La demanda, presentada el 6 de marzo de 2026 ante un tribunal federal, alega que Google copió al menos 44 millones de clips y 280.000 horas de música de su propia plataforma YouTube para alimentar el modelo Lyria 3, lanzado el 18 de febrero como el sistema de generación musical por IA «más avanzado» de la compañía. El modelo opera dentro de la aplicación Gemini de Google y permite a los usuarios crear pistas de 30 segundos a partir de indicaciones de texto o imágenes.

De distribuidor a competidor

El argumento central de los demandantes es particularmente relevante para la industria: Google, que a través de YouTube actúa como una de las mayores plataformas de distribución musical del mundo, habría utilizado su posición privilegiada para «pasar de distribuidor a competidor». Los artistas sostienen que la empresa extrajo elementos de audio de los vídeos de YouTube y los introdujo en el conjunto de datos de entrenamiento de Lyria sin pagar a los creadores ni obtener su consentimiento.

La demanda incluye cargos por infracción de derechos de autor sobre grabaciones sonoras y composiciones musicales, eliminación de información de gestión de derechos de autor, elusión de controles de acceso tecnológicos y publicidad engañosa bajo la Ley Lanham. Además, se invocan varias leyes de privacidad y protección al consumidor del estado de Illinois, incluida la Ley de Privacidad de Información Biométrica (BIPA), por la supuesta extracción y almacenamiento de huellas vocales utilizadas para desarrollar el modelo.

Cuarta demanda contra la IA musical

Este caso convierte a Google en el cuarto objetivo legal importante en el ámbito de la IA musical, sumándose a las acciones legales previas contra otras empresas tecnológicas por el uso no autorizado de música protegida para entrenar modelos de inteligencia artificial. Los demandantes argumentan que Google «tuvo todas las oportunidades de entrenar su IA legalmente, pero eligió hacerlo de la manera más barata».

El caso tiene implicaciones significativas para toda la industria musical, especialmente en un momento en que el fraude por streaming vinculado a la IA está en aumento. Según datos recientes de Deezer, la plataforma recibía más de 60.000 pistas generadas por IA cada día durante enero de 2026, y el 85% de las reproducciones de música generada por IA en 2025 fueron fraudulentas.

Para los mercados hispanohablantes, donde la adopción de plataformas digitales crece a un ritmo acelerado, este caso sienta un precedente importante sobre cómo se regularán las herramientas de IA generativa y cómo se protegerán los derechos de los artistas independientes frente a las grandes tecnológicas. La resolución de esta demanda podría definir las reglas del juego para el futuro de la creación musical en la era de la inteligencia artificial.

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El corazón de Trovam EUxChange reside en su compromiso con el apoyo a las lenguas minorizadas. Como parte de esta colaboración, tres artistas valencianos que utilizan el valenciano en su música tendrán la oportunidad de actuar en los eventos europeos. De manera recíproca, la Fira Valenciana de la Música, que se celebrará entre el 13 y el 15 de noviembre en Castellón de la Plana, acogerá a tres intérpretes provenientes de los certámenes colaboradores. La selección de las propuestas valencianas se basará en la trayectoria, expansión y potencial de internacionalización de cada proyecto, mientras que las bandas europeas serán elegidas mediante una convocatoria abierta en sus países de origen.

Más allá del soporte lingüístico, el proyecto persigue múltiples objetivos estratégicos: exportar el talento valenciano, facilitar la movilidad de los artistas, promover la cooperación internacional, y generar oportunidades de negocio transnacionales.

El proyecto Trovam EUxChange se enmarca en la iniciativa LIVEMX de Europa Creativa, un plan de la Unión Europea con un presupuesto aproximado de 2.440 millones de euros para el periodo 2021-2027, cuyo propósito es consolidar el sector cultural del continente. Europa Creativa ofrece cofinanciación para apoyar a las industrias creativas a través de la producción transnacional, la innovación y la movilidad de artistas y profesionales.

El desarrollo y la implementación de Trovam EUxChange contarán con la colaboración de The Spanish Wave, el proyecto de internacionalización de artistas españoles impulsado por Live Nation España.

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Muchos de los artistas demuestran una clara evolución artística, abrazando nuevos sonidos sin perder su esencia. Kevin Kaarl con ULTRA SODADE expande su folk tradicional con dream pop y sintetizadores. Guitarricadelafuente en SPANISH LEATHER da un giro hacia la libertad artística, explorando el presente con ecos folclóricos. Christian Nodal continúa evolucionando su estilo «mariacheño», fusionando cuerdas de mariachi y acordeón norteño con electrónica, rap, pop y ritmos tropicales en PA’L CORA – EP. 02. De manera similar, Beéle rompe barreras entre géneros en BORONDO, transitando entre afrobeats, reggaetón, pop y ritmos caribeños. Ryan Castro rinde homenaje a Curazao en Sendé, incorporando dancehall, afrobeat y kizomba con su toque reggaetonero.

La profundidad emocional y el autodescubrimiento son temas recurrentes. Kevin Kaarl en Ultra Sodade explora las etapas de una ruptura amorosa con «precisión emocional desgarradora». Natalia Lafourcade revela una parte «desconocida de su esencia personal y artística» en Cancionera, invitando a reflexionar sobre la libertad de existir. Ela Taubert presenta PREGUNTAS A LAS 11:11 como un «viaje confesional y nocturno al corazón del autodescubrimiento», transformando dudas existenciales en versos. Joaquina en su debut Al romper la burbuja comparte su universo personal sobre el amor y el paso a la adultez, mientras que Pedro Capó describe La carretera como el disco «más honesto y cómodo» de su carrera, explorando el amor, la pérdida y la resiliencia. Sebastián Yatra con Milagro nos invita a «mirar la vida desde otro ángulo» y encontrar la belleza en lo cotidiano. DannyLux en LEYENDA construye un mundo donde el amor, la tristeza y la duda se convierten en canciones. Ela Minus presenta en DÍA un disco reflexivo y autoconfrontativo sobre sentirse perdida y la búsqueda de respuestas. 

Varios artistas integran sus orígenes culturales con sonidos contemporáneos. Vicente García con Puñito de Yocahú rinde «homenaje a las raíces precolombinas del Caribe, a la cultura ancestral taína», entrelazando ritmos insignia del Caribe con sonidos actuales. Este álbum, que toma su nombre del dios taíno del mar, la fertilidad y la yuca, busca la preservación musical y lingüística. Se señala que la canción ‘Voy en coche’ podría ser una continuación al camino iniciado por Juan Luis Guerra. Bad Bunny en DeBÍ TiRAR MáS FOToS muestra un «profundo orgullo por ser boricua», con referencias a la salsa, la plena y el reggaetón dosmilero.

Algunos proyectos destacan por su enfoque conceptual o su comentario social. CA7RIEL & Paco Amoroso abordan con ironía las tensiones del éxito repentino en PAPOTA, que se complementa con un cortometraje de «crítica mordaz pero divertida a la industria musical». Fito Páez presenta Novela (MARTÍN), un «audaz y colorido proyecto conceptual» gestado desde 1988, que mezcla realismo mágico, ópera rock y fantasía circense, exigiendo una escucha atenta y ofreciendo una experiencia profunda sobre la esperanza, el amor y la memoria. Eladio Carrión en DON KBRN fusiona el trap latino con la estética narrativa de la cultura nipona y elementos de la yakuza, con la misión de llevar el trap en español a niveles inimaginables.

La lista también resalta la importancia de las colaboraciones. El álbum de Kevin Kaarl incluye una «gran colaboración con NSQK». Christian Nodal cuenta con «colaboraciones muy interesantes» en Pa’l cora EP. 02, como Nunca Jamás, Jonaz y Snow Tha Product. Ela Taubert colabora con Max Martin en ‘¿Es en serio?’. Bomba Estéreo, Rawayana & ASTROPICAL unen fuerzas para crear ASTROPICAL, un «sonido que emerge del eclecticismo, del trópico y del talento» de ambas agrupaciones, un viaje astrológico que busca «despertar esa espiritualidad tan necesaria para conectar con la Tierra». Morat incluye colaboraciones con Jay Wheeler y Camilo en Ya es mañana. Miranda! en Nuevo Hotel Miranda! eleva su pop eléctrico con colaboraciones argentinas e internacionales, incluyendo a Fito Páez, TINI, Kenia Os, Leo Rizzi y Young Cister.

La selección de Rolling Stone en Español subraya que el año 2025 está siendo marcado por álbumes que no solo consolidan el talento de sus creadores, sino que también impulsan los límites sonoros y temáticos de la música hispanohablante, ofreciendo narrativas íntimas y audaces exploraciones culturales.

Puedes consultar la lista completa aquí.

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Esta cifra asombrosa va más allá de las ventas de entradas; incluye gastos indirectos en hoteles, restaurantes, transporte y merchandise. Sin embargo, por impresionantes que sean estos números, representan solo una fracción de lo que un ecosistema musical bien desarrollado puede lograr. Las ciudades y los países deben reconocer la importancia de las políticas centradas en la música, no solo para atraer turismo, sino también para desarrollar artistas locales y fomentar la vitalidad cultural.

La música como catalizador del crecimiento económico

El éxito de Taylor Swift, aunque excepcional, subraya el potencial más amplio de la música como motor del crecimiento económico. Las ciudades que invierten en sus escenas musicales pueden cosechar beneficios sustanciales, tanto en términos de impacto económico directo como en el enriquecimiento cultural menos tangible, pero igualmente importante, que la música proporciona. Las historias de éxito de lugares como Nashville, Tennessee, demuestran cómo las inversiones deliberadas en infraestructura musical y políticas de apoyo pueden transformar una ciudad en un próspero centro para artistas y un imán para turistas.

Nashville, conocida como «Music City«, es un ejemplo perfecto de cómo una ciudad puede aprovechar su patrimonio musical para crear una economía próspera. La industria musical de la ciudad no se desarrolló de la noche a la mañana; fue el resultado de décadas de inversión intencional y circunstancias afortunadas.

La ubicación central de Nashville en los Estados Unidos, su mercado inmobiliario accesible y sus barrios de baja densidad fueron factores que atrajeron a las compañías musicales. Además, las políticas proactivas de la ciudad, incluidas las exenciones fiscales para las editoriales y un grupo de trabajo dedicado al entretenimiento, han consolidado su estatus como capital de la música. La presencia de lugares emblemáticos como el Grand Ole Opry y la histórica Music Row ha hecho de Nashville un lugar de peregrinaje para músicos aspirantes y amantes de la música por igual.

Este éxito no fue accidental. Al crear un entorno donde la música pudiera florecer, Nashville proporcionó la base para que artistas como Taylor Swift surgieran y triunfaran. El enfoque de la ciudad demuestra que cuando los gobiernos locales priorizan la música, pueden fomentar un ecosistema creativo que beneficia a todos, desde los artistas hasta la comunidad en general.

El papel de la educación y el apoyo a nivel local

Para que las ciudades repliquen el éxito de Nashville, es crucial invertir en la música desde sus raíces. Esto comienza con la educación. La educación musical es el semillero de una industria musical próspera, que nutre a futuros músicos, productores y profesionales de la industria. Sin embargo, en muchos lugares, la educación musical se está reduciendo sistemáticamente. Por ejemplo, en el Reino Unido, se han recortado los cursos de educación superior relacionados con la música, y los recintos de música a nivel local, donde muchos artistas comienzan su carrera, están amenazados. Sin estos apoyos fundamentales, la fuente de talento necesaria para sostener una escena musical vibrante se agota.

Además, las políticas locales deben apuntar a proteger y promover los locales musicales. Estos espacios más pequeños, a menudo de propiedad independiente, son donde muchos artistas perfeccionan su arte por primera vez. Desafortunadamente, muchos de estos locales están luchando por sobrevivir debido a los costos crecientes y los desafíos regulatorios. Por ejemplo, las ordenanzas de ruido y las leyes de zonificación pueden dificultar el funcionamiento de los locales, particularmente en áreas urbanas donde la gentrificación está expulsando los espacios culturales que hacen que los vecindarios sean vibrantes. Los gobiernos locales deben reconocer el valor cultural y económico de estos locales y tomar medidas para garantizar su supervivencia.

Fomentar el turismo a través de la música

El turismo musical es una industria en auge, con fans dispuestos a viajar grandes distancias para ver a sus artistas favoritos en vivo. La demanda de experiencias musicales en vivo está en aumento, y los viajeros buscan cada vez más combinar conciertos y festivales con exploraciones más amplias de sus destinos. Esta tendencia representa una oportunidad significativa para que las ciudades aumenten sus ingresos turísticos al albergar grandes eventos musicales.

Una investigación reciente de Amadeus destaca la creciente tendencia del turismo musical en Europa, con un porcentaje sustancial de viajeros de España, Reino Unido, Alemania y Francia dispuestos a viajar internacionalmente para eventos musicales en vivo. Por ejemplo, los fans alemanes de la música son particularmente aventureros, con un 18% habiendo viajado al extranjero específicamente para asistir a un concierto o festival. Esto demuestra una clara oportunidad para que las ciudades se promocionen como destinos musicales, no solo para turistas nacionales, sino también para una audiencia internacional.

Sin embargo, atraer turistas musicales requiere más que simplemente albergar conciertos de renombre. Las ciudades necesitan ofrecer una experiencia integral que combine la música en vivo con actividades culturales y recreativas. Por ejemplo, los viajeros españoles, que son los más interesados en explorar sus destinos al asistir a conciertos, buscan más que solo un espectáculo; quieren sumergirse en la cultura local. Las ciudades que pueden ofrecer una rica gama de experiencias junto con sus eventos musicales probablemente verán los mayores retornos de sus inversiones en turismo musical.

Recomendaciones políticas para apoyar las economías musicales

Para capitalizar plenamente el potencial de la música como motor económico, las ciudades y los países deben adoptar un enfoque multifacético que apoye tanto a los artistas como al ecosistema musical en general. Aquí hay algunas recomendaciones políticas:

1. Invertir en Educación Musical: Los gobiernos deben asegurarse de que la educación musical esté adecuadamente financiada en todos los niveles, desde la educación primaria hasta la educación superior. Esto incluye no solo la instrucción musical tradicional, sino también la formación profesional en producción musical, gestión y negocios.

2. Apoyar los Locales Musicales a Nivel Local: Los gobiernos locales deben implementar políticas que protejan y promuevan los locales musicales. Esto podría incluir apoyo financiero, relajación de ordenanzas de ruido e iniciativas para preservar los espacios culturales en vecindarios en proceso de gentrificación.

3. Fomentar el Turismo Musical: Las ciudades deben promocionarse activamente como destinos musicales, destacando tanto los grandes eventos como las experiencias culturales únicas que ofrecen. Esto podría incluir asociaciones con agencias de viajes y campañas publicitarias dirigidas a mercados internacionales clave.

4. Proporcionar Incentivos Fiscales: Al igual que Nashville se benefició de exenciones fiscales para las editoriales, otras ciudades podrían implementar medidas similares para atraer negocios musicales y fomentar la producción local.

5. Crear Entornos Regulatorios Favorables a la Música: Los gobiernos deben revisar y ajustar las regulaciones que puedan estar sofocando inadvertidamente la industria musical, como las restricciones de ruido y las leyes de zonificación, para asegurarse de que sean propicias para la música en vivo y las actividades creativas.

El impacto económico extraordinario de Taylor Swift en las ciudades que visita es un claro recordatorio del poder de la música para impulsar el crecimiento económico. Sin embargo, su éxito también destaca la importancia de construir y sostener un ecosistema musical robusto. Al invertir en educación musical, apoyar los locales a nivel local y crear políticas favorables a la música, las ciudades y los países no solo pueden atraer turismo, sino también cultivar el talento local, asegurando que la próxima generación de superestrellas tenga la oportunidad de florecer. La música no es solo entretenimiento; es una fuerza económica y cultural vital que, cuando se nutre adecuadamente, puede transformar comunidades.

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A pesar de que todas las sociedades humanas han creado música, Darwin no podía entender cómo la música ofrecía una ventaja para la supervivencia humana. Especuló que la música podría haber evolucionado como una forma de cortejo, ayudando a nuestros «antepasados medio humanos» a despertar pasiones durante la competencia por parejas. Esta teoría, sin embargo, no fue aceptada universalmente entre sus contemporáneos. El psicólogo William James, por ejemplo, argumentó que la música es simplemente un subproducto de la manera en que funciona nuestro cerebro, una «mera peculiaridad incidental del sistema nervioso».

Este debate ha continuado hasta nuestros días. Algunos investigadores están desarrollando nuevas teorías evolutivas para explicar la música, mientras que otros sostienen que la música es una invención cultural, similar a la escritura, que no necesitó la selección natural para surgir. En años recientes, los científicos han comenzado a investigar estas ideas con herramientas modernas, analizando grandes cantidades de datos para buscar patrones y conexiones.

Un estudio reciente ofrece una nueva perspectiva sobre este enigma. Un equipo internacional de 75 investigadores, compuesto por musicólogos, psicólogos, lingüistas, biólogos evolutivos y músicos profesionales, grabó canciones tradicionales de sus propias culturas. Este estudio analizó canciones en 55 idiomas, incluyendo árabe, balinés, vasco, cheroqui, maorí, ucraniano y yoruba.

A pesar de la diversidad de culturas y lenguas, los investigadores encontraron que las canciones comparten ciertas características que no se encuentran en el habla. Estas características comunes sugieren que la música podría haber tenido un origen evolutivo común. Por ejemplo, las canciones tendían a tener un tono más alto y más estable y un tempo más lento que el habla. Daniela Sammler, una neurocientífica del Instituto Max Planck para la Estética Empírica en Frankfurt, comentó que estos hallazgos podrían indicar la existencia de elementos universales en la música humana que no pueden ser explicados simplemente por la cultura.

Sin embargo, la Dra. Sammler también advirtió sobre posibles sesgos en el estudio, señalando que los cantantes eran en su mayoría académicos y que las canciones seleccionadas podrían no ser representativas de las tradiciones musicales más amplias. A pesar de esta advertencia, otro estudio reciente, aún no publicado, llegó a conclusiones similares, analizando canciones de 18 idiomas diferentes y encontrando muchas de las mismas características distintivas.

La investigación sugiere que las canciones tienen características únicas porque desempeñan un papel especial en la comunicación humana, diferente del habla. Aniruddh Patel, un psicólogo de la Universidad de Tufts, señaló que nuestros cerebros parecen estar particularmente sintonizados con estas características. En 2022, se descubrieron neuronas humanas que respondían únicamente al canto y no al habla ni a la música instrumental, lo que sugiere una sensibilidad evolutiva al canto.

Todavía queda por determinar qué tipo de beneficio evolutivo podría haber surgido de esta sensibilidad. Yuto Ozaki, uno de los líderes del estudio, sugirió que la música podría haber sido crucial para la cohesión grupal, ayudando a unir a las personas a través del canto en coros y la compartición de ritmos y melodías, ya sea en contextos comunitarios o en preparación para la guerra. Sin embargo, la Dra. Sammler apuntó que la nueva investigación no descarta otros roles para la música, como el fortalecimiento del vínculo entre padres e hijos.

El estudio de la música desde una perspectiva evolutiva continúa planteando más preguntas que respuestas. Si bien algunos aspectos de la música pueden tener raíces profundas en nuestra historia evolutiva, otros pueden ser el resultado de desarrollos culturales más recientes. Lo que está claro es que la música, con su capacidad para conmover, unir y expresar lo inexpresable, sigue siendo una de las características más fascinantes y misteriosas de la humanidad.

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Es un socio de la función de DJ de inteligencia artificial de Spotify, por ejemplo, y anteriormente ha lanzado un par de AIs musicales como proyectos de investigación: MuseNet en 2019 y Jukebox en 2020.

Con eso en mente, la aparición del CEO Sam Altman ayer ante la subcomisión de privacidad, tecnología y derecho del Senado de los Estados Unidos debería ser de gran interés para la industria de la música, especialmente porque incluyó algunas preguntas específicas sobre música por parte de la senadora Marsha Blackburn.

Blackburn le dijo a Altman que los músicos «deberían poder decidir si se van a utilizar sus canciones e imágenes con derechos de autor para entrenar estos modelos» y sugirió que la capacidad de Jukebox para ofrecer ‘nuevas versiones’ de artistas como Garth Brooks era una señal de alerta que indicaba que el modelo había sido entrenado con su música.

«Esta es un área de gran interés para nosotros. En primer lugar, creemos que los creadores merecen control sobre cómo se usan sus creaciones y qué sucede después de que las hayan lanzado al mundo», dijo Altman.

«En segundo lugar, creo que necesitamos encontrar nuevas formas en las que esta nueva tecnología pueda beneficiar a los creadores para que puedan tener éxito y una vida vibrante. Y soy optimista de que esto se presentará».

«Estamos trabajando con artistas ahora, artistas visuales, músicos, para averiguar lo que la gente quiere. Desafortunadamente, hay muchas opiniones diferentes…».

Blackburn preguntó a Altman si estaría a favor de que una entidad como SoundExchange se involucre en la recolección de regalías para los músicos por el uso de su trabajo para entrenar AIs. «No estoy familiarizado con SoundExchange», fue su respuesta, lo que es poco probable que caiga bien dentro de los círculos musicales.

La senadora pidió a Altman que se comprometiera a no entrenar los modelos de OpenAI en las obras con derechos de autor de artistas y compositores, ni a usar sus voces e imágenes sin su consentimiento.

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Duolingo estaría buscando actualmente contratar a un «científico de aprendizaje para la música», y el correspondiente puesto de trabajo describe la planificación de la creación de la aplicación de música. «¡Duolingo se aventura en la enseñanza de la música!», deja claro el texto. «Nuestras fortalezas se basan en la creación de aplicaciones educativas fundamentadas en la ciencia del aprendizaje y que mantienen motivados a los estudiantes – ¡únete a nosotros para ayudar a construir una nueva aplicación de música de Duolingo que promueva el aprendizaje y sea divertida de usar!

«Estamos buscando un experto en educación musical que combine tanto el conocimiento teórico de la investigación relevante en ciencias del aprendizaje como la experiencia práctica de enseñanza», continúa la descripción del rol de Duolingo. «Te unirás a un pequeño equipo multifuncional y juntos sentarán las bases para el nuevo producto musical, innovando a través de experimentación y rápidas iteraciones del producto».

Aunque aún no se conocen los detalles exactos de la aplicación de música de Duolingo, la compañía de 11 años también reveló que el mencionado «científico de aprendizaje» debe tener un doctorado «en educación musical, teoría musical, psicología educativa, ciencias del aprendizaje, ciencias cognitivas o un campo relacionado».

La empresa dijo que tenía 60,7 millones de usuarios activos mensuales al 31 de diciembre, lo que refleja un aumento del 43% interanual. De manera similar, Duolingo informó ingresos del cuarto trimestre de $103,8 millones (un aumento del 42% interanual) e indicó que tenía 4,2 millones de suscriptores al final del año (un aumento del 67% interanual).

De manera más amplia, la noticia de la planificación de la aplicación de música de Duolingo llega en un momento en que un número creciente de startups impulsadas por la inteligencia artificial están permitiendo a los usuarios -incluyendo a aquellos que poseen poco o ningún conocimiento creativo o musical- «crear» pistas en cuestión de minutos.

Es en este contexto que más de 40 organizaciones creativas se han unido a la «Campaña de las Artes Humanas», que promueve una colección de principios para avanzar en la inteligencia artificial dentro del espacio creativo. Además, la Oficina de Derechos de Autor publicó a principios de este mes nuevas directrices sobre registros que involucran la inteligencia artificial.

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Stationhead, de seis años, que se anuncia a sí misma como «una plataforma de música social para que artistas y fanáticos de todo el mundo se conecten, escuchen en vivo y hagan streaming juntos», se centra en programas de radio en vivo alojados por usuarios, que cuentan con secciones de chat y admiten llamadas de oyentes.

Disponible «en todo el mundo», según su sitio web, Stationhead requiere que los usuarios reproduzcan la música de las estaciones a través de sus cuentas personales de Spotify y Apple Music, lo cual gracias a la tecnología patentada de la aplicación, no representa una infracción de copyrights.

Específicamente, Stationhead solicita a los fanáticos que conecten un perfil de Apple Music o Spotify (solo premium) al navegar a una de sus muchas estaciones. Una vez que se completa la integración de Spotify o Apple Music, los fanáticos pueden escuchar las pistas a través de Stationhead, que incluye una sala de chat para cada estación.

Buttonwood Group Advisors y Diplo, mencionado inicialmente, lideraron la ronda de financiación, que también obtuvo el apoyo de Red Light Management, TMWRK, Round Hill Publishing, Kevin Liles de 300, Craig Kallman y Julie Greenwald de Atlantic.

Stationhead tiene la intención de utilizar este nuevo impulso «para acelerar la escala de su plataforma global e invertir en ingeniería y experiencia del usuario». Además, los ejecutivos también aprovecharon la oportunidad para revelar que habían contratado al veterano de Splice, Andrew Cornett, como diseñador principal de productos.

Y en un comunicado, el cofundador y director ejecutivo Ryan Star, enfatizó el potencial percibido a largo plazo de su empresa, que tiene cinco millones de usuarios y 30 000 estaciones en 200 países, con “todos los usuarios con un promedio de más de 2 horas por día en la plataforma.»

“Stationhead es la próxima evolución de la música en línea. Al construir esto con gran empatía por los artistas y fanáticos, hemos crecido hasta convertirnos en la plataforma global preferida de la nueva generación para consumir música juntos».

«La finalización de esta ronda significa el papel creciente y fundamental de Stationhead en todo el ecosistema musical”, dijo Star.

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