artista, como fiestas promocionales, tarifas de empaquetado e incluso tarifas obsoletas de «roturas» de la era del vinilo y del CD. Existen artistas que han dicho públicamente que nunca recibieron pagos de regalías aún habiendo vendido millones de discos, pues todo el dinero ingresado de esas ventas fue retenido por el sello para cubrir todos los gastos mencionados.

El advenimiento de las plataformas de música digital ha alterado significativamente la dinámica de poder en la industria musical. Los artistas ahora tienen más opciones para promover y distribuir su música de forma independiente, reduciendo su dependencia de los sellos discográficos tradicionales. Este cambio ha empoderado a los artistas para negociar mejores acuerdos o mantener el control sobre sus grabaciones maestras.

Artistas pioneros en el cambio de paradigma

Varios casos de alto perfil han llevado el tema de la propiedad de grabaciones maestras al centro de atención:

Prince:

Prince tuvo una relación notoriamente complicada con las discográficas, particularmente con Warner Music Group, con la que estuvo asociado durante gran parte de su carrera. Prince sentía que, como creador, debía tener control total sobre su obra, incluyendo los derechos de las grabaciones. En 1993, Prince cambió su nombre a un símbolo impronunciable para publicar música que no fuese propiedad de Warner y también como una forma de protesta contra lo que él consideraba la explotación por parte de la discográfica.

Taylor Swift

La batalla pública de Taylor Swift por sus grabaciones maestras muestra las posibles consecuencias de no poseer tus masters. Cuando su antiguo sello discográfico, Big Machine, fue vendido a Scooter Braun (un manager musical con quien Swift ha tenido conflictos), Braun obtuvo el control sobre todo el catálogo anterior de Swift. En respuesta, Swift decidió volver a grabar sus primeros seis álbumes de estudio, creando nuevos masters que ella posee completamente y puede licenciar como lo desee. Su nuevo contrato con Universal estipula que ella mantiene la propiedad de sus masters y la compañía le provee la distribución y apoyo promocional.

Kanye West

La cruzada de Kanye West para recuperar sus masters también ha atraído una atención mediática significativa. West criticó públicamente a Universal Music Group por su control sobre sus primeros seis álbumes e incluso compartió sus contratos de grabación originales en las redes sociales. Estos contratos revelaron adelantos multimillonarios a cambio de que el sello poseyera sus masters «en todo el mundo y a perpetuidad». La lucha de West resalta la dificultad que enfrentan los artistas para comprar sus masters una vez que los han cedido.

El camino a seguir

Para los artistas emergentes, la lección es clara: poseer tus grabaciones maestras es una inversión crucial en tu futuro. Los artistas mantienen el control sobre cómo se usa y distribuye su música, recibe una mayor parte de las regalías generadas por su música, y a medida que su carrera crece, también lo hace el valor de los masters.

Aunque para un artista nuevo pueda ser complicado arrancar su carrera sin el apoyo de una discográfica, cada vez existen más opciones en las que no necesariamente es obligatorio ceder el 100% de los derechos de las grabaciones por décadas y décadas. Educarse sobre cómo funcionan estos acuerdos es el primer paso para construir no solo una carrera exitosa, sino un negocio sólido como artista.

La industria musical ha experimentado cambios significativos en los últimos años, en gran parte debido al auge de las plataformas digitales y los servicios de streaming. Estos cambios han creado nuevas oportunidades para que los artistas mantengan el control sobre su trabajo, incluyendo sus grabaciones maestras.

Aunque los sellos discográficos tradicionales aún ofrecen recursos valiosos y experiencia, los artistas ahora tienen más influencia para negociar términos favorables o elegir caminos alternativos hacia el éxito. Al comprender la importancia de la propiedad de las grabaciones maestras y las posibles implicaciones a largo plazo de sus decisiones, los artistas pueden posicionarse mejor para carreras sostenibles en la industria musical.

A medida que la industria continúa evolucionando, es probable que veamos más artistas priorizando la propiedad de sus masters, ya sea a través de una cuidadosa negociación con los sellos o eligiendo permanecer independientes. Este cambio hacia el empoderamiento y la propiedad del artista no solo es beneficioso para los músicos individuales, sino que tiene el potencial de remodelar todo el panorama de la industria musical, creando un entorno más equitativo y amigable para los artistas en las generaciones venideras.

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El despertar de una nueva era

Todo comenzó con un comentario casual al final de una clase de guitarra. Un veterano músico, amante de lo analógico y lo imperfecto, sorprendió a su alumno al elogiar LANDR, un servicio online de masterización impulsado por IA. «En el último año, LANDR ha mejorado tanto que ahora suena tan bien o mejor que cosas que hemos masterizado profesionalmente», afirmó. Esta declaración, viniendo de alguien reacio a la tecnología moderna, fue una señal inequívoca de que algo importante estaba ocurriendo en el mundo de la producción musical.

Poco después, Apple lanzó la versión 10.8 de Logic Pro, su estación de trabajo de audio digital (DAW) insignia, que incluía Mastering Assistant, su propia versión de masterización impulsada por IA. De repente, los usuarios de Logic tenían acceso gratuito a esta capacidad directamente en sus computadoras o iPads. El consenso parecía claro: la masterización impulsada por IA se había convertido en una realidad viable y efectiva.

La democratización del sonido profesional

Para entender el impacto de estas herramientas, es importante contextualizar el proceso de producción musical. Tradicionalmente, crear música de calidad profesional requería no solo talento artístico, sino también años de experiencia técnica en grabación, mezcla y masterización. Cada una de estas disciplinas demandaba un conjunto único de habilidades y conocimientos, así como acceso a equipos costosos y estudios profesionales.

La masterización, en particular, se consideraba un «arte oscuro», un proceso alquímico final que daba a las canciones ese brillo y cohesión característicos de las producciones profesionales. Muchos músicos aspirantes se encontraban frustrados al no poder lograr ese sonido pulido y radiofónico en sus producciones caseras, a pesar de tener ideas musicales sólidas y grabaciones decentes.

La llegada de las herramientas de masterización impulsadas por IA ha cambiado radicalmente este panorama. Servicios como LANDR, iZotope Ozone, Apple Mastering Assistant y Bandlab ofrecen ahora la posibilidad de obtener un sonido profesional con solo unos pocos clics y a una fracción del costo de contratar a un ingeniero de masterización humano.

Cómo funcionan estas herramientas

Aunque cada servicio tiene sus particularidades, el principio básico es similar: el usuario sube una mezcla terminada, y el sistema de IA analiza la pista, aplicando automáticamente una serie de procesos de masterización como ecualización, compresión, limitación y mejora estéreo. El resultado es una pista que suena más «como un disco», cumpliendo con los estándares modernos de sonoridad y claridad.

LANDR, uno de los pioneros en este campo, ofrece opciones de estilo como «cálido», «equilibrado» o «abierto», y permite ajustes finos a través de un sistema de revisión basado en preguntas. iZotope Ozone va un paso más allá, ofreciendo un nivel de control granular sobre cada aspecto del proceso de masterización, ideal para aquellos que quieren profundizar en los detalles técnicos.

Apple Mastering Assistant, por su parte, adopta un enfoque más minimalista, con solo cuatro modos de carácter (Limpio, Válvula, Punch y Transparente) y algunos controles básicos. A pesar de su aparente simplicidad, ofrece resultados sorprendentemente buenos y una curva de ecualización compuesta que puede ser educativa para los usuarios.

Bandlab se destaca por ofrecer un servicio gratuito con opciones limitadas pero efectivas, ideal para aquellos que quieren experimentar con la masterización por IA sin compromiso financiero.

El debate: ¿Amigo o enemigo de la creatividad humana?

La llegada de estas herramientas ha generado un debate intenso en la comunidad musical. Por un lado, algunos temen que la IA pueda reemplazar a los ingenieros de masterización humanos, especialmente en el segmento de mercado de nivel medio y bajo. También existe la preocupación de que estas herramientas puedan homogeneizar el sonido de la música, ya que están entrenadas en estilos y géneros específicos.

Por otro lado, los defensores argumentan que estas herramientas son más bien un complemento que un reemplazo. iZotope, por ejemplo, sostiene que su herramienta Ozone puede ser utilizada por ingenieros profesionales como una «segunda opinión» valiosa o para agilizar su flujo de trabajo. Además, al democratizar el acceso a un sonido de calidad, estas herramientas permiten que más músicos independientes y artistas emergentes puedan competir en el mercado musical global.

Un aspecto interesante es cómo estas herramientas pueden servir como herramientas educativas. Al mostrar las decisiones de ecualización y procesamiento que toman, pueden ayudar a los músicos y productores novatos a entender mejor los principios de la masterización y mejorar sus habilidades de mezcla.

Más allá de la masterización: La IA en todo el proceso creativo

La masterización es solo la punta del iceberg en cuanto a la influencia de la IA en la producción musical. Hoy en día, existen herramientas de IA que pueden ayudar en prácticamente cada etapa del proceso creativo:

1. Composición: Sistemas de IA como ChatGPT pueden ayudar a generar ideas para letras de canciones.

2. Interpretación: Herramientas de aprendizaje automático pueden simular las voces de artistas famosos, abriendo nuevas posibilidades creativas (y también preocupaciones éticas).

3. Creación de sonidos: Herramientas como Google’s MusicFX utilizan IA generativa para crear nuevos sonidos e instrumentos virtuales.

4. Mezcla: Plugins como Neutron y Cryo Mix utilizan IA para ayudar en el proceso de mezcla, sugiriendo ajustes y balanceando los elementos de una canción.

Esta proliferación de herramientas de IA plantea preguntas fascinantes sobre el futuro de la música. ¿Llegaremos a un punto en el que la IA pueda producir éxitos pop de forma autónoma? ¿Cómo afectará esto a la industria musical y a la percepción del valor artístico?

El futuro de la música en la era de la IA

A pesar de los temores apocalípticos, es poco probable que la IA reemplace completamente a los músicos humanos. La música, en su esencia, es una forma de expresión humana, y la conexión emocional que establecemos con ella está profundamente arraigada en nuestra experiencia compartida como seres humanos.

Sin embargo, es innegable que la IA está cambiando la forma en que se crea, produce y consume la música. Podemos esperar ver una mayor integración de estas herramientas en el flujo de trabajo de músicos y productores, tanto amateurs como profesionales. Esto podría llevar a una explosión de creatividad, ya que más personas tendrán acceso a herramientas que antes estaban reservadas para los estudios profesionales.

También es probable que veamos nuevas formas de música que surjan de la colaboración entre humanos y IA. Imaginemos, por ejemplo, compositores que utilicen IA para generar ideas musicales inusuales que luego refinan y desarrollan, o productores que utilicen IA para crear paisajes sonoros únicos que serían difíciles o imposibles de lograr con métodos tradicionales.

El papel cambiante del músico y el productor

En este nuevo panorama, los roles del músico y el productor están evolucionando. En lugar de ser expertos en cada aspecto técnico de la producción musical, pueden centrarse más en la visión creativa general y en la toma de decisiones artísticas. La IA se convierte en una herramienta más en su arsenal, al igual que un instrumento o un software de grabación.

Esto no significa que las habilidades técnicas ya no sean importantes. Por el contrario, entender cómo funcionan estas herramientas de IA y cómo integrarlas en el flujo de trabajo creativo se convertirá en una habilidad crucial. Los músicos y productores más exitosos serán aquellos que puedan aprovechar al máximo estas herramientas mientras mantienen su voz artística única.

Consideraciones éticas y desafíos

La integración de la IA en la producción musical también plantea importantes consideraciones éticas. ¿Cómo manejamos los derechos de autor cuando una canción es parcialmente generada por IA? ¿Es ético utilizar la voz simulada de un artista sin su consentimiento? ¿Cómo podemos asegurarnos de que estas herramientas no perpetúen sesgos o limiten la diversidad en la música?

Además, existe el riesgo de que la dependencia excesiva de la IA pueda llevar a una homogeneización del sonido musical. Si todos utilizan las mismas herramientas de IA con configuraciones similares, ¿cómo mantenemos la diversidad y la innovación en la música?

Estos son desafíos que la industria musical y la sociedad en general tendrán que abordar a medida que estas tecnologías se vuelvan más prevalentes.

La integración de la IA en la producción musical marca el comienzo de un nuevo capítulo en la historia de la música. Al igual que la introducción de la grabación multicanal, los sintetizadores o el audio digital, estas herramientas están cambiando fundamentalmente la forma en que creamos y experimentamos la música.

Sin embargo, es importante recordar que la IA es solo una herramienta. El verdadero poder creativo sigue residiendo en los músicos, compositores y productores humanos. La IA puede ayudar a materializar ideas, pulir sonidos y acelerar procesos técnicos, pero la chispa de la creatividad, la emoción de una interpretación conmovedora y la conexión profunda que la música puede establecer entre las personas siguen siendo fundamentalmente humanas.

La IA puede ser una fuerza democratizadora que permita a más personas crear música de alta calidad, o puede ser una herramienta que amplíe las capacidades creativas de los artistas de maneras que aún no podemos imaginar.

Lo que es seguro es que estamos en el umbral de una nueva era en la producción musical. Una era en la que la línea entre la creatividad humana y la asistencia de la IA se vuelve cada vez más borrosa, y donde las posibilidades creativas son más amplias que nunca. El desafío y la oportunidad para los músicos y productores de hoy es navegar por este nuevo paisaje, aprovechar estas poderosas herramientas y, al mismo tiempo, mantener la autenticidad y la emoción que hacen que la música sea una forma de arte tan poderosa y universal.

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En una era digital dominada por los servicios de streaming, los discos de vinilo ofrecen una experiencia de escucha táctil e inmersiva que los formatos digitales no pueden replicar. El acto de reproducir un disco de vinilo implica un nivel de compromiso y ritual que mejora la apreciación de la música. Esta experiencia única, combinada con la fisicalidad y el atractivo estético del vinilo, sigue atrayendo a nuevas generaciones de oyentes.

Varios factores contribuyen al aumento de la demanda de discos de vinilo:

Calidad de Sonido: Muchos audiófilos creen que los discos de vinilo ofrecen un sonido más cálido y rico en comparación con los formatos digitales. La naturaleza analógica del vinilo captura matices que a menudo se pierden en las grabaciones digitales, proporcionando una experiencia de escucha más auténtica.

Coleccionabilidad: Los discos de vinilo son objetos tangibles que se pueden coleccionar, exhibir y apreciar. Las ediciones especiales, vinilos de colores y lanzamientos raros aumentan su atractivo como objetos de colección.

Diseño y Arte: El formato más grande de los discos de vinilo permite un arte más elaborado y visualmente impactante, mejorando la experiencia general para los coleccionistas y entusiastas de la música.

Nostalgia: Para muchos, los discos de vinilo evocan un sentido de nostalgia, trayendo recuerdos de tiempos anteriores. Esta conexión emocional hace que escuchar vinilos sea una experiencia más íntima y significativa.

Apoyo a los Artistas: Comprar vinilos apoya directamente a los artistas de manera más significativa que el streaming. Los artistas ganan un porcentaje mayor de ingresos por la venta de vinilos en comparación con las mínimas ganancias de las plataformas de streaming.

Descubrimiento: El vinilo fomenta el descubrimiento de música. Buscar en tiendas de discos y colecciones puede llevar a hallazgos inesperados, ampliando los horizontes musicales.

Aspecto Social: Los discos de vinilo fomentan una experiencia comunitaria. Compartir y reproducir discos con amigos y familiares crea un vínculo social que los formatos digitales no pueden replicar.

Este resurgimiento de la popularidad del vinilo no es una tendencia pasajera, sin embargo, a pesar del atractivo nostálgico del vinilo y la satisfacción táctil que proporciona a los fans más devotos, su huella ambiental ha sido una preocupación durante mucho tiempo.

Recientemente, la Asociación de Fabricantes de Discos de Vinilo (VRMA) y la Alianza del Vinilo (VA) publicaron un estudio exhaustivo que examina la huella de carbono de la producción de vinilos y propone medidas para mitigarla. El informe tiene como objetivo fomentar la transparencia dentro de la industria sobre el impacto ambiental de los discos de vinilo e incentivar esfuerzos colaborativos para reducir este impacto. Aunque los datos actuales se basan en un número limitado de empresas, el informe enfatiza la necesidad de una participación más amplia en toda la cadena de suministro.

Impacto ambiental de la producción de vinilos

El estudio evalúa las emisiones de alcance uno, dos y tres de la industria del vinilo, que cubren las emisiones directas, las emisiones indirectas de la electricidad comprada y todas las demás emisiones indirectas en la cadena de valor de una empresa, respectivamente. Siguiendo el Protocolo de Gases de Efecto Invernadero (GHG), el informe proporciona un método estandarizado para medir, reportar y gestionar las emisiones de gases de efecto invernadero.

Según el informe, la huella «de la cuna a la puerta de la fábrica» de un solo álbum de vinilo es aproximadamente 1,15 kg de CO2e, equivalente a conducir un coche durante 4.8 kilómetros Las principales fuentes de estas emisiones son:

• Compuesto de PVC (50%): El plástico utilizado en el prensado de discos.
  Consumo de Energía (30%): La electricidad requerida para los procesos de producción.
• Embalaje Impreso (13%): Los materiales utilizados para carátulas, insertos y fundas.
• El resto de las emisiones provienen de la fabricación de lacas, herramientas de corte, estampadores y embalajes adicionales.

¿Cómo se pueden reducir las emisiones?

El informe ofrece cinco recomendaciones clave para reducir las emisiones de carbono en la producción de vinilos:

1. Eliminar el Transporte Aéreo: El envío aéreo incrementa significativamente la huella de carbono. Optar por el transporte marítimo o terrestre puede reducir drásticamente las emisiones.
2. Cambiar al PVC Bioatributado: Esta innovación reemplaza los materiales basados en petróleo con materiales de origen vegetal, lo que podría reducir la huella de carbono de un álbum en un 44%.
3. Prensar en Vinilo Más Ligero: Usar vinilos de 140 gramos en lugar de 180 gramos reduce la huella entre un 14% y un 26%.
4. Simplificar el Embalaje: Evitar embalajes elaborados puede reducir las emisiones hasta en un 15%.
5. Transición a Energía Cero Carbono: Cambiar a calderas eléctricas o de hidrógeno puede reducir significativamente las emisiones de las plantas de prensado.

Algunos productores ya están experimentando con materiales y procesos más respetuosos con el medio ambiente. Innovaciones como el PVC bioatributado ofrecen reducciones prometedoras en las emisiones de carbono. Sin embargo, estas soluciones requieren adopción en toda la industria y mejoras continuas.

El Papel de los Sellos Discográficos y los Artistas

Los sellos discográficos y los artistas juegan un papel crucial en la sostenibilidad de la producción de vinilos. Al optar por prensar discos en plantas ambientalmente conscientes y seleccionar opciones de embalaje sostenibles, pueden reducir significativamente su huella de carbono. Los artistas también pueden usar sus plataformas para sensibilizar sobre el impacto ambiental de la producción de vinilos y abogar por prácticas más ecológicas dentro de la industria.

Además, los artistas pueden influir en el comportamiento del consumidor promoviendo lanzamientos de ediciones limitadas hechas de materiales sostenibles y alentando a los fans a apoyar productos ecológicos. A medida que aumenta la conciencia pública sobre los problemas ambientales, los artistas que se posicionan a favor de la sostenibilidad pueden encontrar un mayor apoyo de los fanáticos conscientes del medio ambiente.

Las tecnologías emergentes como la impresión 3D también tienen el potencial de revolucionar el proceso de producción de vinilos. Al permitir técnicas de fabricación más precisas y eficientes, la impresión 3D podría reducir el desperdicio y disminuir la huella de carbono general de los discos de vinilo.

Por su parte, los entusiastas del vinilo pueden adoptar hábitos sostenibles, como comprar discos de segunda mano, participar en intercambios de vinilos y reciclar discos dañados o no deseados.

El resurgimiento del vinilo es más que una tendencia; es un testimonio del poder perdurable de la música para conectar a las personas a través del tiempo y el espacio, y con las medidas adecuadas, puede continuar haciéndolo de una manera que respete nuestro planeta.

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Llamado Stable Audio Open, el modelo generativo toma una descripción de texto (por ejemplo, “Ritmo de rock tocado en un estudio tratado, tocando batería en un kit acústico”) y produce una grabación de hasta 47 segundos de duración. El modelo fue entrenado utilizando aproximadamente 486,000 muestras de bibliotecas musicales libres Freesound y Free Music Archive.

Stability AI dice que el modelo puede utilizarse para crear ritmos de batería, riffs de instrumentos, sonidos ambientales y “elementos de producción” para videos, películas y programas de televisión, así como para “editar” canciones existentes o aplicar el estilo de una canción (por ejemplo, jazz suave) a otra.

“Una ventaja clave de este lanzamiento de código abierto es que los usuarios pueden ajustar el modelo en su propia base de datos de audio personalizada”, escribió Stability AI en una publicación en su blog corporativo. “Por ejemplo, un baterista podría ajustar el modelo con muestras de sus propias grabaciones de batería para generar nuevos ritmos.”

Sin embargo, Stable Audio Open tiene limitaciones. No puede producir canciones completas, melodías ni voces, al menos no de buena calidad. Stability AI dice que no está optimizado para esto y sugiere que los usuarios interesados en esas capacidades opten por el servicio premium Stable Audio de la empresa.

Stable Audio Open tampoco puede usarse con fines comerciales; sus términos de servicio lo prohíben. Tampoco rinde igual en todos los estilos musicales y culturas o con descripciones en idiomas distintos al inglés, un sesgo que Stability AI atribuye a los datos de entrenamiento.

A medida que los generadores de música, incluyendo el de Stability, ganan popularidad, el tema del derecho de autor y las formas en que algunos generadores podrían estar abusando de él se están convirtiendo en puntos focales importantes.

En mayo, Sony Music, que representa artistas como Billy Joel, Doja Cat y Lil Nas X, envió una carta a 700 empresas de IA advirtiendo contra el “uso no autorizado” de su contenido para entrenar generadores de audio. Y en marzo, la primera ley de los Estados Unidos dirigida a limitar los abusos de la IA en la música fue firmada en Tennessee.

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Blackstone, la gigante de capital privado, aumentó recientemente su anterior oferta para adquirir HSF en $0.01 sobre lo que ya había ofrecido para sacar a Concord de la carrera, aumentando efectivamente el valor de la compañía a casi $1.6 mil millones. Esta oferta revisada arroja luz sobre el verdadero valor de los activos de HSF, que cuentan con los derechos de música de artistas icónicos como Beyoncé, Neil Young y Justin Bieber. Pero antes de adentrarnos en el juego de la valoración, retrocedamos y comprendamos el contexto detrás de los rumores.

Una ola de gastos y nerviosismo de los inversores

Mercuriadis, aprovechando sus profundas conexiones en la industria, se embarcó en una ambiciosa ola de adquisiciones. Según un análisis de MBW, HSF gastó la asombrosa cantidad de $2.206 mil millones en derechos musicales, acumulando un catálogo masivo de más de 40,000 canciones en 138 catálogos. Sin embargo, la estrategia no estuvo exenta de críticas.

El aumento de las tasas de interés y un cambio en la forma de valorar los derechos musicales ensombrecieron el enfoque de HSF. Los inversores se pusieron nerviosos, lo que culminó en una rebelión de accionistas en octubre de 2023. La votación envió un mensaje claro: el modelo de «seguir como siempre» no funcionaba.

Oferta de Blackstone: Desvelando el valor empresarial

La oferta aumentada de Blackstone le da un salvavidas a HSF y ofrece información valiosa sobre el verdadero valor de los activos de la compañía. Aquí es donde se pone interesante: para comprender el valor real de la empresa, debemos mirar más allá del precio de la acción. La oferta de Blackstone solo refleja la capitalización de mercado de HSF, que no tiene en cuenta su deuda.

Para obtener una imagen más precisa, necesitamos calcular el Valor Empresarial (EV), que incorpora la deuda. Usando la oferta de Blackstone, la cifra de deuda publicada de HSF de alrededor de $674 millones y sus reservas de efectivo, llegamos a un EV de aproximadamente $2.201 mil millones.

Entonces, ¿HSF gastó de más? 

Aquí es donde las cosas se vuelven fascinantes. HSF gastó $2.206 mil millones en la adquisición de derechos musicales. Sin embargo, esta cifra incluye una práctica contable controvertida llamada «Derecho a Ingresos» (RTI). Ajustar por RTI pinta una imagen diferente: el gasto neto de HSF en catálogos se reduce a alrededor de $2.147 mil millones.

Ahora, comparemos esta cifra de gasto neto con el EV calculado de $2.201 mil millones. Como se puede ver, hay una brecha relativamente pequeña entre las dos cifras. Esto sugiere que las acusaciones de gasto imprudente podrían ser exageradas.

Una visión a largo plazo frente al escrutinio a corto plazo

La modesta diferencia entre el gasto neto de HSF y su EV actual destaca un punto importante. Las evaluaciones hechas por Hipgnosis Song Management (HSM) siempre han abogado por una visión a largo plazo, apostando por que el verdadero valor de estos activos musicales permanentes radica en su potencial de ingresos futuros.

Por ejmplo, algunos informes recientes sugieren que Sony podría adquirir el catálogo de Queen por la asombrosa cifra de $1 mil millones. Este posible acuerdo refleja el poder perdurable de los clásicos de la música pop y rock, una tendencia que podría beneficiar significativamente el catálogo de HSF a largo plazo.

Más allá de los números: ¿Una nueva era para HSF?

La oferta de Blackstone, respaldada por las fuerzas del mercado del mundo real, sugiere que la historia de HSF podría ser más que el escepticismo inicial retratado. Si bien algunos podrían argumentar que la diferencia de valor debería ser mayor, el escenario actual sugiere que HSF está en el camino correcto.

De cara al futuro, la inminente adquisición por parte de Blackstone podría marcar el comienzo de una nueva era para HSF. Blackstone ya posee una participación mayoritaria en el asesor de inversiones de HSF, Hipgnosis Songs Management. Esta relación existente podría allanar el camino para una transición más fluida y potencialmente abrir nuevas vías para explotar el valor del catálogo de música de HSF.

El veredicto: Una realidad más matizada

La industria musical se nutre de la especulación, pero cuando las cifras se ponen al descubierto, la historia que rodea al Hipgnosis Songs Fund se vuelve más matizada. Aunque las preocupaciones iniciales sobre el exceso de gasto tenían cierto mérito, los últimos acontecimientos sugieren una realidad diferente.

La oferta de Blackstone pone de relieve un punto crucial: HSF podría no haber pagado de más tan drásticamente como algunos temían en un principio. Con una visión a largo plazo y un posible cambio de propietario en el horizonte, el futuro de HSF parece más prometedor de lo que los rumores iniciales podrían haber sugerido. La verdadera prueba, sin embargo, está en la capacidad de HSF para capitalizar el valor de su vasto catálogo musical en los próximos años.

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Esta ronda de financiación es no solo la inversión más cuantiosa en una startup de IA en el ámbito de la música, sino también una de las cuatro únicas rondas de inversión en startups de music tech por más de 100 millones desde 2018.

¿Qué es Suno?

Suno empodera a los usuarios para crear música a través de la IA generativa. Los usuarios proporcionan un prompt de texto o detalles básicos como letras y estilo, y Suno genera una canción completa. Similar a un «Midjourney» para la música, donde los usuarios pueden crear paisajes sonoros únicos basados en su imaginación. Este enfoque innovador ha atraído ya a más de 10 millones de usuarios en solo ocho meses.

Más allá de los aspectos orientados al usuario, la tecnología de Suno se basa en modelos de IA poderosos. Estos modelos están entrenados con enormes conjuntos de datos de música, lo que les permite identificar patrones y recrear estilos musicales. Sin embargo, los detalles específicos de estos datos de entrenamiento son motivo de controversia.

¿Qué significa Suno para la industria?

Suno representa una disrupción significativa en la creación musical, con posibles implicaciones en toda la industria. Tan solo la magnitud de la inversión recaudada genera una impresión de que algo grande está ocurriendo, considerando también que las inversiones más altas en music tech entre 2010 y 2018 fueron destinadas a compañías que hoy conforman el status quo en el consumo de música, como Spotify y SoundCloud. 

Crecimiento Rápido y Adopción de Usuarios: La base de usuarios de Suno está en auge, lo que indica un posible cambio en los hábitos de consumo musical. Se informa que algunos usuarios están cambiando de Spotify a Suno, lo que genera preocupación sobre el impacto en la música creada por humanos. Esta tendencia podría alterar los modelos de ingresos por streaming y forzar a las plataformas a adaptarse.

Poder Técnico: Los modelos de IA de Suno son demostrablemente avanzados, generando canciones completas impresionantes. Esta tecnología podría remodelar los flujos de trabajo de producción musical. Artistas independientes podrían utilizar IA para crear demos o incluso álbumes completos. Las sesiones de estudio, tradicionalmente costosas, podrían convertirse en cosa del pasado para algunos. La tecnología de Suno también podría democratizar la creación musical, permitiendo que personas con conocimientos musicales limitados se expresen a través de la canción.

El éxito de Suno destaca la dependencia de la industria musical en modelos tradicionales. La creación musical mediante IA abre puertas para nuevas formas de interacción con los fans. Los artistas podrían utilizar IA para crear música personalizada para sus fans o experiencias interactivas donde los fans pueden influir en el resultado musical. La expresión artística también podría redefinirse. La IA podría convertirse en un colaborador en el proceso creativo, ayudando a los artistas a explorar nuevos paisajes sonoros y a superar límites. Además, la creación musical mediante IA podría generar nuevas fuentes de ingresos, como la concesión de licencias de música generada por IA para comerciales o películas.

¿Cuál es la trampa?

A pesar del impresionante ascenso de Suno, una nube oscura se cierne sobre sus datos de entrenamiento. Críticos, incluyendo a Ed Newton-Rex de Fairly Trained, sospechan que Suno entrena sus modelos de IA con música con derechos de autor sin permiso. Esto plantea preocupaciones de infracción de derechos de autor.

Suno sigue siendo hermético sobre sus fuentes de datos de entrenamiento. Este secreto alimenta la sospecha y dificulta la confianza dentro de la industria. Sin transparencia, es difícil evaluar si Suno está infringiendo derechos de autor. Un análisis hecho por Newton-Rex sugiere que el output de Suno guarda notables semejanzas con obras con derechos de autor, lo que apunta a posibles violaciones de copyright.

En una entrevista para Rolling Stone, uno de los inversionista reveló que Suno no tiene acuerdos de licencia con las discográficas, y que había invertido en la compañía con absoluto conocimiento de que las discográficas y editoriales podrián demandarles (por infringir sus derechos).

Las empresas de IA generativa a menudo argumentan que entrenar sus modelos de IA con obras con derechos de autor entra dentro de la excepción de «uso justo«. Sin embargo, este es un tema legal complejo sin un precedente claro en el contexto de la generación musical mediante IA.

El Futuro: ¿Asociaciones o Demandas?

El curso de acción deseado por todos es que la compañía firme acuerdos de licencia con los titulares de derechos, creando un ecosistema mutuamente beneficioso. Este enfoque podría desbloquear nuevas fuentes de ingresos para la industria e incentivar una mayor innovación en la música de IA.

Sin embargo, de corroborarse que la compañía ha utilizado obras bajo licencia sin la adecuada autorización, como la investigación de Newton-Rex sugiere, estaría en puertas una mega demanda por parte de la industria.

La reciente inyeccción financiera recibida por la empresa les otorga ahora cierto poder para tomar decisiones dependiendo de cual escenario surja primero.

Pedir perdón o pedir permiso

¿Puede la industria contrarrestar la idea de que la innovación en la música generada por IA prospera al eludir los permisos y licencias? Esta narrativa sugiere que las empresas de música de IA necesitan la libertad para experimentar sin restricciones legales. Sin embargo, la industria necesita asegurar que la innovación ocurra dentro de un marco legal que proteja los derechos de los creadores.

Presionar por regulaciones claras sobre el uso de datos de entrenamiento, permiso y transparencia es crucial. Regulaciones claras proporcionarían una hoja de ruta tanto para las empresas de IA como para los titulares de derechos, fomentando la innovación mientras se protege la propiedad intelectual. Ambas partes necesitan cerrar la brecha.

Las empresas de música de IA como Suno deben demostrar su compromiso con las asociaciones con sellos discográficos y artistas a través de acciones concretas. Esto podría incluir divulgación de las fuentes de datos de entrenamiento. Esto no necesariamente significa revelar cada detalle, pero ofrecer un marco general o trabajar con los titulares de derechos para establecer prácticas aceptables. Asociarse con artistas para crear experiencias musicales únicas impulsadas por IA podría fomentar la confianza y mostrar los beneficios potenciales de la música de IA.

Por otro lado, los titulares de derechos necesitan redactar términos de licencia justos y viables, con tarifas de licencia justas que reflejen el valor del material con derechos de autor utilizado para el entrenamiento. Esto podría implicar un sistema escalonado basado en factores como la prominencia del artista o la complejidad de la música, pero también ofrecer una gama de opciones de licencia para satisfacer diferentes necesidades. Algunos artistas podrían preferir una tarifa única de licencia, mientras que otros podrían estar interesados en regalías continuas basadas en el éxito de la música generada por IA.

La ronda de financiación de Suno marca un momento decisivo en la música. Si bien Suno ofrece posibilidades emocionantes para la creación musical, los problemas legales deben abordarse. La colaboración y el compromiso con la equidad son clave para forjar un futuro donde la música de IA complemente, en lugar de amenazar, a la industria musical tradicional.

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