El juez Victor Torres, del sexto tribunal comercial de Río de Janeiro, ha dictaminado que las discográficas Sony Music y Universal Music Group deben cesar inmediatamente toda reproducción, distribución y comercialización de la canción. La medida cautelar establece una multa de $8,000 por cada acto de incumplimiento.

La controversia se originó en 2021 cuando Geraes alegó que «Million Years Ago», lanzada en 2015 como parte del álbum 25 de Adele, plagió su composición «Mulheres», un clásico de la samba brasileña grabado por Martinho da Vila en 1995. El compositor busca una compensación que incluye $160,000 por daños morales, regalías no percibidas y el reconocimiento como coautor de la canción.

La canción en disputa, que cuenta con casi 224 millones de reproducciones en Spotify y 22 millones de visualizaciones en YouTube, está oficialmente acreditada a Adele y el productor Greg Kurstin. Para la artista británica, la canción tiene un significado personal profundo, inspirada en sus recuerdos juveniles en Brockwell Park, Londres.

Fredimio Trotta, abogado de Geraes, ha calificado la decisión como un hito para la música brasileña, que históricamente ha sido objeto de apropiación por parte de artistas internacionales. La medida cautelar podría sentar un precedente importante en la industria musical global.

Curiosamente, esta no es la primera vez que «Million Years Ago» enfrenta acusaciones de plagio. En 2015, surgieron comparaciones con «Acilara Tutunmak», una canción del cantante kurdo Ahmet Kaya de 1985, aunque estas alegaciones nunca llegaron a los tribunales.

El caso destaca la creciente complejidad de las disputas por derechos de autor en la era digital. Brasil, como signatario de la Convención de Berna de 1886, cuenta con un sólido marco legal para proteger la propiedad intelectual a nivel internacional, lo que podría facilitar la aplicación global de esta decisión judicial.

Esta controversia se suma a una serie de casos similares que han afectado a artistas prominentes como Dua Lipa, Megan Thee Stallion, Childish Gambino y Ed Sheeran. Para Adele, la noticia llega poco después de concluir su exitosa residencia de 100 conciertos en Las Vegas.

Aunque las discográficas aún pueden apelar la decisión, el equipo legal de Trotta ya planea notificar a emisoras y servicios de streaming en todo el mundo sobre la orden judicial. Hasta el momento, ni Sony ni Universal Music Brasil han emitido comentarios públicos sobre el caso.

The post Un juez brasileño ordena retirar «Million Years Ago» de Adele de todas las plataformas por supuesto plagio first appeared on IndustriaMusical.com.

Un escenario a medida para una artista icónica

La configuración única de la residencia de Adele en Múnich fue algo nunca antes visto en el mundo de la música. Los conciertos se realizaron en un estadio construido específicamente en los terrenos de la feria Neue Messe de Múnich, diseñado exclusivamente para albergar su residencia de 10 fechas. El recinto, con capacidad para más de 73,000 asistentes por noche, fue un anfiteatro temporal con la magnitud y grandeza de un estadio. Se ensambló en solo cuatro meses, y tras el último espectáculo el 31 de agosto de 2024, fue desmantelado, dejando un legado como la arena temporal más grande jamás construida para un solo artista.

Este no fue un lugar estándar adaptado para una actuación, sino una estructura hecha a medida específicamente pensando en Adele. El estadio contaba con elementos de producción de última generación, incluido una pantalla LED colosal de 220 metros de ancho, la más grande de su tipo hasta la fecha. Marek Lieberberg, director general de Live Nation Alemania, comparó el escenario con el antiguo Coliseo romano, una analogía apropiada para un lugar que buscaba ser tan monumental como la artista que albergaba. El mánager de Adele, Jonathan Dickins, fue contactado con el concepto por Klaus Leutgeb, el promotor austríaco detrás del proyecto. Inicialmente, Adele no tenía planes de actuar en Europa durante el verano, pero esta oportunidad única resultó demasiado atractiva para rechazar.

Creando «El Mundo de Adele»

La residencia de Múnich fue mucho más que solo conciertos; fue toda una experiencia construida en torno a la personalidad de Adele. Apodado «El Mundo de Adele», el recinto del concierto contaba con varias atracciones, incluido un jardín de cerveza bávaro y un pub inspirado en The Good Ship, un pequeño local en Kilburn, Londres, donde Adele había actuado en sus primeros días. Para los fans, esto fue más que una oportunidad para ver a su ídolo en vivo: fue un evento inmersivo donde podían explorar el mundo de Adele en un ambiente similar a una feria. Los terrenos también ofrecían una amplia gama de alimentos y mercancías, reforzando la idea de que la residencia de Adele en Múnich no era solo una serie de espectáculos, sino un evento en toda regla que combinaba música, cultura y participación de los fans.

Con 750,000 personas asistiendo a lo largo de 10 espectáculos, la residencia de Adele rompió récords tanto de asistencia como de ingresos, aportando aproximadamente 540 millones de euros a la economía de Múnich. Esta cifra superó con creces los récords anteriores, incluidos los establecidos por Coldplay durante su residencia en Buenos Aires en 2022. El principal funcionario económico de Múnich, Clemens Baumgärtner, calificó la residencia como un triunfo económico para la ciudad, destacando su impacto en los negocios locales y el turismo.

El costo ambiental de un estadio temporal

Si bien la residencia fue un éxito rotundo en términos artísticos y económicos, también planteó preguntas importantes sobre la sostenibilidad. La decisión de construir un estadio temporal desde cero, con una enorme pantalla LED e infraestructura para 73,000 asistentes, generó preocupaciones sobre la huella ambiental de tales eventos. Los expertos estiman que una gran parte de las emisiones de carbono de los conciertos proviene de los viajes de los fans, especialmente para eventos como este.

Reconociendo esto, Live Nation Alemania implementó varias medidas para mitigar el impacto ecológico. Por ejemplo, se incluyeron pases de transporte público con las entradas, alentando a los asistentes a viajar en tren en lugar de en coche, lo que ayudó a reducir las emisiones. Además, una parte significativa de la estructura del estadio, hasta el 95%, se fabricó con materiales reutilizables, asegurando que gran parte del recinto pudiera reutilizarse en futuros eventos.

No obstante, el impacto climático de los viajes de los fans, quienes recorrieron largas distancias para asistir a los conciertos, sigue siendo una preocupación. Muchos fans vinieron de rincones lejanos del mundo, incluidos Washington, DC, y Manila, para ver a Adele. El periodista Jan Stremmel, del Süddeutsche Zeitung de Múnich, comentó sobre esta creciente tendencia de fans que viajan por todo el mundo para asistir a conciertos únicos en la vida, subrayando el costo ambiental asociado con estos viajes.

Una nueva era para las residencias de conciertos

La residencia de Adele en Múnich es un ejemplo impactante de la naturaleza cambiante de las residencias de conciertos, particularmente en Europa, donde eventos de tal magnitud aún son relativamente raros en comparación con Estados Unidos. Tradicionalmente, las residencias han sido una especialidad de Las Vegas, con artistas como Britney Spears, Céline Dion y Billy Joel encabezando espectáculos en lugares fijos. Sin embargo, la residencia de Adele en Múnich representa un cambio hacia hacer de Europa un destino más prominente para este tipo de compromisos de conciertos a largo plazo.

Lo que hace única la residencia de Adele es la escala y personalización del evento. Sus actuaciones fueron adaptadas al entorno específico del estadio temporal, una hazaña que habría sido imposible replicar en una gira tradicional. La enorme pantalla LED y el escenario íntimo permitieron una experiencia inmersiva que acercó a Adele a sus fans. Esta atención al detalle aseguró que sus conciertos en Múnich fueran más que simples actuaciones: fueron eventos artísticos completamente realizados.

La experiencia de los Fans y las controversias sobre las entradas

La residencia no estuvo exenta de controversias, particularmente en lo que respecta al precio y la disponibilidad de las entradas. Aunque la mayoría de las entradas se agotaron con mucha antelación, Live Nation Alemania introdujo entradas “Lucky Dip” cerca de las fechas de los conciertos, ofreciendo grandes descuentos en comparación con los precios originales. Por solo 35 euros, los fans podían comprar una entrada, aunque no sabrían la ubicación de su asiento hasta el día del espectáculo.

Algunos compradores tempranos de entradas, que habían pagado significativamente más por asegurar sus lugares, expresaron su frustración por los descuentos de última hora. Sin embargo, expertos de la industria musical, incluido Jason Lipshutz de Billboard, defendieron la medida, señalando que llenar un recinto tan grande siempre es un desafío, incluso para una artista de la talla de Adele. Las entradas con descuento ayudaron a garantizar una sala llena cada noche, lo que contribuyó al éxito general del espectáculo.

El futuro de Adele y un «Gran Descanso»

Uno de los anuncios más importantes en torno a la residencia de Adele en Múnich fue su declaración de que se tomaría un «gran descanso» de la música tras la conclusión de su residencia en Las Vegas a finales de 2024. Después de años de giras, grabaciones y actuaciones, Adele insinuó que se apartaría del foco para centrarse en otros proyectos creativos.

En entrevistas promocionando los shows de Múnich, Adele admitió que sus niveles de energía estaban bajos tras un año actuando casi todos los fines de semana en Las Vegas. Aunque no descartó futuros proyectos, dejó claro que sus planes inmediatos no incluyen nueva música ni giras. Este hiato, combinado con la naturaleza única de su residencia en Múnich, añade a la sensación de que estos conciertos fueron una oportunidad especial, quizá irrepetible, para que los fans experimenten a Adele en vivo.

Un momento definitorio en la historia de los conciertos

La residencia de Adele en Múnich fue más que una serie de conciertos: fue un fenómeno cultural que empujó los límites de lo que puede ser una actuación en vivo. Desde el estadio hecho a medida hasta el inmersivo «Mundo de Adele», el evento redefinió el concepto de una residencia de conciertos en Europa y estableció nuevos estándares para futuras experiencias musicales en vivo.

En un momento en que los artistas exploran nuevas formas de conectar con su audiencia, los espectáculos de Adele en Múnich se erigen como un testimonio del poder de crear entornos únicos e inmersivos para los fans. Ya sea por el impulso económico a la ciudad anfitriona o por la innovación artística de las actuaciones, la residencia de Adele en Múnich será recordada como un hito en el panorama en evolución de la música en vivo.

The post La increíble hazaña de Adele con su residencia en Múnich first appeared on IndustriaMusical.com.

A principios de este año, Beggars confirmó a MBW que los derechos de los masters en Estados Unidos de los tres primeros álbumes de Adele (19, 21 y 25) habían regresado a manos de XL Recordings en Estados Unidos en 2021. Eso marcó el final de un extenso acuerdo de licencia entre XL y Sony Music/Columbia en el territorio.

Como resultado, XL ahora posee los derechos de grabación del primer trío de álbumes de Adele a nivel mundial en los servicios de streaming, y no tiene que compartir ningún ingreso consecuente con un socio de licencia.

Beggars Group generó GBP £ 79,98 millones el año pasado, un aumento interanual del 29,7 %. Esa cifra incluye la participación de Beggars en varios negocios conjuntos, incluidos XL Recordings, Matador y Rough Trade, en cada uno de los cuales Beggars posee el 50%.  Beggars también posee el 100% de 4AD y dirige su propia editorial en Beggars Music.

El beneficio operativo de Beggars en 2021 aumentó un 54,5 % interanual hasta los 10,03 millones de libras esterlinas desde los 6,49 millones de libras esterlinas del año anterior (2020).

Eso representó el segundo año consecutivo en que las ganancias operativas de Beggars casi se duplicaron: aumentaron un 77 % en 2020.

Beggars dijo en su informe financiero anual: “En 2021 continuamos desarrollando contenido nuevo propio para marketing online. Entregamos 33 nuevos lanzamientos en nuestros sellos y muchos de ellos lograron un éxito crítico en varias encuestas de fin de año».

“Además, continuamos desbloqueando nuestro catálogo trabajando con minoristas independientes en la actividad de reemisión de vinilos y con nuestros socios de streaming en campañas dirigidas a una base de fans global»

“Esta actividad, así como el crecimiento continuo en el número de suscriptores de DSP y la incesante demanda de vinilo en general, ha llevado a un crecimiento significativo en los flujos de ingresos por catálogo.

La escasez de capacidad de prensado de vinilo sigue siendo un desafío importante, al igual que los problemas de la cadena de suministro y el aumento del costo del flete. Pero la empresa dice seguir comprometida con tratar a los artistas de manera justa y desarrollar varias políticas líderes en la industria para reflejar lo que se ha convertido en un componente clave de lo que representa la compañía.

The post Las ganancias de Beggars Group aumentaron un 55% en 2021 first appeared on IndustriaMusical.com.

Si bien la avalancha de récords de estas superestrellas es un impulso bienvenido para el comercio minorista, no está exento de dificultades. Los artistas más pequeños advierten que corren el riesgo de ser ahogados, y los problemas de suministro dificultan más que nunca la impresión de los discos de vinilo.

Grandes estrellas recurren al vinilo como objeto de colección

«Es realmente difícil recordar un cuarto trimestre tan abarrotado como este«, dijo Martin Talbot, director ejecutivo de Official Charts Company a The Guardian. «Ciertamente ha pasado mucho, mucho tiempo desde que tuvimos álbumes con el poder de atracción de Ed Sheeran, Adele, Coldplay, Abba, Elton John compitiendo en la lista de álbumes oficiales«.

Esto también ha creado fricción entre las estrellas, ya que las ha obligado a competir por un espacio limitado en las fábricas para poder imprimir los lucrativos vinilos.

«Existen como tres fábricas de vinilos en el mundo«, dijo recientemente Ed Sheeran a los locutores de radio australianos Kyle y Jackie O. «Así que tienes que reservarlas con mucha antelación, y Adele básicamente había reservado todas las fábricas de vinilos, así que teníamos que conseguir un espacio y poner nuestro álbum allí. Éramos yo, Coldplay, Adele, Taylor, Abba, Elton John, todos intentábamos imprimir nuestros vinilos al mismo tiempo».

“Las últimas seis a ocho semanas del año siempre son increíblemente competitivas”, dijo Talbot. «Pero en los últimos años, uno o dos grandes éxitos se han visto rodeados de álbumes navideños; este año parece que tendremos una alineación genuinamente repleta de los mayores bateadores del planeta».

Aunque es difícil determinar por qué todo se lanza al mismo tiempo, Talbot cree que Covid ciertamente ha tenido un impacto. La pandemia ha animado a los artistas a retrasar sus lanzamientos, así como a darles tiempo, lejos de las promociones y las giras, para crear nuevo material.

Gennaro Castaldo, de la asociación de sellos discográficos BPI, dijo que había «algo extra especial» en que íconos de la cultura popular lanzaran discos casi al mismo tiempo. «Las estrellas no se alinean de esa manera tan a menudo«.

La semana pasada, Variety informó que se han impreso más de 500.000 copias del nuevo LP de Adele para satisfacer la demanda. Con tiempos de espera ahora de hasta un año, la revista dijo que Adele tenía que terminar su álbum pronto para asegurarse de que los discos estuvieran disponibles el mismo día en que el lanzamiento llegase a los servicios de streaming.

Para algunos expertos, una solución razonable era que las grandes discográficas invirtieran parte del dinero que ganan de las ventas de vinilos en la apertura de una nueva instalación de prensado, o en el fortalecimiento de las plantas existentes.

Vinilos en riesgo de morir de éxito

Dados por muertos con la llegada de los CD en la década de 1980, los discos de vinilo son ahora el formato físico más popular y de mayor recaudación de ingresos de la industria de la música, y los fans lo eligen por su coleccionabilidad, calidad de sonido o simplemente por la experiencia táctil de la música en una era totalmente digital. Después de crecer de manera constante durante más de una década, las ventas de vinilos se dispararon durante la pandemia.

En los primeros seis meses de este año, se vendieron 17 millones de discos de vinilo en los Estados Unidos, generando $467 millones en ingresos minoristas, casi el doble de la cantidad del mismo período en 2020, según la RIAA. Las grabaciones físicas son ahora solo una parte del negocio de la música en general (el streaming representa un 84% de los ingresos en los EEUU), pero pueden ser un fuerte indicador de la lealtad de los fanáticos, y estrellas como Taylor Swift y Olivia Rodrigo hacen del vinilo una parte importante de su marketing.

Sin embargo, hay señales preocupantes de que la bonanza del vinilo ha superado la capacidad industrial necesaria para sostenerla. Los atascos en la producción y la dependencia de máquinas de prensado anticuadas desde hace décadas, han provocado retrasos sin precedentes. Hace un par de años, se podía sacar un álbum en unos meses; ahora puede llevar hasta un año, causando estragos en los planes de lanzamiento de los artistas.

Los expertos en música y fabricación citan una variedad de factores detrás del atasco. La pandemia cerró muchas plantas durante un tiempo, y los problemas en la cadena de suministro global han ralentizado el movimiento de todo, desde cartón y cloruro de polivinilo, el «vinilo» con el que están hechos los discos, hasta los álbumes terminados. A principios de 2020, un incendio destruyó una de las dos únicas plantas en el mundo que fabricaban discos de laca, una parte esencial del proceso de creación de discos.

Los límites de esta infraestructura se están poniendo a prueba a medida que los principales artistas, y los súper minoristas como Walmart y Amazon, empujan cada vez más el vinilo. No es difícil ver por qué: en un momento en que las ventas de CD están desapareciendo y el streaming tiene a los artistas quejándose de pagos minúsculos, un nuevo LP, especialmente si se ofrece en colores llamativos o en variantes de diseño que atraen a los coleccionistas, puede venderse por $25. o más. Como algunos lo ven, los lanzamientos de los principales artistas pop están engullendo la cadena de producción, desplazando a los artistas y sellos más pequeños que se han mantenido fieles al formato desde el principio.

«Lo que más me preocupa es que las grandes discográficas dominarán y se harán cargo de toda la capacidad, lo que no creo que sea una buena idea», dijo Rick Hashimoto de Record Technology Inc., una planta mediana en Camarillo, California, a The New York Times.

Otros dicen que las grandes discográficas subiéndose al tren del vinilo no son el verdadero problema, sino que la red industrial simplemente no se ha expandido lo suficientemente rápido para satisfacer la creciente demanda.

En el ambiente actual de NFTs, la industria se está olvidando de un sector que no solo le reporta importantes ingresos, sino que significan hoy en día una muestra de lealtad de los fans hacia sus artistas favoritos. Al igual que con otras tecnologías, la industria de la música está demostrando una fuerte miopía y perdiendo una oportunidad valiosísima de hacer inversiones obvias que le permitan tomar el control de su propia historia.

The post El reciente éxito del vinilo podría significar su propia destrucción first appeared on IndustriaMusical.com.

Spotify modifica la forma de reproducir álbumes, de forma automática, en su plataforma

Aunque muchos consideran que el concepto de un álbum es anticuado, los artistas todavía ponen gran cuidado en el orden en que exponen sus temas. Hay artistas que esperan que alguien escuche su material como ellos querían exponerlo.

Con fines de enmendar su error, Spotify cambió la funcionalidad de su plataforma y dijo en un comunicado: “Como mencionó Adele, estamos emocionados de compartir que hemos comenzado a implementar una nueva función Premium que tanto los usuarios como los artistas han solicitado durante mucho tiempo -para hacer ‘reproducir’ el botón predeterminado en todos los álbumes-.

«Para aquellos usuarios que aún deseen reproducir aleatoriamente un álbum, pueden ir a la vista Reproducción en curso y seleccionar el interruptor de ‘aleatorio’.  Como siempre, continuaremos iterando nuestros productos y funciones para crear las mejores experiencias tanto para los artistas como para sus fans”.

Todo esto se dio después de que Adele hiciera público y argumentara su inconformidad con la forma que Spotify reprodujera sus álbumes por defecto.

“Esta fue la única solicitud que tuve en nuestra industria en constante cambio”, tuiteó Adele ayer. “No creamos álbumes con tanto cuidado y pensamos en nuestra lista de canciones sin ningún motivo. Nuestro arte cuenta una historia y nuestras historias deben escucharse como pretendemos. Gracias Spotify por escuchar ”.

El nuevo álbum de Adele, ‘30’, es el álbum más vendido del año en los EE.UU. a tan solo tres días de su lanzamiento.

Según los informes iniciales de MRC Data, el álbum ‘30’ que se lanzó el 19 de noviembre, ha vendido más de 500.000 copias en Estados Unidos hasta el 21 de noviembre. Eso lo convierte en el álbum más vendido de 2021, superando las ventas de cualquier álbum en los últimos 11 años.

Este éxito también supera al éxito de ventas del año pasado: Evermore de Taylor Swift, con 462.000 copias vendidas durante la semana que finalizó el 18 de noviembre.

‘30’ también reclama fácilmente la semana de ventas individuales más grande de 2021, superando la marca que acaba de establecer con la llegada de Swift’s Red (Taylor’s Version), que vendió 369,000 copias en los EE.UU. 

The post Spotify cambia la forma de reproducir álbumes gracias a Adele first appeared on IndustriaMusical.com.

❤️❤️❤️❤️❤️ pic.twitter.com/kcpY03qHLp

— Taylor Nation (@taylornation13) 8 de junio de 2017

//platform.twitter.com/widgets.js

En el 2014 cuando Swift lanzó su más reciente álbum, el púbico todavía compraba discos. La artista retiró todo su catálogo de Spotify la semana antes de lanzar 1989, declarando que el servicio no pagaba de forma justa a los artistas y no les ofrecía el suficiente control sobre sus contenidos. «No estoy dispuesta a contribuir la obra de toda mi vida a un experimento el cual no siento que recompensa justamente a los autores, productores, artistas y creadores de la música», así lo indicó Swift en un comunicado para entonces.

Tal parece que el streaming ya no es experimento. En el 2016 el streaming se convirtió en la fuente dominante de ingresos para la industria de la música, para el momento en que salió 1989 el streaming representaba el 27%. Spotify ha quintuplicado su base de usuarios premium desde que salió 1989 hasta hoy y esto es algo que Swift no puede ignorar.

Swift ha tenido una relación controvertida con la industria del streaming en los últimos 3 años. Primero con la retirada de su catálogo de Spotify y luego con una polémica carta dirigida a Apple Music cuando la plataforma, recientemente lanzada, anunció a los sellos y artistas que durante el período de prueba de 3 meses del servicio no pagaría un centavo por la música a sus creadores. «Tres meses es un período muy largo para no recibir pago alguno y es injusto pedirle a quien sea que trabaje a cambio de nada. Digo esto con amor, reverencia y admiración por todo lo que Apple ha hecho. Espero pronto poder unirme a ellos en la progresión hacia un modelo de streaming que sea justo para aquellos que crean la música. Creo que esta podría ser la plataforma que lo logre«. Fueron algunas de las palabras que emitió Swift, resaltando también que una compañía como Apple cuenta con la estructura financiera suficiente para cubrir esos pagos a los artistas, aún cuando el servicio fuese gratis para los usuarios.

Apple Music respondió dándole la razón a Swift, en una demostración sin precedentes del poder que puede tener un artista frente a una industria que tradicionalmente se ha beneficiado con creces de la música, y ésta respondió poniendo 1989 disponible sólo a través de Apple Music, indicando que era «La primera vez que se sentía que era lo correcto. Gracias Apple por cambiar de visión«.

Sin embargo esta fue una decisión contradictoria y según algunos, fue simplemente una operación publicitaria. La molestia de Swift con Spotify consistía en que la plataforma no pagaba justamente a los artistas y «devaluaba a la música«, sin embargo todo su contenido seguía estando disponible en YouTube, el servicio gratuito más popular de streaming que ciertamente devalúa a la música, mucho más que Spotify si es el caso. El hecho de que Apple Music cambiara de opinión y aceptara pagar de su bolsillo a los artistas durante su período de prueba, les equiparaba al resto de servicios de streaming, en ningún caso esto les hace ser más justos con los creadores. Es importante recordar que Apple utiliza la música para ingresar millones de dólares por la venta de hardware, de las cuales los artistas no ven un centavo. Asimismo, Swift ha construido su éxito gracias a la radio terrestre, un servicio gratuito que definitivamente no paga nada a los artistas, pero lo más importante de este hecho es que la injusticia en los pagos del streaming o no a los artistas, no es algo que le afecta financieramente a Swift en particular.

No podemos ignorar que Swift es una de las empresarias más agudas de la industria de la música, y en definitiva ella cobrará cada dólar que haya ganado, en cualquier formato. Pero impedir que tu catálogo esté disponible en streaming no ayudará a ningún artista a maximizar su potencial de ganancias ni a complacer a sus fans. Incluso Adele, quien ha sido vocal en contra del streaming, admitió que eventualmente se adaptaría, a pesar de haber mantenido su último disco 25 fuera del streaming por 7 meses.

¿Se podría decir que ha habido un ganador en esta batalla de Taylor Swift vs Spotify? En definitiva ha ganado la industria, más específicamente los fans, quienes son el motor de empuje en un panorama cada vez más digital, diversificado y democrático. Se podría decir que Swift ha ganado sus dos peleas corporativas: logró que Apple pagara  los artistas durante el período gratuito y también logró indirectamente que Spotify accediese a restringir los nuevos lanzamientos de Universal Music por dos semanas, aunque esto tiene más que ver con Spotify tratando de salir aflote como compañía de cara a su salida a la bolsa.

Esta ha sido una tregua calculada que permite a ambos lados retirarse a su lado y cantar victoria, y al final del día que la artista más poderosa de la industria haya regresado al streaming es testamento de que ha reconocido hacia donde se está moviendo el mercado, y es un claro indicador del futuro por venir.

The post Taylor Swift cementa al streaming como modelo de consumo first appeared on IndustriaMusical.com.

Álbum del Año

El premio para el Álbum del Año es el Grammy más prestigioso, el equivalente al Oscar a la Mejor Película. La categoría honra a un LP entero, desde el primer track hasta el último, y también se premia todo acerca de la producción del sonido del álbum.

Originalmente la categoría Álbum del Año solo premiaba al artista acreditado con la creación del álbum y también a los productores del mismo. Pero a partir de 1999, con el triunfo del álbum de Lauryn Hill The Miseducation of Lauryn Hill, los ingenieros de sonido y los ingenieros de mezcla empezaron a recibir también el galardón, así como cualquier artista invitado o featured dentro de la producción. Si has participado en la creación del sonido de un álbum, recibes un gramófono dorado. Sin embargo, los compositores de las canciones del álbum no están incluidos en este premio.

Grabación del Año

El premio a la Grabación del Año es confundido usualmente con el premio a la Canción del Año, debido a que ambos premian a canciones individuales. Sin embargo la distinción entre ambos es sencilla de recordar. La Grabación del Año honra en primer lugar al artista. El premio de la Canción del Año honra al compositor de la canción. Este premio se otorga al artista que interpreta la canción, a los ingenieros de sonido, al ingeniero de mastering y a los ingenieros de mezcla.

El premio a la Grabación del Año se correlaciona directamente con la forma en que los derechos de una canción son generados. Por cada canción, existen dos derechos o copyrights: El primero pertenece al compositor y el segundo pertenece al artista. Estos derechos determinan quienes de los contribuidores en una canción reciben un pago y también determinan la cantidad de ese pago. Las personas involucradas en lograr el sonido de una canción (no las letras y melodía) son los dueños de los derechos sobre la grabación, de allí el premio a la Grabación del Año. Todos los involucrados en la sesión de estudio reciben un premio en esta categoría.

Canción del Año

El premio a la Canción del Año no hace honores al artista que interpreta la canción ganadora, sino que premia al compositor o compositores.

Es fácil confundir este premio con la Grabación del Año, porque con frecuencia se solapan los recipientes de ambos premios. Por ejemplo, si un artista también es el compositor de una canción nominada (algo que ocurre usualmente), entonces ese artista puede recibir el premio y dar su discurso de aceptación. Pero el premio que reciben no es por la interpretación, sino por la composición de la letra y melodía de la canción. Puede suceder que una canción sea premiada por su composición, más no por su grabación. En lugar de llamarse Canción del Año, esta categoría debería llamarse Composición del Año o Compositor del Año.

En la reciente edición de los Premios GRAMMY, Adele resultó galardonada en las tres más importantes categorías, tanto como intérprete como compositora.

The post GRAMMYs 2017: Diferencia entre Álbum, Canción y Grabación del Año first appeared on IndustriaMusical.com.

La cifra de 4.14 millones de unidades es una suma multi-métrica de consumo, que incluye ventas tradicionales de álbums, track equivalent albums (TEA) y streaming equivalent albums (SEA). Esta fórmula multi-métrica también es utilizada para compilar la lista semanal Billboard 200, que clasifica los álbums más populares de cada semana en los EEUU.

El más reciente lanzamiento de Adele 25 cerró el 2016 como el segundo álbum más popular, con 2.37 millones de unidades y 1.73 millones en ventas tradicionales, lo cual le coloca en el tope de la lista para esta métrica por segundo año consecutivo, pues en 2015 también estuvo a la cabeza de las ventas tradicionales con 7.44 millones. Es decir, 25 es el primer álbum en ubicarse en el tope de esta lista dos veces desde el año 2011 y 2012 cuando la misma artista encabezó esta lista con su álbum anterior 21, vendiendo 4.41 millones y 5.82 millones respectivamente. De hecho, 25 y 21 son los únicos álbums en la historia de Nielsen en ubicarse en el tope de esta lista dos veces y en años consecutivos.

En general, Nielsen ha reportado que el consumo total de música se incrementó en 3.1% para alcanzar 560.7 millones de unidades. Esta cifra agrupa ventas tradicionales, TEA y SEA provenientes de audio y vídeo. Una unidad TEA equivale a 10 tracks vendidos, y una SEA equivale a 1.500 reproducciones en streaming.

En el caso del vinilo, las ventas han alcanzado otro récord con 13.1 millones de unidades vendidas en este formato durante el 2016, un incremento del 10% comparado con los 11.8 millones del 2015, para marcar el 11vo año consecutivo de crecimiento en este mercado.

The post Los discos más vendidos de 2016 first appeared on IndustriaMusical.com.