El informe Global de Música 2026 de la IFPI, publicado esta semana, ha puesto cifras a un problema que la industria musical digital lleva meses intentando atajar. El fraude en el streaming mediante contenido generado por inteligencia artificial se ha convertido en una de las mayores amenazas para los ingresos de artistas y titulares de derechos en todo el mundo, desviando millones de dólares en royalties hacia actores fraudulentos que inundan las plataformas con música producida en masa por algoritmos.

Las cifras del fraude: una avalancha de contenido artificial

Los datos son contundentes. Deezer, la plataforma francesa de streaming, reveló a principios de 2026 que recibe más de 60.000 pistas completamente generadas por IA cada día, lo que equivale aproximadamente al 39% de todo el contenido que se sube diariamente a la plataforma. En total, más de 13,4 millones de pistas generadas por IA fueron detectadas y etiquetadas en la plataforma durante 2025. Lo más alarmante es que hasta el 85% de todas las reproducciones de música generada por IA fueron identificadas como fraudulentas y, en consecuencia, desmonetizadas y eliminadas del pool de royalties.

El mecanismo del fraude es relativamente sencillo pero enormemente dañino: actores malintencionados utilizan herramientas de IA para generar miles de pistas musicales de forma masiva y luego emplean bots y granjas de reproducciones para inflar artificialmente sus cifras de streaming. Cada reproducción fraudulenta que reciben estos contenidos artificiales reduce proporcionalmente el pago que reciben los artistas legítimos, ya que los modelos de reparto de royalties en streaming se basan en la cuota de mercado de reproducciones totales.

Según un estudio realizado por CISAC y PMP Strategy, hasta el 25% de los ingresos de los creadores podrían estar en riesgo para 2028, lo que podría suponer pérdidas de hasta 4.000 millones de euros en ese momento.

Deezer y Qobuz: tolerancia cero contra el contenido artificial

Deezer se ha posicionado como la plataforma más agresiva en la lucha contra el fraude por IA. No solo etiqueta y excluye el contenido generado por inteligencia artificial de sus recomendaciones, sino que ha dado un paso más allá al comercializar su tecnología de detección de IA, ofreciendo al resto de la industria una herramienta para identificar y combatir este tipo de contenido fraudulento. La compañía ha sido pionera en desmonetizar las pistas detectadas como artificiales, eliminándolas directamente del cálculo de royalties para proteger los ingresos de los artistas reales.

Qobuz, el servicio francés de streaming de alta resolución, se ha unido a esta lucha con una política igualmente firme. La plataforma ha comenzado a eliminar las pistas generadas por IA que parecen haber sido subidas de forma fraudulenta, incluyendo aquellas que suplantan la identidad de artistas existentes o manipulan la actividad de streaming. Además, Qobuz ha anunciado que excluirá el «contenido de IA industrial» de sus recomendaciones editoriales para garantizar la visibilidad y una compensación justa para los artistas reales.

Mientras tanto, plataformas como Suno y Udio, especializadas en la generación de música con IA, sostienen que su actividad está amparada por la excepción de «uso justo» del derecho de autor estadounidense, un argumento que enfrenta creciente oposición tanto de la industria como de los legisladores. La regulación de la IA en la creación musical se ha convertido en una prioridad legislativa en múltiples jurisdicciones, y la próxima ola de regulación podría definir de forma determinante el equilibrio entre innovación tecnológica y protección de los derechos de los creadores.

El debate está lejos de resolverse, pero las cifras del informe de la IFPI y las acciones de Deezer y Qobuz envían un mensaje claro: la industria musical no está dispuesta a quedarse de brazos cruzados mientras el fraude por IA erosiona los ingresos de sus artistas.

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La demanda, presentada el 6 de marzo de 2026 ante un tribunal federal, alega que Google copió al menos 44 millones de clips y 280.000 horas de música de su propia plataforma YouTube para alimentar el modelo Lyria 3, lanzado el 18 de febrero como el sistema de generación musical por IA «más avanzado» de la compañía. El modelo opera dentro de la aplicación Gemini de Google y permite a los usuarios crear pistas de 30 segundos a partir de indicaciones de texto o imágenes.

De distribuidor a competidor

El argumento central de los demandantes es particularmente relevante para la industria: Google, que a través de YouTube actúa como una de las mayores plataformas de distribución musical del mundo, habría utilizado su posición privilegiada para «pasar de distribuidor a competidor». Los artistas sostienen que la empresa extrajo elementos de audio de los vídeos de YouTube y los introdujo en el conjunto de datos de entrenamiento de Lyria sin pagar a los creadores ni obtener su consentimiento.

La demanda incluye cargos por infracción de derechos de autor sobre grabaciones sonoras y composiciones musicales, eliminación de información de gestión de derechos de autor, elusión de controles de acceso tecnológicos y publicidad engañosa bajo la Ley Lanham. Además, se invocan varias leyes de privacidad y protección al consumidor del estado de Illinois, incluida la Ley de Privacidad de Información Biométrica (BIPA), por la supuesta extracción y almacenamiento de huellas vocales utilizadas para desarrollar el modelo.

Cuarta demanda contra la IA musical

Este caso convierte a Google en el cuarto objetivo legal importante en el ámbito de la IA musical, sumándose a las acciones legales previas contra otras empresas tecnológicas por el uso no autorizado de música protegida para entrenar modelos de inteligencia artificial. Los demandantes argumentan que Google «tuvo todas las oportunidades de entrenar su IA legalmente, pero eligió hacerlo de la manera más barata».

El caso tiene implicaciones significativas para toda la industria musical, especialmente en un momento en que el fraude por streaming vinculado a la IA está en aumento. Según datos recientes de Deezer, la plataforma recibía más de 60.000 pistas generadas por IA cada día durante enero de 2026, y el 85% de las reproducciones de música generada por IA en 2025 fueron fraudulentas.

Para los mercados hispanohablantes, donde la adopción de plataformas digitales crece a un ritmo acelerado, este caso sienta un precedente importante sobre cómo se regularán las herramientas de IA generativa y cómo se protegerán los derechos de los artistas independientes frente a las grandes tecnológicas. La resolución de esta demanda podría definir las reglas del juego para el futuro de la creación musical en la era de la inteligencia artificial.

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SoundPatrol, que comenzó en la Universidad de Stanford, ha desarrollado un método con patente pendiente que se presenta como un «modelo forense de IA para la toma de huellas dactilares de audio y vídeo». La tecnología se distingue de los métodos de detección existentes, que generalmente buscan coincidencias exactas de fragmentos de música.

La clave de esta innovación son los «embeddings neuronales». Esta técnica convierte elementos musicales – como acordes o melodías – en una representación numérica, facilitando el reconocimiento de similitudes entre ellos. Al analizar la «semántica musical», la tecnología de SoundPatrol puede identificar la influencia de la música original creada por humanos en contenido generado total o parcialmente por IA. Esto significa que el sistema puede detectar versiones (covers), remezclas y derivados creados por IA.

Esta capacidad algorítmica podría ser un gran avance para las demandas que se llevan a cabo contra compañías de IA. Hoy en día, muchas de ellas se basan en comparaciones de partituras o letras. SoundPatrol podría respaldar estas afirmaciones con datos algorítmicos, ayudando a los titulares de derechos a detectar copias creadas por IA donde antes no se habían percibido.

La colaboración busca proteger la integridad creativa de los artistas y garantizar un ecosistema sostenible y equitativo para todos. Michael Ovitz, cofundador de SoundPatrol y cofundador de Creative Artists Agency, calificó la tecnología como una «enorme victoria para todos los artistas en el universo creativo«. Walter De Brouwer, CEO de SoundPatrol, enfatizó la necesidad de «introducir proactivamente deep embeddings de estas firmas neuronales en las infraestructuras de streaming para que los propietarios puedan mantener el control, la autenticidad y la monetización de su propiedad intelectual en la era de la IA generativa«.

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El hito: $41.5 mil millones en 2022

Por primera vez en la historia, el valor global de los derechos de autor musical ha cruzado la marca de los 40 mil millones de dólares, alcanzando la impresionante cifra de 41.5 mil millones en 2022. Esta cifra es considerablemente superior a los 26.2 mil millones informados por el Informe de Música Global de la IFPI para el mismo año, y representa un crecimiento sólido del 14% con respecto a 2021.

Este notable aumento se puede atribuir al aumento sincronizado del streaming y al renacimiento de las licencias públicas para conciertos y la industria de la hospitalidad. Además, las Organizaciones de Gestión Colectiva desempeñaron un papel fundamental, contribuyendo con recaudaciones que totalizaron 11.4 mil millones de dólares, un tercio más que durante el confinamiento en 2020.

¿Un pico o una tendencia?

La pregunta en la mente de todos es si este resurgimiento liderado por las sociedades de gestión es una fluctuación a corto plazo o una tendencia a largo plazo. Varios factores apuntan a lo segundo. En primer lugar, la corrección postpandémica ha estimulado un renovado apetito por la música en vivo, con estadios y festivales a la cabeza.

En segundo lugar, el crecimiento en las cifras de las sociedades tiende a ser formulado, ya que la inflación se incorpora en las licencias generales, lo que sugiere la posibilidad de una recaudación aún mayor en un mundo de alta inflación. En tercer lugar, los avances en la identificación de contenido, mejores prácticas de licencia y tarifas más altas impulsan el crecimiento digital. Sin embargo, las recaudaciones por actuaciones públicas aún no han vuelto a los niveles previos a la COVID-19.

Ingresos digitales e ingresos físicos

Si bien el crecimiento de los ingresos digitales de los sellos discográficos muestra signos de desaceleración, el resurgimiento de los ingresos físicos es notable, con un aumento en las ventas de CD, especialmente en Asia y Europa. Por ejemplo, el lanzamiento de Utopia del rapero Travis Scott en 2023 presenció un aumento en las ventas de discos de vinilo, destacando la duradera popularidad de los formatos físicos.

La Gran Restauración

Las tasas de cambio de divisas han desempeñado un papel significativo en la configuración del panorama financiero de la industria. El informe de este año subraya el impacto de las fluctuaciones en los tipos de cambio, ya que la cifra principal para 2021 se ha ajustado a la baja en 3 mil millones de dólares debido a las tasas de cambio actualizadas. La eliminación de países específicos de las cifras garantiza la coherencia en la presentación de informes.

Distribución justa de los ingresos

La distribución de los ingresos entre artistas, sellos discográficos, compositores, editoriales y sus sociedades de gestión, ha sido objeto de debate durante mucho tiempo. Este año, las editoriales reclamaron una participación del 37% en la industria de 41.5 mil millones de dólares, marcando un cambio a favor de los editores en comparación con años anteriores. El repunte posterior a la pandemia, el «efecto rezagado» en la licencia de nuevas fuentes de ingresos y la mayor participación en los ingresos por streaming para las editoriales contribuyen a este cambio.

El precio no es el correcto

El precio de los servicios de streaming de música ha permanecido relativamente estable en torno a 9.99 dólares al mes durante casi dos décadas. Sin embargo, cuando se ajusta por inflación, el costo real de la música ha disminuido a 6.48 dólares, a pesar del crecimiento exponencial del catálogo musical. Los planes familiares y estudiantiles han reducido aún más el costo por cuenta individual, planteando preguntas sobre la sostenibilidad de este modelo de precios.

¿La música antigua está matando a la música nueva?

A diferencia de las afirmaciones de que la música antigua está frenando la música nueva, un examen más detenido de los datos revela que la música de esta década y la anterior representa el 80% del consumo de música global. Esto desafía la definición de música «antigua» en una era en la que el consumo posterior ha transformado la forma en que vemos el contenido del catálogo.

¿Estamos fallando al medir el mercado?

Las diferencias en los valores de mercado estimados entre las fuentes oficiales y las consultorías independientes como MiDIA resaltan la posibilidad de subestimar el tamaño real de la industria. Si la metodología de MiDIA es correcta, el valor global de los derechos de autor musical podría estar más cerca de los 45 mil millones de dólares, lo que sugiere la posibilidad de una industria de 50 mil millones de dólares más pronto de lo esperado.

El valor de la industria de los derechos de autor musical ha experimentado un crecimiento significativo, batiendo récords y desafiando a los escépticos. A medida que el streaming y las licencias públicas continúan evolucionando, el futuro de los derechos de autor musical sigue siendo prometedor.

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Como parte de esta empresa conjunta, Kobalt asumirá un papel fundamental en la gestión de servicios creativos, sincronización, licencias, administración e inversión de derechos de autor. Laurent Hubert, Director Ejecutivo de Kobalt, expresó su entusiasmo por esta asociación al afirmar: «Kobalt es un pionero en la inversión en música, aumentando el valor de los derechos de autor y creando la música como una clase de activo viable. La confianza de Morgan Stanley Tactical Value en Kobalt es un testimonio de nuestra plataforma y liderazgo en la industria musical. Estamos orgullosos de formar esta asociación única.»

Morgan Stanley Tactical Value, una plataforma de inversión en capital privado y créditos dentro de Morgan Stanley Investment Management, también manifestó su emoción por esta alianza. Cameron Smalls, Director Gerente de Morgan Stanley Tactical Value, destacó el respeto por los compositores y el valor de su arte, subrayando la importancia de asociarse con un líder en la industria como Kobalt.

Este acuerdo marca un regreso significativo para Kobalt a la gestión de inversiones para capital externo. En el pasado, su rama de gestión de inversiones, Kobalt Capital, facilitó la venta de dos fondos de propiedad musical por un total de alrededor de $1.4 mil millones.

El Fondo Uno se vendió a Hipgnosis Songs Fund por $323 millones a finales de 2020, y el Fondo Dos se vendió a KKR/la familia Hendel por $1.1 mil millones en octubre de 2021. Desde esa última venta, Kobalt ha utilizado sus propios recursos financieros para actividades de fusiones y adquisiciones en la industria musical, pero ahora cuenta con el respaldo de Morgan Stanley.

Además, en septiembre pasado, Kobalt confirmó su adquisición en su mayoría por la empresa de capital privado Francisco Partners (FP), lo que otorgó a FP una participación mayoritaria del 90% en Kobalt. Los inversores minoritarios que aún poseen participación en Kobalt incluyen a MUSIC de Matt Pincus, Dundee Partners y el fundador y presidente de Kobalt, Willard Ahdritz.

Kobalt representa actualmente más de 700,000 canciones, entre las que se encuentran compositores de renombre como Roddy Ricch, Max Martin, FINNEAS, Karol G, Andrew Watt, Stevie Nicks, Phoebe Bridgers, The Lumineers, Gunna, Justin Quiles, The Foo Fighters y Paul McCartney. Además, Kobalt gestiona AMRA, su sociedad global de recolección de música digital diseñada para maximizar el valor de los compositores y editores en la era digital actual.

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Anna Neville, co-presidenta de TaP Music, dijo: ‘Este es un momento emocionante para nuestra compañía editorial: estamos ampliando nuestros servicios y equipos a nivel global y continuamos incorporando talentosos escritores y artistas a nuestra ya destacada lista’.

Lipa firmó con los co-CEOs de TaP Management, Ben Mawson y Ed Millet, en 2013 y pasó casi una década con ellos mientras se elevaba a la fama internacional. En febrero de 2022, se separó de la firma y desde entonces ha sido gestionada por su padre, Dukagjin Lipa.

El roster de gestión de TaP incluye a artistas como Lana Del Rey, Ellie Goulding y Noah Cyrus, entre otros, y también cuenta con una empresa conjunta de discográfica con Universal Music Group y una empresa editorial conjunta con UMPG. Los clientes editoriales de la compañía incluyen a Yaeji, Dermot Kennedy, Larry Heard y otros.

Lipa se prepara para lanzar un nuevo sencillo, «Houdini«, el 9 de noviembre. El anuncio de la nueva canción siguió a varias semanas de teasers crípticos en las redes sociales. Su lanzamiento más reciente antes de eso fue «Dance the Night» para la banda sonora de Barbie, que llegó al puesto No. 6 en el Billboard Hot 100.

¿Qué significa esto para Dua Lipa? Significa que todos los ingresos que le corresponden a la artista derivados de las composiciones de sus canciones (que a su vez están escritas por varios compositores), le serán adjudicados a ella en su totalidad, en lugar de ser compartidos con su antigua editorial. Por lo general los contratos editoriales dividen los ingresos 50/50 con el artista.

La noticia no especifica quien se encargará de gestionar las composiciones de la artista, si lo hará ella misma, si contratará otra compañía editorial sólo para le gestión (a cambio de una tarifa) o si TaP continuará haciendo la gestión una vez cedidos los derechos.

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La demanda, en resumen, acusa a YouTube de no otorgar un trato igual a todos sus artistas, al solo permitir acceso a su herramienta Content ID a grandes discográficas y otras empresas, perjudicando así a los artistas independientes como Schneider, que tienen que incurrir en el costo de solicitar manualmente que se retiren las infracciones de sus obras dentro de la plataforma. 

La partida de ciertos demandantes, los esfuerzos para limitar la divulgación pública de datos supuestamente confidenciales y los intentos de desestimación representan algunos de los muchos giros y vueltas de la demanda hasta la fecha.

Mientras tanto, YouTube en agosto de 2022 solicitó un juicio sumario, describiendo los argumentos de Maria Schneider como «sin mérito por innumerables razones».

Entre otras cosas, YouTube dijo que sus términos de servicio habían impedido varios reclamos de Schneider, además de indicar que una parte de estos mismos reclamos también había sido extemporáneo y/o prohibido por una licencia general proporcionada por la editorial de la compositora.

Para empezar, el tribunal ahora ha otorgado una sentencia sumaria a favor de YouTube para 27 de las obras que Schneider afirmó originalmente que se habían infringido, citando la falta de pruebas. Con el descubrimiento de hechos en los libros, se dice que Schneider reconoció “que no hay evidencia de infracción de 27 de sus obras”, escribió el juez James Donato.

El juez Donato también otorgó un juicio sumario a YouTube sobre 15 reclamos de infracción directa (pero no indirecta) debido a sus términos de servicio. “Según el lenguaje sencillo de los TOS, YouTube no puede ser responsable de la infracción directa de estos trabajos. … Los TOS no aíslan a YouTube de la responsabilidad por infracción indirecta”, explica la orden.

Por último, «no existe una disputa seria de que Schneider aceptó los TOS de YouTube cuando creó una cuenta de YouTube en 2012», reitera el documento. En consecuencia, 121 instancias de supuestas infracciones de las que Schneider sabía más de un año antes de emprender acciones legales “están prohibidas por el período de limitaciones contractuales de un año en los TOS de YouTube”.

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La mayoría de las sociedades de gestión colectiva de la industria de la música en todo el mundo son organizaciones sin fines de lucro propiedad de sus miembros, que suelen ser una combinación de artistas, compositores, sellos discográficos y/o editoriales de música.

BMI es propiedad de un grupo de emisoras, que fue establecida por el sector de la radio estadounidense en la década de 1930 como rival de la sociedad estadounidense existente ASCAP. Pero seguía siendo una organización sin fines de lucro.

Sin embargo, hay algunas sociedades que son empresas con fines de lucro, incluidos los competidores más pequeños de BMI y ASCAP en los EEUU, es decir, SESAC y GMR.

BMI ha estado revisando cómo opera desde hace un tiempo, como parte de una investigación sobre si había o no inversores que pudieran estar interesados ​​en comprar la organización a sus propietarios actuales.

Al final, se cancelaron los planes para una venta, pero ese proceso probablemente informó la nueva estrategia de cambio de modelo. “Después de una evaluación integral y cuidadosa sobre la mejor manera de posicionar a BMI para el futuro, cambiaremos nuestro modelo comercial, pasando de operar sin fines de lucro a operar con fines de lucro”, escribió el director ejecutivo Mike O’Neill, en un memorándum para los miembros de la sociedad.

“Esto abrirá oportunidades nuevas e importantes para que invirtamos en nuestro negocio y asegurarnos de que podamos seguir cumpliendo nuestra misión de apoyar a nuestros afiliados y hacer crecer el valor de su música”, agregó. “Y, lo que es más importante, nuestro objetivo es seguir aumentando nuestras distribuciones a un ritmo aún mayor que antes”.

Luego explicó: “Como todos saben, comenzamos una revisión estratégica a principios de este año para evaluar las oportunidades de hacer crecer nuestra empresa y aprovechar al máximo nuestra industria en evolución para nuestros afiliados. Lo único que escuchamos continuamente a lo largo de ese proceso reforzó lo que hemos estado pensando durante algún tiempo: la necesidad de que invirtamos en BMI y operemos de una manera más comercial y con visión de futuro”.

“El crecimiento requiere inversión”, prosiguió. “Y en este nuevo modelo, ahora podemos estructurar, financiar y operar nuevas oportunidades estratégicas, adoptar nuevas tecnologías y mejorar y expandir nuestros servicios y productos de una manera que bajo nuestro modelo anterior habría sido a expensas de las distribuciones”.

En términos de los tipos de proyectos que podría habilitar el nuevo enfoque, y cualquier nueva inversión que permita que BMI asegure, el memorando de O’Neill habló sobre innovaciones y posibles adquisiciones que podrían proporcionar un mejor seguimiento de regalías, o permitir a los miembros retirar anticipos en regalías futuras, o que proporcionarían otros servicios comerciales útiles a los compositores.

Según Billboard, cualquier nueva inversión asegurada a través del nuevo enfoque provendría de partes externas, no de los propietarios actuales de las emisoras de la sociedad. Aunque esos propietarios actuales no compartirán ninguna ganancia futura a través de dividendos, o al menos no a corto plazo, aunque se beneficiarían de cualquier venta futura.

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