La cifra supone el mayor desembolso anual realizado por un solo retailer en la historia de la música, elevando los pagos acumulados de Spotify a la industria hasta casi 70.000 millones de dólares desde su fundación.

Los datos publicados refuerzan el papel central de Spotify en la economía musical contemporánea. En 2025, la plataforma representó aproximadamente el 30% de los ingresos globales por música grabada, duplicando la cuota del 15% que ostentaba en 2017.

Mientras otras fuentes de ingresos de la industria crecieron alrededor de un 4% interanual, los pagos de Spotify aumentaron más de un 10%. Según Hellman, este desempeño se explica por el incremento sostenido de suscriptores —que ya superan los 750 millones de usuarios mensuales entre planes de pago y con publicidad— y por los ajustes de precios aplicados en mercados clave.

La compañía reiteró que destina cerca del 70% de sus ingresos a los titulares de derechos, una proporción que se mantiene estable pese a la expansión hacia otros verticales como podcasts y audiolibros.

El peso creciente del sector independiente

Uno de los datos más relevantes para el ecosistema independiente es que artistas y sellos indies generaron aproximadamente el 50% del total de regalías pagadas por Spotify en 2025. Hellman destacó además la consolidación de una “clase media” de artistas sostenible, subrayando que hoy existen más creadores que generan más de 100.000 dólares anuales en Spotify que artistas con distribución física en tiendas durante el pico de la era del CD.

Estrategia 2026: destacar en un océano de lanzamientos

De cara a 2026, Spotify reconoce que el principal desafío ya no es el acceso a la distribución, sino el descubrimiento efectivo en un entorno donde se publican más de 100.000 canciones diarias. Para abordar este escenario, Hellman delineó cuatro pilares estratégicos:

1. Storytelling y contexto creativo (SongDNA)

Spotify lanzará nuevas herramientas como SongDNA, que permitirá a los fans explorar los créditos completos de una canción —compositores, productores y colaboradores— y navegar entre catálogos conectados. El video jugará un papel clave para contextualizar los lanzamientos desde una perspectiva humana y creativa, priorizando la autenticidad frente a la sobreproducción.

2. Identidad artística y lucha contra el fraude

Ante el aumento de contenido de baja calidad generado por IA y los casos de suplantación de identidad, la plataforma introducirá nuevos sistemas de verificación de artistas y créditos. El objetivo es proteger a los creadores legítimos y garantizar que las regalías se asignen correctamente.

3. Evolución editorial y curaduría “humanizada”

Spotify avanzará hacia una curaduría editorial más transparente, mostrando a los editores explicando en video por qué apuestan por determinadas canciones. Además, se pondrán en marcha programas diseñados para ofrecer apoyo sostenido a artistas emergentes más allá del momento inicial de descubrimiento.

4. Integración entre streaming y música en vivo

Tras haber impulsado más de 1.000 millones de dólares en ventas de entradas hasta la fecha, Spotify desplegará nuevas funcionalidades para convertir la escucha en asistencia a conciertos, conectando a los fans más comprometidos con las giras y reforzando el ecosistema del directo.

“La competencia sin precedentes convive con una oportunidad sin precedentes”, concluyó Hellman. Para Spotify, el reto de los próximos años será ordenar el ruido, proteger el valor creativo y construir caminos sostenibles para que los artistas desarrollen carreras a largo plazo dentro de una economía musical cada vez más compleja y globalizada.

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La novedad más relevante para los profesionales de la industria es el compromiso de SoundCloud de eliminar su participación en los ingresos por distribución antes de finalizar noviembre de 2025. Con ello, los artistas suscritos al plan podrán retener el 100% de las regalías generadas en todas las plataformas externas.

Una suscripción unificada para distribución, monetización y crecimiento

Con esta nueva estructura, SoundCloud aspira a simplificar la gestión profesional del artista independiente, ofreciendo un modelo integral que abarca distribución global, monetización directa, engagement con fans y herramientas logísticas. La plataforma presenta esta suscripción como un punto de acceso completo para quienes buscan consolidar su presencia sin depender de múltiples servicios externos.

Hasta ahora, SoundCloud ya permitía que los creadores conservaran el 100% de las regalías por monetización directa dentro de la plataforma. Sin embargo, la actualización reciente extiende este beneficio también a las regalías derivadas de distribución en plataformas externas.

El cambio entrará en vigor en el siguiente ciclo de pagos una vez finalizado noviembre de 2025. El alcance de esta nueva política incluye todos los principales servicios de streaming y plataformas sociales, entre ellas: Spotify, Apple Music, YouTube Music, TikTok, y más de 50–60 plataformas adicionales. Este enfoque amplía significativamente las oportunidades de exposición y monetización para artistas de todos los niveles.

El CEO de SoundCloud, Eliah Seton, señaló que durante años los creadores se han visto obligados a depender de un “mosaico de herramientas” para gestionar su carrera: distribución, comunicación con fans, análisis de datos y monetización fragmentada. La suscripción ‘Todo en Uno’ pretende romper esa dinámica, permitiendo a los artistas concentrarse en su desarrollo profesional mientras SoundCloud se encarga de la infraestructura.

Fan Support: una nueva vía de ingresos directos sin comisiones

La actualización también incorpora Fan Support, una función diseñada para fortalecer la relación entre artistas y seguidores. Esta herramienta permite:

• Añadir un botón de “Soporte” en el perfil del artista.

• Recibir aportaciones económicas voluntarias de los fans, sin comisión alguna.

• Mostrar una lista destacada con los principales contribuidores en la página del creador.

SoundCloud confirma que el 100% de estas contribuciones irá directamente al artista, reforzando los ingresos directos sin intermediarios.

Herramientas integradas: vinilo, merchandising y escaparates

La suscripción unificada integra varias funciones clave para expandir los ingresos más allá del streaming:

• Vinilo Bajo Demanda: los artistas pueden producir vinilos sin pedidos mínimos ni costes iniciales, con envío a más de 90 países.

• Artist Storefronts: escaparates donde los creadores pueden vincular productos externos junto a su música.

• Artist Merch: merchandising integrado en el perfil, con el 100% de las ganancias para el creador.

Estas herramientas buscan reducir barreras logísticas y potenciar la profesionalización desde una única plataforma.

Los usuarios de Artist y Artist Pro recibirán acceso automático a estas nuevas funciones sin necesidad de realizar cambios en su suscripción.

SoundCloud afirma que esta actualización es “solo el comienzo” de su visión de futuro, centrada en una industria donde los creadores tengan mayor autonomía, ingresos más justos y una plataforma unificada para su desarrollo.

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En junio de 2019, Scooter Braun, a través de su empresa Ithaca Holdings, adquirió Big Machine Label Group —y con ello, los derechos de los masters de los primeros seis álbumes de Swift— por alrededor de 300 millones de dólares. Swift había dejado Big Machine el año anterior, firmando un acuerdo con Universal Music Group que le permitía poseer los masters de su futura música.

Al revelarse la nformación, la artista reaccionó públicamente acusando a Braun de manipulador y de haberle negado la oportunidad de comprar el catálogo ella misma. Un año después, en noviembre de 2020, Braun vendió el catálogo de Big Machine, incluyendo los álbumes de Swift, a Shamrock Holdings. Swift confesó sentirse nuevamente traicionada, señalando que era la segunda vez que su música se vendía sin su conocimiento y que, bajo los términos de la venta, Braun seguiría beneficiándose de su música antigua.

En respuesta, la estrella del pop anunció su plan de re-grabar esos seis álbumes; un proyecto conocido como «Taylor’s Version» que buscaba devaluar las grabaciones originales y transferir la propiedad de facto a sus nuevas versiones. Hasta la fecha, ha lanzado cuatro re-grabaciones —»Fearless (Taylor’s Version)», «Red (Taylor’s Version)», «Speak Now (Taylor’s Version)» y «1989 (Taylor’s Version)”— que incluyen canciones adicionales, y que son las que ahora se licencian para uso en publicidad, cine y televisión. 

En ese escenario, fue la misma Taylor quien quiso dar la notícia de la recompra a través de una carta manuscrita compartida en sus redes sociales el pasado viernes. En ella manifestó que se trata de su “mayor sueño hecho realidad”, y que todo lo que siempre quiso fue tener la oportunidad de trabajar lo suficiente para algún día comprar su música «sin ataduras, sin asociación y con total autonomía». Agradeció también a Shamrock Capital por ser los primeros en ofrecerle esta oportunidad. En sus propias palabras: «el trabajo de toda mi vida ahora me pertenece». 

Sus fans, conocidos como «Swifties», han estado esperando ansiosamente los lanzamientos de las re-grabaciones de sus dos álbumes restantes: «Reputation» y su álbum debut homónimo. Swift confirmó que la compra no afectará ni cambiará los planes de lanzar las ediciones finales de «Taylor’s Version», pero también indicó que no tiene prisa: ya ha re-grabado completamente su álbum debut, pero apenas ha comenzado a re-grabar «Reputation», ya que es el único de los primeros seis álbumes que pensó que «no podía mejorarse volviéndolo a hacer». 

Swift atribuyó la posibilidad de recomprar su música, en gran parte, al apoyo de sus fans y al éxito sin precedentes de su gira «Eras Tour”, que se convirtió en la de mayor recaudación de todos los tiempos. Aunque no se ha revelado públicamente el precio de compra exacto, algunas fuentes cercanas indican que la cifra se acercaría a los 300 millones de dólares que Shamrock pagó en 2020. 

Más allá de su propio triunfo personal, Taylor destacó el impacto de su lucha en la industria musical y señaló que la situación ha enseñado a millones de personas, especialmente a artistas y creativos, sobre el valor de poseer su trabajo.

Por su parte, Scooter Braun, emitió una breve declaración en US Weekly: «Estoy feliz por ella».

Con la recompra, Taylor Swift consolida aún más su control y autonomía sobre el trabajo de su vida, marcando una victoria significativa y sirviendo como precedente para otros artistas en la industria.

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Actualmente, los masters pertenecen a la firma de inversión Shamrock Capital, quien los compró a Scooter Braun. Braun, a través de su compañía Ithaca Holdings, adquirió Big Machine Label Group en 2019 en un acuerdo valorado en más de 300 millones de dólares, lo que le otorgó los derechos de las grabaciones originales de Swift. Esta venta inicial provocó un conflicto público entre Swift y Braun, a quien ella describió como un «acosador» y «la definición de privilegio masculino tóxico en nuestra industria». 

Durante los últimos años, la artista ha estado re-grabando los álbumes en cuestión bajo el concepto «Taylor’s Versions», una iniciativa que encendió una conversación en toda la industria sobre la propiedad de los artistas sobre su trabajo. 

Así pues, la disputa vuelve a situarse en el punto de mira del sector tras conocerse la información de que el propio Braun está impulsando un posible acuerdo para que Shamrock Capital venda las grabaciones a Swift. Sin embargo, algunas fuentes han sugerido a DailyMail.com que podría ser un intento de lavar su imagen pública tras el conflicto con la artista. 

La potencial compra tendría un precio considerable, estimado entre 600 millones y 1.000 millones de dólares. Clayton Durant, fundador de CAD Management, explicó a Page Six que, a pesar del alto costo, sería una inversión rentable para Swift. Cuando Taylor lanza una versión regrabada («Taylor’s Version»), el consumo de la versión original también aumenta, incrementando las ganancias de las que actualmente está excluida. Si poseyera tanto las grabaciones originales como sus «Taylor’s Versions», obtendría la mayor parte de las regalías de publicación de ambas, y tendría control total sobre su catálogo, pudiendo decidir sobre las licencias para uso en comerciales, películas, programas de televisión y eventos políticos.

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El conflicto se centra en los pagos atrasados de regalías por la música que Azalea lanzó bajo los sellos de Universal en la década de 2010. En una publicación en la red social X, la cantante afirmó que nunca ha recibido regalías por ventas fuera de Estados Unidos y que la cantidad adeudada asciende a «una cifra de ocho dígitos». Como respuesta, Universal ofreció un acuerdo de apenas 18.000 dólares, lo que Azalea y su equipo legal consideran inaceptable.

La rapera se muestra determinada a llevar su caso a los tribunales, asegurando que tiene los medios para costear abogados y auditores que la respalden. Sin embargo, destaca que muchos otros artistas no tienen esa posibilidad, lo que permite a las discográficas salirse con la suya. Esta situación pone de manifiesto una práctica que, según numerosos músicos, es recurrente en la industria: la falta de transparencia en la gestión de regalías.

Las disputas sobre regalías entre artistas y sellos discográficos no son una novedad. Es común que estos conflictos surjan cuando un artista deja de trabajar activamente con un sello pero sigue generando ingresos por su catálogo anterior. Dado que las compañías discográficas recuperan primero sus inversiones antes de pagar regalías, los pagos a los artistas pueden tardar años en concretarse, lo que da lugar a disputas como la de Azalea.

Además, las regalías internacionales suelen ser un punto de fricción. Existen múltiples acusaciones de que los grandes sellos explotan el hecho de que la mayoría de los artistas no pueden permitirse auditar sus contratos. Aunque los músicos suelen tener derecho a ello, los altos costos de auditoría impiden que muchos inicien el proceso, permitiendo que errores contables o políticas internas desfavorables pasen desapercibidos.

Otro problema es el uso de acuerdos de confidencialidad. Cuando las superestrellas realizan auditorías y descubren irregularidades, a menudo deben firmar acuerdos que les impiden divulgar la información, dejando a otros artistas en la oscuridad sobre algunas prácticas de la industria.

El caso de Iggy Azalea no es aislado. Recientemente, la banda The Cranberries demandó a Universal por aplicar deducciones internacionales de la era física a los ingresos por streaming. Según la demanda, la subsidiaria extranjera de Universal deduce un 40% de los ingresos digitales generados en sus mercados, pese a que ya no incurre en los costos de distribución y marketing que justificaban esa deducción en el pasado.

Asimismo, Fred Durst, líder de Limp Bizkit, también ha presentado una demanda contra Universal. Según sus alegaciones, la compañía diseñó un sistema de regalías deliberadamente opaco para quedarse con ingresos que pertenecían a los artistas. Universal ha respondido negando las acusaciones y argumentando que la evidencia presentada por Durst no es concluyente.

Las quejas de Iggy Azalea reflejan un problema estructural en la industria musical que ha afectado a artistas de distintas generaciones. Con el auge del streaming, los modelos de pago han cambiado, pero los conflictos sobre regalías siguen siendo frecuentes. Si Azalea lleva su caso a los tribunales y logra una victoria, podría sentar un precedente que beneficie a otros artistas en situaciones similares.

Por ahora, la rapera deja un mensaje claro para Universal Music: «Realmente necesitan mejorar en el trato a los artistas que les generan millones con una propiedad intelectual en la que no tuvieron ninguna participación en la creación». Habrá que esperar para ver si este conflicto se resuelve fuera de los tribunales o si se convierte en un caso más dentro de la larga historia de disputas legales en la industria musical.

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El origen del fenómeno

En 2016, un propietario de un sello independiente en Nueva York alertó sobre la creciente presencia de estos artistas en playlists de gran visibilidad. Al principio, parecía una teoría conspirativa. Sin embargo, la acumulación de estas pistas «genéricas» comenzó a crecer. Meses después, estrategas digitales y músicos expresaron su preocupación de que el problema no solo afectara a ciertos géneros independientes, sino que se extendiera a toda la industria.

La controversia explotó en julio de 2017, cuando un artículo de Vulture revivió informes previos de que Spotify incluía en sus listas de reproducción de géneros como jazz, chill y piano pacífico música producida por compañías de stock bajo nombres ficticios. Spotify negó estar creando esta música, pero no desmintió que la estuviera utilizando. Esto avivó el interés de la prensa, y medios como NPR y The Guardian comenzaron a investigar.

El periodista David Turner demostró que listas como “Ambient Chill” habían reemplazado a artistas consagrados como Brian Eno y Jon Hopkins con pistas de Epidemic Sound, una empresa de música de stock. A pesar de la creciente polémica, el tema fue perdiendo relevancia mediática con el tiempo, especialmente tras la incursión de Spotify en los podcasts en 2019 y el lanzamiento del Discovery Mode en 2020, que permitía a los artistas sacrificar parte de sus regalías a cambio de una mayor promoción algorítmica.

La investigación sueca de 2022

En 2022, el diario sueco Dagens Nyheter reavivó la polémica. Comparando datos de streaming con documentos de la sociedad sueca de gestión de derechos de autor STIM, descubrieron que solo veinte compositores estaban detrás de más de quinientos artistas falsos y que sus canciones acumulaban millones de reproducciones.

Uno de los casos más notorios fue el de Ekfat, un supuesto productor islandés con una biografía elaborada que describía su formación en el “conservatorio de Reikiavik” y su asociación con el “legendario colectivo Smekkleysa Lo-Fi Rockers”. En realidad, no existía. Sus canciones eran creadas por Firefly Entertainment y aparecían en listas de reproducción como “Lo-Fi House” y “Chill Instrumental Beats”.

Pese a la creciente evidencia, en Suecia nadie quería hablar sobre el tema. Empresas de producción musical, sellos discográficos y hasta empresarios del sector evitaban hacer declaraciones, lo que aumentaba la sensación de encubrimiento.

Perfect Fit Content

Tras un año de investigación, Pelly descubrió que Spotify tenía un programa interno llamado Perfect Fit Content (PFC). Este consistía en acuerdos con compañías de producción para incluir música de stock en playlists populares. Un equipo de empleados se encargaba de seleccionar estas canciones para aumentar la proporción de reproducciones de música más barata y, en consecuencia, reducir los pagos de regalías.

El impacto de este programa es significativo. Músicos legítimos ven reducida su presencia en playlists clave, lo que afecta sus ingresos y visibilidad. Además, aquellos que aceptan grabar para PFC deben renunciar a ciertos derechos de regalías, perdiendo así posibles beneficios futuros. Para los oyentes, la situación es igualmente preocupante: el streaming se aleja de la música auténtica y se normaliza la inclusión de contenido anónimo y de bajo costo, erosionando la relación entre artistas y audiencia.

El caso de los artistas fantasma plantea preguntas inquietantes sobre el futuro de la industria musical. ¿Estamos ante un modelo en el que las plataformas priorizan la reducción de costos por encima de la autenticidad artística? Si las listas de reproducción continúan reemplazando artistas reales con música de stock, la diversidad y calidad del contenido disponible podría verse comprometida.

Mientras Spotify y otras plataformas de streaming buscan maximizar sus beneficios, el desafío para los músicos es mayor que nunca. La lucha por la visibilidad en un ecosistema dominado por algoritmos y estrategias comerciales obliga a repensar cómo los artistas pueden asegurar su lugar en el panorama digital. Lo que está en juego no es solo la remuneración de los músicos, sino el futuro mismo de la música como arte y expresión cultural.

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Ajuste sobre el modelo de «paquetes» para regalías mecánicas

Una de las novedades más destacadas del acuerdo es la eliminación del modelo de «paquetes» que el año pasado permitió a Spotify reducir la tasa de regalías mecánicas pagadas en EEUU. La situación surgió cuando la plataforma añadió audiolibros a su servicio Premium, permitiéndole argumentar que su oferta era un «paquete» de contenidos y, por ende, acogerse a una tasa de regalías más baja, de acuerdo con las disposiciones establecidas por la Junta de Derechos de Autor de EEUU (CRB) bajo el marco «Phonorecords IV».

Sin embargo, con los nuevos acuerdos privados entre Spotify y las grandes compañías, este esquema ha sido modificado. Ahora, aunque sigue existiendo una diferenciación entre los usuarios de servicios exclusivamente musicales y los que acceden a contenidos agrupados, las tasas de regalías mecánicas han sido sustancialmente mejoradas en favor de los compositores y editoriales.

Acuerdos privados y beneficios para la industria

El acuerdo entre WMG y Spotify, similar al alcanzado con UMG, introduce un nuevo modelo de licencia directa con Warner Chappell Music en múltiples países, incluido EEUU. También se han firmado contratos de licencia global con las divisiones de música grabada de WMG, consolidando un marco de colaboración más estrecho entre ambas compañías.

Desde el punto de vista estratégico, el acuerdo promete ofrecer «nuevas experiencias para los fans, un catálogo más amplio de música y videos, y más opciones de suscripción y paquetes de contenido diferenciados», según el comunicado de prensa conjunto. Además, refuerza la alineación de ambas empresas con modelos de regalías «centrados en el artista», que buscan recompensar y proteger el impacto de los músicos en las plataformas digitales.

Robert Kyncl, CEO de WMG, expresó su entusiasmo por la renovación del acuerdo: «Este acuerdo importante ofrece nuevos beneficios para artistas, compositores y fans, al tiempo que desbloquea una mayor colaboración que expande el ecosistema musical. Es un gran paso adelante en nuestra visión de una mayor alineación entre los titulares de derechos y los servicios de streaming. Junto con Spotify, esperamos aumentar el valor de la música a medida que impulsamos crecimiento, impacto e innovación.»

A la fecha dos de las grandes compañías musicales han anunciado acuerdos privados con Spotify para el pago de regalías mecánicas, algo que la Asociación Nacional de Editoriales de Música de los Estados Unidos (NMPA) solicitó al Congreso en Mayo del año pasado. Esta petición de la NMPA se originó justamente como respuesta a su desacuerdo con los nuevos «paquetes» de Spotify en los que redujeron los pagos de regalías a las editoriales.

Es importante resaltar que tanto UMG como WMG son dueñas de sus propias editoriales (Universal Music Publishing Group y Warner Chappel Music), por lo que estos acuerdos privados por separado podrían sugerir que Spotify estaría dispuesta a rectificar su política de paquetes en contrapartida a entrar en acuerdos más amplios con las compañías titulares de derechos, algo que no estaría al alcance de editoriales independientes con menos poder de negociación.

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El presidente y CEO de la NMPA, David Israelite, señaló que la plataforma tiene miles de canciones sin licencia en sus pódcast y que no ha tomado medidas para solucionar el problema. «Hemos advertido sobre esto durante algún tiempo», declaró, dejando en claro que la organización no tiene intenciones de retroceder en su lucha contra Spotify.

Por su parte, Spotify ha rechazado las acusaciones, argumentando que la acción de la NMPA es una represalia tras la desestimación de la demanda del Mechanical Licensing Collective (MLC) contra la plataforma. «El hecho de que la NMPA haya esperado meses para denunciar estos episodios, a pesar de nuestras solicitudes de información, enfatiza que esto es un truco publicitario», respondió un portavoz de Spotify en un comunicado.

Un conflicto en escalada

El conflicto entre la NMPA y Spotify se remonta a marzo del año pasado, cuando la plataforma redujo los pagos a las editoriales musicales tras la incorporación de audiolibros a sus planes de suscripción premium. Al aplicar la tarifa de regalías con descuento aplicada a estos «paquetes», Spotify argumentó que ahora debía pagar tanto por libros como por música sin aumentar el costo para los suscriptores. La NMPA calificó esta medida como injusta y su líder, Israelite, prometió «declarar la guerra» a la compañía.

Desde entonces, la NMPA ha emprendido diversas acciones, incluyendo denuncias ante la Comisión Federal de Comercio (FTC) y fiscales estatales, así como el envío de avisos de cese y desistimiento por presuntas infracciones en contenido de pódcast y video dentro de la plataforma.

Mientras tanto, el MLC también intentó combatir la estrategia de Spotify mediante una demanda, argumentando que la aplicación del descuento era ilegal. Sin embargo, el 29 de enero, un juez federal desestimó la demanda, determinando que la decisión de Spotify estaba respaldada por regulaciones claras. Aunque el MLC podría apelar, la NMPA ha optado por continuar con su propia ofensiva legal y estratégica.

Las recientes solicitudes de eliminación de episodios de pódcast dejan en claro que la NMPA no está dispuesta a ceder. Entre las editoriales afectadas se encuentran nombres importantes como ABKCO, Anthem Entertainment, BMG, Concord Music Publishing, Kobalt, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing Group y Warner Chappell Music, entre otros.

Israelite ha subrayado la importancia de que los podcast operen de manera legal, ya que representan una creciente fuente de ingresos para compositores y editores. «Spotify sabe cómo solucionar este problema, pero no lo hace. No nos detendremos hasta que los compositores reciban lo que merecen», afirmó.

Este enfrentamiento pone en evidencia las tensiones persistentes entre las plataformas de streaming y los titulares de derechos musicales. Con la NMPA intensificando sus esfuerzos y Spotify manteniendo su posición, es probable que esta disputa continúe desarrollándose en los tribunales y en la opinión pública en los próximos meses.

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